Manuel Moraleda es un fotógrafo de esos que se resiste al empuje de lo digital “con uñas y dientes”. Un romántico, si le queremos llamar así, que además sólo utiliza película en blanco y negro montada en su Canon EOS 5 con la que lleva haciendo fotos desde hace más de 20 años.

Le conocimos a propósito de este artículo dedicado precisamente al auge de la fotografía química (o analógica) que publicaron nuestros compañeros de Xataka y nos pareció buena idea conocerle un poco más y que nos hablara sobre su trabajo y cuáles son los motivos por los que sigue fotografiando sólo con película.

Muy buenas Manuel. Gracias por atendernos. Como siempre solemos hacer, lo primero es preguntarte por tu trayectoria ¿Cómo fueron tus comienzos? ¿Qué es lo que te llevó a convertirte en fotógrafo?

Mi primera aproximación fue hace como veinte años, de la mano de dos amigos fotógrafos profesionales. En ese momento vivía en Barcelona, y la ciudad era una segunda universidad. No sólo aprendí que la fotografía, como ocurre con otras manifestaciones artísticas, te enseña a mirar la realidad con otros ojos, sino algo incluso más importante: Me di cuenta de que es una manera de vivir en sí mismo, de relacionarte con tu entorno, de expresarte y comunicarte con el resto de personas.

Yo estudié Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad Autónoma de Barcelona, y la literatura en aquel entonces ocupaba todo mi mundo. Con el tiempo, la fotografía fue adentrándose en mi vida, a partir sobre todo de las conversaciones con mis dos amigos y de un viaje iniciático que hice a Italia por mi cuenta, acompañado de mi Minolta SRL. Sumergirme por las calles de Venecia, Florencia y Palermo fue toda una experiencia.

Luego conseguí un lectorado en la Universidad de Duke, en Carolina del Norte, y durante un año académico estuve enseñando español para extranjeros. Aproveché para viajar por la costa Este de EEUU y en Nueva York acabé comprándome una Canon EOS 5 en la mítica tienda B&H Photo Video, que es todavía la cámara que utilizo hoy en día. Ya de vuelta en Europa, primero viví una temporada en Dublín y luego me establecí en Madrid, que es donde vivo ahora.

En estos últimos quince años he viajado todo lo que he podido, o las circunstancias me han permitido, y cada viaje ha sido una oportunidad para hacer fotos en un nuevo contexto. No hay nada más placentero que descubrir nuevas culturas y nuevas formas de vida mientras uno viaja. Recientemente, hace como un año y medio, me decidí por fin a hacer mi página web y a enseñar parte de mi trabajo y de mis fotografías, imágenes que hasta ese momento guardaba celosamente para mí.

¿Te dedicas sólo a la fotografía o la compaginas con otro trabajo? ¿Crees que hoy en día se puede vivir de la fotografía en España?

No me gano la vida como fotógrafo, trabajo para una entidad bancaria, pero claro que me gustaría vivir de la fotografía, siempre que pudiera hacer las fotos que a mí me interesan. Y eso, hoy en día en España es muy difícil, según me comentan algunos amigos y amigas fotógrafos que sí se ganan la vida con la fotografía. Eso sí haciendo reportajes de boda y demás encargos, imágenes que no les ilusionan, pero con las que al menos consiguen pagar las facturas. Pero aun así, sí que conozco a algún fotógrafo que se gana la vida dignamente con la fotografía que le gusta, y eso es un lujo en estos tiempos, pero es una minoría.

¿Cómo definirías tus fotografías? ¿Cuál es tu filosofía de trabajo?

Yo me defino principalmente como un fotógrafo artístico y callejero. Como sabes, solamente hago fotografías en blanco y negro y con cámara analógica. Mis fotografías son por lo general narrativas, busco explicar una pequeña historia con cada una de ellas, o bien captar una emoción o un estado de ánimo, según el paisaje, la escena urbana o persona que retrate. A veces he llegado a la conclusión de que mi fotografía es narrativa por la gran influencia que la literatura ha ejercido en mi persona y en mi vida. Me gusta “literaturizar” la vida que me rodea o hacerle ejercicios a la memoria. De hecho una de mis últimas exposiciones en solitario, que fue en febrero de este año en Gijón, la titulé ‘Mundos en miniatura’.

En cuanto a mi filosofía de trabajo es muy sencilla: Siempre que viajo voy con mi cámara a cuestas, y hago fotos de todo aquello que me sacude el alma o me llama la atención. No me importa esperar media hora o una hora en un sitio para capturar una imagen. Viajo por lo común con mi pareja, que también es fotógrafa, por lo que en ese sentido nos entendemos. En fotografía para mí las prisas no existen. Hay fotos que las haces al momento, por las circunstancias que se dan en ese preciso y único momento (que son la mayoría), pero otras en cambio es conveniente volver al mismo sitio en otra hora del día (o incluso al día siguiente) si las condiciones de luz, las personas o los elementos que la complementan no son las mejores.

¿Por qué sólo usas película en blanco y negro?

Uso película monocromática, y no en color, porque sencillamente el mundo que me rodea lo veo en blanco y negro, cuando miro fotográficamente no me planteo nunca los colores. Es cierto que ante ciertos paisajes o lugares, como en una selva tropical, un mercado de frutas en Latinoamérica o ciertas ciudades, el color reclama su presencia, pero aun así sigo haciendo fotos sólo en blanco y negro. Por eso pienso que quizá la literatura, el peso de la nostalgia o mis referentes fotográficos también tengan mucho que ver en esta elección.

¿Cuáles son tus referentes?

Hay muchos y muy variados fotógrafos y fotógrafas que me gustan, por muy diversas razones. Siempre intento ver las fotografías en un conjunto, no de forma aislada, de ahí que tenga varios libros de fotografía que me encantan, tales como ‘Photographs’ de Mona Kuhn, ‘Immediate family’ de Sally Mann, ‘Fotografías de Barcelona, 1958-1964’ de Joan Colom, ‘Many are called’ de Walker Evans, ‘Paris in Hopscotch, homage to Julio Cortázar’ de Héctor Zampagglione, ‘En los ferrocarriles’ de Juan Rulfo y ‘Leer’ de André Kertész, entre otros. Aparte de estos libros, hay otros fotógrafos que me interesan especialmente, tales como Bill Brandt, Manuel Álvarez Bravo, Robert Doisneau, Francesc Català-Roca, Sebastiao Salgado, Francesca Woodman y un largo etcétera.

Háblanos sobre tu último proyecto fotográfico…

Mi último proyecto fotográfico finalizado se trata de un fotolibro, que lleva por título ‘Abandonados’, que se está distribuyendo a través de Fanzinant, una plataforma para amantes de los fotolibros y fanzines autoeditados que está creciendo a pasos agigantados. Con este trabajo (que se puede ver íntegramente en mi web), busqué profundizar en la idea de los “lugares-frontera”, esos espacios de tránsito como aeropuertos, estaciones ferroviarias o de buses, por los que de un modo o de otro debemos atravesar para llegar a nuestro destino.

Aquí el propio viaje funciona como motor de creación. Las fotos de ‘Abandonados’ las hice en Bolivia, con película de 3.200 ISO, como buscando en mis imágenes esa sensación de ausencia, lejanía e incomunicación. El ruido del grano se ajustaba mucho a la idea que yo quería transmitir. Ahora estoy trabajando en otro fotolibro, cuyas fotos las haré este verano, y espero que salga para finales de año.

En ‘La vida todo locura’ además de fotógrafo ejerces de escritor. Ya nos has hablado de la influencia de la literatura en tu obra pero ¿nos puedes contar algo más?

Como te comenté, mi aproximación a la fotografía es desde la literatura, sobre todo a nivel temático o de enfoque, porque también escribo, y empecé a hacerlo mucho antes que a hacer fotos. En ‘La vida todo locura’ (cuyo título original es ‘El tiempo todo locura’ y se puede comprar en Amazon) traté de aunar ambas artes, la literatura y la fotografía, acercándome a esa idea de la hermandad de las artes que tanto me gusta. Y lo hice por medio de 19 relatos breves (no más de quince líneas por relato) que escribí yo también, y que acompañé cada uno de ellos con tres fotografías.

En las historias quise plasmar la idea de búsqueda personal. Cada protagonista de los relatos se busca a sí mismo de diferente manera, a través de los recuerdos, los viajes, de un diario personal, de su relación con los cactus, de la fotografía, de los miedos, o de la familia, por ejemplo. Porque en el fondo cada uno de nosotros nos buscamos con lo que tenemos más a mano, o con aquello que nos obsesiona o nos sentimos a gusto. Mi idea en un futuro es ahondar más en esta relación de fotografía y literatura, y me encantaría colaborar con otros artistas (escritores, fotógrafos y collagistas) para llevar a cabo algún proyecto en común.

Hablas de la fotografía como una búsqueda… ¿Qué es lo que buscas?

Para mí la fotografía es una manera de abarcar el entorno que nos rodea, de detenerlo por un instante y de reflexionar posteriormente en él. Me gusta la magia de capturar ese instante decisivo del que hablaba Henri Cartier-Bresson, que a mí me gusta llamar el “instante preñado”. Conocer el entorno te permite luego conocerte a ti mismo, y ése debería ser el fin último de toda búsqueda, idea que está muy en la línea de las protagonistas de mis relatos de ‘La vida todo locura’.

¿Eres de lo que llevas siempre tu cámara a todos lados? ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila?

Si viajo fuera de Madrid normalmente siempre voy equipado con mi EOS 5 y mis lentes, sobre todo porque visitar una nueva ciudad o un nuevo país te hace estar atento a la novedad, y eso es un estímulo para todos aquellos que nos gusta la fotografía callejera. Soy por lo general una persona muy curiosa e inquieta, ávida de conocimiento, que me gusta mirar a todas partes. De ahí que siempre lleve mi equipo encima, aunque en muchas ocasiones no sea del todo cómodo, porque después de varias horas caminando empiezo a notar el peso de la cámara y de cada uno de los objetivos. Los que utilizo, todos ellos Canon, son un 24-85, un 17-40, un 100-300 y un 50 mm, y los carretes son de la marca ILFORD, 400 ISO o 3.200 ISO.

¿Qué le dirías a un joven fotógrafo que empieza y no sabe si usar una cámara digital o una analógica?

La cuestión no es tanto si usar una cámara digital o una analógica, pues eso lo determinan más cuestiones de índole personal. Para mí lo que sí es importante es que es necesario mirar mucha fotografía, ir a muchas exposiciones, ya que conviene educar el ojo, independientemente de si la fotografía expuesta es de tu estilo o no. Fijarse en los encuadres, la luz, los detalles que hacen que una imagen sea una gran fotografía. Aparte, claro está, conviene hacer fotos, muchas fotos, pero con criterio, sabiendo muy bien cómo queremos hacer la foto y cómo queremos que ésta salga.

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto?

Antes de nada, quisiera agradecerte este ratito de conversación y aprovechar la oportunidad para hablar de dos festivales de fotografía en los que voy a participar en breve. El primero es el Festival Revela-t de fotografía analógica, que este año se celebra en la localidad barcelonesa de Vilassar de Dalt, del 19 al 28 de mayo, y en el que participo con una fotografía en la exposición 'We are back', cuyo tema son retratos hechos por detrás, en los que no hay que enfrentarse a ninguna mirada, pero plantea otras cuestiones.

La segunda muestra en la que participo, gracias al fotógrafo Antonio Graell, es el Festival OFF SEMAD, una serie de actividades culturales que se van a desarrollar en la capital desde finales de mayo y hasta justo cuando arranque el Salón Erótico de Madrid. En concreto, participo con un proyecto que hice conjuntamente con la fotógrafa Miriam de Diego, titulado ‘Letraheridos’, que se basa en retratos y desnudos artísticos con libros. La muestra se inaugura mañana en la calle Mancebos 4, muy cerca del metro de La Latina, y por supuesto estáis invitados.

Pues muchas gracias Manuel. Y gracias también por la atención prestada y por habernos pasado estas fotos para ilustrar el artículo que, para información de nuestros lectores, son inéditas. Te deseamos mucha suerte para estas exposiciones y, cómo no, para tu trayectoria en general.

Manuel Moraleda | Página web | Facebook

En Xataka Foto | “Para sobrevivir haciendo fotoperiodismo de calidad hay que irse fuera”: Juan Teixeira, fotógrafo documental autor de ‘Turkistán’

Todas las fotografías de Manuel Moraleda reproducidas con permiso del autor

Stanley Greene es un fotógrafo que puede que no nos suene a la mayoría, pero cuando empiezas a buscar información sobre él te das cuenta de que has visto más fotografías suyas de lo que piensas. Y que sin saberlo es uno de tus favoritos por la intensidad y fuerza de sus encuadres. Ha muerto recientemente tras una larga enfermedad y desde Xataka Foto vamos a reconocer su trabajo.

Ha muerto con 68 años, después de una larga enfermedad, una de las miradas más intensas del sXX. Estuvo en los conflictos más importantes del último tercio del siglo. Y muchos no hemos podido borrar de nuestras mentes lo que vio en la caída del muro de Berlín, en el Chad, o por las inmensas tierras de la antigua Rusia. Esta es la fuerza de la fotografía. Tenía claro que su función era revolver el estómago del espectador para crear conciencia.

Stanley Greene. Fotograma de la Thomson Reuters Foundation

Porque él era de los de la vieja escuela, profesionales curtidos en la vida que se reían de los que cambiaban la escena con la ayuda de los programas informáticos. Y no soportaba a los que recreaban la escena tras llegar tarde al lugar. Sabía que los medios de comunicación están perdiendo credibilidad por motivos económicos y políticos, y los fotógrafos no deben caer en los trucos baratos. Hay que estar en el lugar preciso en el momento justo. Todo lo demás sobra. Ese es su valor, la honestidad por encima de todo.

Una vida dura

Nació el día de los enamorados de 1949, pero su vida no ha sido un camino de rosas. Esos años fueron duros para un niño afromericano en Nueva York. Si encima nos enteramos de que su padre, un hombre del cine, estuvo en la lista negra de McCarthy por su apoyo a la cultura negra, podemos entender el porqué en su vida profesional y personal estuvo en contra de las injusticias y a favor de las causas sociales para luchar contra la exclusión.

Stanley Greene. Fotograma de la Thomson Reuters Foundation

De joven estuvo con los Panteras Negras contra la guerra, pero el virus de la fotografía se le inoculó rápidamente. Si encima es Eugene Smith el que te anima a seguir, entenderemos que dejara atrás la música o la pintura, algunas de las bellas artes con las que estuvo flirteando antes de agarrar la máquina de fotos.

Toda su vida ha estado preguntándose qué es lo que lleva al ser humano comportarse como lo hace, sin pensar e infringiendo daño a sus semejantes. Da igual que estuviera haciendo moda en los 80 o metido de lleno en el golpe de estado de Boris Yeltsin, a punto de morir por los bombardeos que sufrió la Casa Blanca de Moscú. Estaba allí trabajando para la agencia Vu. Como no podía ser de otra forma, terminó fundando su propia agencia, Noor Images. En sus últimos años de lucha contra la enfermedad, siguió recorriendo el mundo con la cámara colgada al cuello, con la inspiración siempre del primer gran reportero de guerra, Robert Capa.

Su trabajo, una forma de entender la vida

A pesar de ser un hombre curtido en mil batallas, o precisamente por esto, siempre desalentó a los jóvenes fotógrafos que querían ir a la guerra para tener una vida de leyenda. Ser fotógrafo de guerra no es algo para todo el mundo, simplemente porque no entienden su significado. Como se puede leer en la magnífica entrevista que le hicieron en 2010 en Lens:

La fotografía es mi lenguaje, y me da el poder de decir lo que de otra manera no se dice. Eugene Smith me dijo que la visión es un regalo, y que hay que devolverle algo. No son los disparos los que me obligan. Nunca lo fueron. Al final del día, no se trata de la muerte, se trata de la vida.

Ha ganado multitud de premios, como los cuatro World Press Photo (1994, 2001, 2004 y 2008). Tiene un fuerte estilo personal, influenciado por su pasión por la música y la pintura, y su reconocida locura. Y siempre está presente la figura de Eugene Smith, un fotógrafo exquisito consumido por la búsqueda de su verdad. Sinceramente me hubiera encantado hacerle una entrevista para conocer cómo veía el estilo de Smith, un gran manipulador para encontrar la fuerza de las historias.

Puede decirse que era uno de los últimos fanáticos de la película. Odiaba el digital, incluso criticaba a Leica por sacar una cámara en blanco y negro. Todo lo que no estuviera en el negativo era mentira. El RAW no se parecía ni de lejos a un negativo o una diapositiva con todos sus colores reales. No entendía qué hace esa pantalla que te desvía de la realidad para comprobar algo que ya ha pasado. Y aunque su pensamiento en este tema es radical (si algo funciona para qué cambiar) no estaba muy desencaminado. A pesar de todo podíamos verle por Instagram.

Y dice algo que se puede ver fácilmente. Se domina como nunca la técnica, pero se ha olvidado la humanidad, tener algo que decir, dejar de ser los comerciantes de la miseria, como se conoce a algunos fotógrafos en ciertas ONG´s.

Steve Greene. Fotograma dela Thomson Reuters Foundation

Y encima los fotógrafos de guerra no pueden trabajar libremente. Ninguna revista o periódico quiere que sus anunciantes se vayan por culpa de una foto dura como la realidad de una batalla. No se puede publicar todo, solo imágenes con mensaje para evitar que el dinero vuele... Una paradoja en la que los fotógrafos pierden siempre. Y lo triste es que la realidad queda sepultada para los alegres colores de las bebidas gaseosas.

No queda más remedio que lamentar la pérdida de uno de los grandes cronistas de los últimos treinta años de nuestra historia. Llega el momento de mantenerle con vida viendo sus fotos, toda una crónica de la historia reciente. Siempre podemos buscar su Black Passport, un libro tremendo...

En Xataka Foto| Así es como trabaja un fotógrafo dentro de una guerra

En Xataka Foto hemos hablado en varias ocasiones de Pedro Díaz Molins, tiene un perfil polifacético con el que igual gana un Primer Premio en el Sony World Photography Awards que organiza un Festival de fotografía, o se va a Irán a hacer fotografía de calle y retratos como te contamos a continuación.

Sin especificar mucho más Molins nos asegura que se fue a Irán por trabajo, seguramente sería difícil de creer, por las noticias que aquí nos llegan, que hubiera ido a hacer turismo. Este trabajo, como todos los que se hagan por esa zona bañada por el Mar Arábigo, no puede comprenderse sin entender mínimamente la situación política en la que se encuentran.

Kandovan, "Islamic Republic of Iran". Cortesía de Pedro Díaz Molins.

El fotógrafo ha recorrido en estos seis meses 12 ciudades iraníes como son Shiraz, Isfahán, Damavand, Sarí, Teherán, Rasht, Masuleh, Kandovan, Ardebil, Tabriz, Reza Iyeh y Sanandaj. Lo que más me llama la atención del trabajo es que el autor no cae en la tentación noticiosa del atentado, el muerto o las situaciones dramáticas, sino que muestra el lado amable de Irán, un país muy distinto al que fue hace apenas 40 años.

Molins destaca la "pasión por la imagen" de los iraníes, "Les encanta fotografiarse con el móvil, posiblemente te pidan por favor si pueden hacerse una foto contigo", nos dice el fotógrafo. Es un país que tiene vetado Facebook pero no así Instagram, algo que causa furor entre la juventud del país.

Rasht. "Islamic Republic of Iran". Cortesía de Pedro Díaz Molins.

Pese a que en la red social la mujeres se atreven a salir sin velo, en las fotos de Molins las veremos con trajes largos que ocultan su figura y velos que les cubren ya que, de no hacerlo, se arriesgan a que la "Policía de la Moral" les detenga.

Masuleh "Islamic Republic of Iran". Cortesía de Pedro Díaz Molins.

Pedro Díaz Molins nos ha sorprendido con un trabajo natural, fresco y diferente, no solo a que viene siendo su línea de trabajo, sino también a lo que nos llega de esos países. Nos encanta que haya encontrado un día a día con sonrisas, con música y normalidad en un país del que siempre nos llega llanto y ruido de bombas.

Más info | Pedro Díaz Molins

En Xataka Foto | "Uso la fotografía para aprender y conocer temas que me interesan”, Manolo Espaliú y su pasión iraní.

A veces la ficción se mezcla con la realidad de tal forma que es difícil saber si lo que se está viendo es real o simulado. Así debieron pensar los curiosos que paseaban por algunos de los lugares más conocidos de Washington D.C, capital de los EEUU, y se encontraron con el presidente ficticio de los EEUU (además de su jefe de gabinete) en la serie ‘House of Cards’, siendo fotografiados por Pete Souza, el fotógrafo del expresidente Barack Obama.

Una publicación compartida de Pete Souza (@petesouza) el 22 de May de 2017 a la(s) 6:32 PDT

De Pete Souza ya os hablamos largo y tendido a propósito de su gran trabajo como fotógrafo jefe de Barack Obama, pero ahora que Donald Trump ocupa su puesto (y, cómo no, ha elegido a otra persona para el cargo) no esperábamos volver a hablar de él, al menos no tan pronto ni en una acción tan curiosa como ésta.

La acción formaba parte de los actos promocionales del estreno de la quinta temporada de la popular serie de Netflix, pero viendo las cuentas de Instagram del fotógrafo y de la serie cualquiera diría que era uno cualquiera de los muchos que Souza asistió siguiendo a Obama, al que retrató con maestría.

Una publicación compartida de House of Cards (@houseofcards) el 22 de May de 2017 a la(s) 11:57 PDT

Quizá incluso uno puede llegar a pensar que Kevin Spacey sería mucho mejor presidente de la nación más poderosa del mundo que Trump, pero desde luego lo que sí parece es que es más fotogénico y tiene mejor gusto para elegir fotógrafo.

Una publicación compartida de Pete Souza (@petesouza) el 22 de May de 2017 a la(s) 6:21 PDT

Pete Souza | Página web | Instagram

Vía | Fstoppers

En Xataka | A Pete Souza se le echará de menos: sus 22 mejores fotografías de Obama

Es habitual representar a los trabajadores de la bolsa y las finanzas como elegantes, atractivos, jóvenes y fríos personajes a los que el exceso de dinero les sirve para tapar las carencias que provoca una vida estresada y vertiginosa. Pero Charlie Kwai destierra el mito en Overtime, donde nos muestra el día a día de los ejecutivos londinenses tras sus jornadas de trabajo.

Parece ser que todo empezó cuando Kwai se dio cuenta, tras un viaje por varios países, que uno de los patrones que seguía era el de fotografiar a hombres trajeados, investigando esa nueva conducta, en principio inconsciente, comprobó ciertos aspectos que le animaron a empezar este trabajo.

Get overtime on your bookshelf! Link in bio 👀 shipping worldwide ✉️ @kkoutlet #overtime #photobook

Una publicación compartida de Charlie Kwai (@london.journal) el 8 de Abr de 2017 a la(s) 5:24 PDT

Muchos de sus retratos evidenciaban una mirada deprimente de la vida real de los trajeados hombres de negocios de Londres. Esta curiosidad le llevó a plantearse que seguramente no todo era tan hermoso, elegante y fantástico como nos pensábamos.

Happy to pickup the new photobook by @london.journal #london #photobook #photobookjousting #charliekwai #citylife

Una publicación compartida de SIMON SEE (@silversee53) el 28 de Abr de 2017 a la(s) 11:51 PDT

El trabajo se desarrolla en varios escenarios de la capital británica, "Mis paseos se extendían de Oxford Street a Liverpool Street - y en todas partes, pero Bank fue la zona más exitosa, es el corazón palpitante de la ciudad y la representación de lo que son las horas extra (Overtime, en inglés NdR). Pero la serie no es tanto acerca de dónde se han hecho las fotografías sino de lo que representan. Horas extra de personas reales en lugares reales, pero una versión exagerada de la realidad".

Tras las estresantes horas de trabajo en la bolsa, los trabajadores acostumbrar a ir a locales a beber, socializar, beber, hablar, beber y desestresarse. A veces ese estrés de las horas extra se manifiesta en la cara, la mirada, las posturas, los ritmos y las costumbres que tienen en común los trabajadores del distrito financiero de Londres al salir de sus trabajos.

Overtime is available to buy here: https://t.co/tDtV0fBHNS or at KK Outlet #overtime @kkoutlet @metroimaging @PressisionLtd pic.twitter.com/4Wp5TbexZh

— Charlie Kwai (@charliekwai) 10 de abril de 2017

Lo original en el trabajo de Kwai es que ha conseguido dotar de cierta humanidad a un colectivo que se ha dibujado siempre en el ideario colectivo como indolentes hombres de negocios. El trabajo se ha recopilado en un libro de 40 páginas que podemos comprar a un precio de 27 libras, algo más de 30 euros.

Más info | Charlie Kwai

En Xataka Foto | Fotógrafos de calle (I): 13 grandes clásicos que deberías conocer.

Aunque ya ha pasado unas cuantas semanas, no nos habíamos olvidado de nuestra serie dedicada a los fotógrafos callejeros. Después de conocer a algunos de los grandes clásicos que ha tenido este género y a algunos de sus representantes en nuestro país, ahora nos proponemos realizar un último listado de fotógrafos recomendados de todo el mundo y en activo.

Así, hemos realizado una selección de trece nombres de artistas internacionales que están trabajando actualmente y tienen algo que decir en fotografía callejera, ya sean nombres consagrados u otros que no lo son tanto. Todos ellos son sin duda una excelente referencia para todos los interesados en esta disciplina. Vamos con ello.

Benedicte Guillon

Nacida en Corea del Sur pero criada en el oeste de Francia, Benedicte Guillon es una fotógrafa especializada en street photography que llegó a París hace unos diez años. Eso fue poco antes de hacerse con su primer iPhone con el que empezó a tomar fotos de camino al trabajo (sin tener apenas experiencia previa relacionada con la fotografía), porque el móvil le permitía una gran libertad para captar escenas cotidinanas y le parecía espontáneo y natural.

Una publicación compartida de @iphoneographic el 18 de Jun de 2014 a la(s) 5:31 PDT

Muy pronto comenzó a publicar estas fotos en Flickr y a relacionarse con una gran comunidad de talentosos fotógrafos que, como ella, utilizaban el móvil. Aquello fue el origen del MPG (Mobile Photo Group), un colectivo internacional de fotógrafos que utilizan el móvil como herramienta de trabajo. Este colectivo, del que Benedicte fue miembro fundador, acuñó el término “iPhoneography” (de "iPhone" y "photography") para describir su forma de entender la fotografía.

Pero más allá de la cámara que utiliza, Benedicte demuestra en sus imágenes un gran talento para captar escenas callejeras con una fuerte carga poética. Su escenario preferido es su ciudad de residencia, París, pero sus frecuentes viajes le han llevado a muchos otros logares que también ha retratado: Marruecos, China, Turquía o su Corea natal.

Benedicte Guillon | Instagram | Flikr

Dirty Harry (Charalampos Kydonakis)

Bajo el seudónimo de “Harry el sucio” se esconde un fotógrafo griego de larga trayectoria que reside en Creta y al que ya os presentamos hace unos años en este otro especial de fotógrafos callejeros. Como decíamos entonces, Dirty Harry es un fotógrafo muy prolífico y polivalente, con una habilidad especial para captar el momento.

Una publicación compartida de Charalampos Kydonakis (@dirtyharrrry) el 20 de Mar de 2017 a la(s) 5:47 PDT

Miembro del colectivo In-Public, que fue el primer colectivo internacional de street photographers (y al que pertenecen grandes nombres del género), y arquitecto de formación, empezó a hacer fotos para documentar sus estudios y un día se dio cuenta de que en realidad le gustaba más hacerlas para contar historias.

Sus fotos son un tanto inclasificables y oscuras (de ahí el seudónimo), y frecuentemente recurre a la técnica del gran Bruce Gilden; es decir, disparando a los sus sujetos desde muy cerca y con flash. De cualquier modo, sin duda su trabajo revela un gran talento para captar escenas callejeras.

Dirty Harry | Página web | Instagram | Flikr

Julien Legrand

A este fotógrafo francés autodidacta (estudió diseño gráfico y web) también le incluimos en la comentada lista de street photographers, aunque ya antes os lo habíamos presentado en esta entrevista donde pudimos conocerle más. Por ello, podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que Julien Legrand es uno de los fotógrafos de calle actuales con más pedigrí.

Una publicación compartida de Julien Legrand (@julien_legrand_) el 5 de Sep de 2016 a la(s) 2:09 PDT

Por aquel entonces nos contaba que sólo hacía fotografías en blanco y negro, pero visitando su web o cualquiera de sus redes sociales pronto se comprueba que se ha pasado definitivamente al color, sin haber perdido un ápice de su estilo ni de su talento.

Miembro del colectivo VIVO (una de las agrupaciones de fotógrafos callejeros más importantes de la actualidad), curiosamente comenzó a interesarse por la fotografía de calle gracias a su afición por el skateboarding, que le dio la oportunidad de moverse libremente y explorar las calles de su ciudad. Lugares que acabó retratando con un estilo que rebosa espontaneidad, pero siempre con un punto de ironía y una cuidada composición.

Julien Legrand | Página web | Instagram | Flickr

Thomas Leuthard

Este fotógrafo suizo es otro viejo conocido de Xataka Foto al que incluso tuvimos ocasión de entrevistar hace unos años y nos dejó un titular que define muy bien tanto su forma de trabajar como, en general, la fotografía callejera: “La calle es rápida y directa, no puedes perder un segundo”

Foto de Thomas Leuthard

Thomas Leuthard se define a sí mismo como “un apasionado fotógrafo callejero […] que viaja a las grandes ciudades del mundo para presenciar y documentar la vida en la calle”. La mayoría de su producción es en blanco y negro, aunque también usa el color, y actualmente trabaja con una cámara sin espejo (aunque para él el equipo es lo de menos), para intentar pasar desapercibido, aunque no tiene reparo en disparar a todo lo que le llama la atención.

De hecho, muchas veces se asoma con descaro para fotografiar por sorpresa a quien se encuentra al otro lado de los cristales de los bares y cafeterías, logrando retratos espontáneos no exentos de riesgo. Pero además de los reflejos que brindan los cristales de las ciudades en su fotografía también abundan las siluetas, que demuestran su maestría en el campo de la composición y el juego de luz y sombras.

Thomas Leuthard | Página web | Instagram | Flikr

Graciela Magnoni

Aunque es algo que podemos aplicar a casi todos los de esta lista, de Graciela Magnoni podríamos decir que es una "ciudadana del mundo" (es un tercio francesa, otro uruguaya y un último brasileña), y ha vivido en un motón de lugares diferentes, el último Singapur. Por eso, en los últimos años sus viajes le han llevado por todo el mundo fotografiando escenas callejeras pero siempre con un sentido documental.

Una publicación compartida de graciela magnoni (@graciela_magnoni) el 3 de May de 2017 a la(s) 10:27 PDT

Y es que, para Graciela la sinceridad es un elemento fundamental de su obra porque se limita a retratar lo que ocurre ante su cámara sin dirigir nada y dejando que surja la magia: “Para mí la serendipia es el alma de una imagen; la hace auténtica y creíble”. Claro que eso no significa que las fotos surjan solas sin más, sino que implica un proceso de búsqueda para conseguirlas que, según Graciela, resulta agotador y puede ser frustrante.

Miembro del colectivo iN-Public y premiada con un meritorio segundo puesto en el apartado Series por su proyecto ‘Street Magic’ en los últimos Magnum Photography Awards en la categoría Street Photography, sin duda sus imágenes en color demuestran un gran talento para documentar lo que ocurre en las calles del mundo.

Graciela Magnoni | Página web | Instagram

Jesse Marlow

De la otra punta del mundo, concretamente de Melbourne (Australia), llega nuestra siguiente referencia, uno de esos fotógrafos callejeros obsesionados por capturar el momento decisivo. Esto hace que la obra de Jesse Marlow, mayoritariamente en color (aunque no desdeñe para nada el blanco y negro), esté formada por imágenes en donde lo cotidiano se mezcla con lo insólito y lo irónico.

Una publicación compartida de Jesse Marlow (@jessemarlow) el 3 de Dic de 2015 a la(s) 12:28 PST

Miembro, como la anterior, del colectivo de fotógrafos callejeros iN-Public, Marlow tiene una larga trayectoria como fotógrafo editorial y comercial trabajando para numerosas firmas, y ha publicado varios libros. Aunque el reconocimiento internacional le he venido por su trabajo callejero gracias al cual ha recibido varios premios y le ha permitido a participar en numerosas exhibiciones relacionadas con este género que, sin duda, domina como nadie.

Jesse Marlow | Página web | Instagram

Trent Parke

Seguimos en nuestras antípodas con otro fotógrafo que también tiene una importante trayectoria. De hecho, Trent Parke tuvo el honor de ser el primer australiano en entrar a formar parte de la agencia Magnum, como sabéis la más prestigiosa del mundo, y también forma parte del colectivo iN-Public.

Una publicación compartida de Song Tae Chong (@foxyzola) el 13 de May de 2017 a la(s) 3:47 PDT

De él ya os hablamos hace algo más de dos años a propósito de su libro ‘Minutes to Midnight’, un volumen que se ha convertido en un clásico y con el que ganó el premio W. Eugene Smith Grant in Humanistic Photography, uno de los más prestigiosos en fotografía documental. Además, Trent tambien ha ganado en cuatro ocasiones el World Press Photo dejando claro que estamos hablando de un artista con un talento descomunal.

Define su trabajo como una búsqueda constante de la luz, porque “la luz convierte lo ordinario en mágico”, y en su trabajo se aprecia claramente un carácter innovador y desafiante. Esto se plasma en unas imágenes, ya sean en blanco y negro o color, que navegan entre la ficción y la realidad, fotografías muy potentes que no dejan indiferente.

Trent Parke | Magnum

Maria Plotnikova

Esta fotógrafa moscovita es otra artista trotamundos que se dedica profesionalmente a la fotografía deportiva pero le gusta viajar por el mundo captando con su cámara la vida de las ciudades que visita, desde su fría Rusia natal hasta Latinoamérica, donde reside actualmente.

Una publicación compartida de Maria Plotnikova (@mplot) el 12 de May de 2017 a la(s) 3:04 PDT

Hasta 2010, Maria Plotnikova se dedicó casi en exclusiva a los deportes trabajando para medios rusos (ganando varios premios), y no fue hasta que se mudó a Buenos Aires en esa fecha cuando empezó a interesarse por la street photography, haciendo que la calle se convirtiera en protagonista de sus imágenes y una forma de expresar visualmente sus sentimientos acerca del mundo (aunque sigue practicando la foto deportiva en determinados eventos).

En su fotografía el color cobra protagonismo, aunque desde luego no desecha para nada la importancia de la composición y la de disparar en el momento justo para lograr captar esos momentos únicos que sólo una cámara fotográfica puede inmortalizar.

Maria Plotnikova | Página web | Instagram | Flikr

Tavepong Pratoomwong

Saltamos a Tailandia para hablar de otro artista que estuvo siempre interesado en la fotografía pero, imbuido por el trabajo, no fue hasta 2013 (a raiz de un viaje regalo de aniversario de su mujer) cuando empezó a dedicarse en serio a la street photography. A partir de entonces, Tavepong Pratoomwong comenzó a relacionarse con varios colectivos de fotografía callejera de su país y a participar en diversos proyectos.

Una publicación compartida de Tavepong Pratoomwong (@tavepong_street) el 8 de Feb de 2017 a la(s) 3:42 PST

Fue el comienzo de una aún corta pero muy fructífera carrera que le ha consolidado como un fotógrafo callejero de gran talento y le ha llevado a ganar varios premios importantes en festivales de fotografía del ramo como el LACP Street Shooting Around the World, en 2016, y el Miami Street Photography Festival en 2014.

Muchas de sus imágenes tienen algo de surrealista demostrando su capacidad, como muchos de los aquí nombrados, para captar el momento decisivo que hace que una escena casual se convierta en algo extraordinario. Sin duda un gran talento el de Tavepong.

Tavepong Pratoomwong | Página web | Instagram | Flikr

Matt Stuart

Otro nombre del que ya nos habéis oído hablar, entre otras cosas porque es uno de los últimos nominados para entrar a formar parte de Magnum Photos, además de formar parte del colectivo iN-Public. Matt Stuart es un londinense que lleva más de 20 años dedicado a la fotografía callejera.

Una publicación compartida de Matt Stuart (@mattu1) el 13 de Nov de 2016 a la(s) 10:07 PST

De joven estuvo más interesado en el skateboarding (que descubrió viendo ‘Regreso al Futuro’) y el Kung-Fu, pero su padre le regaló unos libros de Robert Frank y Henri Cartier-Bresson que, mezclados con una curiosidad innata, le hicieron decantarse finalmente por la fotografía.

Fascinado por este arte y por captar la forma en el que la gente vive su vida, sus armas son “una cámara pequeña, paciencia y optimismo” para capturar momentos únicos y conseguir imágenes sinceras y frescas que queden en la memoria de la gente. Como curiosidad, Stuart trabaja con película química, aunque para trabajos comerciales emplea también modelos digitales.

Matt Stuart | Página web | Instagram

Umberto Verdoliva

Este artista napolitano comenzó a hacer fotografías hace poco más de 10 años tras haber conocido el trabajo de Ho Fan en las calles de Hong Kong y enamorarse de la obra de autores como Cartier Bresson, André Kertész y Elliot Erwitt.

Miembro del colectivo VIVO desde 2010 y fundador de Spontanea, colectivo italiano de fotografía callejera, Umberto Verdoliva ha trabajado para un buen número de medios de comunicación, tanto de su país como de nivel internacional, y ha participado en un montón de festivales de foto callejera en los que ha estado entre los finalistas y ha logrado varios premios, como el del público en el Miami Street Photography Festival 2014.

Observador cuidadoso de lo que le rodea, para él la fotografía es una arma testimonial de los tiempos que corren pero sin renunciar en ningún caso a convertir lo ordinario en extraordinario. Tampoco a la poesía o una sutil ironía, cualidades ambas que abundan en sus imágenes.

Umberto Verdoliva | Página web | Instagram | Flikr

Vineet Vohra

Este fotógrafo indio, nacido en Delhi, se crió bajo la tutela de su padre y su tío, ambos artistas, que fueron una fuente de inspiración para decantarse por el arte. Empezó muy joven a hacer fotos con una Minolta X-700 a “cualquier cosa que me llamara la atención” y fue en 2001 cuando volcó su mirada hacia la calle, su gran inspiradora.

Una publicación compartida de Vineet vohra (@vineet_vohra) el 18 de May de 2017 a la(s) 8:55 PDT

Para él la fotografía es un viaje que se hace todos los días, que obliga a un esfuerzo continuo y permite aprender y desaprender diariamente. ”La vida en general es tan inesperada que intento ser tan honesto como puedo a través de mi cámara”.

Miembro del Street Colective, su filosofía se basa (como muchos de los fotógrafos comentados en este artículo) en retratar momentos ordinarios que se tornan extraordinarios por obra y magia de la fotografía. Esto se puede apreciar perfectamente en unas fotos, tanto en color como en blanco y negro, en las que combina a la perfección el elemento humano y su entorno.

Vineet Vohra | Instagram | Flickr

Alex Webb

Terminamos con un auténtico “monstruo” del que poco podemos decir que no hayamos contado ya. Nacido en San Francisco y pareja sentimental/ artística de la también fotógrafa Rebecca Norris (con la que hace poco publicó un proyecto que es una especie de biografía en imágenes de su historia conjunta), el prestigio de Alex Webb es enorme por su trabajo documentando algunos rincones del mundo como nadie lo había hecho hasta entonces.

Una publicación compartida de Alex Webb/Rebecca Norris Webb (@webb_norriswebb) el 1 de May de 2017 a la(s) 9:37 PDT

Por ejemplo su trabajo retratando la dura realidad de países de América Central, Sur y Caribe, en especial Haiti, que le abrió las puertas de Magnum. Desde entonces es considerado uno de los documentalistas más influyentes de las últimas décadas, y también uno de los mayores estandartes de la fotografía callejera en color.

De hecho, entre sus principales cualidades está su gran dominio de la luz y el color, y también una maestría especial para componer imágenes con múltiples elementos sin que la confusión se apodere de la escena. Un maestro del género que hay que conocer.

Alex Webb | Página web | Instagram

Foto de Takayuki Miki (三木貴幸)

Y con esto hemos terminado nuestra serie dedicada a la fotografía callejera que comenzamos con la intención de ofreceros un amplio listado de artistas especialistas del género. Como siempre, somos conscientes de que echaréis en falta algunos nombres, y por eso no nos queda más remedio que recurrir al manido “no están todos los que son pero sí que son todos los que están”.

En cualquier caso, esperamos vuestros comentarios y aportaciones para completar un listado que, cuanto menos, esperamos que os haya parecido interesante.

En Xataka Foto | Fotógrafos de calle: (I): 13 grandes clásicos que deberías conocer y (II): 13 fotógrafos españoles a los que seguir la pista

Foto de portada | 'Sign Lenguage (Wellcome to Barcelona)', de Thomas Leuthard

Puede que a primera vista las imágenes de 'Flatland II' simplemente te parezcan extrañas. Pero si te fijas bien descubrirás unas imágenes sencillamente hipnóticas que te atrapan en la contemplación de algo que se escapa de la realidad por su increíble perspectiva. Su creador es Aydin Büyüktaş, un artista turco obsesionado por el espacio y las dimensiones.

Curiosamente, la traducción del título del proyecto sería literalmente “tierra plana”, pero eso es justo lo contrario de lo que muestran, ya que el fotógrafo ha logrado “retorcer” un vasto espacio plano y otorgarle una nueva dimensión. Hasta el punto de que algunas de las fotos, las que tienen un camino, carretera o similar, parecen un paisaje convertido en una trepidante montaña rusa.

Nacido en Ankara, Aydın Büyüktaş dejó el sector del turismo para trasladarse a Estambul en el año 2000 y dedicarse a lo que realmente le gustaba: el vídeo, la animación, los efectos visuales.... Allí empezó a trabajar en muchas películas y campañas publicitarias con varias de las compañías turcas más punteras, para posteriormente establecerse en solitario como artista multimedia tras estudiar fotografía en la Universidad de Bellas Artes Mimar Sinan.

Interesado desde la infancia por los las series de ciencia ficción y los libros de escritores como Isaac Asimov y H.G. Wells, desde siempre los temas relacionados con los agujeros negros o los universos paralelos le habían resultado muy sugerentes. Así que un día, leyendo ‘Flatland: A Romance of Many Dimensions’ (que en España se tradujo como ‘Planilandia: Una novela de muchas dimensiones’), un relato satírico de Edwin Abbott que imaginaba un mundo en solo dos dimensiones, se le ocurrió que a través de fotografías podía crear un universo paralelo con una visión distorsionada del mundo.

Por cierto que, como imagináis, si se llama 'Flatland II' es porque antes hubo una primera parte que Aydın realizó en tierras turcas y donde empezó a prácticar la ténica que ha utilizado para lograr estas imágenes. La cuestión es que esta segunda parte del proyecto fue hecha a lo largo de un viaje por los EEUU, motivo por el cual ha alcanzado una mayor difusión (si no, quizá nunca le hubiésemos conocido).

Arizona, Tejas, California y Nuevo México fueron los estados que visitó para capturar 45 escenarios, que luego se quedaron en 35 y finalmente en 19. Para elegirlos necesitó dos meses de planificación antes de viajar a los EEUU buscando a través de Google Earth los lugares que iba a captar. Y para fotografiarlos necesitó un dron y otro mes en el que recorrió, casi siempre solo y por carreteras secundarias con poco tráfico, más de 16 mil kilómetros.

Ya en la fase de procesado, utilizó un software de renderización 3D y Photoshop para crear cada uno de los “collages”. Un trabajo que le llevó aproximadamente otros dos meses que necesitó para combinar las entre 18 y 20 fotos que componen cada imagen final. Un trabajo sin duda meritorio por el cual no podemos hacer otra cosa más que felicitarle y con el que os dejamos para vuestro disfrute.

Aydin Buyuktas | Página web | Facebook | Instagram

En Xataka Foto | El no va más en fotografía de boda: el reportaje de una pareja a los pies del Everest

Fotografías de Aydin Buyuktas reproducidas con permiso del autor para este artículo

Os confieso que no recuerdo ni dónde encontré la foto que veis en portada pero que me cautivó la claridad con la que se aprecia la planta de la Catedral de Toledo y decidí investigar quién la había hecho. Así llegué a un perfil de Skypixel, una red social para usuarios de drones de la que ya os hemos hablado otras veces, y me encontré con el proyecto ‘Drone 365’ y con Martín Sánchez.

Así se llama el fotógrafo responsable de estas fotografías que os muestro. Curiosamente, a pesar de su nombre, Martín vive en Norteamérica (aunque es mitad yanqui y mitad argentino) y solamente es un fotógrafo aficionado al que le gusta experimentar con su DJI Mavic Pro que se compró a finales de 2015.

Antes de eso ya había probado a volar otros drones, pero cuando de verdad se decidió a ahorrar lo suficiente para comprar uno fue cuando las cámaras se introdujeron en este tipo de aparatos. Porque la fotografía siempre la había gustado, aunque no había pasado de disparar sin más con su iPhone o una vieja cámara réflex, y nunca con intención de desarrollar un estilo.

La verdad es que sus imágenes merecen la pena y también su historia, la de un aficionado al que antes de que acabar 2016 se le ocurrió la idea del proyecto ‘Drone 365’. Un reto que se propuso realizar y que consistía sencillamente en tomar una foto diaria con su dron a lo largo de todo un año (al estilo de otros proyectos similares) y colgarlas en su Instagram. Sin embargo, su intención chocó con los elementos (como la famosa Armada Invencible) en forma de una semana entera de lluvia que le obligó a dejar su dron en dique seco cuando sólo llevaba 95 fotos.

A pesar de ello, Martín nos confiesa que “fue una gran oportunidad para salir a hacer fotos y explorar nuevos lugares. Supongo que cuando llegue el momento lo intentaré de nuevo y empezaré otra vez”. Esperamos que así sea porque sus fotos tomadas con el drone tienen un estilo propio y una personalidad que habla de alguien que disfruta con ello y que tiene un talento a desarrollar. Desde aquí, desde luego, le animamos a continuar con ello.

Martín Sánchez | Skypixel | Instagram | Donestagram

En Xataka Foto | Estos son los ganadores del NYC Drone Film Festival 2017

Fotografías de Martín Sánchez reproducidas con permiso del autor para este artículo

Uno de los fotógrafos de moda más importantes de los últimos tiempos, ha creado la última campaña de Barceló Hotels & Resorts bajo el lema Bartceló, el arte de innovar. Por este motivo hemos tenido la oportunidad de entrevistar a su autor, Eugenio Recuenco.

La campaña publicitaria de Barceló Hotels & Resorts consiste en destacar tres de los conceptos más novedosos de la nueva temporada, desde ofrecer la mayor calidad en los desayunos de los clientes, pasando por una nueva forma de entretener a los niños que se hospedan en sus hoteles, hasta la presentación de las nuevas habitaciones de la más alta calidad.

Este era el reto al que se enfrentaba Eugenio Recuenco con su equipo. Dar forma, con total libertad, a estas ideas a través de la fotografía. Así que nos fuimos al hotel Barceló Torre de Madrid para preguntarle cómo resolvió el encargo y muchas más cosas sobre el rico mundo de la imagen. También nos acompañaron Eric Dover, director de arte de la campaña y Sara Ramis, directora de marketing de Barceló Hotel Group.

Ahora mismo te reconocen como uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo, con multitud de clientes y proyectos. ¿Qué te atrajo de la propuesta de Barceló?

Por primera vez en la vida me ofrecían la posibilidad de hacer la fotografía como yo quisiera teniendo en cuenta el concepto y acepté sin pestañear.

¿Cómo se desarrollaron las ideas para crear la campaña?

Hubo una serie de conceptos que se dieron al equipo por parte de Barceló Hotels&Resort, y cuál era la línea que querían representar y publicitar. A partir de ahí empezamos un recorrido con diferentes caminos.

Por un lado es muy enriquecedor y bonito trabajar así; pero por otro lado es muy incómodo, por todas las dificultades que se presentan. Es la foto con la que te has comprometido con Barceló Hotels&Resort. Es el trabajo de todo el equipo. Tuvimos tiempo para poder plantear lo que funcionaba, lo que no... hasta que se llegó a la esencia del proyecto de la forma más personal con ningún tipo de coacción.

Se construyeron los universos donde se desarrollan las historias. Tanta libertad es un abanico de posibilidades que se te abren a ti mismo. Luego tuvimos que luchar contra muchos conceptos diferentes e ir viendo que era lo que más nos gustaba de cada una y conseguir que todo fuera un conjunto. Esto no consiste en hacer seis disparos muy buenos y que no tengan nada que ver entre ellos.

Había que hacer que se sintieran como una campaña única. Llevó mucho tiempo la verdad. Y sobre todo hay que agradecérselo a Eric Dover, director de arte de la campaña, que montó todos los decorados. Todo lo que veis estaba ahí realmente.

Eric: Cuando te dan la libertad hay muchos tipos de fotografías que puedes hacer. Se preparó una especie de puzzle con muchísimas imágenes que tenían que ver con el concepto. Fue un trabajo en equipo con la gente de Barceló Hotel Group donde todo se iba asentando y madurando para llegar finalmente a la campaña que podemos ver.

Sara Ramis: Ha sido un trabajo en equipo tan bien llevado al concepto que queríamos gracias a su creatividad. Hemos aportado lo mejor de cada lado.

Sostengo la teoría de que la mayoría de los mejores fotógrafos (Cartier Bresson, García Rodero, William Klein, Moholy Nagy...) son aquellos que tienen formación de pintor. Tú vienes de la facultad de Bellas Artes, tu inspiración es claramente pictórica… ¿Estás de acuerdo?

La verdad es que no te lo puedo confirmar. Yo solo he estudiado Bellas Artes. Puedes llegar a ser fotógrafo desde muchísimos sitios. En Bellas Artes nunca estudié fotografía. Realmente no ilumino, coloco la luz donde la necesito y la quito donde sobra. No hay que hacer nada más para hacer una fotografía.

Venir de Bellas Artes yo creo que puede educar la mirada pero algunas veces ni siquiera eso. Posiblemente te ayuda a intentar que haya una relación armoniosa en la composición que lleve al espectador a percibir lo que tienes delante como más estético. Desde mi experiencia, es para lo que me ha servido.

Lo que hace que te guste más es que sea más imperfecto. Al final una fotografía es un resumen de todo lo que llevas dentro. En mi caso ese poso está ahí y se refleja en mis imágenes. A otro que no le guste la pintura puede hacerte una fotografía igualmente interesante porque su mundo es totalmente distinto a lo que vemos. Para mi no es imprescindible.

Tus fotografías son tu pasado y si vienes de la pintura saldrá reflejada. También depende del gusto del espectador. Un espectador a lo mejor tiene la misma afinidad que el fotógrafo y le interesan los mismos mundos y te olvidas de los que no entran en tu mismo espectro.

En tus fotografías hay siempre una idea que se materializa con la ayuda de la escenografía e iluminación, como ocurre con Mario Testino o Annie Leibovitz. Luego todo culmina en el laboratorio digital. ¿Qué importancia tiene para ti el papel de los programas de edición? ¿Cómo ha cambiado la fotografía por el mundo digital? ¿Qué importancia tiene el equipo humano para un fotógrafo de moda?

Intentamos que esté todo lo posible en el momento del disparo, porque tengo que entender la relación que hay entre las cosas. Seguramente ahora se podría hacer todo con Photoshop. Yo preparo junto con mi equipo el momento del clic, no quiero hacer un clic para luego hacer una fotografía. Es algo muy diferente.

Photoshop es solo una herramienta más. Te ayuda como fotógrafo. No es el fin. No tiene sentido disparar pensando que luego todo lo hará el programa. Si eres retocador será tu fin pero como fotógrafo la foto la tienes que tener en el momento del disparo. Por este motivo no me ha cambiado mucho el universo digital.

Estos programas sirven para quitar pequeñas cosas que te den la libertad de no tener que crear toda la imagen en su más mínimo detalle. Antiguamente todo estaba orientado al no retocar nada, porque prácticamente no existía.

Eric: En este proceso de la creación de una imagen Eugenio no te va a decir que tiene la foto si no la ve. Esto imposibilita que luego podamos poner un engranaje en postproducción porque ver directamente la incidencia de la luz, las sombras y demás, es su forma de trabajar. No podemos olvidar que venimos de la época del carrete.

Tengo la sensación de que el mundo del cine cada vez está atrapándote más. Y después de ver tus fotografías parece el camino natural.¿Es el cine el nuevo camino para los fotógrafos? ¿Las nuevas cámaras lo facilitan?

Permiten que gente con talento haga cine y pueda llegar a ser visible. Permiten que muchos que no tienen ni idea hagan sus proyectos. No porque sea más fácil rodar te van a permitir mostrar lo que haces.

Es importante tener que contar algo para que pueda existir una película. Puedes comprarte la cámara perfecta, pero si no eres capaz de poner delante de ella nada interesante, no podrá hacer una buena foto, por mucha capacidad técnica que tenga.

El camino que me apetece seguir ahora es ir explorando la parte audiovisual y hacer una película, que es diferente a hacerte director de cine. Me apetece contar historias, pero no convertirme en director de cine. Porque una vez cuente esas historias veré si merece la pena seguir o no seguir haciéndolas. De momento es una ilusión porque es un complemento más.

Es dar movimiento a una fotografía con tiempo y música y conseguir muchas más sensaciones. No es un camino para todos los fotógrafos, desde luego. Esto surge de una idea que tenía desde hace mucho tiempo. Hay que tener en cuenta que yo tampoco me considero fotógrafo. Hago escenografías para óperas. Lo que realmente me apetece hacer con mi equipo es trabajar con la imagen.

Soy más un creador de imágenes que un fotógrafo. Realmente admiro a los que se dedican al reportaje porque tienen un ojo entrenado para mirar la realidad, pues yo casi me limito a crear mi propio universo, una realidad paralela. Por tanto no me considero fotógrafo, hacemos lo que nos pidan con la imagen. Y si nos gusta nos ponemos manos a la obra.

El cortometraje 'Manuscrit Trouvé Dans L'oubli' (manuscrito encontrado en el olvido) fue un éxito reciente en el festival de Piélagos. Me imagino que quieres experimentar un nuevo lenguaje y por eso no has hecho tú la fotografía. ¿Cuál es la importancia de la fotografía en el cine para ti?

Es muy importante. Tan importante que si quiero dirigir y contar bien una historia como yo quiero, necesito un profesional que sepa más que yo. Una cosa es que haya comunicación con el director de fotografía y vas a trabajar con él cómo quieres la imagen, pero no puedo estar inmerso en la fotografía si lo que quiero es estar atento a todo lo que rodea la creación de una película.

Si tú llegas al entendimiento con un director de fotografía con un universo más amplio que el tuyo, todo irá más fluido. Yo sé iluminar una imagen fija pero hacerlo con el movimiento es otra historia. Aprenderlo supondría un esfuerzo que quiero dedicar a plasmar bien la historia.

Consejos para jóvenes fotógrafos de moda

Una de las cosas que siempre agradeceré son los consejos que dan los fotógrafos a sus alumnos. ¿Qué dirías hoy en día a alguien que quiere ser fotógrafo? ¿Quién te puede abrir la mente como fotógrafo?

Al final todo consiste en hacer fotos, fotos y más fotos. Pero hacer fotos no para alguien en concreto. No tiene que haber ningún fin cuando empiezas.

La mayor equivocación de los principiantes es hacer fotografías pensando en alguien en concreto que las va a ver. No están pensando en ellos mismos disparando esa imagen. No tienes que hacer una serie porque ahora se lleva esto, o porque es la moda. Justamente es todo lo contrario.

Para llegar a la moda, que es algo que cambia cada seis meses, y que es la novedad lo que destaca siempre, si quieres estar a gusto contigo mismo, tienes que parar un momento y darte cuenta de que no puedes ir detrás de la moda. Tienes que servirte de ella y ser tú el que hagas las fotografías que a ti te convenzan como espectador. Preguntarte qué es lo que te gustaría a ti ver como espectador cuando abres una revista o vas por la calle. Ese es el camino.

Y no ver que algo tiene éxito y copiarlo. Así es la mejor manera de ir por detrás y estar disgustado contigo mismo porque el éxito depende de los que te ven, no de lo convencido que estés tú de tu propio trabajo. Para llegar a este nivel solo tienes que hacer muchas fotos y no buscar un estilo. Tienes que inventar y al final conseguirás lo que más te gusta hacer.

Es muy duro si dedicas toda tu vida a crear algo que no te gusta para dar placer a los demás. No es una buena forma de terminar todos los días de tu vida.

Eugenio Recuenco podría ser uno de esos fotógrafos de película que miran por encima del hombro a los modelos que fotografía y trata con desprecio a sus semejantes. Pero afortunadamente no cumple ni uno solo de los tópicos de los fotógrafos de moda. Es una persona cercana de la que todos los que amamos la fotografía podemos aprender.

Más info | Eugenio Recuenco

Joel Tjintjelaar puede que a muy pocos les suene, pero tiene algunas de las imágenes más potentes en blanco y negro de los últimos tiempos. Y muchos fotógrafos están fuertemente influenciados por su estética y su depurada técnica. Por eso creo que sus consejos pueden servirnos a muchos para mejorar esa fotografía que nos emocione tener en nuestro propio archivo.

Joel Tjintjelaar es un fotógrafo holandés especializado en fotografía en blanco y negro de larga exposición y arquitectura. Suyas son esas imágenes que vemos por todos lados de edificios picados con las nubes voladas, o las tomas del skyline de Nueva York desde el otro lado del río con varios minutos de exposición. Él las hizo primero.

Nunca he hecho fotografías de larga exposición durante el día, pero si alguna vez lo hago, me dejaré llevar por el estilo de Joel Tjintjelaar hasta que pueda adaptarlo al mío propio. Por eso, cuando leí estos consejos no dude en ningún momento en memorizarlos para aplicarlos algún día en esas futuras fotos... Sin embargo creo que se pueden utilizar para hacer cualquier foto en blanco y negro. Vamos a verlos.

Los consejos de Joel Tjintjelaar

Desde luego lo mejor que podemos hacer es acudir a la fuente original y aprendérselos de memoria, pero vamos a estudiarlos uno a uno para sacarles todo el jugo, como decía mi abuela.

El blanco y negro nunca se hace en la cámara

Salvo que seamos uno de los afortunados poseedores de las nuevas y económicas cámaras monocromáticas, de las que hemos hablado aquí, no nos queda más remedio que disparar siempre en formato RAW y ver la fotografía en color. Se podría discutir que realmente los archivos crudos no tienen color y demás, pero la información que ofrece la cámara parte de la matriz Bayer es puro color.

Foto de Fernando Sánchez

Solo si disparamos en jpeg podríamos tener el archivo en blanco y negro. Pero es una mala idea, pues de golpe perderemos dos tercios de la información total que puede recoger el sensor, además de la compresión de datos por culpa del formato elegido. Partimos del color y luego en el proceso de revelado convertimos en escala de grises.

Otra opción es configurar para que veamos la imagen en B&N en la pantalla, de la misma forma que soñaba Ansel Adams cuando colocaba un filtro ante sus ojos para ver unos pocos segundos en blanco y negro, pero este acto inocente puede provocar errores en la exposición, por lo que no lo aconsejo.

Las máscaras de luminosidad son el mejor proceso de revelado

Joel Tjintjelaar es un firme defensor de las máscaras de luminosidad inventadas por Tony Kuyper. Sostiene que no hay otro método que permita tener tanto control como este, del que ya hemos hablado en Xataka Foto.

Exigen, como bien saben nuestros lectores, un poco de técnica y bastante dominio de la visualización para saber realmente qué necesitamos hacer. Puede que sea la técnica definitiva, ningún otro método consigue crear selecciones tan precisas de las zonas de la fotografía y por supuesto, no hay otra capaz de crear esas gradaciones tan naturales que hacen que nos olvidemos de los temidos halos que tantos quebraderos de cabeza nos han dado hasta ahora.

Máscara de luminosidad

Pero como siempre, de nada sirve dominar las máscaras de luminosidad si la fotografía no es buena. Es algo muy obvio, pero muchas veces se oyen los típicos comentarios sobre que lo que no se pueda hacer en el momento del disparo se soluciona sentado delante del ordenador.

El dodge&burn no es una técnica imprescindible para la fotografía en blanco y negro

Esta técnica, el dodge&burn, el clásico método utilizado desde los tiempos remotos del laboratorio analógico, no es la más idónea para el revelado digital. El mismo Joel Tjintjelaar dice que ha quedado obsoleta por las máscaras de luminosidad. No permite tanta precisión como estas. Pero por una vez no estoy de acuerdo con él.

Dodge&burn

Aclarar y oscurecer forman parte del ADN de los fotógrafos que revelamos. Antes poníamos las manos o plantillas artesanales de cartón negro para mejorar nuestras copias. Y hoy lo podemos seguir haciendo para darle ese aspecto manual a la perfección de una matriz de píxeles perfectamente alineados.

Es verdad que es más práctico usar las capas de ajuste de Curvas, o incluso las de niveles con ayuda de una buena máscara de capa (si vienen de las máscaras de luminosidad ya serán impresionantes) pero esos toques sutiles e imperfectos con la herramienta Pincel siempre le darán un poco de humanidad a nuestras fotografías.

Olvidémonos de las reglas de composición

Es uno de los temas candentes en las reuniones y charlas fotográficas de toda asociación que se precie. Hay firmes defensores de las reglas de composición y detractores. Hay personas que si detectan que las líneas imaginarias no pasan por donde dicen los sacrosantos manuales descalifican sin miramientos la fotografía que estén viendo.

Una de las muchas reglas de composición que no cumple esta foto

Hay vida más allá de la regla de los tercios o del punto áureo. En el mundo del arte, en el cual los fotógrafos nos miramos siempre aunque no sea necesario, podemos encontrar otras formas de colocar los elementos en el plano. Hay que estudiar mucho, sentir más y sobre todo, tener claro que queremos decir al espectador de nuestros disparos.

Busca un estilo propio

No hay nada peor para un fotógrafo que disparar y revelar sus imágenes sin un objetivo final. Para llegar a ser buenos fotógrafos tenemos que hacer una declaración de intenciones, seguir una línea que lleve a nuestros espectadores a decir: esta foto es de fulanito, reconozco su estilo.

El resultado final

No tiene sentido copiar hoy a Joel Tjintjelaar, mañana a Cartier Bresson y pasado a José María Mellado. Lo que tenemos que hacer como fotógrafos es conocer a todos los autores que nos pueden gustar y asimilarlos para comunicar lo que queremos decir realmente. Solo nosotros lo sabremos. Y si estamos seguros de lo que estamos haciendo, no escuchemos a los que dan consejos. O al menos, si vemos que no nos aportan nada, no tratemos de entenderles. Hacer fotos no deja de ser algo muy personal.

En Xataka Foto| Cómo conseguir mejores fotos en blanco y negro, ya sea disparando con película o en digital

Hace poco ha vuelto a saltar una noticia que define la posición de muchos políticos ante el mundo de la cultura. Ese mundo que nos hace pensar, recordar y sentir. El fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos, al que no tengo la suerte de conocer personalmente, ha publicado que uno de sus proyectos más queridos, llamado 'Rota', ha sido suspendido por desacuerdos con el ayuntamiento de dicha localidad**.

Juan Manuel Díaz Burgos (Cartagena, 1951) es uno de los fotógrafos más interesantes del panorama español. Auqnue siempre le ha gustado estar detrás de una cámara, no fue hasta que entró en la Universidad Popular de Cartagena cuando aprendió todos los pormenores del arte de la luz. Allí dio forma a una pasión que había empezado con ocho años.

Si atendemos a su currículo descubriremos que nunca ha dejado de mirar. Tiene decenas de libros, su obra está en algunas de las colecciones más importantes del mundo y, sobre todo, tiene amigos. Buenas señales para descubrir que estamos ante uno de los maestros del panorama español. No puedo olvidar su Historias de playa, donde nos cuenta como nadie la vida en el litoral. O cualquiera de los trabajos dedicados a su pasión que es Latinoamérica: 'Malecón de La Habana. El gran sofá', 'La Habana. Visión interior' o su último proyecto 'Trópico de cáncer'.

Uno de sus proyectos más queridos, en el que llevaba inmerso siete largos años era 'Rota'. Durante los ochenta y los noventa retrató a muchos de los habitantes de este pueblo gaditano en un exquisito blanco y negro. Estas fotografías, fiel reflejo de una época que se va y de la que solo quedaría constancia en la memoria de sus habitantes de no ser por la obra de nuestro fotógrafo, son un ejercicio perfecto. Quien haya visto alguna copia (de su propia mano) de la serie, expuesta en medio mundo, no habrá dejado de admirar el trabajo bien hecho.

El proyecto de Rota

La idea de Juan Manuel Díaz Burgos era donar la obra al ayuntamiento del pueblo de Rota con una serie de condiciones que siempre dejó claras:

...en ningún caso se contemplaba el percibir dinero alguno por la entrega gratuita de 100 fotografías de tamaño 50x50 cm. pero con la condición de hacer una exposición y publicación referente a este trabajo.

Todo parecía ir bien hasta el 29 de mayo cuando, por algún motivo, el ayuntamiento de la localidad gaditana rompe con las condiciones propuestas. Lo único que se mantendría es la exposición, pero la publicación del catálogo no se podría asumir. Y una exposición sin catálogo no tiene sentido. Es la única forma de recordar que una vez esas obras estuvieron colgadas, como bien dice en esta entrevista:

Un libro es la obra cumbre a la que un fotógrafo aspira, es ver su trabajo transportado a la memoria colectiva. Pero ojo, que hacer un libro no tiene por qué ser sinónimo de “bueno”. No hacerlo con criterio puede convertirse en el peor embajador de nuestra propia obra. Así que paciencia y mucha convicción de mostrar un producto lo suficientemente bueno para que, cuando pasen algunos años, alguien se acuerde aún de aquel libro.

Rota (1986) Retrato a Manuel Cabeza

Desde el primer momento en que el autor comenta la situación en las redes ha obtenido el apoyo de todos. Salvo de algunos que no merece la pena comentar por su visión sesgada, pero a los que muy bien ha contestado uno de sus muchos amigos:

Es como si Dalí donase obras a su pueblo y la condición que pone es que debe exponerse en un sitio digno con una publicación que recoja la obra y le dicen que no aceptan la donación porque Dalí lo hace para enaltecerse a sí mismo.

El desprecio por la fotografía

Y es que lo que ha pasado es algo que viene golpeando a la fotografía desde hace mucho tiempo. Y que poco a poco va lastimando a todos los que nos dedicamos a ella... o al menos disfrutamos con ella. La fotografía se ha convertido para muchos en eso que haces con el móvil y envías por whatsapp. No supone esfuerzo, no sirve para nada y desde luego no merece la pena gastar el dinero en ella.

Rota (1985) Retrato a Carbonero

No tiene sentido despreciar de semejante forma el trabajo de alguien que dona su obra a un pueblo para que sea disfrutado por las generaciones futuras. No estamos ante los disparos de algún desconocido que acaba de empezar. Juan Manuel Díaz Burgos está reconocido como uno de los mejores. Jamás pidió dinero a cambio. Pero el problema es, con toda seguridad, que estamos ante el trabajo de un fotógrafo... ¿Al fin y al cabo no hace todo el mundo fotografías?

La fotografía no vende ni llama la atención de los políticos ávidos de obras para conseguir nuevas legislaturas. Todos los que nos dedicamos a estas cosas hemos tenido diversas experiencias sobre lo poco que se valora nuestro trabajo. Una vez, la jefa de prensa de un conocido y prestigioso centro cultural madrileño me vio haciendo fotos en un acto. Estaba contratado por los propios artistas. Ella me dijo que si no me importaba darles las fotos porque se habían quedado sin presupuesto para pagar a un fotógrafo... Y muchas más historias que seguro que entre todos podemos recopilar.

Alguien tendría que contar a los que han rechazado el proyecto que la historia de los pueblos tiene un valor incalculable. Que si esa historia la cuenta uno de los mejores fotógrafos de nuestro tiempo, será algo que perdurará para siempre. Y que ese trabajo sin duda se revalorizará con el paso de los años. A lo mejor así algunos se enteran de lo que están perdiendo.

Pero no todo son malas noticias. Parece que el proyecto está interesando a mucha gente que saben valorar la mirada de los buenos fotógrafos. Estaremos atentos a ver en qué acaba todo esto finalmente.

En Xataka Foto| Los fotógrafos españoles también son solidarios

Fotografías de Juan Manuel Díaz Burgos reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hoy se han dado a conocer en La Fábrica los ganadores de los premios Premio Bartolomé Ros y Premio PHotoEspaña que reconocen la trayectoria profesional de los fotógrafos, en esta ocasión han recaído a Juan Manuel Díaz Burgos y Cristina García Rodero respectivamente.

Como parte de las actividades que se llevan a cabo en torno a PhotoEspaña 2017 está el reconocimiento que desde la organización del festival se otorga a la carrera profesional de fotógrafos, este año, además, también entregará medallas como reconocimiento a la labor de profesionales, instituciones y patrocinadores públicos y privados que han contribuido al desarrollo del Festival a lo largo de los años.

Premio PHotoEspaña. Cristina García Rodero

Podría parecer que García Rodero ya lo ha ganado todo, pero la propia autora reconoce que este premio le hace especial ilusión. "Los premios son siempre una alegría que te ayudan a continuar" ha dicho, "agradezco muchísimo estar entre los premiados"

En el año 2000 García Rodero ya consiguió el otro premio que también se entrega hoy, el Bartolomé Ros, en relación a su "compañero de premio" ha dicho que "Es un privilegio tener al lado a Juan Manuel Díaz Burgos como ganador del Premio Bartolomé Ros" porque "Vivir en España a nivel creativo es una desgracia, con Juan Manuel han sido muy injustos, es un retratista maravilloso, que hace un paisaje difícil, lleno de vida"

Cristina García Rodero en la entrega del Premio PhotoEspaña 2017. Chema Sanmoran

Este Premio lo otorga la organización de PhotoEspaña, no hay jurado y con el se quiere reconocer el reconocimiento de una trayectoria que le ha convertido en un referente nacional e internacional. Este año su obra Lalibela, cerca del cielo se exhibe dentro de la sección Oficial de PhotoEspaña 2017.

Premio Bartolomé Ros

La constancia, independencia y compromiso de Juan Manuel Díaz Burgos han sido los valores que más ha pensado al jurado que ha decidido que este año el premio recaiga en el fotógrafo cartagenero.

Juan Manuel Díaz Burgos en la rueda de prensa del Premio Bartolomé Ros 2017. Chema Sanmoran.

Rosa Ros, hija del fotógrafo Bartolomé Ros y responsable de su legado, encabeza el jurado que este año estaba compuesto por Chema Conesa, Lucía Casani, Manuel Oliveira y Alberto Anaut.

De izquierda a derecha: María García Yelo, Cristina García Rodero, Juan Manuel Díaz Burgos y Rosa Ros. PhotoEspaña 2017. Chema Sanmoran.

La obra de Juan Manuel Díaz Burgos refleja las realidades existentes en España y Latinoamérica, por fin un premio de la categoría del Bartolomé Ros premia el trabajo y la trayectoria de uno de los fotógrafos más interesante del panorama español, con una obra de 15 libros de ensayo fotográfico, y una obra que puede presumir de estar en algunas de las colecciones más importantes del mundo.

Más info | La Fábrica

Muchos recordaréis a Arthur Conan Doyle como el escritor de las hazañas y aventuras del suspicaz e inteligente detective Sherlock Holmes, pero también fue doctor, soldado, político militante, espiritualista y, lo que nos lleva a hablar de el en Xataka Foto, fue un prolífico fotógrafo.

Doyle proviene de una familia de ilustradores y caricaturistas muy importante en la Escocia del S.XIX que cayó en el olvido cuando uno de sus miembros los arruinó por sus problemas con el alcohol. Con ayuda económica de sus familiares entró en la facultad de medicina donde se licenció como cirujano, allí comenzó a escribir relatos cortos. Doyle era de aprovechar el tiempo y al acabar decidió irse de viaje con unos amigos antes de embarcarse como médico en el buque SS Mayumba, ahí empezó a interesarse por la fotografía.

En ese viaje consiguió conjugar la incipiente pasión fotográfica con la escritura lo que le llevó a publicar en el British Journal of Photography en Octubre de 1881 un artículo titulado After Cormorants with a Camera, esto empezó a convertirse en algo habitual y empezó a escribir artículos de sus viajes donde combinaba la experiencia vivida con las técnicas que utilizaba para hacer las fotografías.

Doyle en un barco por el Mediterráneo

Durante cuatro años Doyle publicó 16 artículos en diferentes medios, en casi todos hablaba de sus viajes pero hay quien dice que se encontró a sí mismo y que eso le inspiró para concebir el personaje que acompañaría a Holmes en sus investigaciones, el Señor Watson.

Foto de inicio | The Arthur Conan Doyle Encyclopedia

Fuente | BJP

A muy poca gente le suena el nombre de uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX: Albert Renger-Patzsch. Para superar este olvido, la Fundación Mapfre de Madrid ha inaugurado hoy, lejos de PhotoEspaña, la retrospectiva Albert Renger-Patzsch. La perspectiva de las cosas. Una ocasión única para adentrarse en el rico mundo que nos legó este gran fotógrafo.

La historia de la fotografía es fundamental para lograr hacer algún día un buen trabajo. Puede que no te inspire devorar los clásicos libros donde cuentan las corrientes fotográficas y las figuras de los principales autores. Pero si quieres mejorar no queda más remedio que tener múltiples fuentes para la inspiración. Quizás se puede vivir sin saber, pero todo será más aburrido y monótono a la hora de hacer fotos.

Albert Renger-Patzsch Hormas en la fábrica Fagus, Alfeld [Schuhleisten im Faguswerk Alfeld], 1928 Copia de época sobre gelatina de plata 16,9 × 22,8 cm Albert Renger-Patzsch Archiv / Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, Múnich. N.º INV. AJW 513

La retrospectiva de Albert Renger-Patzsch que nos presenta la Fundación Mapfre para el verano ha sido todo un descubrimiento para el que escribe estas líneas. Este autor no dejaba de ser una referencia en los libros. Y he de reconocer que nunca le había prestado mucha atención. Pero no me queda más remedio que quitarme el sombrero y empezar a investigar más sobre esta figura fundamental de la fotografía del siglo XX.

Albert Renger-Patzsch en la Fundación Mapfre

Cualquier fotógrafo de Madrid tiene una deuda pendiente con las exposiciones que llevamos años disfrutando por parte de la Fundación Mapfre. Y en el caso de la exposición de Albert Renger-Patzsch más todavía. Recorre cuarenta años de trabajo, desde los años 20 hasta los 60. Su camino se reconoce claramente en la obra de los Becher. Y hoy todos los alumnos de su escuela son los popes de la fotografía contemporánea. Así que su valor actual está claro.

Albert Renger-Patzsch Un nodo del puente de celosía de Duisburgo-Hochfeld [Ein Knotenpunkt der Fachwerkbrücke Duisburg-Hochfeld], 1928 Copia de época sobre gelatina de plata 22,7 × 16,7 cm Albert Renger-Patzsch Archiv / Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, Múnich. N.º INV. AJW 883

La exposición consta de material documental y 185 fotografías originales que muestran la evolución del fotógrafo a lo largo de seis series. Es el autor más importante de uno de los movimientos fotográficos más revolucionarios: la Nueva objetividad alemana. Nació como contraposición de los movimientos expresionistas de los años 20 y el falso pictorialismo. Y sus directrices llegaron hasta los Estados Unidos donde lo siguieron fotógrafos de la talla de Ansel Adams, Edward Weston o Walker Evans.

Como dice el comisario de la exposición Sergio Mah, profesor de la Universidad Nova de Lisboa:

Dos postulados fundamentales caracterizan el trabajo que desarrolla a lo largo de su carrera: gran atención al detalle y realce de los aspectos más formales, estructurales y materiales de los objetos fotografiados. Estos recursos venían a reafirmar las cualidades que para Renger-Patzsch dotaban a la fotografía de un papel privilegiado en lo que a representación (y percepción) de la realidad se refiere: realismo, objetividad y neutralidad. El resultado es un estilo sencillo y sobrio, producto de concebir la cámara como aparato técnico capaz de trasmitir rigurosamente la naturaleza de las cosas y de reforzar nuestra consciencia de las mismas.

En aquella época tenía un duro contrincante, Moholy-Nagy, que apostaba por una búsqueda de nuevos puntos de vista y la fuerza de la luz. Seguía los preceptos de la Nueva visión, otra forma de enfrentarse a la realidad. Era la lucha entre la objetividad de la imagen y la relativa subjetividad que permitía la poderosa cámara fotográfica.

Albert Renger-Patzsch Paisaje de Essen y mina de carbón Rosenblumendelle [Landschaft bei Essen und Zeche “Rosenblumendelle”], 1928 Copia de época sobre gelatina de plata 27,4 × 37,7 cm Albert Renger-Patzsch Archiv / Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, Múnich. N.º INV. AJW 112

Si Moholy-Nagy es considerado el artista que usa la fotografía, que experimenta toda su amplitud para expandir sus límites, Renger- Patzsch personifica al fotógrafo artista, que posee elevado nivel de conocimiento técnico y vocación para producir imágenes que reajustan el sentido de la naturaleza y de la identidad de la fotografía; imágenes que no buscan simular o disimular, que no pretenden ser ni más ni menos que fotografías

La visita

Dedica tiempo, mucho tiempo para poder detenerte en todas y cada una de las series. Seguramente llamará la atención la altísima calidad de todas las copias. A lo largo de las seis series, que formaron parte de sus numerosos libros, veremos la perfecta reproducción de las plantas con una perfecta reproducción tonal en El mundo de las plantas; hasta los trabajos en las minas de los que beberán sin tapujos los Becher, Paisajes del Ruhr.

Pero el trabajo que mejor define el pensamiento fotográfico de Albert Renger-Patzsch es El mundo es bello, un compendio de las posibilidades formales de la fotografía basándose en la perfección técnica y la representación exacta de los objetos. No podemos olvidar que son trabajos de los años veinte y parece que están hechos con las mejores cámaras de la actualidad.

Albert Renger-Patzsch Carretera en Essen [Landstraße bei Essen],1929 Copia de época sobre gelatina de plata 16,8 × 22,8 cm Albert Renger-Patzsch Archiv / Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, Múnich. N.º INV. AJW 135

Pero uno de los artistas más ligados a la fotografía industrial termina sorprendiendo con sus fotografías de la naturaleza en un puro blanco y negro donde abre los encuadres en contraposición con los encuadres tan cerrados de sus primeras épocas. Esos paisajes que siguen los preceptos de sus pensamientos pero que juegan con el espectador que está obligado a detenerse a mirar con tranquilidad las propuestas estéticas de un hombre que lleva cuarenta años haciendo fotos.

Y como siempre ocurre en estas exposiciones, sería maravilloso poder terminar con el catálogo de la misma debajo del brazo. Tiene textos del comisario de la exposición, y de especialistas en fotografía moderna contemporánea. Es un complemento perfecto de la exposición y la única forma de recordar todo el material que se reúne hasta el 10 de septiembre de 2017.

La exposición la podemos ver en la sala Recoletos del Paseo de Recoletos 23. La entrada cuesta 3 euros. De martes a sábado de 10 a 20 horas. Los domingos y festivos de 11 a 19 y los lunes gratis de 14 a 20 horas. Una oportunidad irrepetible de conocer la historia de la fotografía con mayúsculas.

[[gallery: albert-renger-patzsch]]

En Xataka Foto| ‘Europeana Photography’, una base de datos de más de dos millones de imágenes para bucear en la historia de la fotografía

Hace unos meses, en uno de nuestros Galaxia os contábamos el lanzamiento del libro ‘Donde’, de Ramón Zabalza, fotógrafo documental “de los de antes”. A raiz de ello nos pareció buena idea entrevistarle para que él mismo nos contara cómo es su último trabajo.

Ramón es, como digo, un fotógrafo de los de antes, de los que saben lo que es cargar con una pesada cámara de placas que le machacaba la espalda. Curtido en mil batallas y conocedor de lo que es la soledad del fotógrafo, su formación en derecho y, posteriormente, en antropología sin duda le marcaron a la hora de abordar su trabajo como fotógrafo, pero sobre todo le llevaron a conocer una herramienta que considera muy poderosa.

Tuvimos un cordial encuentro en su propia casa donde nos recibió con un ejemplar de ‘Dónde’ y nos enseñó su pequeño laboratorio en el que guarda los originales de las fotos tomadas a lo largo de toda una vida. Allí tuvimos oportunidad de hablar de su último proyecto, así como de sus muchos años dedicado a la fotografía.

Muy buenas Ramón, gracias por atendernos. Sin más dilación, háblanos de tu libro ¿qué es lo que pretendiste hacer con él?

Sobre todo no he querido que el libro fuera una almacén de imágenes, más o menos buenas más o menos brillantes, bueno digo más o menos porque cada cual en esto de las fotos es personalísimo y cada uno decide si le gustan o no. Independientemente del impacto que las fotos puedan tener, yo no he querido que el libro fuera un almacén de fotos, que no fuera un montón de fotos sino fotos estructuradas y que constituyeran una narración, una doble narración. Por un lado que fuera una narración en torno a la idea de territorio, de los accidentes que hay en el territorio: Montañas, valles, ríos, cascadas, etc, etc. Lo que yo llamo morfologías del territorio, y al mismo tiempo que fuera una estructura basada en la sintaxis visual, nada menos...

Si lo ves lo entenderás. Empezamos por los conceptos de la sintaxis visual que he querido ilustrar fotográficamente, y eso es muy difícil. No por nada sino porque unir dos mundos que han estado siempre muy separados, intentar juntarlos para que se apoyen mutuamente es muy difícil. El más elemental es el punto, que es el elemento kandinskiano elemental. La línea, la extensión, la superficie, el volumen, el movimiento, la forma... Como ves, se empieza por lo más sencillo y se va complejizando.

Luego el siguiente escalón es pasar de los conceptos a las herramientas, que serían herramientas visuales. Zoom, secuencia, collage, fractal, simetría, escala, redundancia... Y más tarde pasamos a otras formas de sintaxis visual: Dualidades, estabilidad, inestabilidad, heterogeneidad, homogeneidad, tensión, calma…

Luego ya pasamos a otro tema que para mí ha sido determinante a la hora de hacer el libro y es el tema del paisaje, cómo coordinar la idea de paisaje. Es una idea preciosa, y de hecho visto así globalmente éste es un libro de fotografía de paisaje, pero yo no he querido llamarle así porque, para mí, la fotografía de paisaje es una visión absolutamente personal, personalizada y personalizable del territorio. Para mí lo importante es que yo he recogido lo que hay de objetivo del territorio.

Sin embargo el peso de la idea del paisaje es tan fuerte, es tan querida para mí la idea del paisaje, que no he tenido más remedio que hacer una concesión. A pesar de que el libro se subtitula “Visualización, Paisaje y Morfologías del territorio”, sin embargo no he tenido más remedio que hacer alguna concesión ante mí mismo ante la idea de pasaje que es tan querida y tan clásica, porque la primera forma que adquiere la fotografía en la historia es el paisaje junto al retrato (porque no se mueven). El paisaje tiene también unas características fotográficamente hablando muy precisas que se explican ahí.

¿Todo el texto es tuyo verdad? Es raro ver tanto texto en un libro de fotografía...

Sí, todos los textos son míos. Yo llevo haciendo fotos cuarenta y tantos años pero más que hacer fotos lo que llevo intentado todo este tiempo es que el texto y las fotos se articulen de algún modo. Que no vayan por un lado las imágenes y por otro los textos. En ‘Bos Taurus’, mi anterior trabajo en formato libro sobre el mundo del toro, intenté otra manera de diferente de articular y la imagen. Digamos que todo mi trabajo gira en torno a esto. Para mí son tan importantes lo uno como lo otro.

¿Supongo que en eso tiene mucho que ver tu formación en derecho y antropología, no?

Toda mi ejecutoria fotográfica ha girado sobre cómo se junta el aceite y el vinagre, el fuego y el agua. Porque yo creo que al final, si te das cuenta en la cultura occidental no puede darse un paso sin que haya imagen y texto articulados de alguna manera.

¿Entonces lo de que una imagen vale más que mil palabras…?

Por supuesto. Los beatos, del siglo doce, son texto e imagen... Por todos lados hay texto e imagen mezclados, pero la fotografía es la que marca la pauta.

¿Cómo surgió la idea de hacer este libro?

Hace como 25 años yo andaba dando bandazos, haciendo fotos de paisaje en una palabra, pero ya entonces hacia fotos para varios libros, perdón para varios temas que a mí me preocupaban. Uno de ellos era sobre las fiestas populares y los toros, otra sobre los balnearios, que tengo también un libro, ‘Aqua Sana’, publicado sobre el tema.

Entonces yo cuando salía con el coche no desperdiciaba un kilómetro sin hacer fotos. Me preparaba los viajes mirando donde podía ir parando, aquí fiestas de toros desde tal fecha a tal otra y aquí puedo acercarme a ver no se qué paraje. Pues en una de estas tropecé con un seminario, en Miraflores, que daba Martínez de Pisón, que es el que ha prologado el libro, y era sobre teoría del paisaje. Él, que es un geógrafo, tiene otra visión, no habla del territorio sino del paisaje. Entonces yo que quedé flasheado porque es un maestro, y empecé a mirar la forma de hacer fotos de otra manera.

Además el tema éste de los toros empezaba ya a cansarme, así que lentamente, el rumbo se orienta en otra dirección, aunque seguí haciendo fotos de ambos proyectos. Paradójicamente España es un país con de una gran diversidad, con gran riqueza, pero no lo suficiente como para cubrir toda la morfología que yo quería contar. Morfología del territorio, cuando digo territorio quiero decir la corteza terrestre que nos soporta. Me di cuenta que había que airentarse, que no bastaba coger el coche sino que había que coger el avión. De eso hace ventitantos años. Todo ese tiempo recopilando fotos para mis distintos proyectos, para los libros que me han costado sacar Dios y ayuda. Es que cuándo te metes en una de estas historias los proyectos se pueden ver truncados de la manera más insospechada.

La antropología es importante en tu fotografía pero en este proyecto no aparece prácticamente la figura humana ¿Por qué?

Si, buena pregunta. Si volvemos al libro verás que hay una tercera parte en la que entramos en eso que yo llamo “eliminar el almacén”. Como en el libro de toros hay una parte fundamental que es lo imaginario. Sin imaginario no hay conocimiento. Si no hay algo aquí (en tu cabeza) que se proyecte y te empuje a hacer cosas tú no te mueves. Hace falta un motor. A partir del imaginario tú puedes poner lo que quieras. En cada foto tú puedes imaginar o suponer lo que te guste o lo te disguste.

Volviendo al libro, si avanzas verás que a partir de donde nos habíamos quedado empieza una escala de lo más telúrico y natural a lo más cultural. De lo más naturaleza a lo más cultura, que culmina en lo humano, y ahí poco a poco empieza a aparecer la figura humana que está más presente al final de la obra.

¿Es posible que, siendo antropólogo, en este libro los humanos aparezcan mucho menos porque de algún modo te has cansado o defraudado de la gente...?

Cuando yo empecé en esta historia de la fotografía, desde el punto de vista del mundo en el que yo me crié fotográficamente hablando, lo único serio que se podía hacer, te hablo de hace treinta y cinco años, lo único serio que se podía hacer fotográficamente era fotografía documental. Había fotografía creativa y gente que se dedicaba a otras cosas pero eran pocos. Si uno quería hacer algo serio tenía que ser vía fotografía documental o reportaje, llámalo como quieras.

Hubo un momento, una edad de oro que llega hasta mil novecientos ochenta y tantos, la época de Life, de las revistas, de los grandes reportajes, de los reporteros de guerra. Todo eso poco a poco se va diluyendo y entonces aparece el gran fenómeno éste que nos está a arrollando a todos que es la digitalización. Ya antes ya antes de eso la fotografía había sido colonizada por fuerzas no documentales, por fuerzas en las que lo imaginario tenía una importancia decisiva. En las que en la cabeza del fotógrafo si no le gustaba lo que tenía delante se la apañaba para darle la apariencia que quería. Nada que decir.

Entonces, esos primeros años que uno intentaba seguir los pasos de los grandes, Cartier Bresson, Diane Arbus, no había otros modelos, Bruce Gilden, Avedon... Uno no tenía más que ese espejo, esa inspiración. Aquí en España esa inspiración era lo que había alrededor, la vida rural, la de las grandes ciudades… yo opté por el mundo de las fiestas populares, y dentro de éstas, basadas en la épica taurina. Y así estuve muchos años.

¿Por qué no aparece referencias a los sitios donde se han tomado las fotos a pie de pagina?

Están al final. En otros libros sí lo puse, pero en este libro pensé que no, que quería contarlo de otra manera y que la gente a quien le interese lo busque y ver lo que es cada sitio.

¿Qué tipo de cámaras utilizaste en este libro?

Hay dos fotos en el libro hechas en 35 mm, el resto son todo placas, como mínimo 6x7 (el 60% del libro), y también hay de 6x12, 4x5 y de 13x18. Fui bajando de tamaño porque la espalda me lo aconsejaba. Al principio yo llevaba entre 20 y 30 kilos, entre el trípode, que era uno de esos monstruosos para que la cámara de placas no se moviera, lo que pesaba la cámara de placas, las placas, yo cuando volvía al coche lo hacía muerto.

Así que tuve que ir bajando, de equipo y de peso. Cada placa de 13x18 pesa doscientos gramos. Así que el día que descubrí el 6x7 dije, bueno con esto ya... con esto puedo irme a China.

¿Cuánto tiempo te llevó hacer ‘Dónde’?

Pues mira ventitantos años para hacer las fotos del libro pero dos y medio desde que decidí hacerlo. Dos años y medio de trabajo, hasta tres maquetas en papel hice. Te puedo contar que la foto de portada iba a ser otra durante mucho tiempo y la definitiva se eligió en el último momento por sugerencia de la maquetadora y porque encajaba mejor con el título que, si te das cuenta, es una pregunta ¿dónde? Si no llevara acento sería otra cosa.

Además la foto [que refleja a turistas japoneses acudiendo a un monasterio chino lugar de peregrinación] me pareció que tenía un toque humorístico, en vez del toque de angustia que tenía la otra imagen.

¿Podría ser una reflexión lo que tratas de hacer con el libro? Hacia donde vamos y qué estamos haciendo con el planeta y con el paisaje?

Tú en un libro no puedes tratarlo todo. En este hay algo de eso pero no es un libro de denuncia explícita de lo estúpidos que estamos siendo colectivamente con el mundo. Este libro pretende ser una narración, y eso presupone que haya un lector. Yo he hecho mi parte, qué es intentar narrar, y la otra parte ya no me corresponde a mí.

La idea de publicar un libro es casi tan elemental tan sustancial con mi manera de hacer fotos. Yo he hecho exposiciones pero mi trabajo tiene que estar ahí, en un libro. Éste de momento no tiene novios pero sí me gustaría, aunque para mí primero es el libro, después ya veremos. Todo mi trabajo ha pasado por ahí, aunque me ha costado lo mío.

¿Qué es lo más raro que te ha pasado haciendo fotos?

Que un tipo intentó meterme mano haciendo una foto de mi libro ‘Aqua Sana’ en un balneario en Hungría. Y bueno, raro no sé pero dramático, en éste último estuve a punto de ser devorado por unos perros en Grazalema donde estuve perdido cuatro horas. También me encontré cara a cara con un zorro pero esto más que drama fue un privilegio, el hecho de me concediera unos segundos mirándonos cara a cara me pareció un privilegio.

¿Qué te parece el tema de la fotografía digital?

Uno, inevitable... No del todo pero, digamos, no dramático. Vamos a ver, la tecnología nunca es dramática,. La imprenta no es dramática, aunque lo fue cuando apareció porque transformó el mundo, pues ahora la fotografía digital lo mismo.

Yo afortunadamente tenía el 95% de trabajo hecho, en químico, y el 5% restante lo encargué fuera, en químico también, pero si no me hubiera pillado así, pues no sé que hubiera hecho, hubiera tenido que entrar por el aro. Entonces es inevitable, es dramático según tú te lo tomas, pero en el fondo, tanto en el químico como el digital, sigue estando la misma pregunta: La creación. En el fondo es igual... o parecido.

De hecho la foto química ya planteaba problemas de cantidad, la relativa facilidad para crear imágenes, ahora... Yo en la época que hice las fotos de este libro volvía con catorce rollos, catorce al día durante un mes o dos meses... Yo tengo en mi laboratorio 200 mil negativos. Puede que ahora esos 200 mil negativos se puedan hacer en un mes pero entonces el problema era parecido.

Otro tema que no teníamos nosotros era el del archivo. Mis archivos están felizmente numerados y todo lo encuentro rápidamente, pero ahora los que trabajan a golpe de imagen digital o tiene una férrea disciplina en su trabajo o están perdidos.

Volviendo a la pregunta, lo digital es inevitable, tiene sus propios problemas que tendrán que resolver los que de verdad se tomen en serio el medio fotográfico como medio de creación, que yo creo que muy poca gente lo entiende así. Efectivamente la cámara digital tiene sus ventajas, es más ligera, pero el cerebro es lo que no ha cambiado.

Una parte del archivo fotográfico de Ramón Zabalza.

Yo creo que se ha trivializado tanto que la gente ya no se da cuenta de que tiene en sus manos una herramienta muy poderosa. Lo que pasa es que para que la herramienta sea realmente poderosa hay que hacerla servir como tal. Acostumbrado a una Leica, a una Nikon, da igual la marca, acostumbrado a esa cosa que es como una prolongación de tu mano esto [me enseña su smartphone] me produce rechazo.

¿Pero haces fotos con él?

Sí pero en el fondo no me creo lo que estoy haciendo. Yo relativizo, algo a lo que me ayuda haber hecho tantas fotos, haber hecho tantos kilómetros y haberme llevado tantas ostias, me ayuda a relativizar. Por eso yo no digo que no se puedan hacer fotos buenas con esto. Ni entro ni salgo. Yo digo que a mí me da cierto repelús. Además hay otra cosa que es el exceso. Esto es un ordenador [vuelve a mostrarme su móvil], esto no es una cámara fotográfica sólo.

Una página de sus libros de contactos.

La Leica tiene tres variables, apertura, sensibilidad y velocidad y una cuarta que sería el cambio de lente. Yo tiraba casi siempre con lentes de treinta y cinco milímetros y películas de 400 ASA. Muchas veces te confiabas y creías que ibas a acertar con la luz y no era así, o simplemente no te daba tiempo. En este mundo la realidad mandaba, tú no podías andar con muchos remilgos.

Tienes algún proyecto nuevo?

Tengo una idea para un libro de reflexiones sobre la herramienta fotográfica, los usos de la fotografía. Con una cámara Leica se pueden hacer muchas cosas, se pueden partir nueces, se pueden partir piñones, se puede evitar que se cierre una puerta... Se puede incluso hacer fotos.

Llevo trabajando en él bastante tiempo, poniendo en orden muchas de las ideas que han salido en esta conversación. No quiero que sea un libro de muchas fotos, ni de las muchas fotos que me quedan por publicar, que me quedan muchas. Habrá fotos pero no será esto, será a la inversa. El volumen de texto será mucho mayor.

Otra parte de su archivo fotográfico.

Yo ya no hago fotos, ahora lo que hago es pensar sobre las fotos que he hecho. Y es que además constantemente me surgen respuestas a preguntas que me he ido haciendo a lo largo de mi vida con lo cual casi no tengo más que poner el papelito y dejar que fluya. Es bastante fácil, lo que pasa es que eso requiere disciplina y este último libro me ha dejado hecho polvo.

El nuevo libro será diferente a 'Dónde', con un formato más pequeño, vertical, porque habrá prioridad a los textos (todos los anteriores son horizontales). Va a ser formato ensayo, el título lo tengo pero no te lo voy a decir... Cuando lo tenga...

Una última pregunta que me parece interesante. ¿Que le dirías a alguien joven que empieza?

Es una pregunta delicada, es mucha responsabilidad lo que digas.

¿Le dirías que merece la pena dedicarse a la fotografía?

No de la manera clásica. A la manera clásica no, no hay posibilidad. No es que no merezca la pena, es que no hay posibilidad. Como acto creativo, puro, yo creo que no ha lugar, tiene que ser fotografía enlazado con otras cosas. Fotografía más algo, no sé qué. La creación fotográfica tal y como se la ha entendido hasta antes de ayer, hasta hace diez o quince años, yo creo que se ha terminado, a menos que haya alguien, algunos que, tengan el valor de seguir el camino, árido y solitario, el tradicional...

Fotoperiodistas sí hay, y muy buenos, gente que además se juega la vida, pero de los otros apenas hay. Al menos en España porque quizá allí en Norteamérica sí lo hay (si no lo hay allí no lo hay en ningún sitio), pero la fotografía tal y como la hemos conocido se ha acabado, es historia ya. Es una situación muy crítica.

Sólo conozco uno que lleva unos quince años haciendo fotos tal y como yo entiendo. Puede dar la impresión de que soy un fotógrafo cabeza cuadrada que sólo respeta la foto tal y como yo la hago pero no, lo que yo quiero es fuerza, responsabilidad, genio, calidad... Pero esto no quiere decir éxito, porque calidad no es igual a éxito.

¿Qué opinas sobre las dificultades de hoy día para vivir de la fotografía y lo poco valorada que está...?

¡Cómo no va a estar poco valorada si das una patada en el suelo y aparecen millones de fotografías! ¡es normal! Pero eso no es para rasgarse las vestiduras, lo que hay que hacer es amoldarse a lo que hay. Amoldarse, no someterse y acabar haciendo selfies con el palito, eso es someterse. Y luego está, inteligentemente, con lo que tienes y con lo que quieres hacer, es amoldarse y buscarse, en el nuevo mundo en el que le toca vivir, hacer lo que uno quiere. Inteligentemente amoldarse y crear y seguir creando. La palabra clave es crear.

Bien, pues muchísimas gracias por recibirnos y por esta interesante charla. Estaremos atentos a tu nuevo proyecto.

Ramón Zabalza | Página web | Facebook

En Xataka Foto | “Uso película en blanco y negro, y no en color, porque el mundo que me rodea lo veo así”: Manuel Moraleda, fotógrafo analógico

Fotografías de Ramón Zabalza reproducidas con permiso del autor para este artículo

A finales del pasado año os mostramos las divertidas fotos de David Gilliver, uno de esos “locos fotógrafos” que utiliza figuras en miniatura para componer imágenes curiosas, en este caso con los malvados de Star Wars en el centro de divertidas escenas cotidianas.

Pues bien, ahora el propio David nos ha ofrecido nuevas imágenes de su proyecto ‘Little people’ en las que el villano Darth Vader y sus soldados imperiales siguen siendo los protagonistas principales. Entre las fotos que nos ha enviado hay algunas que muestran el making off del proyecto; o mejor dicho donde nos enseña todo el arsenal de figuritas y elementos varios que utiliza para montar las escenas que fotografía.

Según cuenta el propio David, las figuras que usa son de diferentes tamaños, por lo “que tengo que comprar una variedad de accesorios que se adapten a las diferentes figuras. Tiendo a comprar un montón de objetos y materiales que están destinados a ello”.

Su lugar de “trabajo” es un escritorio de su estudio casero en el que hace un “montaje rudimentario, pero es todo lo que necesito. Tengo varios fondos de pantalla en miniatura y suelos de casas de muñecas que utilizo para cambiar las escenas, así como una creciente colección de muebles en miniatura y accesorios”. Para realizar las fotografías David usa una cámara Canon EOS 5D Mark III en la que monta una óptica macro de 100 mm.

David nos cuenta también que, como norma general, tarda un par de horas en montar e inmortalizar cada una de las escenas y que la idea para realizarlas le llegan en cualquier momento, “totalmente al azar. Por ejemplo, podría simplemente estar sentado comiendo, o caminar por la calle y algo que veo me hace surgir una idea. Entonces trato de asegurarme de escribirlo antes de que se me olvide”.

Como os podéis imaginar, David es un gran fan de la saga de La Guerra de las Galaxias, “más grande que la tripa de Jabba. Estoy contando los días hasta el lanzamiento de 'The Last Jedi' en diciembre...”. Si tú también lo eres seguro que te gustarán sus fotografías en las que imagina la vida cotidiana de estos famosos personajes que, queramos o no, forman parte de nuestras vidas. Sin más, os dejamos con sus nuevas fotos.

Página web | David Gilliver

En Xataka Foto | 'Have you seen Eric?', el soldado imperial que se escapó de las películas de Star Wars

Fotografías de David Gilliver reproducidas con permiso del autor para este artículo

La prestigiosa Magnum está celebrando su 70 cumpleaños (se fundó en 1947) y ayer mismo cerró su Asamblea General Anual en la que se anunciaron los nombres de los fotógrafos que entran a formar parte de ella y los nominados a lograrlo en un futuro próximo. Pues bien, entre otros nombres figura el de la española Cristina de Middel, que ha sido propuesta para pertenecer a la agencia, y sería la segunda compatriota en lograrlo tras otra Cristina, García Rodero.

La asamblea se ha celebrado en la ciudad de Nueva York donde, además de desarrollarse un diverso programa de actividades y de charlas para discutir sobre la agencia (incluido la posibilidad de que entren inversores externos), el futuro del sector y el papel que Magnum quiere jugar en él, se ha anunciado que Martin Parr deja de ser el presidente de la agencia. Su reemplazo es Thomas Dworzak, quien estrena cargo junto a varios vicepresidentes regionales: Paolo Pellegrin (Nueva York), Olivia Arthur (Londres), Mark Power (Tokyo) y Jerome Sessini (París).

Los asistentes a la 70 asamblea de la agencia Magnum posando al final de la misma.

Por otro lado, como decimos, lo más interesante ha sido conocer la lista de nuevas incorporaciones para Magnum, que incluye a Matt Black, Carolyn Drake y Newsha Tavakolian, tres de los fotógrafos que fueron nominados hace dos años tal y como os contamos y que ahora ya son miembros de pleno derecho.

Igualmente, como suele ser habitual, se ha desvelado el nombre de tres fotógrafos que se unen a Magnum en categoría de nominados y que son Enri Canaj (Albania), Emin Ozmen (Turquía) y Cristina de Middel. Como sabréis, tras la nominación debe pasar al menos un periodo de dos años para que estos fotógrafos puedan convertirse en miembros de la agencia de fotografía más famosa del mundo.

La única española hasta ahora en conseguirlo es Cristina García Rodero, que entró en Magnum en 2009, con lo que si Cristina de Middel lo consigue tendrá el honor de ser la segunda española de la agencia (ningún hombre lo consiguió, aunque alguno llegó a estar nominado). Sin duda una buena noticia para la fotografía española por lo que sólo podemos felicitarle y desearle suerte.

Página web | Magnum

En Xataka Foto | 11 fotógrafos de la agencia Magnum a seguir en Instagram

Foto de portada | Cristina de Middel capturada en el vídeo Cristina De Middel, Deutsche Börse Photography Prize 2013

Si no sois muy aficionados a la fotografía de naturaleza salvaje su nombre tal vez no os suene mucho, pero seguro que habéis visto imágenes suyas porque desde hace muchos años, Michael Nichols es uno de los fotógrafos más carismáticos de National Geographic. Responsable de muchas de esas impactantes fotografías de vida salvaje que tanto nos fascinan, ahora su obra se expone en el Museo de Arte de Filadelfia, donde hoy se inaugura la muestra ‘Wild: Michael Nichols’.

"Wild: Michael Nichols." Surfing Hippo, Gabon, 2003, por Michael Nichols © Michael Nichols/National Geographic

Capaz de hacer lo que sea necesario para conseguir la imagen que desea (salvo dañar a los animales, claro), tal y como os contamos, Michael «Nick» Nichols se hizo famoso por utilizar todo tipo de técnicas, incluidos los drones o las cámaras robotizadas para poder retratar lo salvaje sin molestarlo, una estrategia que él denomina “no estar ahí”. El resultado son unas fotografías espectaculares que muestran la vida salvaje como pocos lo han hecho.

"Wild: Michael Nichols." From Point Sublime, Grand Canyon, 2006, por Michael Nichols © Michael Nichols/National Geographic

Su trabajo siempre ha tenido mucho que ver con la conservación del hábitat donde vive la fauna salvaje y, por este motivo, Nichols ha venido colaborando con científicos en diversos proyectos innovadores sobre los grandes simios, los elefantes o los felinos. En la exposición sus fotografías están expuestas junto a pinturas, esculturas y otros objetos seleccionados entre la colección del Museo con la idea de mostrar cómo los artistas han entendido la relación entre el hombre y la naturaleza y cómo han representado la idea de “lo salvaje” a lo largo de la historia, y demostrar la importancia de conservar el territorio no alterado por los humanos.

"Wild: Michael Nichols." Mrithi, Volcanoes National Park, Rwanda (detail), 1981, por Michael Nichols

Por eso mismo durante la exposición se celebrarán dos conferencias públicas en las que el propio Nichols charlará junto a la famosa primatóloga Jane Goodall sobre su proyecto conjunto Brutal Kinship (1999) donde ambos exploraron la relación entre humanos y chimpancés, y que dio lugar a la película “Gorilas en la niebla”.

La muestra ‘Wild: Michael Nichols’ estará abierta hasta el 17 de septiembre en el Museo de Museo de Arte de Filadelfia (EEUU) y coincide con la publicación de ‘A Wild Life’, la primera biografía visual sobre el artista escrita por la editora de fotografía Melissa Harris, y que cuenta “la historia del reportero fotográfico más famoso del mundo en estado salvaje”.

"Wild: Michael Nichols" Charger, Camera Trap Photograph, India, 1997, por Michael Nichols © Michael Nichols/National Geographic

Más información | Philadelphia Museum y Michael Nichols

En Xataka Foto | Estas son las fotos ganadoras del concurso National Geographic Nature Photographer of the Year 2016

Foto de portada | "Wild: Michael Nichols." Northern Spotted Owl in Young Redwood Forest, California, 2009, por Michael Nichols © Michael Nichols/National Geographic

En Alcalá de Henares, en el Museo Casa natal de Cervantes podemos ver hasta el 24 de septiembre de 2017 la exposición 'El alma de Cervantes', en la que algunos de los fotógrafos más premiados de España dan su visión particular del universo cervantino.

Cristina García Rodero, Alberto García-Alíx, Vicente López Tofiño, Juan Manuel Castro Prieto, José Manuel Navia, Isabel Muñoz, César Lucas, Juan Manuel Díaz Burgos y Chema Conesa se han unido bajo el comisariado de Publio López Mondéjar y el propio Vicente López Tofiño (afortunadamente cada vez más oiremos el nombre de este gran fotógrafo) para conmemorar la figura del gran escritor de las letras españolas del siglo XVII. Llega con un año de retraso (en 2016 se celebró el IV centenario de su muerte) pero nunca es tarde si la dicha es buena.

Algunos de los participantes han sido ya reconocidos con el Premio Nacional de fotografía, y los demás están seguro en la lista de espera gracias a la calidad de su trabajo y su contribución a la difusión de la imagen. Luego podéis imaginar la calidad de los trabajos expuestos, todos inéditos y creados para la ocasión.

Vicente López Tofiño

Es una de las formas de trabajar más bonitas que tenemos los fotógrafos. Un encargo sobre un tema tan rico como la figura del autor del Quijote es un sueño hecho realidad. La libertad de creación es absoluta. Y exige sobre todo un trabajo previo apasionante. No puedo dejar de imaginarme las reuniones previas que tuvieron para dar forma a su visión sobre alguien tan paradójicamente desconocido e universalmente reconocido.

Entre los autores que participan en la muestra organizada por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, la Fundación Impulsa CLM y Subdirección General de Bellas Artes (Comunidad de Madrid) está José Manuel Navia, que ya hizo una exposición el año pasado sobre el tema "Miguel de Cervantes o el deseo de vivir". Pues bien, su filosofía a la hora de trabajar se puede plasmar muy bien en esta ocasión. No digo que todos sigan el mismo camino, pero si queremos llegar a buen puerto en una de las propuestas de la exposición, es una buena forma de comenzar.

Alberto García-Alix

La visión de los fotógrafos

Los nueve fotógrafos de la exposición no tenían un reto sencillo. Desconozco cuánto tiempo tuvieron para crear las series que han llevado. Como dice Publio López Mondéjar:

No es tarea sencilla recomponer las trazas físicas y los perfiles del alma de Cervantes. Y menos aún para la fotografía, un lenguaje que, más que otros, se ve sometido a las servidumbres de lo real. Los fotógrafos presentes en esta exposición nos ofrecen, al menos in vislumbre, el alma del gran escritor; el latido de su presencia en los ámbitos desolados que recorrió don Quijote, en su alucinado peregrinaje por estas tierras anchas y despojadas.

No pueden resultar más distintos. Unos apuestan por el color, otros por el formato cuadrado, aquel por la cámara de placas. Hay quien se mira a sí mismo para ver lo que le queda de alma quijotesca; ella mira las mismas tradiciones de los tiempos en los que el imperio empezaba a romperse; aquel sigue fiel a su luz en un entorno manchego... Y esta es precisamente la riqueza de la exposición que podemos ver en una de las salas de la casa natal de Cervantes, de la que hay certeza de que ni siquiera pisó.

Los resultados son dispares. Como siempre pasa en estas colectivas, hay trabajos que te pueden gustar más que otros. Como era de esperar, todos son interesantes y tienen diversas lecturas. Puede decirse que esta exposición es una clase perfecta de fotografía que no deberíamos perdernos.

Chema Conesa

Cristina García Rodero enseña retratos de las principales asociaciones y celebraciones religiosas que pudieron ver los ojos del alcalaíno universal. Desde las mayas hasta los miembros de las cofradías; Chema Conesa enfrenta en diversos dípticos los rostros del siglo XVI y XVII con los de algunas de las personalidades del XXI; Isabel Muñoz juega de nuevo con los fragmentos del cuerpo a través de las esculturas de Cervantes que pueblan las ciudades.

Vicente López Tofiño

Vicente López Tofiño pisa los pueblos manchegos como si fuera un observador de aquella época. Los trípticos de Juan Manuel Díaz Burgos muestran las casas de entonces que quedan en pie, con personas que recuerdan a los personajes cervantinos. Alberto García Alix sigue con su enigmática trayectoria poética, como sombra del personaje cervantino que es.

José Manuel Navia

Cesar Lucas parece embrujado por la luz y la iconografía de los personajes que cobran vida en la imaginación de todos los lectores y de los que confunden a Cervantes con el Quijote; Castro Prieto, con su cámara de placas, es quizás el más crítico con el futuro de una sociedad que ha perdido la locura de Alonso Quijano; y por último José Manuel Navia, con su maravillosa y única luz triste, nos recrea las tierras castellanas en las que se ve el duro mundo de Persiles y Sigismunda, la obra por la que quiso ser recordado.

La visita

Alcalá de Henares es una ciudad patrimonio de la humanidad, universitaria, de riqueza cultural impresionante... Y si encima tenemos la oportunidad de ver esta exposición, creo que bien merece una visita. Hay que verla con ojos críticos, con ganas de aprender. Porque uno de los alicientes es ser capaz de interpretar el alma de Cervantes, jugar con el neologismo de Carlos Fuentes: "cervantear". Como dijo Goytisolo en su discurso de entrega del premio Cervantes 2014:

Cervantear es aventurarse en el territorio incierto de lo desconocido con la cabeza cubierta con un frágil yelmo bacía.

Isabel Muñoz

Si visitáis la exposición podéis participar en este proyecto organizado e ideado por el equipo Project Arte, encargado de hacer una instructiva visita taller a la exposición (que esperamos que se vuelva a repetir) que consiste en enviar una secuencia de tres imágenes que interpreten esta frase tan bien buscada. ¿Y qué mejor que inspirarse en el trabajo de los grandes?

Página web | El Alma de Cervantes

En Xataka Foto | La importancia de contar una buena cultura fotográfica para mejorar como fotógrafos

Foto de portada | Cristina García Rodero

A Antonio Pérez ya os lo presentamos el año pasado a propósito de un hermoso proyecto sobre la fascinación que producen las pompas de jabón en todos los niños del mundo, incluso aquellos que viven situaciones de tragedia o desamparo. Situaciones como las que denuncia en ‘Reciclantes: Agbogbloshie’, un nuevo trabajo que nos ha hecho llegar y en el que retrata cómo es la situación en un basurero de componentes electrónicos de Accra, capital de Ghana.

Agbogbloshie, Accra (Ghana).

Antonio es un profesor de fotografía y fotógrafo y ha trabajado para una gran cantidad de ONGS y agencias de cooperación. Y esto desde luego ha influido mucho en sus proyectos, en los que combina el reportaje documental con trabajos “más conceptuales en los que explora los límites de la fotografía y la relación del individuo con su propia representación”, según reza el catálogo de ‘Reciclantes’ (realizado para la exposición que se montó en Sevilla a finales del pasado año).

John posa con su herramienta de trabajo.

Con este proyecto Antonio denuncia la situación de Agbogbloshie, en Accra, donde se encuentra uno de los vertederos de basura electrónica más grandes del planeta que recibe buena parte de los 40 millones de toneladas de residuos de este tipo que se producen anualmente. Provenientes sobre todo de los EEUU y la Unión Europea, se estima que sólo un 15,5% (datos de 2014) se recicla de forma eficaz y segura, con lo que el resto acaba en lugares como éste donde miles de personas viven en condiciones de extrema pobreza e insalubridad.

Su herramienta de trabajo en un plano corto.

Un lugar extremadamente contaminado, está incluido por la Naciones Unidas en la lista de los sitios más peligrosos del mundo (supera en en polución a lugares como Chernóbil), donde la población vive “desmontando, recuperando, pesando y revendiendo las partes y los metales extraídos de desechos electrónicos. Frigoríficos, coches, ordenadores o teléfonos móviles…”.

Francis, de 11 años, enseña el cobre que va a quemar.

Todo esto es lo que retrató Antonio con su cámara, trabajando en un lugar difícil y tratando de convertirlo en una suerte de estudio de fotos utilizando “una pequeña trampa para intentar ordenar el caos”. Como veis en las imágenes, una sábana sujeta por dos personas hace las veces de estudio improvisado a la vez que se convierte en una especie de juego.

Antonio Pérez, el de la camisa clara, en un momento de la producción de este trabajo.

“Un juego recurrente para el fotógrafo que une varios mundos y establece una relación estrecha entre lo que surge en una foto y en otra, entre lo que aparece en campo y fuera de campo. Al ofrecer un punto de vista mayor, incluye lo que supuestamente no debería verse, ofreciendo múltiples centros de atención, complicando la lectura”. Lo cierto es que este elemento funciona como un artificio que llama la atención del espectador y le invita a reflexionar sobre lo que está viendo. Gracias a ello, “el fotógrafo ha conseguido construir, durante unos días, un pequeño refugio en un mundo apocalíptico”.

Trasladando cables de cobre plastificados I.

Owusu, de 21 años, hace su signo de la victoria.

Trasladando cables de cobre plastificados en su bicicleta.

Princess, de 9 años, vendedora de agua.

Trasladando cables de cobre plastificados II.

Mavis, de 11 años, vendedora de agua.

Mavis en un plano corto.

Eric, de 16 años, enseña el cobre ya limpio de plástico.

El cobre ya limpio de plástico en un plano corto.

Agbogbloshie, Accra (Ghana)

Más información | Entrevista en Canal Sur

En Xataka Foto | Conectando arquitectura y pintura abstracta a través de las fotografías analógicas de Nieves HM

Foto de portada | Mohamed y su bicicleta de trabajo. Todas las fotografías de Antonio Pérez reproducidas con permiso del autor para este artículo