Sin duda hacer retratos en la calle de gente que no conocemos (por supuesto no hablamos de “fotos robadas” sino de pedir permiso a una persona desconocida para retratarla) es algo que puede resultar violento para cualquier fotógrafo. No es el caso de Matt Higgs, fotógrafo y periodista especializado en fotografía, que se propuso realizar 30 retratos de desconocidos en dos horas y, de paso, sacar algunas conclusiones sobre cómo perder el miedo a hacerlo.

Para ello ha realizado este vídeo en el que nos muestra cómo se enfrentó al reto y va ofreciendo los consejos que él considera oportunos para que seamos capaces de afrontar un trabajo similar. En primer lugar, Matt sugiere que hay que olvidarse de tener miedo a lo que la gente piense de ti. Para ello, lo mejor es hacerse una pregunta a uno mismo: ¿Qué es lo peor que podría pasar? ¿Que te digan que no? Entonces, ¿por qué tener miedo?

Por supuesto, como él mismo reconoce, es más fácil decirlo que hacerlo por lo que propone otros consejos empazando por acercarse a la gente con una sonrisa y preguntando amablemente si les importa que les hagan una foto. Matt aconseja no inventarse ninguna historia sobre para qué quieres hacer la foto y, simplemente, decir la verdad. En su caso, le dijo a la gente sencillamente que tenía el desafío de fotografiar a 30 extraños en dos horas.

Fotografía de Matt Higgs capturada de este vídeo

Con la verdad por delante, el fotógrafo afirma que aunque la gente puede que no entienda por qué estás haciendo tal cosa, sí que pueden darse cuenta de que es algo importante para el fotógrafo. Así, teniendo en cuenta que la gente es, en general, agradable, normalmente casi siempre aceptan.

Según Matt, el noventa por ciento de las personas a las que pidió un retrato aceptaron sin problema, e incluso las que no lo hicieron fueron muy educadas y casi nadie se molestó por ello. Es cierto que hay mucha gente rara ahí fuera, pero “la gran mayoría de personas son exactamente iguales que nosotros, nuestros amigos y familia: Gente normal que vive su vida.”

Además, la fotografía es una buena manera de conocer gente. Según Matt, pasamos mucho tiempo en las ciudades sin que realmente sepamos casi nada del lugar ni de los miles de personas que pasan por allí todos los días. “El problema de muchas ciudades, sobre todo las más grandes, es que nadie habla entre sí y la fotografía es una gran ayuda para romper esa barrera, aprender algo sobre los sitios, descubrir historias interesantes y hacer nuevos amigos”.

El fotógrafo también destaca de su reto el placer de hacer buenas fotos con un equipo mínimo. Y es que como fotógrafos es habitual cargar con una cantidad de equipo por aquello del “por si acaso”, pero para hacer retratos de este tipo apenas se necesita una cámara y una óptica, “conocer los conceptos básicos y tener buen ojo.”

Fotografía de Matt Higgs capturada de este vídeo

Por último, Matt da un par de consejos más para afrontar este tipo de fotos. El primero hacerlo en algún lugar lejos de casa, donde es mucho más fácil perder el miedo al estar con personas que es probable que nunca vuelvas a ver. Por otro lado, propone asistir a un gran evento al aire libre con mucha gente, como puede ser un festival músical. Lugares donde la gente suele ir predispuesta a pasarlo bien y donde seguro que muchas personas estarán encantadas de quedar inmortalizadas por nuestra cámara.

Vía | WEX

En Xataka Foto | Fotografiar a desconocidos en la calle... primeros pasos

Fotografías capturadas del vídeo de WEX Photographic en YouTube

Con el esquemático y esquelético título de "Pimiento nº 30" es como conocemos una de las fotografías más populares de Edward Weston, en la que vemos un pimiento verde en blanco y negro cuya iluminación y contrastes suavizan aún más la textura de la ya de por si suave piel del vegetal.

Pero hay un dato curioso poco conocido, la técnica que empleó para hacer la foto. Weston buscaba que todo el pimiento tuviese detalle, pese a la suavidad de la piel. Para ello necesitaba una abertura de diafragma muy pequeña, y mandó construir un objetivo con una abertura de f/240.

Pimiento Nº 30, Edward Weston. Compartida bajo licencia CC por "cea +" en Flickr

El tiempo ya era lo de menos, solo había que dejar la cámara el tiempo suficiente para que la luz fuese quemando el negativo, y así estuvo entre cuatro y seis horas con el obturador abierto, esperando.

Este y otros secretos los reveló el nieto del fotógrafo, del que heredó profesión y apellido: Kim Weston, al periodista Marc Silber en este vídeo.

Foto de inicio | Extraída del vídeo Edward Weston: American Photographer

En Xataka Foto | ‘Man Ray’, ‘Edward Weston’ y ‘Paul Outerbridge’, nuevos libros de tres maestros de la luz y la forma.

Ya conocíamos hace tiempo la gestación de una producción documental dedicada al gran fotógrafo Robert Frank que se lanzó el pasado año. De título original ‘Don’t Blink’ (“no pestañees”) y dirigido por Laura Israel (amiga del artista) que ahora ya está disponible en España a través de la plataforma Filmin bajo el título ‘Robert Frank: la mirada de América’.

Pocas presentaciones podemos hacer de Robert Frank, un nombre capital en la historia de la fotografía que, ya nonagenario, aún mantiene su personalidad y carácter muy despiertos y que Laura Israel, una persona cercana al artista, ha sabido retratar en este ambicioso documental.

Un documental biográfico nada convencional

Se trata de un documental que huye del convencional estilo biográfico para dejarse llevar por la “improvisación”, por un estilo narrativo en continuo avance, sin detenerse, permitiendo que el protagonista ocupe el primer plano en todo momento. Es decir, el documental más que sumirse en una extensa documentación biográfica (con una vida y obra profunda, amplia y con mucho que comentar) del artista, simplemente se acerca a él, la cámara le acompaña y deja que Robert Frank aparezca sin filtros. Siendo él mismo.

Todo ello es solo una declaración principal de intenciones de Laura Israel (que cuenta con el nominado al Óscar Ed Lachman como director de fotografía). Que no quiere plegarse a un documental convencional teniendo la posibilidad de que el mismísimo Frank en vida sea quien casi “dirija” las conversaciones, con sus pensamientos, comentarios y apuntes sobre su obra. Quizás sea lo más destacable. Huir del convencionalismo y poder ver y disfrutar del artista en acción, en su destartalado apartamento neoyorkino o en su vieja casa rural en Mabou (Nueva Escocia), comentando sus fotos y, sobre todo, sus películas, que acaba destacando y dándoles más importancia por su capacidad de trascender de volver a revivir frente a las fotografías que las tilda de simplemente registros de la memoria.

Inmersión en su obra capital, con comentarios del propio Frank

Queda claro que el estilo anárquico, desordenado e impulsivo de Robert Frank no solo surgió en sus primeras obras o en su trabajo capital, el libro 'The Americans', sino que se mantiene intacto en su forma de ser y actuar. Deja claro que no le gusta que le entrevisten, ni que le graben. Muestra esa actitud rebelde casi intacta, marcada a fuego, de la generación beat a la que perteneció y a la que tanto aportó. Vemos y escuchamos fragmentos de sus grabaciones junto a Kerouac, Ginsgsberg entre otros, pero también otros personajes que aparecen fugazmente, amigos personales que mucho han tenido que ver en su producción artística, pero también en su vida personal. Algo que resulta indisoluble y que el propio Frank demuestra con su mirada reflexiva y autocrítica. Para él tienen la misma importancia sus revolucionarias fotos de EEUU como las más personales, de su familia, de su vida, sus reflexiones y que muestran sus inquietudes, sentimientos… una introspección de los más estimulante para entenderle.

El documental va pasando por los hitos más destacados de la vida y obra de Robert Frank, de sus inicios, de su esencial viaje por Estados Unidos donde gestó ‘The Americans’, de sus posteriores películas experimentales, de su relación con la generación beat,… aunque realmente no se detiene en ninguno en concreto. El film simplemente avanza, no subraya ni se detiene en ningún punto más que en otro. Igual que con los trágicos momentos dedicados a la pérdida de sus hijos.

En cierto modo deja la sensación que pasa de puntillas por todo, pero remarcamos que no parece que la intención de Laura Israel sea de la de realizar un documental exhaustivo ni convencional (de hecho se apoya en varios cortes off de una entrevista para televisión en los ochenta en la que muestra su disconformidad y rebeldía ante la cámara por ser entrevistado, como forma de remarcar que Laura Israel no quiere hacer lo mismo, prefiriendo dejar que Frank sea él mismo y poniéndose al lado y no enfrente). Al ritmo de música vemos muchas fotos del artista, sus negativos… siendo, quizás lo más estimulante, el ver a Robert Frank visionando sus filmes proyectados en la pared de su apartamento y haciendo apuntes y comentarios sobre los mismos.

Un retrato fresco y esencial

El documental resulta especialmente interesante (y podríamos decir que casi exclusivamente estimulante) para fotógrafos. Para quienes ya conocen la importancia de su obra y quieren ver, aún en vida, al mismísimo autor. El abundante material que vemos se muestra casi a ritmo de jazz. Aparecen imágenes fugazmente, fotos fundamentales, hojas de contacto, fragmentos de filmes… van dejando pinceladas de su estilo, de su influencia, pero siempre dejando que sea Frank quien vaya acentuando unos frente a otros por sus comentarios. Aunque, como se aprecia, su edad avanzada y su aspecto cansado demuestran cierto desinterés y no parece tomarse en serio. Algo chocante para cualquier admirador de su fotografía.

'Robert Frank: la mirada de América’: conclusión y valoración

En conclusión, se trata de un documental esencial sobre su figura, donde podemos disfrutar de un viejo Robert Frank que mantiene su espíritu, y que sobrevuela con sus comentarios por una gran trayectoria fotográfica y cinematográfica, siempre anclado en lo experimental, alejado de cualquier convencionalismo. Como resulta el propio estilo del documental de Laura Israel.

No podemos olvidarnos que este documental ha participado en varios festivales cinematográficos de gran prestigio, como el Festival de Cine de Nueva York (en la Sección Oficial) o en el Festival de Berlín (en la Sección Panorama).

El documental de 82 minutos está disponible en versión original con subtítulos en la plataforma Filmin y os recomendamos su visionado ahora que podemos disfrutar en España del mismo.

Si además de aficionado a la fotografía eres padre o madre seguro que los más pequeños de la casa se han convertido en uno de los temas principales de tus imágenes. Eso es justo lo que le pasó al francés Alain Laboile, que se autodenomina como “fotógrafo y padre de seis niños”, que tras aficionarse a este arte (cuando decidió plasmar en imágenes su trabajo como escultor), ha acabado retratatando a toda su creciente familia en una serie de fotos que no tienen desperdicio.

Empezó con la macrofotografía y poco a poco su creciente familia se convirtió en el protagonista de sus imágenes, ya fuera captando su vida cotidiana o jugando a realizar extrañas escenificaciones. A nosotros las fotos que más nos gustan son las primeras, reunidas en el proyecto ‘La Familia’ (en francés) que tiene varias entregas ordenadas según los años en que se han hecho las fotos.

Como podéis ver en las imágenes, la gran familia de Alain es algo atípica ya que viven en un entorno rural que los niños, como se puede apreciar, pueden exploran a sus anchas. Una vida mucho más pausada que la que vivimos la mayoría en las ciudades y que se refleja en unas fotografías que nos retrotraen a épocas pasadas y nos devuelven, aunque sólo sea por un momento, a nuestra infancia.

Como era de esperar el trabajo de Alain no ha pasado desapercibido y ha sido exhibido por todo el mundo y ha llegado a incluirse en el TOP 100 de la última edición de los LensCulture Street Photography Awards. Sin duda un gran trabajo que lo mismo te hace cambiar la forma en que te planteas retratar a tus hijos.

Alain Laboile | Página web | Facebook | Instagram

En Xataka Foto | ‘Are you really my friend?’, Tanja Hollander recorre el mundo para visitar (y retratar) a todos sus amigos de Facebook

Fotografías de Alain Laboile reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace unos meses que os presentamos a este fotógrafo inglés que nos mostraba cómo es Londres cuando llueve. Claro que no siempre hace tan mal tiempo en la City, tal y como podemos ver en las nuevas fotografías de Joshua Jackson que nos confiesa que cada vez se siente más entusiasmado con la fotografía callejera y que su estilo y enfoque ha cambiado bastante respecto a su anterior trabajo.

Para este fotógrafo que trabaja en proyectos comerciales y editoriales y dedica casi todo su tiempo libre a la street photograpy, “lo más interesante de este género la fotografía callejera es la imprevisibilidad […] Realmente cambia la forma en que ves el mundo y empiezas a ver y a prestar atención a cosas que antes no tenías en cuenta."

Por eso, aunque la lluvia no ha desaparecido de sus fotos, en los últimos meses se ha volcado en la fotografía de calle, según él “uno de los géneros más accesibles, pero también uno de los más difíciles de hacer bien. Después de todo, cualquier persona puede tomar fotos de una escena de la calle en su teléfono móvil, pero si la imagen no transmite un mensaje o una sensación al espectador, se olvidará muy rápidamente.”

“Hago la mayoría de mis fotos en un área relativamente pequeña del centro de Londres ―continúa― Realmente me gusta documentar los cambios diarios que se producen en esta parte concreta de la ciudad. Superficilamente parece que siempre están igual, pero cuando se rasca bajo la superficie se encuentra algo nuevo cada día.”

En su nuevo estilo destaca su búsqueda de elementos adicionales para mejorar las escenas, sobre todo a través de la utilización de marcos. “Me parece que añadir complejidad a las imágenes crea mayor interés para el espectador y aporta vida a la historia que se pretende contar.” Según Joshua, para lograr que una buena imagen pase a ser una “gran” foto se necesita que haya uno o varios elementos que realcen la escena y la eleven a algo inusual o único: luz, color, texturas, gestos…

Finalmente, Joshua Jackson nos cuenta lo que él considera las claves para trabajar en fotografía de calle: “Perder el miedo de tomar fotos en público y desarrollar un ojo para una buena escena. Al principio, es mejor utilizar cualquier cámara que uno tenga y olvidarse del lado técnico. Es más importante actualizarse uno mismo antes que su equipo.”

Joshua Jackson | Página web | Instagram

En Xataka Foto | Londres acogerá en 2018 la sucursal de Fotografiska, el museo sueco dedicado en exclusiva al arte fotográfico

Fotografías de Joshua Jackson reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hoy ha fallecido a los 96 años uno de los fotógrafos que documentó la marginalidad de barrios como el Raval, Joan Colom. Un documentalista llamado a renovar la fotografía que venía haciéndose en España tras la guerra civil.

El mundo de la fotografía llora la desaparición de una de sus figuras esenciales en España, un maestro que retrató como nadie lo hizo la idiosincrasia del entrañable barrio del Raval de la década de 1950, el fotógrafo de los deseredados, de los sin nombre, de los olvidados.

Hace cinco años ya escribíamos un artículo con motivo de la donación de más de 9.000 obras que hizo al Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Siete años le bastaron para contribuir con un trabajo que le ha hecho merecedor de galardones tan prestigiosos como el Premio Nacional de Fotografía (2002), la Medalla de Oro al Mérito Cultural del Ayuntamiento de Barcelona (2003), Premio Nacional de Artes Visuales (2004) y Creu de Sant Jordi (2006).

Descansa en paz maestro y GRACIAS.

Foto de inicio | Extraída del vídeo JOAN COLOM "gente de calle", es un retrato a Colom hecha por Ignasi Marroyo en 1960.

Si hace unas semanas os contábamos cómo se hizo 'Pepper nº 30', una de las imágenes icónicas de maestro Edward Weston, ahora os podemos mostrar el laboratorio en el que trabajaba uno de los grandes pioneros de la historia de la fotografía.

Se trata de un nuevo vídeo dedicado a Weston (gracias a la colaboración del nieto del fotógrafo Kim Weston con el periodista Marc Silber) que directamente nos mete en el laboratorio del maestro mezclando imágenes del presente y del pasado. Las más antiguas proceden de un antiguo documental y muestran al propio fotógrafo trabajando en su laboratorio, donde se ve cómo revelaba sus imágenes, y sobre el terreno, realizando las tomas con una cámara de gran formato.

Las del presente tienen formato de entrevista en donde el nieto de Weston muestra su laboratorio que se ha conservado tal y como lo dejó su abuelo y cuenta un poco más sobre cómo trabajaba, mostrando por ejemplo el proceso que realizaba para obtener las copias de sus fotografías por contacto. También cómo revelaba los negativos mediante un proceso que le llevaba una media hora, porque usaba un revelador muy lento que le permitía ir comprobando regularmente el progreso bajo una luz especial hasta que estuviera justo donde él quería.

El nieto de Weston también enseña la herramienta que utilizaba para retocar las imágenes (el “primer Photoshop” lo llama él) y el reloj de arena que usaba como cronómetro. Sin duda un vídeo muy interesante para todos los interesados en conocer un poco más sobre la historia de la fotografía y en particular de un maestro que se destacó por la búsqueda de la máxima nitidez y definición en sus fotografías.

Vía | DIYPhotography

En Xataka Foto | Edward Weston, fotografía en estado puro

Fotografías extraídas del vídeo 'Photography Secrets of Edward Weston's Darkroom'

Desgraciadamente, un nuevo caso polémico vuelve a traer a la actualidad el tema de la ética (o más bien la falta de ella) en el ámbito del fotoperiodismo y la fotografía documental. La historia la ha destapado BBC Brasil ya que su protagonista es Eduardo Martins, un supuesto fotógrafo brasileño que se hacía pasar por un fotoperiodista y trabajaba para la ONU en zonas de conflicto. La realidad es que nadie (o casi nadie) le conocía y que sus imágenes no eran suyas, sino robadas a otros fotógrafos.

Al parecer, el tal Eduardo tendría presuntamente 32 años y sería natural de Sao Paulo, Brasil. En su perfil de Instagram contaba con 127 mil seguidores y se presentaba como fotógrafo documental y humanitario centrado en los problemas del mundo. Su trabajo se desarrollaba en zonas de conflicto y campos de refugiados, en principio trabajando bajo el amparo de Naciones Unidas y vendiendo las fotografías que captaba en estos lugares a agencias y medios de comunicación de todo el mundo.

Como era de esperar, el tal Eduardo se presentaba a sí mismo de forma idealizada, tal y como se puede leer en una entrevista en Recount Magazine (una revista digital sobre temas de actualidad) publicada en octubre del pasado año. En ese artículo, el supuesto fotógrafo (y surfero en sus ratos libres) contaba como durante un tiroteo en Irak había dejado de hacer fotos para ayudar a un niño herido por una explosión… “Dejé de ser un fotógrafo y fui un ser humano”, contaba.

Captura del reportaje publicado en Foto de Recount Magazine con fotos falsas de Eduardo Martins.

Así, siempre según la BBC, habría llegado a publicar en medios como The Wall Street Journal o la revista Vice y sus imágenes formaban parte del catálogo de agencias de noticias como Getty Images. El problema, como decimos, es que por lo que parece todo era mentira, al menos sus fotografías que en realidad eran imágenes robadas a otros fotoperiodistas.

En concreto, muchas de ellas serían en realidad del estadounidense Daniel C. Britt modificadas para hacerlas pasar por suyas simplemente invirtiéndolas en horizontal (en este artículo de SBS se pueden ver las fotos comparadas). Claro que, como era de esperar, esta historia no se podía sostener durante mucho tiempo, y su “montaje” comenzó a caer por su propio peso cuando se puso en contacto con BBC Brasil para ofrecerles su trabajo de forma gratuita.

Aunque en principio publicaron algunas de sus imágenes (que afirman haber retirado), pronto empezaron a sospechar de un personaje que nunca quería ponerse al teléfono y sólo se comunicaba a través de archivos de audio de Whatsapp grabados previamente. En concreto una colaboradora de BBC Brasil en Oriente Medio decidió preguntar a periodistas brasileños desplazados a la zona y que no conocían de nada a Edurardo Martins. Eso mismo ocurrió con casi todas las personas a quienes preguntaron, incluyendo el Alto Comisionado de la ONU para los Refugiados, que tampoco tenía noticia del supuesto fotógrafo a pesar de que declaraba trabajar para ellos.

Imágenes extraídas de su perfil de Instagram publicadas por BBC Brasil

Cuando las sospechas eran ya más que evidentes y las agencias de noticias que habían comprado las fotos de Martins empezaron a retirarlas, el falso fotógrafo, siempre según BBC Brasil, eliminó su cuenta de Instagram y anunció, que se iba a Australia a desaparecer del mapa. Esta desaparición incluiría no conectarse a Internet (su web tampoco funciona), lo que no hace sino confirmar las sospechas de que todo era un montaje.

La duda ahora es saber si sólo era un novato que quería conseguir notoriedad como fuera (quizá para llegar a ser un fotoperiodista de verdad), o si todo era un completo engaño y en realidad era un pobre iluso que ni siquiera llegó a pisar las zonas de conflicto por las que supuestamente se movía. Lo que está claro es que trae de nuevo la polémica al ámbito del fotoperiodismo y nos habla de cómo en la era digital que vivimos a veces nada es lo que parece y las redes sociales e Internet pueden ser el ámbito en el que actuan y se camuflan sinvergüenzas como el tal Martins.

En Xataka Foto | Cómo localizar fácilmente tus fotos que estén siendo utilizadas sin permiso (I)

De Pau Buscató, uno de los fotógrafos callejeros más relevantes de la actualidad, ya os hemos hablado en varias ocasiones. De hecho es uno de los que os recomendamos en nuestra última recopilación de street photographers españoles (o residentes en nuestro país) de hace unos meses. Ahora hemos tenido la oportunidad de entrevistarle y conocer de primera mano cuál es su filosofía de trabajo y cómo entiende él este genero de la street photography.

Pau Buscató nació en Barcelona pero vive en Oslo, la capital de Noruega. Allí había pasado un año de Erasmus en el curso 97-98 en la AHO (Universidad de Arquitectura de Oslo) y allí dejó buenos amigos. En parte por ellos y en parte empujado por la crisis, finalmente decidió trasladarse a esta ciudad allá por 2009, y allí sigue (de momento) intentando vivir de la fotografía de calle.

Por cierto que a finales de mes, en concreto el 29 de Septiembre, inaugurará una muestra de su trabajo bajo el título ‘Hopscotch’ en la galería Space Place de Nizhny Tagil (una pequeña ciudad industrial sita en los Urales, Rusia). Allí se expondrán 18 de sus fotografías elegidas para reflexionar sobre el sentido lúdico de la fotografía de calle, algo que como podéis ver tiene mucho que ver con el estilo de este fotógrafo. Y esta exposición no será la única ya que, a lo largo de 2018 (en una fecha aún por determinar), habrá otra con el mismo título y concepto detrás en la galería Fotografiens Hus de Oslo.

Pero pasamos ya a hablar con Pau al que, por supuesto, agradecemos que nos haya concedido esta entrevista. Y, como suele ser habitual, comenzamos preguntándole por su trayectoria.

¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

Trabajaba en una gran empresa de arquitectura e ingeniería en Bergen (Noruega), pero tras dos o tres años allí empecé a sentir la necesidad de escapar de aquella rutina. El 99% de mi trabajo no era nada creativo, me aburría profundamente y el día a día en la oficina, cada mañana frente al mismo ordenador, se empezó a hacer insoportable para mí. Para escapar un poco de todo aquello, compré mi primera cámara "seria" a finales de 2010, si no recuerdo mal.

Mis primeros pasos fueron los típicos de un principiante: no sabía en qué dirección ir y caí en la trampa de pensar más en el equipo que en las fotos. Aún estaba fascinado por lo que la cámara u objetivo podían hacer (bokeh, nitidez, etc), en vez de centrarme en mis propias capacidades creativas.

¿Cuándo y cómo te especializaste en street photography? ¿Tuvo algo que ver tu traslado fuera de España?

Tras un año y medio de ir acumulando objetivos de todo tipo y probar un poco de todos los géneros, me fui dando cuenta de que donde me sentía más cómodo era con la fotografía de calle. Así que un buen día decidí centrarme, y para ello tomé la decisión de vender todo mi equipo (cámaras, objetivos, trípodes, etc) y pasar un tiempo aprendiendo con una cámara telemétrica analógica y un sólo objetivo fijo. Compré un montón de carretes en blanco y negro (Tri-X), el material para revelar en casa y pasé un año aprendiendo los aspectos más básicos de la fotografía.

Mis fotos en aquel momento (2012) eran meros ejercicios de composición, bastante simples en forma y contenido y con referencias demasiado directas a maestros como Kertesz o Bresson. Pero todo esto me sirvió para centrarme y tener al fin un rumbo fijo en la fotografía.

Al cabo de un tiempo, y tras descubrir y conocer mejor a algunos fotógrafos de calle contemporáneos, me pasé definitivamente a la fotografía en color (febrero de 2014), y empecé realmente con lo que ahora me ocupa. No creo que el vivir fuera de España tuviera nada que ver con mi elección por este género, aunque quizás sí que me acercó un poco más al tipo de fotografía de calle con más acento británico que llegaba, principalmente, del colectivo iN-PUBLiC.

¿Cómo definirías este género? ¿Dirías que el elemento más importante es la improvisación o estar preparado para captar el momento?

La fotografía de calle es prácticamente tan vieja como la fotografía misma, y encerrarla en una definición única e indiscutible siempre ha sido difícil y no falto de polémica. Eso pasa porque es un género con unos límites algo difusos y que se superpone en algunas áreas con otros géneros como el documental, por un lado y la fotografía más artística por el otro. Y entre medio de esos dos existen miles de posibles variaciones, todas ellas válidas dentro del mismo género de calle.

El único punto común e indispensable en todas esas variaciones debería ser el que las fotos no estén preparadas. Que sean momentos reales de la vida cotidiana que el fotógrafo encuentra y, mediante su visión, eleva a algo con más significado. Porque lo importante no es lo que estaba ahí, sino cómo lo vio el fotógrafo.

Para mí, tanto la improvisación como el estar siempre alerta y preparado son indispensables. Y algo muy importante a nivel personal es el aspecto lúdico de la fotografía de calle. Para mí es un juego, y la ciudad es como un gran tablero en el que dejarme guiar por la intuición y dar rienda suelta a mi imaginación. Lo tomo muy en serio, pero si me he pasado incontables horas cada día durante los últimos años es porque me divierto como un niño haciendo lo que hago. Y precisamente el ver lo cotidiano con los ojos de un niño, como si fuera la primera vez, es una de las mejores herramientas para mi trabajo.

Has conseguido varios premios en prestigiosos festivales de foto callejera ¿qué valor tiene este tipo de premios para tu trabajo?

Esos festivales son básicamente grandes escaparates y sirven sobre todo para ganar exposición y difusión. Lo más gratificante es el reconocimiento por parte de grandes y respetados fotógrafos que como parte del jurado eligen el trabajo de uno. Ganar premios está bien y significa un impulso, pero también los varios tropiezos que he tenido me han servido para crecer tanto o más que los premios.

En tus fotos suele haber muchas veces un toque de humor ¿Lo buscas o simplemente te lo encuentras?

No es algo premeditado, simplemente sale así. Mis fotos suelen ser el resultado de pequeñas ideas que surgen espontáneamente cuando deambulo por las calles. Cuando uno trabaja dejando de lado la lógica y siguiendo ciegamente su intuición, el resultado acaba siendo inevitablemente un reflejo de lo que somos, así que supongo que en el fondo debo tener algo de comediante.

¿Cuántas fotos hay que hacer para conseguir una realmente buena en tu género? ¿Cuántas haces tú?

Esto es muy difícil, y creo que si fuera fácil ya no tendría tanto interés para mí. Hay que hacer muchísimas fotos hasta conseguir una realmente buena, aunque en mi caso a menudo va por rachas. Hay días en los que estoy realmente inspirado y veo fotos por todas partes aunque esté en un descampado, mientras que otras veces no consigo "ver" nada ni en mitad de la Gran Manzana. Alex Webb dijo una vez que la fotografía de calle implica un 99,9% de fotos fallidas, y creo que con ese número (1/1000) aún se quedó corto.

¿Qué es lo más raro que te ha pasado haciendo fotos? ¿Y lo más emotivo?

Una vez fui atacado por un cuervo mientras hacía fotos en Oslo. Otra vez, en uno de mis viajes a Londres, llevaba varias horas haciendo fotos y ya por la tarde, en Oxford Circus, miré a un lado y tenía a Matt Stuart haciendo fotos a dos metros. No le dije nada y seguí mi camino, cogí el metro y me fui a otra zona de la ciudad. Al cabo de media hora miré otra vez a un lado y ahí, de nuevo, Matt Stuart con su Leica MP haciendo fotos.

Algo raro también es que hay una de mis fotos que encontré de forma virtual, en Google Street View. Estaba buscando una dirección en mi ordenador, avanzando por una de las calles virtuales, cuando de repente me llamaron la atención unos soportes aparca-bicis que había en la acera. Todos estaban en perfecta formación excepto los dos últimos, que parecían estar bailando un tango o quién sabe qué. Así que decidí ir al sitio al día siguiente, a comprobar si aún estaban en la misma posición y por suerte ahí seguían, enfrascados en su pequeño acto de rebeldía.

Lo más emotivo son sin duda las personas que conocí mientras hacía fotos en mi reciente viaje por la India. Como por ejemplo Rahul, un niño de once años, de Delhi, que se pasaba casi todo el día en la calle y que en muchas ocasiones quiso acompañarme en busca de fotos, a veces también con su mejor amiga, Isha de nueve años.

¿Te dedicas exclusivamente a la fotografía o la compaginas con otros trabajos? ¿Se puede vivir solo de la fotografía?

Es muy difícil vivir exclusivamente de este tipo de fotografía, pero yo lo estoy intentando. Decidí poner toda la carne en el asador y apostar fuerte por lo que me apasiona. Antes tenía un trabajo de oficina muy bien pagado pero que, literalmente, me deprimía. Ahora voy justito económicamente pero disfruto con lo que hago.

Aparte de vender reproducciones de mis fotos, recientemente me han pedido que dé algunas charlas sobre fotografía de calle, que aquí en Noruega no están mal pagadas. También me han ofrecido impartir talleres y voy a empezar con ello próximamente. El primero será en octubre en Barcelona y ha tenido muy buena acogida. Y por suerte, Fujifilm se fijó en mi trabajo y me prestó un par de cámaras y apoyo logístico para los talleres. Toda ayuda es siempre bienvenida.

¿Qué opinas de la situación actual, de la masificación de la fotografía y de las dificultades de los profesionales para sobrevivir con este trabajo?

La llegada de la era digital ha cambiado el mundo en general y a la fotografía en particular también. Muchas profesiones se han visto obligadas a actualizarse y ponerse al día con las nuevas tecnologías. Algunas incluso han desaparecido, pero no creo que ese vaya a ser el caso de la fotografía. Ayer mismo eché por curiosidad un vistazo a una página con ofertas de trabajo, y casi todas las que buscaban un fotógrafo pedían también que supiera hacer vídeo. No queda otro remedio que adaptarse a lo que viene y saber usarlo a nuestro favor.

Otro tema es el de la masificación. Hay cámaras relativamente buenas a precios muy asequibles o incluso móviles con grandes capacidades de foto, así que parece que ahora todo el mundo es “fotógrafo”. Pero lo que no hay que olvidar es que lo importante nunca fue la herramienta, sino el ojo y la mente que hay detrás de ella, y ahí los grandes profesionales no tendrán nada que temer, siempre y cuando sus clientes sigan priorizando la calidad.

¿Y de la influencia que tienen las redes sociales en el trabajo de los fotógrafos? ¿Crees que son perjudiciales o que pueden ser una buena ayuda para darse a conocer?

Como en el punto anterior, no me puedo poner totalmente en la situación de un fotógrafo profesional que realiza encargos o un fotoperiodista, porque lo que yo hago no tiene mucho que ver. Pero está claro que la inmediatez de las redes sociales ha supuesto un vuelco en la manera en que nos llegan las imágenes de muchas noticias de alrededor del mundo.

Eso, para el fotoperiodista de sucesos, debe haber cambiado totalmente la situación respecto a hace diez años. Twitter se inunda de imágenes mostrando cada suceso en tiempo real, así que quizás el trabajo del profesional se tiene que enfocar más y profundizar en lo que ocurre tras el suceso y sus consecuencias para las personas involucradas. Justo ahí donde Twitter no llega, porque siempre se queda en la superficie de los hechos.

Para la fotografía de calle las redes sociales pueden ser malas y buenas, dependiendo del uso que hagamos de ellas. Hay que saber filtrar, porque hay sitios que valen la pena dónde se puede aprender mucho e intercambiar críticas y opiniones con grandes fotógrafos. Personalmente me han servido como una herramienta complementaria de inspiración y aprendizaje.

Cambiando de tercio ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila normalmente?

Hasta hace aproximadamente un año usaba una Ricoh GR y una Sony A7S con un objetivo Voigtlander Color-Skopar (28 o 35mm). Después tuve la suerte de que Fujfilm me prestara alguna de sus cámaras, y he usado la X70 y un poco la X-Pro2, aunque pronto voy a cambiar esta última por una X-T2.

Para mí lo más importante es que la cámara se interponga lo menos posible entre la escena y el ojo, y que prácticamente desaparezca. Por eso siempre trabajo pre-enfocando a dos metros y con una apertura de entre ƒ8 y ƒ16 (dependiendo de la luz), para poder centrarme sólo en la foto y olvidarme de los aspectos técnicos.

Muchas veces salgo sin mochila, sólo con una cámara en la mano y alguna batería y tarjeta de memoria en los bolsillos. Cuanto más ligero mejor. Cuando la llevo, suelo meter algo para picar, un botellín de agua y el móvil, para evitar distracciones.

Imagino que eres de lo que llevas siempre tu cámara a todos lados…

Sí, soy uno de esos. Con cámaras tan pequeñas ya no hay excusa para no llevar una siempre encima.

¿Cuáles son tus referentes? ¿Hay algún fotógrafo al que admires especialmente?

Cuando empecé me fijaba sólo en clásicos como los citados Kertész o Cartier-Bresson, luego fueron apareciendo otros como Elliott Erwitt, Richard Kalvar, Fred Herzog o Ernst Haas, y más tarde otros como Nils Jorgensen, Jeff Mermelstein, David Gibson o Melanie Einzig. También me gusta Raghubir Singh, Cristobal Hara y la sutileza de fotógrafos como Chema Hernández o Rafa Badía.

Pero las influencias no deberían limitarse sólo a fotógrafos. De hecho me parecen más interesantes aquellas que vienen de otros ámbitos de las artes, como la literatura, la pintura, el cine o la música, ya que aparecen de forma más sutil en nuestro trabajo. Mis fotos no dejan de ser una proyección de mi mundo interior sobre el lienzo de lo cotidiano, y hay varias fuentes de las que ese mundo se puede nutrir. En mi caso siempre estaré en deuda con genios como Julio Cortázar, Poe, Pedro Salinas, Rilke, Joseph Conrad, Stanley Kubrick, Julio Médem, Paul Klee o Sibelius y su séptima sinfonía, entre otros.

¿Qué le dirías a un fotógrafo que empieza y no sabe si especializarse en un tipo de fotografía en concreto?

Supongo que para averiguar qué es lo que más nos gusta tenemos que probar un poco de todo. Al menos así fue para mí al principio. Acabé “especializado” en fotografía de calle porque es lo que mejor sintonizaba con mi forma de ser. Mi decisión no estuvo basada en salidas profesionales ni en presiones externas, simplemente seguí el curso que en cada momento parecía más natural, sin forzar.

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto?

Nada, simplemente agradecer a los que hayan llegado hasta aquí después de tan largas parrafadas y casi diez minutos de su tiempo, y también al equipo de Xataka Foto por esta oportunidad. No olvidéis llevar la cámara cuando salgáis y, sobre todo, divertíos. Suerte a todos.

Lo mismo le deseamos nosotros a Pau, a quien agradecemos que nos haya dedicado su tiempo y esperamos que pueda seguir viviendo de sus fotos y nosotros disfrutándolas.

Pau Buscató | Página web | Instagram | Flickr | Twitter

En Xataka Foto | Fotógrafos de calle (I): 13 grandes clásicos que deberías conocer

Fotografías de Pau Buscató reproducidas con permiso del autor para este artículo

Pocas veces el título de un proyecto dice tanto como el de ‘Hong Kong Puzzles’, un serie de imágenes a través de las cuales la fotógrafa polaca Justyna Zduńczyk intenta reflejar el enrevesado puzzle que constituye la arquitectura y el urbanismo desaforado de esta gran ciudad china.

Justyna trabaja habitualmente como fotógrafa de bodas en Wroclaw (Polonia), pero siempre que puede se escapa a recorrer mundo y captarlo con su cámara, de modo que también domina la fotografía de viajes. De hecho, tal y como se puede ver en su web, ha recorrido medio mundo (incluyendo nuestro país), aunque nos confiesa que Hong Kong es su ciudad asiática favorita, “la visito cada vez que tengo una oportunidad, y con cada visita descubro una nueva cara de la urbe”.

Para realizar este proyecto pasó varios días “vagando por sus calles para encontrar y capturar tonos y formas sorprendentes, especialmente sitios donde el hormigón se rompe por detalles coloridos. Toda la serie se basa en estos colores pastel y suaves”. Según Justyna la idea era “presentar los exteriores de estos edificios en oposición a sus interiores. El objetivo era destacar las características ligeras y delicadas. Quería encontrar nuevos ángulos y perspectivas a través de la lente de mi cámara.”

‘Hong Kong Puzzles’ navega entre la fotografía de arquitectura, la urbana y la documental, y sin duda es un buen retrato de una ciudad vibrante que se complementa a la perfección con su anterior proyecto, Hong Kong Street, donde los habitantes de esta populosa ciudad cobran mayor protagonismo.

Justyna Zduńczyk | Página web | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | Capturando la arquitectura de Chicago a través de las fotografías de Andrés Marín

Fotografías de Justyna Zduńczyk reproducidas con permiso del autor para este artículo

Cartier Bresson es el fotógrafo más importante del siglo XX. Muchos fotógrafos le idolatran, otros le critican por su excesiva perfección. Pero de lo que estoy seguro es que le conocen hasta los que no saben de este mundo. El documental que han estrenado esta semana en la televisión española se llama `El siglo de Cartier Bresson´ y es imprescindible para los que llevamos una cámara al hombro.

Henri Cartier Bresson es un fotógrafo humanista, un cazador de imágenes, un hombre que hizo historia con una Leica entre las manos. Algunas de las imágenes más famosas de París, de España, México, India, Rusia... son suyas. Sus libros y sus escritos son una referencia obligada para todos los alumnos y los que no nos cansamos de aprender día tras día.

Por eso es una noticia estupenda descubrir nuevos documentales que profundicen en la figura de Henri Cartier Bresson. En una de las pocas cadenas donde la cultura sigue siendo importante, la 2 de RTVE (Radio Televisión Española), han programado El siglo de Cartier Bresson, un documental de 2012 con la siguiente sinopsis:

Cartier-Bresson fue uno de los padres del fotoreportaje, a lo largo de su carrera tuvo la oportunidad de fotografiar ilustres personajes, además de asistir a grandes acontecimientos que han marcado el s. XX. Además de viajar por la historia, esta producción hace un repaso por su obra.

El problema es que solo lo podemos ver hasta el 14 de septiembre de 2107 en su página web, por lo que nos toca reservar una tarde, una noche o incluso una mañana de este fin de semana para poder disfrutar de la hora escasa de documental en el que él mismo nos cuenta su personal forma de ver la fotografía y por extensión la vida. Porque si algo podemos aprender de Cartier Bresson es que los fotógrafos tenemos que pensar de una forma distinta para lograr una buena imagen.

Henri Cartier Bresson

A lo largo de los minutos el propio autor va contando historias, sentimientos, autores tan importantes en su vida como su maestro André Lhote y libros fundamentales como Zen en el arte del tiro con arco de Herrigel, que habrá que correr a las librerías para comprarlo. Eugen Herrigel introdujo el zen en la cultura occidental. Es una escuela del budismo, por lo que será interesante descubrir lo que nos plantea para la vida y cómo volcarlo en la fotografía.

Aprender de Cartier Bresson

Este documental tiene música clásica de fondo, entre la que se reconoce al indispensable Bach, que seguro acompañó muchas de sus horas. Leyó sin cesar a los grandes escritores que le rodearon y a todos los que recordamos con estatuas. Su cultura era impresionante y su forma de pensar una fuente inagotable de inspiración:

La fotografía en sí no me preocupa. Me preocupa el gozo de estar presente, el plasmar. Eso, eso no, eso otro, eso si... Puede que, a veces, aprietes el botón y otras no, pero no dejas de estar ahí. Somos ladrones, pero luego lo damos todo. Sí, sí, no, sí, no, sí. ¡ahí!

Tenemos más fuentes de conocimiento de su figura si no llegamos a tiempo para verlo (aunque está en otras plataformas de televisión). La más importante es la colección de documentales que sacó la productora Avalon: Henri Cartier Bresson con el apoyo de Fondation HCB, donde podemos ver varios documentales más y muchas de sus propias producciones. Y encima viene con un libreto bastante completo.

Gran libro

No puedo olvidar el catálogo de la retrospectiva que hicieron en la Fundación Mapfre. Aquella exposición sirvió para ver su obra de otra forma (por primera cronológica) y dejó para el recuerdo el extenso catálogo firmado por su comisario Clement Cheroux. Y si no tenemos dinero, o no encontramos ninguna de las dos referencias siempre podemos quedarnos con esa pequeña joya del mismo autor llamado Henri Cartier Bresson. El disparo fotográfico de la editorial Blume.

Pero para esta tarde, o para el fin de semana que llega, siempre podemos conectarnos a internet y ver este documental que os recomiendo.

En Xataka Foto| La exposición más completa sobre Henri Cartier-Bresson ya puede verse en España

Martin Parr no es sólo un fotógrafo legendario, famoso por su mirada irónica y afilada, sino también un ferreo defensor del fotolibro como medio para exponer el trabajo de un fotógrafo. Por eso no sólo se ha prodigado en este género con numerosos volúmenes que recogen sus fotos, sino que se ha dedicado a coleccionarlos a lo largo de 25 años reuniendo una colección que se calcula en unos 12.000 fotolibros.

Un cantidad que ahora, en virtud al acuerdo al que ha llegado con la galería británica Tate, con el apoyo de la francesa LUMA Foundation (responsable del Festival de Arlés), cambia de manos. Lo cual significa que estos archivos saldrán a la luz para el público en general. Y lo harán de varias maneras: Algunos libros seleccionados serán incluidos en exhibiciones y exposiciones dentro las galerías de Tate (Tate Britain y Tate Modern son las más famosas), mientras que toda la colección será catalogada y puesta a disposición del público a través de la sala de lectura de Tate Britain.

Martin Parr con una parte de su colección de fotolibros.

Según Parr, siempre quiso que su “colección de fotos fuera a parar a una institución pública del Reino Unido, y con el reciente compromiso con la fotografía que ha adquirido Tate esta fue una decisión muy fácil de tomar”. Además, el fotógrafo, hasta hace nada director de la Agencia Magnum, trabajará en colaboración con la Fundación LUMA para mostrar algunos de los libros en LUMA Arlés, el nuevo centro cultural que actualmente se está construyendo en la ciudad que acoge el conocido festival.

Su biblioteca incluye, como imaginaréis, tal cantidad de obras que abarca todo tipo de enfoques diferentes de la fotografía, con fotolibros de todo el mundo y trabajos tanto de aficionados que se han autopublicado como libros de producción en serie y publicaciones icónicas de artistas como Nobuyoshi Araki y Robert Frank.

Sin duda una extraordinaria colección, con seguridad una de las mayores del mundo que, según Frances Morris, directora de Tate Modern, ahora quedará preservada como un “recurso inestimable para las generaciones venideras y será utilizada para contar nuevas historias sobre la fotografía, la historia del arte y el papel de la fotografía en el registro de la cultura y la política de su tiempo.”

Más información | Tate | Martin Parr

En Xataka Foto | 11 fotógrafos de la agencia Magnum a seguir en Instagram

Foto de portada | Martin Parr en el vídeo Martin Parr - Instant Parr

Susan Stripling es una fotógrafa de bodas afincada en Nueva York y que ha recibido numerosos galardones por su trabajo y lleva ejerciendo su labor desde el año 2002. Es por tanto una profesional veterana que conoce el negocio y su funcionamiento, y por ello sabe bien que, a pesar de todo, es una industria que sigue estando dominada por hombres y, por tanto, es machista, tal y como denuncia en una carta abierta.

Se trata de una publicación en su perfil de Facebook en la que cuenta muchas cosas de las que ha tenido que vivir desde que empezó como fotógrafa, con sólo 24 años. Por ejemplo como ha sido acosada sexualmente en innumerables ocasiones, tanto por hombres que asistían a las bodas que ella cubría, como por algún compañero de profesión.

También relata cómo nunca se le acercaban los comerciales de productos de fotografía en las ferias del ramo (cuando sí lo hacían con los hombres que pasaban), o cómo en una charla sobre fotografía lo primero que le preguntaron era cómo compatibilizaba su trabajo con las tareas del hogar. En esta misma línea se queja de cómo constantemente le preguntaban que si tenía hijos y que dónde los había dejado (cosa que desde luego no preguntaban a su marido), y que si llevaba a un segundo fotógrafo masculino siempre se pensaban que ella era su ayudante.

Una serie de cosas que, como podéis imaginar, le han molestado mucho y le han llegado a hartar. Así, la carta (que adjuntamos arriba y, por supuesto recomendamos leer) termina pidiendo a las mujeres que sean fuertes y luchen por la igualdad de derechos. Una igualdad que ella misma tiene claro que no consiste en ir en contra de los hombres (como también tiene claro que no todos son machistas), pero que sí queda patente que se debe luchar y reivindicar que una mujer fotógrafa es tan válida, o más, que cualquier hombre.

Susan también cuenta cómo ha llegado a ir a una gran tienda de fotografía de la Gran Manzana con sus padres (para ayudarles en una compra) y cómo el vendedor la ignoraba y se dirigía a su padre, a pesar de decirle que ella era fotógrafa. Por si todo esto fuera poco, relata como en innumerables ocasiones, al llegar al lugar de una sesión de fotos, se dirigían a ella en tono displicente para explicarle lo que tenía que hacer, como si ella no tuviera mucha idea simplemente por ser mujer.

Una publicación compartida de Susan Stripling Photography (@susanstriplingphotography) el 10 de Sep de 2017 a la(s) 9:49 PDT

Todo esto viene tras otra polémica, destapada por FStoppers, que ha despertado bastantes críticas en los últimos días. Y es que en esta web se preguntaban si la Nikon D850 está hecha sólo para hombres a raiz de la selección de 32 fotógrafos, todos ellos masculinos, para probar y promocionar su nueva cámara. Sin duda algo que llama la atención y que es una muestra más de que, efectivamente, la industria de la fotografía tampoco escapa del machismo dominante, en líneas generales, de nuestra sociedad contemporánea.

Susan Stripling | Página web | Facebook | Instagram

Vía | FStoppers

En Xataka Foto | Siete claves para ser capaz de montar tu propio negocio de fotografía de bodas

Foto de portada | Sweet Ice Cream Photography

La fotografía debe ir más allá de lo obvio, superar los decálogos, los formalismos y las costumbres. Se trata de un lenguaje con el que expresar lo que sucede, incluso cuando eso puede "atacar" la esencia misma de la fotografía. Victoria Adame quiere hacernos ver lo que ella ve, literalmente, pasándose por alto muchas de las "normas básicas" de fotografía, así será su proyecto Miopía.

Recuerdo mi época de estudiante en la que teníamos que aprender cómo enfocar, de varias maneras posibles, una fotografía con Photoshop, nos argumentaban las razones por las que era obligado enfocar, pero no recuerdo que se nos hablara de esas excepciones que confirmaban la regla, esas como el trabajo de Adame, en la que el fondo es, si cabe, más importante que la forma.

Victoria Adame. Miopía.

Adame es una fotógrafa cordobesa que acaba de presentarse al mundo como miope, y para hacerlo nada mejor que sacar provecho a la situación, hacer cómplice al espectador que no lo es invitándole a ver el mundo como lo ve ella cuando no usa gafas ni lentes de contacto, sus imágenes, evidentemente desenfocadas, nos permiten adivinar qué es lo que había delante de la cámara. Puestas una detrás de otra las imágenes forman un adictivo e hipnótico recorrido que estimula la curiosidad y nos lleva a querer saber si lo que creemos que vemos es realmente lo que había delante.

Victoria Adame. Miopía

Más allá del evidente juego visual, Miopía nos invita a reflexionar sobre el aplastante peso que la visión tiene en nuestra forma de entender el mundo y rompe una lanza a favor de los otros sentidos que también juegan un papel imprescindible en la manera en la que percibimos nuestro entorno. Más allá de lo que vemos hay una serie de estímulos que conforman el total de lo que nos rodea, la visión a veces no es más efectiva que el olor: antes de ver la tienda en la que hacen gofres el olfato ya los habrá delatado.

Victoria Adame. Miopía

La textura de ciertos materiales se entienden mejor si, como el terciopelo, los acariciamos. Y aunque dicen que comemos por los ojos, yo prefiero degustar un trozo de chocolate que contemplarlo. El mismo ejemplo encontraríamos con los sonidos.

Victoria Adame. Miopía

Victoria Adame. Miopía

Nadie podrá ver en este trabajo de Victoria Adame un desarrollo de la técnica fotográfica academicista, lo que encontrará, sin duda, un ejemplo muy valiente de cómo abordar un trabajo fotográfico original y complicado, yo estoy deseando ver este trabajo, que aún está en proceso, colgado en alguna galería y perderme en el mundo de la miopía provisional y sobrevenida.

Victoria Adame | Página oficial | Trabajo miopía

Todas las imágenes han sido publicadas por cortesía de la autora.

El fotógrafo jerezano Daniel Casares Román, del que ya hablamos a raíz de su trabajo 'Color Humano', está inmerso en un nuevo proyecto personal: 'Papel de plata'. Es conocido por sus fotografías de viajes, por documentar al ser humano en distintos rincones del planeta. Ahora ha dado un giro (como veremos no es tan marcado como parece a primera vista) y se ha centrado en una historia más cercana. No tiene que viajar lejos. Se trata de documentar y contar el día a día de personas adictas a la heroína en su tierra.

A raíz de este nuevo proyecto le hemos realizado algunas preguntas para conocer más sobre este proyecto documental y cómo lo está afrontando.

Este trabajo 'Papel de Plata' supone un giro importante tras 'Color Humano', no solo por el contenido (de viajes a documentalismo intimista), sino también en la forma (de radiante color a clásico blanco y negro). ¿Necesitabas cambiar de registro? ¿por qué este cambio?

Bueno, tal vez tendría que explicar primero qué es 'Color Humano' para que se entienda la razón de ser de 'Papel de Plata'. Verás, 'Color Humano' no es algo que ya hice anteriormente y que está concluido, sino que es un proyecto fotográfico aún abierto y por supuesto en curso. Pretende ser un modesto homenaje al Homo Sapiens en toda su amplitud. En él quiero mostrar diferentes formas de vida, costumbres, modos y maneras de estar en el mundo. Éste se compone de distintas historias y reportajes de índole documental que estoy realizando alrededor del mundo pero que en su totalidad forma un solo bloque de trabajo. Es como el recipiente o continente donde caben todos los reportajes que estoy haciendo a lo largo de mi trayectoria, aprovechando que todos tienen un denominador común: las personas y todo cuanto les rodea.

'Papel de Plata' es sólo un eslabón más dentro de toda esa cadena. Por eso, sinceramente, creo que no es que haya cambiado de registro, sigo haciendo fotografía documental de marcado carácter antropológico. Aunque eso sí, esta vez en blanco y negro.

Cuentas que el origen que te lleva a realizar este proyecto es un Informe Mundial sobre Drogas que publicó la ONU, alertando sobre el repunte histórico del consumo de la heroína a nivel mundial. Además de alarmante, supongo que es porque también te habías encontrado esta situación cerca ¿es así? cuéntanos un poco más de lo que te llevó a centrarte en esta temática.

Es una situación que como bien dices, se da más cerca de lo que nos podemos imaginar. Cuando me tropecé con ese informe pensé que era una buena ocasión para abordar por fin un tema que estaba latente en mi mente desde hacía muchos años. Ese informe y su publicación es lo que en periodismo llamamos “la percha”, y lo tomé como motivación.

También, por otro lado, después de viajar por tantos países sentía la necesidad y la obligación de hacer algo cerca de casa, aquí al lado, algún trabajo cercano que de camino, por qué no decirlo, ayudara a que vaya desapareciendo esa etiqueta de "fotógrafo de viajes" con la que mucha gente erróneamente me conoce ¿Qué es eso de fotógrafo de viajes? ¿Acaso no soy fotógrafo cuando no viajo? Claro que sí. Yo soy fotoperiodista de corte documental, aquí, en La Habana o en Singapur. Evidentemente huelga decir que no sólo soy fotógrafo cuando viajo y por consiguiente no necesito viajar a otras latitudes para tropezarme temas interesantes y encuadres. Lo único que ocurre es que hay historias que suceden a 7.543 kilómetros de ti y tienes que coger tres aviones para contarlas, y otras que acontecen en tu mismo barrio. Quizás llama mucho la atención que haya trabajado en el Amazonas o en el desierto del Gobi pero nunca me he sentido identificado con la etiqueta de fotógrafo de viajes, ni un segundo en mi vida.

Otro acicate importante que me está llevando a la realización de este reportaje sobre la droga es la idea de tocar aspectos sobre el ser humano más allá de las facetas amables. Quiero decir, si estoy comprometido con mi proyecto he de asumir también el hecho de cubrir temas de esta naturaleza, ya que el ser humano también se droga, se prostituye, etc... y todas estas cuestiones tienen cabida en 'Color Humano'. Así que, sin pensarlo mucho más, me remangué, cogí la Leica y un par de ópticas y me adentré en uno de los barrios más afectados y desfavorecidos que hay en mi ciudad. Tenía que hacerlo sí o sí.

Es un proyecto que requiere documentación, pero sobre todo acercarse a gente involucrada en la heroína, ¿te ha resultado fácil? ¿cómo lo has planificado? ¿lo realizas en un entorno próximo o viajas en busca de protagonistas concretos?

Es un tema delicado, donde vas penetrando poco a poco, siempre con la cámara colgada al cuello, de manera visible, y dejando claro a cada paso qué quieres hacer, cuáles son tus pretensiones y hablando cara a cara con los posibles futuros protagonistas de la historia. Me ha costado meses tener alguna imagen decente, fruto de largas conversaciones donde tiras de empatía, honestidad, y algo de psicología. También hace falta un poco de suerte y que las cosas vayan a tu favor pero desde luego las prisas en este tipo de trabajos quedan descartadas.

Hay que ir muchas veces a la semana a los mismos sitios sobre todo para crear un vínculo con la suficiente confianza como para que las personas que quieres fotografiar pasen de ti, te ignoren y se abran a la cámara sin tapujos.

En mi caso, el primer protagonista con el que he terminado esta primera serie fue Álvaro, un toxicómano de 43 años con el que conviví por varios meses, incluso dormí en su casa muchas noches. No me hizo falta ir muy lejos pues ya digo que estas historias están lamentablemente en todas las ciudades, pero desde luego no descartaría viajar si hiciera falta para completar la serie.

La primera serie está centrada en un toxicómano, el primero que te permitió acompañarle. ¿Cómo fue la experiencia junto a él? ¿cuánto tiempo y cómo te organizabas para estar junto a él?

Ha sido una experiencia enriquecedora al cien por cien, he aprendido muchísimo y es que Álvaro, al margen de su adicción, es una excelente persona con un intelecto fuera de lo común y una conversación de lo más interesante. Le comenté mi intención de fotografiarle como si fuese un problema enorme que tengo en el que él me podría ayudar. De hecho era así, tenía el típico problema propio de cualquier fotógrafo que quiera crecer: hacer un trabajo mucho mejor que todo lo que has hecho con anterioridad. A partir de su aceptación, ya no era mi trabajo sobre la heroína, sino nuestro trabajo sobre la heroína. Y es que sin él y las personas que había alrededor, esto no habría sido posible.

La única condición que me exigió Álvaro y que me lo dejó claro desde el principio fue que él no sería hipócrita. Cuando le pregunté a qué se refería me dijo que no le pidiese que fingiera ninguna actuación, que él no tenía ningún problema en que yo le acompañase como si fuese su propia sombra pero que no estaba para tonterías de poses ni dispuesto a seguir órdenes ni instrucciones de un extraño. En ese momento vi el cielo abierto ¿hay algo mejor para un fotógrafo que esto ocurra? Ha sido un regalo conocerle, tengo mucho que agradecerle y desde luego considero que he ganado un amigo.

Cuando dices personas que había alrededor, ¿a quién te refieres? ¿alguna asociación, ONG local, Institución...?

Me refiero a los amigos de él, otros toxicómanos, sus vecinos, gente del lugar. Me acogieron y entendieron. Yo sólo tenía que estar ahí y accionar el disparador.

¿Podríamos decir que a nivel personal te está marcando la realización de este trabajo?

Sin duda. Se me han caído prejuicios y estereotipos que siempre tenemos en la cabeza. Vemos a esta gente desde afuera, a lo lejos y son personas como tú y como yo. Con su problema, claro. Pero no dejan de ser personas a las que habría que escuchar de vez en cuando.

¿Has tenido algún referente antes de acometer este proyecto?

Mis trabajos están llenos siempre de muchísimas influencias y no sólo fotográficas, también literarias, musicales, todo lo que me pueda aportar y enriquecer el desarrollo o la mirada sobre un tema. Podría citarte a tanta gente que necesitaríamos cinco tardes para nombrarlos a todos. Pero bueno, para este trabajo en concreto y reconociendo que estoy a años luz de ellos, cómo no reconocer la influencia de los libros de Koudelka que tengo en casa, los de García Rodero, Valerio Bispuri a quién conocí en persona en el Visa pour L'image el año pasado y un larguísimo etcétera.

¿Por qué has decidido contarlo en blanco y negro?

No es la primera vez que desarrollo un reportaje en blanco y negro. Ya lo hice con el Jaripeo, los Mennonitas o las Peleas de gallos en Perú. No sabría decirte por qué color o cuándo blanco y negro pero sí es cierto que hay temas que los veo así y, además desde el principio, desde su concepción.

De normal uso película dispositiva en color que revelo por el proceso E-6, pero si el tema, como es este caso, lo veo y pienso en blanco y negro, no tengo problema en cambiar de soporte y desarrollarlo con película de este tipo.

¿Se trata de un proyecto de largo recorrido? es decir, ¿cuál es tu idea, acompañar a más toxicómanos durante mucho tiempo?

Sí, debe ser un proyecto a largo plazo por su propia naturaleza. Para fotografiar a alguien tengo que conocer a esa persona y eso requiere tiempo.

¿Sabes? Mi intención nunca fue registrar cómo esa persona se suministra la heroína o cómo duerme o camina o come. Mi intención es ante todo conocer a la persona lo máximo que pueda, para más tarde ir apuntando en un cuaderno las palabras que definan su personalidad o su situación y una vez que creo tener claro esos conceptos, permanecer junto a él todo el tiempo que pueda para conseguir las imágenes que me hablen de esa situación. Yo no fotografiaba a él inhalando en su cuarto, o durmiendo, etc…, sino la soledad, la fragilidad…

También es verdad que desde el comienzo de mi carrera tengo que admirar a la persona que quiero fotografiar, hay gente realmente interesante y en este ambiente también.

¿Cuál será el formato final de 'Papel de Plata'? ¿un libro? ¿exposición?

Mira, de todos los aspectos relacionados con este trabajo, éste es sin duda el que menos me importa a día de hoy. Me consta que a finales de este año la serie de Álvaro se expondrá en Italia pero de verdad que ahora, en lo único que estoy centrado es en seguir detrás del visor, encuadrando, midiendo, componiendo… haciendo fotos, que es en lo que me tengo que volcar. Nunca me ha preocupado demasiado cómo se mostrará el trabajo. El libro es una genial idea pero se puede publicar hasta después de que me haya muerto, si es que a alguien le interesa lo que estoy haciendo en vida. Nunca busco el aplauso final del público, ni el reconocimiento. No sé si me explico. Para un fotógrafo lo más importante debería ser seguir detrás de la cámara haciendo fotos cuanto más años mejor.

De hecho para mí es mucho más importante y enriquecedor cuando un trabajo se proyecta junto al autor y se le pueden preguntar detalles. Es más valioso, que ver las fotos colgadas en una exposición. Vivimos en un momento en el que el autor quiere parecer más importante que la obra. No considero mis fotos como una obra artística. No quiero expresar lo que llevo dentro (otros sí lo hacen) ni reflexionar sobre ello. Lo mío tiene más que ver con el fotoperiodismo, lo que quiero es expresar los sentimientos y el estado de ánimo de la persona fotografiada. Por lo que mi aportación es simplemente ser el vehículo, lo único que quiero es que el espectador conecte con el fotografiado. Eso es lo que me importa. Algunos se preguntarán ¿quién es el fotógrafo? ¡qué más da!

Te entiendo, pero esto no es algo habitual encontrarlo en el mundo del arte, y menos en la fotografía actual.

Te aseguro que no se trata de una fachada. Es algo de lo que estoy totalmente convencido. Hay profesiones que tienen una proyección pública (futbolistas, cantantes, actores...), pero hay otras como arquitectos o fotógrafos... que pueden ser muy prestigiosos, pero no tiene porque ser famoso. Es diferente. Tu obra sí puede ser famosa, pero no el autor.

Esto es algo que suelo comentar en clases: ¿cuál es la foto más famosa del mundo? ¿la más reproducida? Y se comentan algunas, como la del retrato al Che Guevara. ¿Quién la hizo? Nadie responde. Perfecto entonces. El fotógrafo consiguió que su fotografía trascendiera, pero solo los que conocen un poco sobre fotografía conocen quién la realizó. El gran público no lo sabe. Ni tampoco le interesa demasiado saberlo. Ese es el punto al que me refiero. Lo ideal es que tu foto fuese la segunda foto más famosa del mundo. Que transcienda tu obra. No hace falta ese reconocimiento al autor tan exagerado. Recordemos que el fotógrafo es el que está detrás de la cámara y no delante.

Sueles trabajar con fotografía química, ¿qué te supone esta decisión con un proyecto de estas características?

A parte del reto que siempre supone trabajar de esta manera, en esta ocasión también ha significado algo muy especial, ya que ha supuesto la confianza plena de las personas a las que fotografiaba hacia mi trabajo y hacia mí por la imposibilidad de comprobar las fotos en ninguna pantalla detrás de la cámara. ¿Tú confías en mí? Le preguntaba con la cámara en la mano y con los ojos cerrados asentía con la cabeza. No había nada que comprobar.

Volviendo a tu trabajo como fotógrafo. Has trabajado como fotoperiodista y, en la actualidad, combinas la fotografía comercial con estos proyectos personales de fotografía documental, ¿cómo lo compaginas?

Desde hace tiempo tengo a mi cerebro dividido en dos. Por una parte está el fotógrafo comercial y por otro el fotógrafo autor. El comercial (que trabaja en digital) es el que se encarga de llegar a fin de mes, paga las facturas y demás. Y además tiene una función muy importante: es el que se encarga de que el fotógrafo autor no tenga que someter su trabajo al (cutre) mercado. Para que sea independiente. Si sometiera mi trabajo de autor al mercado, dejo de ser autor, por ejemplo, me voy a África y al tomar una foto, empiezo a pensar que al posible editor gráfico le gustaría que fuera compuesta así en vertical para una portada, dejando aquí espacio para textos... Si lo hago así dejo de ser independiente. Por eso es importante que mi faceta profesional sea la que lleve los costes y con la que sobrevivo, para poder ser completamente libre en mi fotografía personal. Y es algo que hago porque me da placer, me alimenta el alma. Necesito sacar tiempo entre mi trabajo profesional, coger mi Leica, mis carretes e irme a la India a disfrutar fotografiando.

Para que te hagas una idea, por ejemplo con la fotografía de bodas. Con una boda al mes vivo, consigo pagar mis facturas. Con dos bodas al mes vivo un poco mejor, porque además de pagar mis facturas puedo sacar algo para planificar un viaje. Con tres bodas al mes, vivo un poco un peor. Con cuatro bodas al mes, mi vida sería un infierno. Porque estaría entregado completamente a una fotografía que es trabajo y hace falta tener tiempo para también fotografiar por placer.

Las únicas fotografías que merecen la pena, son aquellas que tú harías después de tocarte la lotería. Creo que eso resumen bien mi filosofía. En mi tiempo libre en vez de hacer cualquier actividad de ocio, me cojo mi cámara y me voy de viaje.

Gracias Daniel por tu tiempo y tu buena disposición. Además de tu enorme sinceridad al hablar sobre tu trabajo y cómo ves y sientes personalmente la fotografía.

Daniel Casares Román | Web

En Xataka Foto | Daniel Casares Román y el viaje como experiencia fotográfica

Fotografías de Daniel Casares Román sobre su proyecto 'Papel de plata' reproducidas con permiso del autor para esta entrevista.

Virxilio Viéitez (Forcarey 1930 - 2008) es la figura más influyente de la fotografía gallega del siglo XX. Su manera de mostrar la realidad de la década de 1950, recuerda al concepto cinematográfico y nos muestra una imagen sociológica de mediados del siglo pasado. Vamos a repasar la trayectoria de otro de los grandes maestros de la fotografía.

En tiempos de guerra la expresión "ganarse la vida" cobra más fuerza de lo habitual. Viéitez es un superviviente, un trabajador, un buscavidas que encontró en la fotografía un medio de expresión, comunicación y de trabajo.

Los inicios de Virxilio Viéitez

1930 no fue una buena fecha para nacer en España ya que poco después estallaría la guerra, los supervivientes tendrían que enfrentarse a la posguerra y la vida no sería fácil para ellos. Vayamos a ese momento, cuando la contienda ya había acabado y a los españoles aún les quedaba mucha batalla por soportar. Viéitez no conoció a su padre, creció en una aldea rodeado de mujeres, su infancia se desarrolló entre aperos y útiles de campo, el trabajo le apartó de la escuela y él aprendió por su cuenta a leer y escribir, esa forma autodidacta de aprender le acompañaría el resto de su vida.

En 1946, con 16 años, aprende el oficio de albañil, trabaja en las obras de ampliación del Aeropuerto de Lavacolla, que se pasaría a llamar tras esta remodelación como Aeropuerto de Santiago de Compostela. A los 18 años emigró de su Galiza natal y se fue a trabajar a Catalunya en las obras de construcción de los teleféricos próximos a Panticosa, aquí empieza su "rollo con la fotografía", como el propio autor solía decir.

Este primer punto de inflexión en la vida de Viéitez llega cuando empieza como ayudante en un estudio, en esta primera época compagina sus trabajos en la construcción con la afición por la imagen. Cuando aprendió el manejo de la cámara y vio que el invento de la fotografía le daba dinero y no le obligaba a el frío que tenía que soportar en la nieve, abandonó la construcción y se dedicó por completo a la foto.

Durante un tiempo trabajó con los turistas que venían de viaje a la Costa Brava, hizo mucho dinero porque, sumado a la cantidad de trabajo de aquella época, le pagaban en dólares, en libras y solían darle las vueltas como propina.

Habían pasado nueve años desde que Viéitez se fue de su casa, corría el año 1955, el negocio de la fotografía iba "viento en popa" y Virxilio estaba pensando en establecerse por su cuenta cuando recibe la noticia de que su madre se encontraba enferma, decide entonces volver a Galiza.

Regreso a Pontevedra y primeros trabajos

De vuelta en Pontevedra Virxilio Viéitez se estableció como fotógrafo, se casó con Julia Cendón, con la que tuvo tres hijos. Su madre no superó la enfermedad por la que el fotógrafo abandonó la Costa Brava, un nuevo parón le separaría de su carrera de manera provisional: "la mili." Tras la vuelta de cumplir con el servicio militar obligatorio, Viéitz recuperó, una vez más, su profesión.

Con todos estos parones, no es hasta 1957 cuando consigue un trabajo como como corresponsal en El Pueblo Gallego y la emisora de radio Voz de Vigo. Como corresponsal recorre cubre la información en varias localidades Pontevedresas como Cerdedo, Soutelo de Monteso Estrada.

Sus inicios en el retrato de estudio quedaron atrás, empezó a buscar nuevas oportunidades en la fotografía social. Sus trabajos en bodas, comuniones y bautizos son un importante legado que ponen de manifiesto la cultura y tradición española de mediados del siglo pasado.

En aquella época los intelectuales y pudientes fotógrafos se inspiraban en las corrientes que llegaban desde el extranjero, lo mejor de Viéitez es que no era un intelectual, ni era rico, era un artesano que aprendió a desarrollar un estilo propio que con el tiempo le llevó a aparecer en el libro 'Mis fotos favoritas' de Cartier-Bresson.

Entre el portafolio del fotógrafo encontraremos multitud de reportajes de bodas, pero también de entierros y funerales. La sociedad española de la época era, a la fuerza, tradicional, católica y conservadora, y esto se pone claramente de manifiesto en el tipo de fotografías como las que el fotógrafo pontevedrés estaba realizando en ese período.

Fotos de carnet y el estatus de fotógrafo

En 1944, cuando aún Virxilio era un niño que no había salido de su aldea, se empezó a implantar en España un sistema que pretendía identificar a todos los españoles. En aquella época la implementación de algo como esto no iba a ser rápida, así que cuando se repartieron las zonas de trabajo para los fotógrafos que realizaban el DNI a Viéitez le tocó la suya.

Hoy las aldeas están desiertas, pero por aquel entonces estaban llenas de gente y el de los carnés fue un negocio muy lucrativo. Eran otros tiempos, el fotógrafo era la persona que en cierta forma daba fé de que algo había pasado, es fácil imaginar el prestigio y la importancia que tenían en una sociedad como la española a mediados del Siglo XX.

Si contemplamos las fotos de la época comprobamos esa liturgia que seguramente existía a la hora de hacer una fotografía. La seriedad con la que la gente se tomaba ir a un estudio, ataviados con sus mejores telas, peinados, con ese aspecto limpio, como si fueran de domingo.

La grandeza de Virxilio: su manera de mirar

A Virxilio le llegaron varias ofertas para trabajar en algunos estudios de fotografía de otras zonas de Galiza, él no las aceptó, prefería la libertad de quien es su propio jefe y podía trabajar "a su aire". Esto, a la fuerza, le hizo desarrollar un estilo propio, lejos de influencias o mandatos.

Sin jefes y con un gusto cada vez más creciente por la fotografía de calle, empezó a realizar cada vez más este tipo de imágenes. Estaba obsesionado por conseguir imágenes nítidas, sin desenfoques, pero para explicarlo nadie mejor que él, atentos a su crítica a Cartier Bresson, simplemente, genial:

Era metódico y riguroso, pese a que le gustaba la fotografía la veía como un medio de vida, por lo que solo hacía fotos bajo encargo, por pedido, rara vez lo hacía, según dice su hija Keta Vieitez, por amor al arte o por hobbie.

Era, que duda cabe, un fotógrafo realista, pero la puesta en escena de sus imágenes nos invita a viajar a un mundo diferente donde se mezcla lo real y lo simbólico, lo evidente con lo metafórico.

La última época

Siguió trabajando hasta los ochenta y murió en 2008. La historia de Vieitez guarda cierta relación con la de Vivian Maier, pero en el caso del fotógrafo gallego la que rescató sus imágenes del olvido fue su hija, también fotógrafa, quien ha documentado, conservado y sacado a la luz el trabajo de su padre, hasta tal punto que en 1998 empezaron los merecidos reconocimientos en la VIII edición de la Fotobienal de Vigo, más tarde en el Museo de Arte Contemporánea MARCO y en en el Museo de Arte Contemporánea MARCO. Además se internacionalizó en la muestra Al gust de Cartier-Bresson en Barcelona, en Ámsterdam y en Nueva York.

Nuestra compañera Gema tuvo la suerte de poder visitar, allá por 2013, la exposición que le dedicó la Fundación Telefónica en la que viviremos una vuelta a la España rural de la década de 1960.

El siguiente es el vídeo completo en el que el maestro habla de su vida, de su trabajo que forma parte del documental emitido por RTVE "La mirada fotográfica capítulo 2."

Madrid es el hábitat en el que se mueve Nacho Gil, un fotógrafo que se ha dedicado a diseccionar las calles de la capital de España publicando una foto diaria en una página de Facebook denominada ‘Madrid Street Photography’. De esa colección de fotos han nacido dos libros, el segundo de los cuales, ‘Flâneur’, acaba de salir a la calle gracias al micromecenazgo y cuyos beneficios van a ir destinados a un fin solidario.

Por todo ello nos ha parecido interesante presentaros a este fotógrafo madrileño, que solo lleva cinco años en esto de la fotografía pero tiene mucho que decir, para que nos hable de sus fotos, de su proyecto y de su visión sobre el estado actual de la fotografía y, en particular, del ámbito de la fotografía callejera.

Muy buenas Nacho. Cuéntanos un poco tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

Mi relación con la fotografía empezó en 2012, de forma un poco tímida. Estaba cansado de mantener una rutina de trabajo intensa durante muchos años y quería distanciarme de esa rutina. Después de unos meses de noviazgo, la fotografía me enganchó y empecé a salir casi a diario con ella. De estas salidas surgió mi primer proyecto, ‘Callejeando Madrid’.

Comenzó siendo un ejercicio diario y terminó, dos años después, con una comunidad de más de 50.000 personas en Facebook y un primer proyecto de crowdfunding (micromecenazgo, como prefiero llamarlo) con el que pude publicar mi primer libro y producir una primera expo en la escuela Lens, donde había hecho algunos cursos de fotografía. Terminé agotado pero, en el camino, había aprendido mucho.

En 2015 comencé mi segundo proyecto, al que llamé Madrid Street Photography. He seguido las pautas del primero pero, en este caso, he ido buscando algo más personal y cuestionarme más a mí mismo. Después de casi dos años he vuelto al micromecenazgo a través de Verkami para contar con el apoyo de más de 250 personas y publicar mi segundo libro ‘Flâneur’. Sigo buscando cosas que contar.

¿Te dedicas en exclusiva a la fotografía o la compaginas con otro trabajo? ¿Crees que se puede vivir de la fotografía?

La fotografía y yo caminamos juntos y tenemos una buena relación, aunque no me siento preparado para vivir de la fotografía si quiero seguir aprendiendo. Admiro profundamente a todos aquellos fotógrafos que consiguen hacer de la fotografía un modo de vida, creo que tiene un enorme mérito. Además de los fotógrafos consagrados y que a todos nos pueden sonar, hay un montón de buenos fotógrafos que mantienen viva esta profesión.

¿Cómo y cuándo te especializaste en fotografía de calle?

Madrid es la ciudad en la que paso la mayor parte de mi tiempo y la calle es un lugar de encuentro en el que permanentemente están sucediendo cosas que me gusta explorar. No siento que me haya especializado en fotografía de calle… En realidad hago fotografía "en" la calle porque ésta ha sido mi elección. Disfruto muchísimo de salir a encontrarme con lo que me rodea. Vivo la experiencia con pasión y cuando llevo varios días sin poder salir a la calle noto que me falta algo.

He descubierto que necesito volver una y otra vez a esos lugares y seguir mirando, cada vez más detalles, cada vez más profundo y he aprendido a gestionar los bloqueos. En mis lecturas, en los cursos de fotografía me han hablado de la luz pero ha sido en la calle donde he descubierto la importancia de la luz y lo que aporta en la visión de ese universo, en la construcción de una u otra historia. Es en la calle y, a través de la fotografía, donde descubro algunas de mis limitaciones y donde aprendo a superarlas.

¿Qué tal responden los madrileños cuando se dan cuenta de que les han retratado?

La verdad es que, en la mayoría de los casos, no se dan cuenta. Procuro ser discreto y pasar desapercibido, prefiero congelar esos momentos que surgen de forma más espontánea.

¿Qué es lo más curioso que te ha pasado haciendo fotos? ¿Y lo más emotivo?

Como algo curioso, me gusta hablar de los reencuentros, personas a las que he fotografiado y me las vuelvo a encontrar en distintos lugares de la ciudad y en distintas circunstancias en varias ocasiones. Me ha pasado varias veces, en distintos barrios. Las emociones forman parte de cada salida fotográfica. No hay un momento especialmente emotivo, hay muchas emociones alrededor de la acción de fotografiar y me gusta saborearlas.

¿Cómo definirías el género de la foto callejera? ¿Dirías que el elemento más importante es la improvisación o estar preparado para captar el momento?

Sinceramente, no sabría definirte el género y, en cualquier caso, ya hay muchos fotógrafos que lo están definiendo continuamente. Desde que la cámara existe se ha hecho fotografía en la calle. En la ciudad encuentras casi de todo. Es verdad que en los últimos años se ha empezado a hablar de street photography, han aparecido gurús, foros, páginas en redes sociales y muchos nos hemos apuntado a esta “tendencia”.

En el camino uno va encontrando su propia mirada de la ciudad y, en ese viaje, cada fotógrafo incorpora su método o incluso métodos diferentes. Lo más importante es la relación que se establece entre la mirada del fotógrafo y la ciudad y lo que surge de esa relación. Para mí es un proceso permanente de búsqueda y, a veces, un quebradero de cabeza.

Te hemos conocido a raíz de tu libro ‘Flâneur’ ¿te identificas con el personaje que define este término? Háblanos del libro…

Cuando leí la descripción poética que hizo el escritor Charles Baudelaire, no solo me sentí identificado con la palabra “Flâneur” sino que me pareció un posible titulo para el libro. Juanjo Justicia, que me ayudó en el diseño, me convenció. El único texto que hay en el libro es esa descripción que escribió el poeta en 1863. Seguro que muchos fotógrafos se identifican con el personaje… Invito al lector de Xataka Foto a investigar si no lo había escuchado antes.

El libro es un conjunto de 50 fotografías de Madrid, en blanco y negro que vienen a ser como un diario de momentos que me he encontrado en ese deambular por la ciudad. Creo que ha quedado un libro elegante que transmite una imagen cotidiana de Madrid y la gente que la habita.

Ha sido un trabajo intenso de los últimos cinco años y he tenido la suerte de contar con el apoyo de Laura Martínez y Eduardo Nave en la edición y Juanjo Justicia en el diseño y maquetación del mismo. Para un autor con poca experiencia, como es mi caso, el apoyo de profesionales con más conocimiento ha sido imprescindible. Con ellos he aprendido, he sufrido y me he divertido. Toda una experiencia.

Los beneficios que consigas irán destinados a un proyecto solidario relacionado con la fotografía, háblanos de ello…

En los dos libros que he publicado siempre ha habido un fin social. En el primero una parte de los beneficios se destinaron a un proyecto de becas de comedor para un colegio de Madrid; era 2014 y la crisis estaba muy presente en muchas familias, como todavía hoy lo está. En el caso de ‘Flâneur’, todos los beneficios van destinados a la realización de un taller de fotografía para personas con discapacidad intelectual.

Quería hacer algo que tuviera relación con la fotografía y colectivos que no tuvieran un fácil acceso a ella, me puse a investigar y encontré el trabajo ‘Kamikazes de la Imagen’ de Eva Sala (NoPhotoVoz). Nos vimos un día en Lavapiés y me encantó. La idea es conseguir la financiación para poder hacer ese taller en colaboración con la Fundación Aprocor de Madrid.

Por lo que parece ‘Flâneur’ ha tenido una buena acogida y de los 500 ejemplares iniciales ya quedan pocos. ¿Has pensado realizar una nueva edición?

El libro ha tenido muy buena acogida pero no me planteo una nueva edición. Piensa que es un libro auto editado que ha sido financiado a través de micromecenazgo. Una nueva edición solo sería posible si hubiera una editorial interesada en hacerlo y esto es bastante complicado. Con la dificultad que hay hoy en día para poder publicar un libro de fotografía, estoy muy contento de haber llegado hasta aquí. Mi deseo es poder vender los libros que quedan y hacer realidad el taller que te comentaba. Ahora mismo quedan 170 ejemplares de los 500 impresos así que, si alguien está interesado en adquirir un ejemplar, solo tiene que ponerse en contacto conmigo.

¿Crees que la autoedición y el crowdfunding es la solución perfecta para que fotógrafos no muy conocidos puedan ver su obra materializada?

A mí me ha funcionado. Requiere un gran trabajo de comunicación y mucho compromiso pero creo que el micromecenazgo es una vía muy interesante para poder publicar. En cinco años de fotografía he podido publicar dos libros, algo impensable si no hubiera sido gracias al apoyo de las personas que han participado.

Háblanos del proyecto Madrid Street Photography… ¿Qué opinas de las redes sociales como medio para difundir el trabajo de los fotógrafos?

Se trataba de seguir aprendiendo, seguir probando nuevas cosas. En este caso quería hacer blanco y negro, lente fija de 35 mm, una cámara manejable y discreta y profundizar más en mis razones para fotografiar. Mi compromiso era compartir una fotografía diaria en la página de Facebook que había creado y durante casi dos años es lo que he estado haciendo, con todo lo que ello significa.

Cada mañana, a las nueve en punto, compartía mi imagen. Como puedes imaginar ha sido un poco locura, pero eso fue creando esa comunidad que seguía el proyecto y que, en el momento de lanzar el micromecenazgo en Verkami, fue la que lo hizo posible. Las redes sociales han sido para mi una herramienta muy útil para divulgar mi trabajo y para hacerlo visible. Muchos fotógrafos las están utilizando con buenos resultados.

¿Qué opinas de la masificación de la fotografía y de las dificultades de los profesionales para sobrevivir?

Esta es una pregunta muy compleja, más de un debate que de una entrevista. Creo que ganarse la vida con la fotografía nunca ha sido fácil, pero conozco fotógrafos que están hasta arriba de trabajo. Por otro lado, como te decía antes, hay muy buenos fotógrafos que se han hecho visibles gracias a las redes sociales.

Cada vez se venden más cámaras fotográficas, se imparten más talleres de fotografía, más concursos fotográficos de todo tipo, más exposiciones de fotografía y más iniciativas para promover la publicación de fotolibros, así que la “masificación” ha podido ser buena para algunos. Cuantas más personas disfruten de la fotografía, mejor. Es mi opinión. Luego estarán los criterios fotográficos y los gustos, pero siguen apareciendo muy buenos fotógrafos con cosas interesantes que contar.

Cambiando de tercio ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila normalmente?

Voy siempre muy ligero, con una Fujifilm XT1, un objetivo de 35 mm, baterías y tarjetas de memoria de repuesto… No necesito más.

¿Eres de los que llevas siempre tu cámara contigo a todas partes?

La cámara está conmigo muy a menudo pero no la llevo a todas partes. Lo que me resulta difícil de hacer es dejar de fotografiar incluso cuando no la llevo.

Háblanos de tus referentes ¿A qué fotógrafos admiras especialmente? Soy un fotógrafo en formación al que todavía le queda mucho que aprender. Hay muchos fotógrafos cuyo trabajo me fascina: Brassai, Robert Frank, Bresson, Kertesz, Catalá Roca, Joan Colom, Diane Arbus, Friedlander, Erwitt, Hellen Levitt, Vivian Maier, Saul Leiter, Bruce Davidson… Pero, últimamente me han enganchado especialmente, el australiano Trent Parke, el irlandés Eamon Doyle o al japonés Daido Moriyama. Siento que tengo aún mucho por descubrir y eso me motiva.

¿Qué le dirías a alguien que empieza y no sabe en qué tipo de fotografía especializarse? ¿le recomendarías este tipo de foto?

Si puede, que haga un curso que le permita introducirse en el medio y tomar contacto con otras personas en su situación, se aprende mucho compartiendo el trabajo con los demás. Que vea el trabajo de otros fotógrafos (ya sea en exposiciones, en Internet o en libros de fotografía), que lea sobre arte, sobre pintura y, si puede, que visite museos para poder sentir la obra frente a frente.

Pero, sobre todo, que haga fotos, que busque la inspiración en los lugares cercanos y haga fotos que le ayuden a conocer las posibilidades de la cámara y que le permitan ir definiendo su propio estilo. El camino se hace andando, puede ser un camino largo pero merece mucho la pena recorrerlo. Y no solo hablo de fotografía, hablo de uno mismo en relación al mundo que le rodea. Que cada uno elija aquello con lo que se identifique y que lo haga con pasión.

Y con esto acabamos nuestra charla con Nacho agradeciéndole el esfuerzo y deseándole mucha suerte para sus proyectos futuros y, por supuesto, que venda todos los libros para hacer realidad el taller solidario.

Nacho Gil | Madrid Street Photography | Twitter

En Xataka Foto | “Es muy difícil vivir exclusivamente de este tipo de fotografía, pero yo lo estoy intentando”, Pau Buscató, fotógrafo callejero

Fotografías de Nacho Gil reproducidas con permiso del autor para este artículo

Quizá no sea un fotógrafo mundialmente famoso, pero si hablamos de maestros que han destacado por el tratamiento del color en la fotografía Pete Turner (1934 – 2017) debería esta en el podio. Por eso su fallecimiento, este 18 de septiembre en su casa de Nueva York, es una mala noticia para todos los que amamos este arte.

De Pete Turner ya os hablamos hace unos cuantos años, cuando os contábamos como este artista norteamericano ha influido notablemente en la historia de la fotografía gracias a su concepción del color y la composición. Lo cierto es que Turner tiene una carrera impresionante que se puede resumir en más de 300 premios y, sobre todo, unas imágenes muy potentes como podéis ver en el siguiente vídeo.

La pasión del color de este pionero comenzó en su infancia, cuando con 14 años empezó a experimentar con transparencias en color. Hablamos de los años 40, cuando este recurso se utilizaba casi exclusivamente con fines comerciales. Tras graduarse en el Instituto de Tecnología de Rochester en 1956, fue reclutado por el ejército donde trabajó en un laboratorio fotográfico militar en el que pudo conocer la última tecnología de entonces en película de color.

La revista Look publicó su primer trabajo en 1958 y, al año siguiente, empezó a trabajar para National Geographic quien le envió a África durante siete meses. Ahí comenzó su fascinación por el continente negro que se plasmó en muchas de sus fotos más famosas (como la imagen de una jirafa sobre un vibrante fondo color magenta y rojo). A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Turner abrazó el color con entusiasmo y aprovechó cualquier oportunidad para dominarlo, aprendiendo a manipular el matiz y la saturación en sus comienzos, para crear unas imágenes muy poderosas que se fueron volviendo cada vez más abstractas.

Ahora Pete Turner nos ha dejado, pero su obra permanecerá siempre como un legado imprescindible, con varios fotolibros e imágenes incluidas en la colección permanente de museos como el George Eastman y el Metropolitano de New York. Descanse en paz.

Pete Turner | Página web

En Xataka Foto | El color según Tino Soriano

Foto de portada | Pete Turner en el vídeo Pete Turner: Empowered By Color del George Eastman Museum

Sólo hace ocho años que nos dejó y este 2017 Irving Penn hubiera cumplido los cien. Para conmemorarlo y dar a conocer su legado, el Gran Palais de París acoge ‘Irving Penn’, una panorámica histórica sobre los setenta años de carrera del fotógrafo que protagonizó la edad dorada de la fotografía de moda del Siglo XX.

Esta exposición toma el relevo de la que ya se realizó hace unos meses en el Metropolitan de Nueva York, aunque la que ahora se celebra en la ciudad del amor no sólo nos pilla más cerca sino que incluye más fotografías que la primera. Hasta 240 instantáneas originales de Irving Penn que suponen la retrospectiva más completa realizada hasta ahora sobre el gran fotógrafo norteamericano.

Irving Penn. Girl with Tobacco on Tongue (Mary Jane Russell) [Jeune femme avec du tabac sur la langue (Mary Jane Russell)]. New York, 1951 épreuve gélatino-argentique 37,5 × 36,5 cm The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Irving Penn

Nacido en Plainfield, New Jersey, en 1917, su familia se mudó a Filadelfia donde Penn estudió en la Escuela de Artes Industriales. Uno de sus profesores era Alexey Brodovitch, un inmigrante ruso (como los padres de Penn) que se convertiría en director de arte de la revista Harper’s Bazaar. Brodovitch se fijó en las inquietudes artísticas de Penn y fue su principal valedor (como lo fue también de Richard Avedon). De hecho, Penn trabajó a las órdenes de Brodovitch durante algún tiempo como ilustrador y más tarde como ayudante cuando le nombraron director de arte de los lujosos almacenes Saks de Nueva York.

Pero Penn se independizó de su mentor marchándose a México, con la idea de dedicarse a la pintura, y sólo un año después volvió a la gran manzana y empezó a trabajar para Vogue USA publicando su primera portada ese mismo año (1943). Se trataba de un bodegón compuesto por un bolso, unos guantes, una tela gris, una lámina con cítricos y una nota al fondo que anunciaba los contenidos del número. Fue la primera de un montón de portadas para Vogue, revista con la que desarrolló la mayor parte de su carrera.

Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn at Work in New Guinea [Irving Penn au travail en Nouvelle-Guinée] 1970. épreuve gélatino-argentique, vers 1974 19,4 x 19,4 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Lisa-Fonssagrives-Penn Trust

La fotografía de moda hecha arte

“Una buena fotografía es aquella que cuenta algo, toca el corazón y cambia al espectador después de haberla visto”. Así entendía Irving Peen su trabajo. Una filosofía que desarrolló junto a fotógrafos como Richard Avedon y Helmut Newton, con los cuales logró revolucionar la fotografía de moda gracias a un estilo que la elevó a categoría de arte.

Para él, cualquier cosa podía convertirse en algo artístico, ya fuera una estrella del mundo del cine (que tanto prodigó) o una simple colilla. Sus retratos suelen reconocerse por su elegante simplicidad, con el blanco y negro predominante, un escenario simple (“menos es más”) y unas poses bastante teatrales para retratar a los muchos personajes del momento que pasaron por su estudio.

Irving Penn, Spanish Hat by Tatiana du Plessix (Dovima) [Chapeau espagnol par Tatiana du Plessix (Dovima)] New York, 1949. épreuve gélatino-argentique 39,7 x 37,5 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Irving Penn Foundation

Personajes como Woody Allen, Alfred Hitchcock, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró, Arthur Miller o Marlene Dietrich a los que inmortalizó en fotos icónicas. Claro que Penn también se fijó en otro tipo de personajes como los nativos de zonas como Perú, Camerún, Marruecos o Nueva Guinea a los que retrató con el mismo estilo que a las estrellas de Hollywood. Además, el maestro no se limitó a la foto de moda y los retratos sino que también cultivó otros géneros como los bodegones, los desnudos o las escenas de calle.

Buena parte de todo este trabajo se puede ver en la exposición que está organizada por el Grand Palais de París y el Metropolitan de Nueva York en colaboración con The Irving Penn Foundation.

Irving Penn, Picture of Self [Autoportrait] Cuzco, 1948. épreuve gélatino-argentique. 34 × 26,4 cm © Condé Nast

‘Irving Penn’

Del 21 de septiembre de 2017 al 29 de enero de 2018

Grand Palais

3 Avenue du Général Eisenhower

75008 París (Francia)

www.grandpalais.fr

En Xataka Foto | Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre de Madrid: una magnífica retrospectiva

Foto de portada | Vista de la exposición 'Irving Penn'. Escenografía de Gare du Nord Architecture © Rmn-Grand Palais / Foto de Didier Plowy

Robert Delpire (París, 1926) ha muerto hoy a los 91 años. Era director de arte, comisario de exposiciones, diseñador gráfico, productor de cine, pero su faceta pública más famosa es la de haber sido el editor de libros para muchos genios de la fotografía.

Con 23 años fundó una revista de arte enfocada al mundo de la medicina, donde publicó trabajos de, nada más y nada menos que Cartier-Bresson, Robert Capa, Gyula Halász (más conocido como Brassaï), Doisneau, Lartigue, Bischof, y pintores como Picasso. En 1958 publicó en París la primera edición de Robert Frank The Americans, pero como todavía Frank no podía publicar en Estados Unidos y se sacó en París el libro se tituló Les Americains.

Entre 1982 a 1996 fue director del Centro Nacional de la Fotografía (Francia), nombrado por Jack Lang, donde promovió más de 150 exposiciones y creó un prestigioso premio para los jóvenes artistas, "Under Thirty."

Uno de las mayores legados que nos deja es Photo Poche, la primera colección de libros de bolsillo dedicados a la fotografía. Descanse en paz maestro.

Foto de inicio | Delpire y su mujer, la fotógrafa Sarah Moon el 8 de julio de 2009 en el 40º festival Les Rencontres de la photographie d'Arles. Foto compartida bajo licencia CC por Katherine Hala en Flickr.

Vía | L'oeil de la photographie