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El Centro Pérez Siquier se encargará de conservar y gestionar la obra íntegra del fotógrafo

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https://www.youtube.com/watch?v=aHuM2K03aTU

Carlos Pérez Siquier es un pedazo vivo de la historia de la fotografía, tiene 86 años, formó parte de uno de los colectivos de fotógrafos más influyente de España y ahora inaugura el primer museo español dedicado a un fotógrafo, a él.

En un momento en el que las políticas de gasto público dejan de lado a la cultura no es difícil adivinar que esta iniciativa se ha llevado adelante 100% con dinero privado, cerca de medio millón de euros que han servido para levatar un edificio que albergará la obra del fotógrafo almeriense.

Con un contrato de comodato pero sin fecha de finalización conocida, Pérez Siquier cedió la totalidad de su archivo fotográfico a la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino. Ahora que se han terminado las obras de un museo que lleva su nombre, el autor tendrá como misión la gestión, conservación y digitalización de la totalidad de las imágenes que integran la colección completa de diapositivas y negativos del fotógrafo.

Poco más de un año ha tardado en construirse este edificio que y que tiene una extensión de 550 metro cuadrados, entre sus paredes se guardarán los negativos, diapositivas, las condecoraciones y el equipo con la intención de hacer llegar el legado del maestro a las futuras generaciones.

En un paseo por el museo descubriremos que se estructura en cinco salas. En la sala 1, se expone La Chanca en blanco y negro, que habla del insigne barrio almeriense con el mismo nombre, en el que se documenta la vida de suss habitantes. En la sala 2 se exhibe La Chanca en color, un punto de vista más estético de una de las etapas más "informalistas" en la trayectoria del fotógrafo.

La tercera sala presenta La Playa, un trabajo que bebe de la cultura pop e ironiza sobre el turismo que ya en los años 70 abarrotaban las playas del Mediterráneo, este es un o de sus trabajos más conocidos y con mayor repercusión internacional.

La sala 4 recoge trabajo posterior y menos conocido del fotógrafo también en color. Un pequeño patio, sin techo, al aire libre, hace las veces de quinta sala, en ella una breve retrospectiva recorre el trabajo más abstracto de Pérez Siquier.

Esta es, sin duda, una gran noticia que arroja un poco de luz ante el desolador panorama al que se enfrentan los fotógrafos cuya obra, pese a formar parte de la historia de la fotografía española, no decora las paredes de los Museos Nacionales.

Más info | Centro Pérez Siquier

Foto de inicio extraída de una entrevista del programa Tesis de Canal Sur Web


‘Robert Mapplethorpe, a perfeccionist’, nueva oportunidad para conocer la obra de un fotógrafo tan perfeccionista como provocador

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Robert Mapplethorpe 01

Hasta el 27 de agosto se puede visitar en el Museo Kunsthal de Rotterdam (Holanda) la exposición ‘Robert Mapplethorpe: A perfeccionist’, la que ha sido calificada como la mayor retrospectiva realizada hasta hoy en territorio europeo del fotógrafo Robert Mapplethorpe. Este estadounidense siempre ha sido un personaje rodeado de polémica por tener la sexualidad como tema principal de su obra.

Robert Mapplethorpe 'Ken Moody and Robert Sherman' - Robert Mapplethorpe (1984). Jointly acquired by the Los Angeles County Museum of Art and The J. Paul Getty Trust. Partial gift of The Robert Mapplethorpe Foundation; partial purchase with funds provided by The J. Paul Getty Trust and the David Geffen Foundation.

La exposición, organizada por el Museo de Arte del Condado de Los Angeles y el Museo J. Paul Getty en colaboración con la Fundación Robert Mapplethorpe, ofrece la posibilidad de contemplar más de doscientas fotografías de Mapplethorpe entre retratos, autorretratos, desnudos y naturalezas muertas, con obras que abarcan desde los años sesenta, en los que comenzó su carrera, hasta los ochenta en la que alcanzó un estrellato que se truncó al final de la década por culpa del SIDA.

La retrospectiva sigue el desarrollo de Mapplethorpe en el tiempo y presenta imágenes que recogen los temas principales de su trabajo. Sin duda una buena oportunidad para conocer la fotografía y personalidad de un artista apasionado por alcanzar la perfección estética. De hecho, la muestra se centra en lo que Mapplethorpe llamó "perfección en la forma", materializado en su fascinación por los cuerpos esculturales y por sus imágenes florales técnicamente perfectas.

Robert Mapplethorpe 'Lisa Lyon' – Robert Mapplethorpe (1981). Gift of The Robert Mapplethorpe Foundation to the Los Angeles County Museum of Art and to The J. Paul Getty Trust.

‘Robert Mapplethorpe, a perfeccionist’ también trata de mostrar su obsesión por los temas sexuales, que también plasmó con una gran maestría técnica, y la importancia del vínculo personal entre el fotógrafo y sus modelos, con la inclusión de famosos retratos de amigos y conocidos. La exposición está acompañada por un catálogo ilustrado llamado ‘Robert Mapplethorpe: The Photographs’, coeditado por el Museo J. Paul Getty y el Museo de Arte del Condado de Los Angeles y que supone una guía completa sobre el trabajo y la carrera del artista.

Robert Mapplethorpe 'Poppy' - Robert Mapplethorpe (1988). Jointly acquired by the Los Angeles County Museum of Art and The J. Paul Getty Trust. Partial gift of The Robert Mapplethorpe Foundation; partial purchase with funds provided by The J. Paul Getty Trust and the David Geffen Foundation.

El artista

Robert Mapplethorpe (1946 – 1989) fue un fotógrafo genial al que quiza no le hemos prestado la atención que se merece en Xataka Foto. Cuando comencé mis estudios de Imagen y Sonido no hacía mucho que había fallecido y el SIDA aún era un tema candente. El caso es que Mapplethorpe fue uno de los fotógrafos que más me llamaron la atención, no tanto por la provocación que desprendían sus imágenes como por ese aspecto escultórico. Esa perfección en la reproducción del cuerpo masculino que, para mí, es lo más parecido en la modernidad a lo que Miguel Angel logró en el mundo antiguo con sus famosas obras.

Robert Mapplethorpe 'Autorretrato' – Robert Mapplethorpe (1980). Gift of The Robert Mapplethorpe Foundation to the Los Angeles County Museum of Art and to The J. Paul Getty Trust.

Que 20 años después de su muerte aún siga siendo polémico es algo que dice mucho de la obra de Mapplethorpe y, probablemente es lo que le hubiera gustado pues al parecer siempre fue un provocador, obsesionado por buscar lo inesperado. Y aún haciendo pasado ese tiempo sus fotos más explícitas sigen siendo quizá demasiado fuertes al mostrar sin tapujos los genitales masculinos o ciertas prácticas de tipo sadomasoquista.

Al mismo tiempo, otra parte importante de su obra son las imágenes de flores, que igualmente retrató con una perfección pocas veces vista y que, según nos contaba aquel profesor de Estética en la Facultad de Ciencias de la Información, también tenían un claro sentido erótico, utilizando las plantas como metáfora sexual más o menos explícita.

Fuera cierto o no, tampoco podemos olvidar la faceta de retratista de Mapplethorpe, muy importante en su obra. Afincado en el Nueva York más underground, el fotógrafo retrató a la gente de su entorno y algunos famosos de la época por encargo de revistas como Vogue o Vanity Fair.

Robert Mapplethorpe 09 Retrato de Patti Smith por Robert Mapplethorpe reproducido por Brandon Carson

De entre todas ellas destaca, cómo no, su retrato de Patti Smith, cantante y poetisa que fue amante del fotógrafo además de su musa, y de cuya colaboración queda una foto icónica que ella utilizó en la portada de su primer disco ‘Horses’. Ésta posiblemente sea la imagen más conocida de Mapplethorpe, aunque quizá muchos la hayan visto sin saber que era obra de este genial fotógrafo. Un fotógrafo que bien merece nuestra atención.

Más información | Kunsthal Rotterdam/ Mapplethorpe Foundation

En Xataka Foto | Los pecados capitales y la fotografía (I)

Foto de portada | 'Autorretrato' - Robert Mapplethorpe (1975) Jointly acquired by the Los Angeles County Museum of Art and The J. Paul Getty Trust. Partial gift of The Robert Mapplethorpe Foundation; partial purchase with funds provided by The J. Paul Getty Trust and the David Geffen Foundation.

Souvid Datta reabre la polémica de la falta de ética en la fotografía documental

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Souvid Datta

Es lamentable que cada poco tiempo tengamos que hablar de fotoperiodistas para los que todo vale con tal de conseguir visibilizar su trabajo, para ellos lejos quedó el oficio del fotógrafo que cuenta, investiga y documenta, es más fácil copiar, mentir y recoger beneficios.

Empieza a ser una bochornosa costumbre que cada año el concurso más importante y prestigioso de fotoperiodismo, el World Press Photo, venga con bicho. Ocultos como los gusanos en las manzanas, algunos fotógrafos sin ética buscan fama, reconocimiento y dinero aunque para eso haya que trucar las imágenes.

Stepan Rudik World Press Photo retiró el premio a Stepan Rudik por esta imagen

Algunos fotógrafos son cazados rápidamente, bien porque eliminan parte de la foto y dejan pruebas de ello, como el caso de Javier Arcenillas en el fotoCAM 2008, infringir las normas del concurso como el caso de José Luís Rodríguez en Wildlife Photographer of the Year 2009 o quitar lo que no nos gusta como hizo Stepan Rudik. Otros son cazados años más tarde, como el caso que nos ocupa hoy, gracias al ojo de redactores como Michael Zhang que ha avisado que el fotógrafo Souvid Datta puede haber plagiado, nada más y nada menos, que a Mary Ellen Mark

Souvid Datta y Lens Culture, ya estuvieron el el punto de mira cuando para promover su concurso la plataforma utilizó una imagen del fotógrafo en la que una niña, víctima de la explotación sexual, estaba siendo violada por un cliente.

Este hecho abrió el debate sobre la figura del fotógrafo, si debe solo documentar o debe intervenir, si esa foto debe ser publicada para sacar beneficio por parte de LensCulture o no. El de hoy es más sutil, no afecta a nuestra moral colectiva, solo a la de los fotoperiodistas que están hartos de la falta de ética, y de los amantes de esa profesión que ven como cada año hay más impostores entre sus filas.

En una serie de fotografías que Datta hizo en India, una ha hecho saltar las alarmas, en ella el fotógrafo quiere visibilizar la "tradición familiar" de violencia sexual hacia las mujeres que alimenta el turismo sexual en la zona y la explotación infantil. Pero por desgracia “En las sombras de Kolkata”, ha llamado más la atención por otro asunto, por la incorporación de estilo corta y pega, de una imagen de Mary Ellen Mark en una de las fotos de la serie.

Mary Ellen Mark Souvid Datta Xataka foto Izquierda foto de Souvid Datta con la imagen polémica resaltada, a la derecha foto de Mary Ellen Mark con la figura recortada resaltada.

Si este fotógrafo no hubiera estado inmerso en otra polémica podría llegar a pensar que esta imagen es un homenaje a la fotografía humanista de la fotógrafa estadounidense, pero realmente nada me hace pensar eso. Pero tampoco creo que el fotógrafo pensara que esto iba a pasar desapercibido, tres años después el asunto ha saltado a la luz, y aunque sea de manera transversal hace que hablemos de la explotación sexual infantil en países como India.

Creo que si nos centramos solo en el hecho de la manipulación, sin más, los árboles nos impedirán ver el bosque, la fotografía documental debe servir para denunciar casos y, en esta ocasión, para mí, el fin justifica los medios.

Foto de inicio extraída del vídeo Souvid Datta de Lens Culture en Youtube.

Fuente: Peta Pixel

En Xataka Foto | "La ética, en fotoperiodismo, es el timón que dirige la cámara": Maysun, fotoperiodista.

La fotografía elegante de Michael Kenna

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Michael Kenna Quixotes Giants Campo De Criptana La Mancha Spain 1996

Hace tiempo descubrí la figura de Michael Kenna, un fotógrafo minimalista. Quizás es la mejor forma de definirle. Formato medio, blanco y negro exquisito. Y largas exposiciones. Os invito a descubrir la mirada de uno de los herederos de los grandes fotógrafos del pasado: Michael Kenna.

Ser diferente a la hora de hacer una fotografía siempre llama la atención. En una época donde todo corre prisa, en la que las imágenes vuelan del sensor al móvil para que sean enseguida vistas por tus seguidores, Michael Kenna no ha dejado los orígenes. Película de blanco y negro, una vieja Hasselblad, trípode y un tiempo infinito para grabar en los haluros de plata esas fotografías más cercanas a un haiku que a una imagen del siglo XXI. Antiguos le llamaran alguno; único, pensamos otros.

La biografía de Michael Kenna

De origen irlandés, nació en 1953 en una familia de seis hermanos. Su formación católica le llevó al seminario, donde cultivó ante todo su pasión por el arte. Con 17 años estudió en la Banbury School of Art de Oxfordshire, donde la fotografía se convirtió en su pasión. Pero tocó todos los palos de las Bellas Artes. Conoció la obra de grandes fotógrafos como Bill Brandt,Josef Sudek, Eugene Atget y Alfred Stieglitz. Pero también a pintores de la talla de Caspar David Friedrich, John Constable y Joseph Turner. Se especializó en la London College of Printing.

Michael Kenna Torii Study2 Biwalake Honshujapan

Él mismo reconoce que no sabe la cantidad de creadores que le pueden haber influenciado a lo largo de su vida. Y constata que un fotógrafo tiene que tener una sólida formación artística para lograr un estilo propio. Nunca entendí a los que no pisaron un museo en su vida.

A la vista de los resultados, una de las mejores decisiones de su vida fue abandonar su tierra y aventurarse en los Estados Unidos, donde trabajo en Nueva York, San Francisco, Oregon... hasta que se instaló en Washington. Empezó trabajando de impresor y fotógrafo comercial, pero con el tiempo su obra llegó a las galerías, y se pudo dedicar plenamente a la fotografía de paisaje, con su propio lenguaje. El sueño de cualquiera de nosotros.

El estilo de Michael Kenna

Puede parecer casualidad, pero la primera vez que vi el trabajo de Michael Kenna fue a través de un vídeo que se publico en estas páginas. Vi a un hombre que se hundía en la nieve para fotografiar un árbol solitario en una remota isla de Japón, Hokkaido. Y me enamoré de su minimalismo. Desde entonces busco la esencia del paisaje con su trabajo como inspiración.

Michael Kenna Hokkaido Japan 1

El paisaje para mi es como una gran iglesia, un inmenso escenario de religiosidad.

Y aunque estudió en el seminario, se ha declarado agnóstico. Así que entiendo que su forma de ver el mundo está más cerca de la obra de Terrence Malick y el pensamiento de Heidegger que de un creador inspirado por un dios cristiano como Ansel Adams. Aquí es donde más se nota la diferencia con el que algunos pueden llegar a compararle. Aunque no se parezcan en nada.

Su trabajo es puro minimalismo. Su luz es la del amanecer, aunque puede disparar a una hora cualquiera si la luz es buena. Pocas veces abandona en la habitación una cámara tan clásica como la Hasselblad 500, que carga con carretes en blanco y negro. Y sale a disparar, cargado con su trípode a la búsqueda de la mínima expresión del paisaje, donde predominan las líneas, los blancos y los negros puros para crear fotografías que solo se pueden expresar con pocas palabras.

Michael Kenna 2

Creo que el blanco y negro es más misterioso porque vemos en color todo el tiempo. Es más subjetivo, más tranquilo que el color. Revelo personalmente todo mi trabajo propio para interpretarlo subjetivamente en la oscuridad del laboratorio. Es una preferencia personal.

Dónde podemos ver su trabajo

Michael Kenna es muy desconocido en estas tierras, aunque estuvo en tierras de La Mancha en 1996. Fotografiando molinos, buscando a Don Quijote. Y como podéis ver no es amigo de los artificios. Cree en la fuerza de la luz.

Y ha expuesto varias veces en España, incluso tiene dos exposiciones pendientes este año, en el museo Evaristo Valle de Gijón y en el Claustro de Sant Bonaventura de Llucmajor, en Mallorca.

Michael Kenna Quixotes Giants Campo De Criptana La Mancha Spain 1996

Espero que a partir de ahora, cuando penséis en fotografía de paisaje, os acordéis que hay muchas formas de acercarse a esta especialidad, y que no todas dependen de mil filtros y colores que no existen. Michael Kenna representa otra forma de fotografiar que no podemos dejar de mirar.

En Xataka Foto| Michael Kenna, capturando el rastro del tiempo

La España de los 60 vista por Xavier Miserachs protagoniza el último libro de la colección PHotoBolsillo

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Barcelona 1966 Arena Y Mar Miserachs

El último volumen de la conocida colección de bolsillo editada por La Fábrica es un homenaje al fotógrafo catalán Xavier Miserachs, considerado uno de los pilares de la fotografía documental española. El libro, como siempre en formato reducido y asequible, hace un amplio recorrido por su obra a través de sus proyectos más destacados, como las series dedicadas a Barcelona, Andalucía y la Costa Brava.

Xavier Miserach Portada

Xavier Miserachs (1937-1998) comenzó su carrera como “fotógrafo ilustrador”, término que según explica Oriol Maspons (destacado fotógrafo amigo y compañero) en el prólogo del libro se utilizaba en París para denominar a los que ejercían esta profesión, “y desde entonces en ningún momento dejó de hacer fotografía”.

Los Encantes Barcelona 1957 Arena Y Mar Miserachs Los Encantes, Barcelona 1957 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

A través del libro, podremos conocer cómo Miserachs se sumergió en la Barcelona de los años sesenta retratando el ambiente de sus calles y su gente: tenderos, jóvenes, niños y familias protagonizaron la serie que le dio a conocer, “Barcelona, blanc i negre”, un proyecto que permitió a Miserachs formar parte de una exposión colectiva con Leopoldo Pomés y Francesc Catalá-Roca, y ahora forma parte de importantes colecciones como la del MACBA.

Antes de eso ya había participado en otra muestra junto a Ricard Terré y Ramón Masats, artistas con quienes se integró en la fotografía profesional y con quienes llegaría a sentar las bases de la fotografía documental española de los años 60.

El Born Barcelona 1962 Arena Y Mar Miserachs El Born, Barcelona 19 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

Después ya vinieron otros proyectos que fueron engrosando su currículum, varios de los cuales tienen cabida en el nuevo libro. Es el caso de ‘Costa Brava Show’, en donde Miserachs retrató el ambiente de las playas de Ibiza, Tossa de Mar, Cadaqués y Calongue. Tampoco falta constancia de su paso por Andalucía, de la que salieron una serie de fotografías con un carácter muy diferente a las anteriores, tratando de mostrar la idiosincracia andaluza con abundantes escenas sobre el mundo del trabajo y la omnipresente vida religiosa.

Entre sus trabajos cabe destacar también sus imágenes sobre ‘La Gauche Divine’, ese movimiento espontáneo surgido en los años 80 entre artistas, arquitectos y escritores en una época en la que la libertad aún contrastaba con los últimos resquicios de la dictadura franquista.

Semana Santa Tarifa 1961 Arena Y Mar Miserachs Semana Santa, Tarifa 1961 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

’Xavier Miserachs’

El nuevo libro de la colección PHotoBolsillo se presenta, como es habitual, en un formato de 13x18 cm y tiene un total de 96 páginas en las que se recogen 61 fotografías del maestro. Se puede adquirir en librerías o directamente en la página de La Fábrica y desde luego es una buena oportunidad para conocer a un gran fotógrafo por un precio asequible (14,50 euros).

Más información | La Fábrica | Xavier Miserachs

En Xataka Foto | Eduardo Momeñe y sus geniales retratos protagonizan el último volumen de la colección PHotoBolsillo

Foto de portada | Barcelona, 1966 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

‘Careful: Soul Inside’, de Pedro Oliveira, el fotógrafo que busca retratar “más allá de lo que tus ojos pueden ver”

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Careful Soul Inside Pedro Oliveira Portada

Pedro Oliveira es un fotógrafo brasileño afincado en los EEUU que en 2015 comenzó un proyecto personal sobre gente como cualquiera de nosotros, gente real que tenía planes y sueños pero por alguna razón acabó viviendo en la calle o en un refugio. Gente con una historia detrás que el fotógrafo pretende contarnos a través de las realistas imágenes de la serie ‘Careful: Soul Inside’.

Dale Careful Soul Inside Pedro Oliveira Dale

Como decimos, Pedro nació en Brasil pero hace cinco años se trasladó a Portland para continuar sus estudios y licenciarse en comunicación y publicidad. Allí le llamó la atención la gran cantidad de homeless que encontró, algo que le chocó al tratarse de la primera potencia mundial. Así, se le ocurrió la idea de iniciar el proyecto como una forma de concienciar sobre la delgada línea que separa a la sociedad “normal” de las personas sin hogar. Su esperanza es poder ayudar a derribar el enorme muro social que hace que estas personas sea prácticamente invisibles para la mayoría.

Para ello, el autor no sólo fotografía a los homeless de Portland sino que se relaciona con ellos y escucha sus historias. Como la de Gleen (nombre ficticio), a quien el fotógrafo conoció esperando el metro y, sin estar seguro de si era una persona sin hogar pero “fascinado por sus rasgos faciales, me dedicí a pedirle si le podía hacer una foto de todos modos”.

Gleen Careful Soul Inside Pedro Oliveira Gleen

Así comenzaron a hablar y Gleen le contó como, después de llevar una vida trabajando en varias ocupaciones diferentes, fue despedido por la crisis y, debido a su edad, no había logrado conseguir otro trabajo, de modo que había acabado viviendo en la calle: “No todos somos vagabundos, cualquiera puede terminar aquí”. Para Oliveira, Gleen es un claro ejemplo: “No es un borracho, no es un ladrón, no es un tipo malo en absoluto. Hablando con él no puedo evitar lo fina que es esa línea que nos separa de ser una "persona" a ser alguien invisible...

James Jimmy Careful Soul Inside Pedro Oliveira James

Otro invisible es, por ejemplo, James, la primera persona del proyecto a la que fotografió y a quien Pedro describe como “un hombre guapo, amable y extremadamente bien informado, que está siempre alrededor del área de Park Avenue y lleva consigo sus docenas de libros, revistas y periódicos”. O "Fried Rice David", un esquizofrénico a quien estuvo intentando retratar durante todo un año y, un buen día, se acercó a él y le pidió dinero para comprar "arroz frito chino". Y Oliveira, cómo no, se lo concedió a cambio de poder hacerle una foto.

David Careful Soul Inside Pedro Oliveira Fried Rice David

Para Pedro, ”un buen fotógrafo es una combinación de habilidades, persistencia y suerte... Me prometí a mí mismo que nunca saldría de casa sin mi cámara, porque solía perderme constantemente las escenas más interesantes. Y Doug me hizo recordar por qué”. Doug es a quien ya habéis visto en portada y que, un buen día, en una cafetería del centro de Portland donde Pedro había entrado a tomar algo caliente en un día lluvioso, “”se plantó ante mí con la sonrisa más grande que he visto”.

Doug Careful Soul Inside Pedro Oliveira Doug

Sin duda unas historias curiosas que Pedro Oliveira ha plasmado a través de unas impactantes fotografías que merece la pena admirar. Un trabajo que recuerda al de Lee Jeffries a quien tuvimos la oportunidad de entrevistar hace unos años. Sin más os dejamos con otras imágenes del proyecto que nos ha enviado Pedro y que, como las anteriores, todas van más allá de lo que se ve y tienen detrás una interesante historia que va “más allá de lo nuestros ojos pueden ver”.

Veronika Careful Soul Inside Pedro Oliveira Veronika
Mark Or Philipe Careful Soul Inside Pedro Oliveira Mark o Philipe
James Careful Soul Inside Pedro Oliveira James
Jake El Grande Careful Soul Inside Pedro Oliveira Jake "El grande"
Dean Careful Soul Inside Pedro Oliveira Dean
Michael Careful Soul Inside Pedro Oliveira MIchael

Pedro Oliveira | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘On the street’, de Ian Cole, el fotógrafo de los sin techo que antes fue uno de ellos

Fotografías de Pedro Oliveira reproducidas con permiso del autor para este artículo

Carlos Perez Siquier, el fotógrafo humanista que reescribió las reglas de la fotografía en España

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Perez Siquier

Hablar de Carlos Perez Siquier es hablar de la historia de la fotografía española, de la sesuda lucha contra la censura, es hablar de surrealismo y de documentalismo, hablemos de Siquier.

Carlos Pérez Siquier nació en 1930 en Almería, veintipocos años después ya era una de las figuras más relevantes del panorama fotográfico en España y aupó a Almería para que se convirtiese en una de las ciudades con más influencia en la fotografía en España.

Primeros pasos y colectivo AFAL

Pérez Siquier se dedicaba a la banca, concretamente era ejecutivo en el Banco Santander, como tantas otras personas a lo largo de la historia de la fotografía, empezó, de manera autodidacta, haciendo fotos en su tiempo libre, como una afición que le permitía desconectar del día a día cuando llegaba el fin de semana, momento en los que armado con su Contax fue haciendo las fotos de sus proyectos más importantes y conocidos.

En 1950 funda, junto a José María Artero García (Almería, 1928-1991) el colectivo AFAL que ha resultado ser uno de los colectivos fotográficos más importantes del siglo XX. La idea, que surgió en el marco de un movimiento asociacionista fotográfico. Su existencia giró en torno a una revista homónima especializada en cine y fotografía.

El proyecto duró hasta 1963, en diciembre de ese año la revista dejó de publicarse debido al fuerte gasto no recuperado que había hecho en 1958 en la impresión del Anuario de la Fotografía Española de 1958.

Anuario De La Fotografia Espanola De 1958 AFAL Anuario De La Fotografía Española De 1958

“Las revoluciones tienen que morir jóvenes y no hay que procurar alargarles la vida porque languidecen”. Carlos Pérez Siquier.

Dicho anuario supuso el deceso de la formación, pero también fue la mejor muestra de la filosofía del colectivo. Fue un proyecto ambicioso, 48 autores aportaron más de 100 fotografías a la publicación, cada uno era responsable del trabajo que aportaba, por lo que la heterogeneidad fue lo que más llamó la atención y era una maravilloso ejemplo de los distintos intereses y medios de trabajo de los autores españoles de la época, una impagable herencia.

Los años 50 dieron para mucho, fotográficamente hablando, para el almeriense. Además de ser el padre del que se convertiría en el colectivo más influyente de España, Siquier era editor fotográfico para los anuarios EVERFOTO y de la revista Nueva Lente.

La Chanca

Es necesario conocer las condiciones de vida en el barrio almeriense para entender porqué el fotógrafo tenía que documentar lo que pasaba. Era un barrio de pescadores, desde 1671 los habitantes fueron levantando instalaciones cerca del puerto, poco a poco se fue dibujando una ciudad construida a base de chozas y chabolas, también con cuevas donde los temporeros descansaban.

En 1956, con apenas 26 años, Carlos Pérez Siquier se interesa por La Chanca. Como ya habíamos dicho antes, tenía otra profesión y utilizaba los ratos libres que esta le dejaba para subir a documentar el paisaje, los habitantes, sus viviendas, las cuevas. También las costumbres, y el día a día de un lugar que permitía viajar en el tiempo.

La Chanca en el Centro Pérez Siquier La Chanca en el Centro Pérez Siquier

Por aquel entonces Pérez Siquier aún fotografiaba en blanco y negro, una conocida anécdota da pistas de la intuición que el joven fotógrafo había desarrollado. Había pasado ya un año desde que decidió empezar a retratar la historia de la ciudad. Paseaba por la calle cuando un señor se le acercó a preguntarle:

― ¿Viene usted a retratar al muerto? Ni corto ni perezoso respondió tranquilamente ― Sí, yo soy el fotógrafo. De ahí surgió el trabajo llamado "El Entierro"

En un dossier de prensa que la junta de Andalucía realizó para la presentación de una exposición de Perez Siquier informan que el trabajo del entierro:

Pérez Siquier lo realiza en un solo carrete. Tras ver los contactos se percata de la valía del mismo y, dos años después, decide que será su tarjeta de presentación en la exposición del grupo AFAL que se celebra en la embajada española en París en diciembre de 1959, conjuntamente con los fotógrafos del grupo francés Les 30 x 40. A tal efecto, envía los negativos a Barcelona para el positivado. A partir de ahí, se pierde la pista de ellos. Las gestiones para su recuperación fracasan y de la serie sólo quedan dieciséis contactos.

Pese a que el trabajo del entierro no se vuelve a exponer nunca, Siquier continúa su trabajo en La Chanca, han pasado seis años desde que empezó a hacerlo cuando, en 1962, se produce un punto de inflexión, ya que empieza a trabajar en color y ya no volverá a retratar el barrio en blanco y negro.

Siquier en color

En los años setenta pretender ser un fotógrafo serio y respetable no era compatible con hacer fotos en color, eso era casi un sacrilegio, quizá tanto como lo es ahora querer ser profesional y hacer fotos con el móvil.

Sin duda esa época marcó una ruptura con los convencionalismos clásicos, si en Estados Unidos destacaron autores como William Eggleston y Stephen Shore, en Europa los exponentes fueron, entre otros Martin Parr y Carlos Pérez Siquier.

Para mí, lo mejor de Siquier es que no bebe de la influencia de autores extranjeros, que no se deja intimidar por la tradicional tendencia documental del blanco y negro, fue un visionario que se atrevió con todo.

En una época sin internet era difícil estudiar los trabajos de autores foráneos, y sin que uno influyera en el otro me parece mágica la conexión entre autores como Parr y Siquier.

La playa.

Tras la muerte de AFAL Siquier comenzó a trabajar como fotógrafo independiente para el Ministerio de Información y Turismo, quizá este trabajo le da la pista para realizar otro de sus grandes trabajos y que le catapultó al panorama internacional.

Siquier quiso romper moldes cuando cofundó AFAL, siguió haciéndolo al retratar lo que la dictadura no quería enseñar, siguió con su espíritu revolucionario al decidir pasarse al color cuando hacerlo era prácticamente una herejía en el sacro-santo mundo de la fotografía de mitad del siglo pasado. Fiel a sus convicciones y haciendo gala de su sentido del humor realiza en la década de los setenta un trabajo controvertido e irónico.

Se trata de una visión con estética pop que realizó entre 1972 y 1980 y que significó otro punto de inflexión en su carrera. El fuerte compromiso social que había definido su trayectoria hasta la fecha da pie a una crítica social divertida, con un cambio de formato y de técnica que no dejó indiferente a nadie.

Perez Siquier Exposición de La playa en el Centro Pérez Siquier

Esta “geografía de la carne”, como el autor se ha referido a este trabajo, pretende llamar la atención de las masas de turistas que año tras año llegaban a las costas Almerienses. Una caricatura sobre el turismo, sus formas, sus maneras y la impresión que le provoca a un Almeriense ver como las playas, que durante el resto del año están desiertas, se inundan con esta suerte de conquistadores estacionales que dibujan un paisaje diferente.

Cronología de su obra

Pese a que esos son los dos trabajos más conocidos Pérez Siquier ha producido más trabajos:

1956 - 1965

La Chanca (Blanco y negro)

1962 - 1965

La Chanca en Color

1956 - 1975

Almería

1958 - 2014

Retratos

1970

La Isleta del Moro

1956 - 1986

Almería y el Cine

1972 - 1996

La Playa

1980 - 2012

Color Del Sur

1990 - 2000

Informalismos

2001 - 2002

El Viaje

2003 - 2004

La Mestranza

2015

Mi Sombra y yo

Centro Pérez Siquier y la donación de la obra

AFAL ya supuso un punto de partida que servía para el estudio del trabajo fotográfico para los autores de aquella generación. Del mismo modo los autores que publicaron en aquellas fechas nos dejaron un legado que nos permite ahora poder analizar sus trabajos.

Siquier ha donado su obra a diferentes instituciones, desde la cesión del archivo del colectivo AFAL al Museo Nacional Reina Sofía hasta la de todo su material y archivo a la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino

Captura De Pantalla 2017 05 09 A Las 18 09 30 Centro Pérez Siquier

Gran parte de su trabajo puede disfrutarse en el recién creado Centro Perez Siquier, el primer museo dedicado a la obra de un fotógrafo español.

PNF 2003 Carlos Pérez Siquier recibe el Premio Nacional de Fotografía en 2003.

Es de agradecer que, de vez en cuando, los honores, las celebraciones y vítores, los homenajes y premios se den en vida. en 2003 recibió el Premio Nacional de fotografía y actualmente es reconocido como una de las personas que más ha aportado a la historia de la fotografía en España, desde aquí queremos decirle GRACIAS MAESTRO.

‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’, la exposición sobre una nueva generación que rompe moldes

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chachacha

Este viernes se inaugura en la Sala Canal de Isabel II de Madrid la muestra ‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’, que ofrece una visión amplia del trabajo de la nueva generación de fotógrafos españoles, con Bego Antón, Elisa González, Teo Barba, Jon Cazenave, Bernardita Morello y Jesús Monterde a la cabeza.

La exposición muestra el trabajo de estos seis fotógrafos a través de proyectos integrales que se presentan confrontados en cada una de las plantas de la sala. Además, otros 48 fotógrafos presentan su trabajo en otros dos apartados, divididos por el formato (fotolibro y audiovisual), lo que se complementa con, según la organización, “un sugerente background sonoro que unifica todo el espacio de la Sala Canal de Isabel II”.

wannabe Serie "Wannabe" (2015-2016), de Elisa González Miralles

La exposición trata de reflejar las principales líneas de trabajo que se desarrollan actualmente en nuestro país, “prestando atención a las estrategias, estilos y lenguajes que esta reciente generación ha adoptado” según la organización. Entre ellos, se destaca “la creación de colectivos de edición y promoción, el internacionalismo en la temática y el gran protagonismo del fotolibro, muy presente en la exposición a través de más de una cincuentena de ellos”.

Una amplia selección de trabajos que se exponen con la idea de ahondar en la pluralidad de planteamientos sobre los que trabajan estos fotógrafos y que "ayudan a definir la actual fotografía de creación española, tanto desde el punto de vista estético como temático, recorriendo múltiples formatos, lenguajes, concepciones y recursos”.

azeri "Azeri", de la serie Galerna (2009), de Jon Cazenave

Como suele ser habitual, la exposición tendrá su reflejo en un catálogo explicativo que incluye textos del comisario, Jesús Micó, y de la fotógrafa Cristina de Middel. Este fotolibro pretende, según sus organizadores, convertirse en una publicación de referencia para dar a conocer la obra de los jóvenes autores que trabajan en España.

‘Un cierto panorama’

Organizada por la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’ se puede visitar de forma gratuita desde este viernes 12 de mayo y hasta el 23 de julio en la Sala de Exposiciones Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125). Paralelamente se desarrollará una serie de actividades con visitas guiadas, encuentros con especialistas, talleres y derivas fotográficas para todos tipo de públicos.

Real Serie "REAL" (2013-2016), de Teo Barba

Más información | Madrid.org

En Xataka Foto | ‘Acting for the Camera’, ahondando en la sugerente relación entre los actores y actrices y la cámara

Foto de portada | Serie "Everybody loves to cha-cha-cha" (2015), de Bego Antón


Oda personal al gran Richard Avedon

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Richard Avedon Ii

Si existiera la religión de la fotografía, si me gustara adorar a alguien, mi dios sería Richard Avedon, el mejor fotógrafo de la historia. Sé que es exagerado, pero la fe es ciega. Y tengo motivos para celebrar como un día grande el 15 de mayo. Tal día como este de 1923 nació Richard Avedon.

Nació en la ciudad de Nueva York, en una familia que tenía una tienda de moda en la Quinta Avenida. Rodeado desde pequeño por las fotografías de las revistas de moda que terminaban decorando su pared, parecía predestinado a ser uno de los mejores fotógrafos de moda y el más grande retratista a la altura de los grandes maestros de la pintura. Sí, soy capaz de compararle con Velázquez, con Goya al que tanto admiraba. ¿O pensáis que esos fondos blancos, en el que el personaje está desnudo ante nosotros, no tienen nada que ver con los fondos neutros de los maestros españoles?

Él tenía el don de saber en qué momento disparar. Fue capaz de ver dentro de Marilyn Monroe como nadie lo hizo. Solo espero a que cayera su máscara de actriz y dejar a la vista al ser humano desvalido que era. A Chaplin lo sacó como un demonio que se burlaba de todos cuando fue tristemente expulsado por sus ideas políticas. Y desenmascaró a los duques de Windsor, reconocidos simpatizantes del fascismo, en un doble retrato demoledor sin un ápice de compasión.

Richard Avedon Duques De Windsor Duques de Windsor

Porque admiraba ante todo y sobre todo la belleza. No solo la física, que también, sino todo lo que rodea y simboliza la autenticidad del ser humano. A muchos les puede parecer que alguien semejante se debía comportar como un divo, pero parece que no fue así. Un reconocido fotógrafo español, editor de una de las revistas semanales más importantes de España, tuvo la suerte de llegar a conocerlo. Pero ante el miedo de perder a un mito en su panteón particular, decidió perder la oportunidad. La historia termina bien. Le trató poco, pero reconoció a un profesional y mejor persona.

Un fotógrafo histórico

Su obra te deja sin habla. Te puede cambiar la forma de ver el mundo. Pero te dice mucho que un fotógrafo con todo hecho, con un prestigio inigualable, fuera capaz de embarcarse en una aventura por el oeste para crear un trabajo que todavía hoy sigue marcando tendencia.

In the american west es la biblia para muchos fotógrafos. Amigos que lo tienen abren sus páginas día tras día para tener una guía que les indique el camino a seguir. Son cinco años de trabajo buscando a personas marcadas por la vida en la tierra prometida. Siempre con la misma luz impenitente. Siempre con un fondo blanco contra el que parecen levitar. Ni una sonrisa. Y la sensación de poder contar la vida de cada uno de los personajes que no dejan de mirarte aún después de cerrar el libro.

Un trabajo que comenzó en 1979 y que no gustó a la América de Reagan, que querían creer que la única realidad era el hombre Marlboro. Yo tuve la suerte de ver la serie en tres ciudades. Y no puedo quitármelo de la cabeza:

Fotografiaba al sujeto delante de una hoja de papel de unos tres metros de ancho por dos de alto fijada sobre un muro, un edificio, a veces sobre el lateral de un tráiler. Trabajaba en la sombra porque la luz solar crea sombras, reflejos, acentos sobre una superficie que parecen decirte dónde tienes que mirar. Quería que la fuente de luz fuera invisible para neutralizar su efecto en la apariencia de las cosas.

¿Qué es la fotografía para Richard Avedon?

Siempre digo que cualquiera con esos medios haríamos fotografías para el DNI, pero él sabía mirar dentro de cada uno. La fotografía no es solo disparar, contar con un equipo detrás de impresión y listo. La fotografía es tener cultura, vida propia y unas ganas locas de disfrutar de las cosas.

Parece que estoy diciendo lo que quieren oír los que empiezan en las escuelas de fotografía. Pero Richard Avedon subió a los altares al mismísimo Lartigue, el fotógrafo de la felicidad. Siempre sufrió por su hermana, una de las mujeres más hermosas que conoció jamás pero con una historia trágica que le marcó. Lucho contra todo tipo de injusticias y siempre estuvo al lado de los desfavorecidos, como demuestran sus muchos trabajos políticos.

Richard Avedon Ii

Una cosa que pocos saben es que su vida está pasada al cine. Y que el actor que lo encarnó fue el mismísimo Fred Astaire. Esa película es Funny Face (Una cara con ángel). Richard Avedon trabajó codo con codo con Stanley Donen, el mítico director de la película. Y el gran bailarín captó todos los matices de un personaje que era capaz de emocionarse en cualquier momento y sacar una cámara para captarlo como nadie.

Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas son precisas. Ninguna de ellas es la verdad.

Él fue de los primeros que sacó a las modelos a la calle, fuera de los estudios fríos. Martin Munkácsi ya lo había hecho en los años 30, pero Richard Avedon construyó historias más vivas. Por primera vez las modelos dejaban de ser meros maniquies para convertirse en las futuras top models que hoy pueblan las revistas de moda.

Y de ahí a su universo particular. Consiguió ser un estilo propio. Nadie era importante hasta que él lo fotografiaba. Ese personaje tenía que estar dispuesto a ser desnudado por sus ojos, sin condiciones, sin tiempo establecido. Seguía las directrices de su mentor Alex Brodovitch

Tus fotos deben tener un discurso, pero grita, no susurres

Richard Avedon es uno de los fotógrafos más importantes de la historia. Para mi es un referente. Y estas líneas son un homenaje para alguien que cambió la forma de mirar. Feliz cumpleaños.

En Xataka Foto| Richard Avedon, el hombre que giró la fotografía de moda y retrató la simpleza

El no va más en fotografía de boda: el reportaje de una pareja a los pies del Everest

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Bodas hay de muchos tipos, desde las más clásicas hasta las más originales, y consecuentemente también hay de muchos tipos de reportajes de boda. Pero como el de Ahsley y James, de momento, no existe otro. Porque esta pareja se casó en el campamento base del Everest, en la cordillera del Himalaya a 5.364 metros de altura, y las fotografías de su boda realizadas por Charleton Churchill son, como podéis imaginar, realmente espectaculares y, sobre todo, únicas.

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Charleton Churchill es un profesional del norte de California que se define a sí mismo como fotógrafo de bodas aventurero. Pues bien, después de haber realizado fotografías de boda en lugares de lo más originales e inhóspitos, desde 2011 tenía la idea de hacer un reportaje en el Everest, como sabéis la montaña más alta del mundo. De hecho, en 2015 llegó a intentarlo con una pareja de aventureros como él pero todo se fue al traste por culpa del terremoto que asoló la región ese año.

Y aunque no sabía cuando iba a volver a poder intentarlo, cuando una novia en busca de fotógrafo contactó con él para contratarle se le ocurrió la idea de sugerirle embarcarse en esta aventura. A la pareja de novios, deportistas y aventureros ambos, les pareció una buena idea así que se embarcaron en la aventura de casarse en las faldas del Everest, a más de 5.000 metros de altura y con temperaturas bajo cero.

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Para ello tuvieron que prepararse todo un año antes de iniciar un viaje sin duda complicado que debía durar entre dos y tres semanas. La expedición, como podéis imaginar, no estuvo exenta de problemas de todo tipo, aunque lo peor fue que la noche antes de iniciar el ascenso hasta su meta final, el novio sufrió mal de altura y a punto estuvieron de tener que volverse de vacío.

Sin embargo, tras pasar una noche con oxígeno, su estado mejoró y decidieron subir, hacer una boda rápida y regresar después en helicóptero. Así, el 16 de marzo de 2017 Ahsley y James se casaron en el campamento base del Everest y, lógicamente, se hicieron el obligado reportaje fotográfico con sus trajes de boda a una temperatura de cinco grados bajo cero. Y aunque la cosa no fue según lo planeado (tuvieron que quedarse a dormir allí para que el helicóptero les recogiera al día siguiente) finalmente volvieron sanos y salvos, y con un reportaje fotográfico excepcional.

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Como podéis ver en las imágenes adjuntas, el entorno es impresionante y por supuesto lo que más destaca es ver a unos novios vestidos como tal en un lugar semejante. Sin duda una aventura increíble que el fotógrafo cuenta en su blog y en una serie de vídeos de YouTube) y que, según Charleton, “valió mucho la pena”.

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Charleton Churchill | Página web | Instagram

En Xataka Foto | Guía completa para iniciarse en la fotografía de bodas (I): Preparativos y consejos previos

Todas las fotografías de Charleton Churchill reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Hay que dejarse llevar por sensaciones, notar la energía cuando fotografías una ciudad”: Gonzalo Azumendi, fotógrafo de viajes

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Hablar de Gonzalo Azumendi es hablar de uno de los más prestigiosos fotógrafos de viajes que tenemos en España. Este vasco de Getxo lleva más de tres décadas centradas en la fotografía y se ha labrado una carrera fotografiando por todo el mundo. Queríamos conocer más sobre sus comienzos, su filosofía y saber más del fotógrafo divertido y sonriente que hay detrás de sus llamativas y curiosas fotos.

Azumendi trabaja para las mejores revistas, periódicos y publicaciones por todo el mundo. Aquí es habitual en El País o El Mundo, Viajes National Geographic o Lonely Planet, entre otros. Además de autor de numerosos libros y de conferencias y talleres, además ha dedicado parte de su vida a documentar recónditos lugares para la UNESCO.

Llevas muchos años en esto de la fotografía, ¿recuerdas cómo fueron tus inicios? ¿cómo llegaste y qué te llevó a dedicarte a la fotografía de viajes?

Era escalador. Me fascinaba el alpinismo, me fascinaba la vida, me fascinaba viajar y los ochomilistas y esa liturgia, que al fin y al cabo era una pasión, igual que la fotografía. Una pasión por lo inútil, tomando las palabras del famoso alpinista Lionel Terray: “los conquistadores de lo inútil”. Pero, de repente, no se muy bien porqué empecé a llevarme la cámara de fotos que tenía mi madre para fotografiar aquella movida. Y, un buen día, me vi atrapado por las fotos. Empecé a hacer cursos, a interesarme por ir a proyecciones, conferencias de fotógrafos de Magnum… estando en Bilbao me iba a Barcelona a hacer talleres y, así poco a poco, me vi muy atrapado y enloquecido con la foto, tanto que seguí ese camino hasta hoy, que es mi medio de vida.

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Pero, ¿cómo empezaste profesionalmente?

Estudié psicología, mi padre había pagado la carrera por lo que la responsabilidad era más grande aún... y yo lo que quería, juvenil y con mente “hippie”, era ser libre, dedicarme al alpinismo... era como un sueño. Aunque fue la fotografía la que me atrapó. En ese momento era complicado dedicarse a la fotografía pero, en cierto modo, es más fácil que ahora, porque no estaba todo tan saturado. Antes el soporte habitual era la diapositiva y había que hacerla bien y venderla, entregar algo físico, lo cuál conllevaba un alto grado de exigencia a la hora de trabajar. Ahora es diferente. Todo está lleno de fotos, circulan por millones en la red, y hace que el valor de la fotografía comercial se haya devaluado, por tanto, en el terreno profesional es más complicado y cada vez más “low-cost”, trabajar muchísimo más y ganar muchísimo menos.

Cuando ya empiezas a dedicarte a la fotografía, ¿hubo algún encargo que te marcó?

En 1984 me fui a un barco pesquero porque en esa época hubo problemas, un conflicto con Francia y los patrulleros les disparaban. Así que salí con un barco del puerto Ondárroa durante una semana y estuve haciendo fotos. Llegó un ciclón y aquellas fotos las publicaron en un diario durante cuatro días. Aquello me sirvió para empezar.

Además, en la revista GEO hicieron un reportaje de los carnavales vascos que eran cercanos a mi y como me pillaba allí y tenía fotos hechas, pues me publicaron tres. Fueron los comienzos. Luego hice muchos festivales de música, de teatro, de eventos culturales que me tenían ocupado muchos fines de semana y así fui avanzando.

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¿Y luego llegaron los viajes?

Si, pero para nada fue fácil. Fue algo muy progresivo, que compaginaba con ser guía de viajes y complementando con otros encargos para ir saliendo adelante. Llegó a un momento en el que ya conseguí estar plenamente dedicado a la fotografía.

Tengo que destacar que en esa época lo que se pedía era un soporte físico y no existía la facilidad técnica, ni lo barato y accesible del digital, que cada día inunda la vida de imágenes, como un nuevo y rápido lenguaje. Entonces había que ser exigentes y cumplir con todos los encargos en tiempo y con calidad.

#fairytale 45 PINOCCHIO IN THE KINGDOM OF DON QUIXOTE ��#cuentosdehadas 45 PINOCHO EN EL REINO DE DON QUIJOTE. ��‍♂️Mykonos, Greece.

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De tus viajes, quizás destacaría cierta vinculación con Tailandia ¿no es así?

Si, he trabajado mucho allí, me encanta todo Asía, es muy cómodo y estimulante porque la gente es muy tranquila, “vive y deja vivir”, pero son muchos países con los que tengo vinculación. Me gusta casi todo el planeta. Va por rachas. Durante muchos años estuve viajando por países árabes, que fueron buena parte de mis trabajos durante tiempo.

¿Te resultaba fácil en esos países?

Siempre me encontré muy a gusto y bien. Muy cercano a la gente, sin diferencias. Ahora con los problemas actuales en el mundo, en algunos es más complicado viajar, y también hay menos demanda en las publicaciones y encargos. Lo echo de menos.

#fairytale 39 THE PILLARS OF THE EARTH ���#cuentosdehadas 39 LAS PILARES DE LA TIERRA , ( Pilar y sus amigas de fiesta � en Mykonos, Grecia)

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Cuando viajas a un país a un encargo ¿cuánto hay de improvisación y dejar que surgen situaciones y momentos y cuánto hay de planificación en tu trabajo?

Muchos piensan que todo se puede calcular pero hay veces que aparecen situaciones cuando menos te lo esperas y tienes que estar preparado para resolverlo y aprovecharlo

Pues te diría que un 95% de improvisación. Incluso el 100% antes de salir. Pero cuando ya estoy en el destino y empiezo a conocer dónde hay que estar, dónde ocurre algo, empiezo a planificar con detalle y calculo bien. Aunque, en general, muchos piensan que todo se puede calcular pero hay veces que aparecen situaciones cuando menos te lo esperas y tienes que estar preparado para resolverlo y aprovecharlo. Es cierto que en ocasiones hay que seguir un guión y algo previsto, por ejemplo, cuando me hace un encargo la Unesco tengo claro dónde tengo que ir y lo que hacer y no me voy a salir, pero aconsejo hay que dejarse llevar por sensaciones. Llegas a un país, a una ciudad, a una plaza y notas la energía, voy percibiendo dónde voy a conseguir buenas fotos. Notas que hay sitios en los que tienes que estar y donde va a ocurrir. Una vez allí ya planificas y te organizas para sacarle partido.

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Eso te llevará a encontrarte fotos fantásticas porque te has encontrado situaciones magníficas pero supongo que también te habrá llevado a situaciones en las que no es tan fácil resolverlo ¿no?

Claro, hay momentos en los que sabes que no puedes improvisar, tienes que buscar bien, planificar y saber cómo resolverlo. Ten en cuenta que tienes que tener mucha flexibilidad, ya que hay que amoldarse a la meteorología, a las horas, la luz... incluso me ha pasado, en la plaza de una ciudad que estaba todo perfecto y listo para conseguir la foto al caer la noche, apenas esperando a que el sol bajara un poco más para tener esa luz del atardecer y, de repente, llegó el apagón general de una hora por el día del planeta... y me quedé sin luces. Todo oscuro, maldiciendo mi suerte, tuve que reaccionar rápido y hacer una larga exposición para lograr la foto que estaba buscando.

Cuando estoy fotografiando no bajo la guardia en ningún momento, estoy siempre pensando en fotografía, con gran pasión y entusiasmo

No soy de los que se rinden, no puedo parar. Suelo hacer las fotos típicas porque me sirven y, para explorar, para investigar, para esperar... y llegar a donde quiero. Cuando estoy fotografiando no bajo la guardia en ningún momento, estoy siempre pensando en fotografía, con gran pasión y entusiasmo. No pienso en la foto puramente comercial, ésas salen casi sin quererlo, porque además estoy condicionado por años de profesión... Por eso, trato de ir más allá, buscando algo diferente, siempre, disfrutar (y sufrir, que nunca se dice), crear, me quiero divertir, insistir, explorar hasta donde llego y buscar resultados que me satisfagan sin pensar si aquello lo podré vender o no (que total, para lo que se paga).

¿Cómo se vivió el cambio de fotografía química a digital en la fotografía de viajes? ¿cómo lo viviste?

Empecé relativamente pronto, gastando 7.000 euros en la primera cámara. La ventaja es total. El digital es la inmediatez, ISOs impensables de altos que nos permiten nuevas fotos en nuevas situaciones, economía, y economía en el transporte respecto a los carretes, salvar fotos, retocarlas, modificarlas fácilmente si es necesario. En mi caso lo hago alguna vez si lo considero oportuno. Comentaba con un compañero lo popular que ha sido el caso de McCurry, que tanta polémica ha creado (no soy fan, pero mi respeto va por delante). Hay que agradecerle que durante unos días muchos blogs, redes, etc, se llenaron de opiniones y comentarios... Todos hablando del retoque, aunque no de si las fotos eran suficientemente interesantes o no. Es decir, el tema se popularizó y, todo el mundo podía opinar de tú a tú, como en el futbol (y yo me uno a la fiesta). Y esto es parte del cambio.

El caso es que ahora con la fotografía digital todo esto es más fácil y ayuda. Si tengo algún problema con una foto, por ejemplo, el cielo que se me ha quemado, lo puedo recuperar mucho. Y disfruto y me quedo tranquilo. No me presento a concursos, ni me gusta tener ataduras, quiero ser libre para poder tener la foto que quiero, que bastantes condicionantes tiene la vida profesional. Estoy muy a gusto con la fotografía digital. Eso sí, lo que menos me gusta es la saturación de imágenes, como comentaba antes, pero todas las personas tenemos el mismo derecho a gozar de algo tan bello como es fotografiar, y ese es el resultado.

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¿Qué equipo usas habitualmente? Supongo que dependerá del destino o el encargo ¿qué sueles llevar?

Si trabajo en ciudad generalmente uso un único objetivo, el 24-70 mm para full frame. Y si llevo bolsa pues también el 17-35 mm. Aunque intento no ir cargado. Como muchas veces mi trabajo es muy solitario, llevo una pequeñísima cámara Rollei Action Cam para grabarme en vídeo las escenas más simpáticas fotografiando, siempre con sentido del humor. Aunque aún no tengo dominado la edición de vídeo, me hace mucha compañía. A veces llevo trípode pero no lo cargo expresamente durante el día, solo cuando lo tengo muy claro, para fotografía al llegar la noche, para interiores oscuros... Es que el peso mata al fotógrafo, mata la creatividad, necesito ir cómodo y poder moverme, porque siempre son jornadas largas, hasta de más de 12 horas, y mejor ir ligero.

Tu web está en construcción…

En Instagram no subo fotos preciosas, sino más bien mis invenciones, dando rienda suelta a la creatividad... las que más me divierten

Sí, creo que lleva así varios años... ja, ja, ja... Por ahora no está, me cuesta mucho porque tengo que prepararlo y me puede más la pasión de cada día, cada reto, cada viaje o encargo. A veces no paro. En cierto modo no le doy demasiada importancia, y debo hacerlo. Pero en el estudio, con tres personas trabajando, y con tantas tareas para facturar día a día, y miles de fotos, es difícil encontrar hueco para montar una web completa. Además, de que siempre intento hacer algo nuevo, buscar cosas originales... y no es fácil reflejarlo en la web. Ahora disfruto con Instagram, una fotografía más liberadora, más divertida, aunque me he metido solo en una trampa, porque un día subí una foto de “cuentos de hadas”, y ahora no puedo salirme de ahí, atrapado, ya estoy por la número 45. No subo por ahora fotos espectaculares del mundo, o escenas de viajes que tengo por decenas, sino más bien mis invenciones, dando rienda suelta a la creatividad... las que más me divierten.

#fairytale 36 LITTLE BUDDHA #cuentosdehadas 36 EL PEQUEÑO BUDA , Chiang Mai, Thailand.

Una publicación compartida de Gonzalo Azumendi (@gonzaloazumendiphoto) el

Viendo precisamente tus fotos, se nota que eres más de provocar la foto que de llegar, observar y esperar… supongo que es por tu forma de ser

Si, no sabría decirte bien cómo. En realidad, me gusta mucho la improvisación, incluso dentro de la planificación dejo que las cosas fluyan, viendo cómo puedo conseguir algo, intervenir,... Muchas veces las tomas son espóntaneas, en otras ocasiones no se puede esperar a que pasen las cosas, hay que actuar, desinhibirse... pero eso es parte de mi. Si veo a alguien que me interesa, y puedo perder la foto, le paro, le hablo, le mareo, busco una foto, y otra... hasta que consigo lo que quiero y me hace feliz, me gusta y me satisface.

¿El próximo viaje?

Me voy en unos días a Japón, al camino de Kumano (que es como El Camino de Santiago allí) y luego a Tokio.

Aquí estoy, fotografiando en la cumbre del Pic du Midi de Bigorre a 2880 metros! Feliz en Pirineos!

Una publicación compartida de Gonzalo Azumendi (@gonzaloazumendiphoto) el

Pues muy bien viaje y buenas fotos. Gracias por tu tiempo. A todos os invitamos a conocer algunas de sus fotos en su web, aunque está en construcción, y, sobre todo, su divertido perfil de Instagram.

Fotografías de Gonzalo Azumendi reproducidas con permiso del autor para este artículo

PHotoEspaña 2017 presenta su XX edición celebrando 20 años de fotografía

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Phe17 Apetersen

PHE cumple 20 ediciones y lo celebra programando un centenar de exposiciones de 514 artistas, más un programa de 20 actividades tanto para profesionales como el público en general, que tendrán lugar en 62 sedes distintas, entre nacionales e internacionales, del 31 de mayo al 27 de agosto. De todas ellas, sin duda las más destacadas son las que forman parte de “La exaltación del ser”, una selección de seis exposiciones más una actividad con las que Alberto García-Alix nos presenta a una serie de autores poco ortodoxos que muestran su lado más íntimo y pasional.

XX Edición del Festival

Durante la presentación, Alberto Anaut, Presidente de PHotoEspaña, recordó cómo el tres de junio de 1998 se inauguró la primera edición del Festival con la idea de situar a la fotografía en el lugar que merecía dentro del panorama cultural y con una clara vocación internacional. Veinte años después, PHE es “uno de los festivales más importantes y respetados del mundo, además de un modelo de festival”, según Anaut.

Phe17 Alix Un momento de la intervención de García-Alix en la presentación de PHE17.

Por aquel entonces, setenta fueron las exposiciones que se programaron y de todas ellas hubo una que causó bastante impacto: la protagonizada por las imágenes de Alberto García-Alix. Por eso, veinte años después, la organización pensó que sería buena idea invitar al conocido fotógrafo, Premio Nacional de Fotografía, y darle carta blanca para que organizara lo más destacado de esta edición tan especial.

Esto se ha materializado, como ya hemos contado, en lo que desde la organización denominan como “la creación más heterodoxa de la mano de Alberto García-Alix. Bajo el lema “La exaltación del ser”, García-Alix ha reunido a seis autores “poco ortodoxos, cuyas creaciones se alejan de la norma y se nutren de los más íntimo y pasional del autor”, según cuenta el propio artista. Estos fotógrafos son Anders Petersen, Paulo Nozolino, Antoine d’Agata, Pierre Molinier, Karlheinz Weinberger y Teresa Margolles, que tienen cada uno su propia exposición de la que ya os hablamos hace unas semanas.

De lo que no hablamos entonces es de “De lo sublime y heterodoxo”, un laboratorio editorial de Adam Broomberg y Oliver Chanarin, desarrollado por los editores independientes Gonzalo Golpe y Verónica Fieiras, que tiene como objetivo generar un lugar de reflexión y acción colectivas alrededor del ámbito de la edición fotográfica y el proceso editorial.

Phe17 Tmargolles "Andrea sobre la Discoteca La Madelon" (2016). Foto de Teresa Margolles

Sección Oficial

Un total de 22 serán las exposiciones que se agrupen bajo la sección más importante de PHotoEspaña, dando la oportunidad de conocer tanto a grandes nombres de la fotografía como a nuevas voces en este ámbito. Entre los primeros destacan fotógrafos clásicos como Elliott Erwitt con “Cuba”, exposición que agrupa imágenes del fotógrafo de Magnum en esa isla en 1964 y en 2015, o Peter Fraser con “Matemáticas”, donde se retará al público a descubrir la dimensión numérica de todo lo que nos rodea.

Otros grandes nombres son los de Cristina García Rodero con “Lalibela, cerca del cielo”, proyecto que documenta las iglesias medievales de esta ciudad de Etiopia, o Minor White, exposición sobre el fundador de la revista Aperture a quien conoceremos a través de 40 imágenes que recorren cuatro décadas de su trabajo.

Phe17 Elliot Erwitt "National ballet, Cuba". Foto de Elliot Erwitt

Otras exposiciones interesantes son “Con los ojos bien abiertos. Cien años de fotografía Leica”, que homenajea la figura de las cámaras Leica (tal y como ya os contamos), “Entropía y espacio urbano”, donde se repasa la evolución en las imágenes de espacios construidos de Gabriele Basílico, o “Un cierto panorama –reciente fotografía de autor en España”, que muestra las nuevas tendencias de fotografía en nuestro país (y de la que también os hemos hablado con antelación).

Por lo que toca a las nuevas voces de la fotografía, podemos destacar “Confluencias: 10 años de Trasatlántica” con la obra de 19 autores que han participado en los visionados de porfolios celebrados en Iberoamérica (y en una exposición que, por cierto, conmemora su décimo aniversario), o “Pensar en el futuro. Nuevos relatos fotográficos en Dakar”, seleccionados gracias al foro que el pasado año se trasladó por vez primera a África con una sesión de visionado de porfolios en la capital de Senegal.

Phe17 Pfraser 03 Serie 'Mathematics'. Foto de Peter Fraser

Festival Off, sedes y actividades

Hasta 36 galerías de Madrid componen la red del Festival Off que pretende impulsar la promoción y el desarrollo del mercado fotográfico, reflejando, según la organización, “el espíritu participativo y de colaboración de PHE, un proyecto común, con una gran variedad de propuestas y espacios expositivos”.

De hecho, como en años anteriores, el Festival va mucho más allá de la capital española y se expande por España y otros continentes. Lo más cercano es Alcalá de Henares, Alcobendas, Murcia, Segovia y Zaragoza, que serán sedes del festival con distintas, y por supuesto interesantes, exposiciones y actividades.

Por lo que toca a otros países, por supuesto el festival mantiene la cooperación internacional como una de sus señas de identidad siendo, según Claude Bussac, Directora General de Arte y Festivales de La Fábrica, “el único Festival con actividades en cuatro continentes: Europa, Estados Unidos, Asia y Australia".

Phe17 Gabriele Basilico 'Bilbao' (1993). Foto de Gabriele Basilico

Por lo que toca a las actividades, se mantiene la división entre las dirigidas al gran público, pensadas para llevar la fotografía a la ciudadanía, y las orientadas a los profesionales. Entre las primeras podemos destacar el Foro PHotoEspaña Comunidad de Madrid, que esperan se convierta en un lugar donde fotógrafos y público puedan darse la mano, o “Los talleres de los sábados”, dirigidos a que los más pequeños se familiaricen con el mundo de la fotografía. En cuanto a las actividades profesionales, destacar “Descubrimientos PHE”, un espacio ya tradicional de encuentro de los profesionales de la fotografía que se desarrollará entre el 29 de mayo y el 2 de junio.

Como os podéis imaginar, siguiendo la línea que ha venido llevando PHE, la agenda de exposiciones y actividades es tan amplia que resultaría imposible mencionarlas todas de modo que os emplazamos a visitar la página web de PHotoEspaña 2017 (que por cierto estrena un nuevo diseño con la idea de ser más intuitiva, funcional, accesible y adaptada a todo tipo de dispositivos) para informaros de todos ellos con el fin de poder disfrutar de esta fiesta de la fotografía.

Más información | PhotoEspaña 2017

Foto de portada | De la serie 'Cafe Lehmitz' de Anders Petersen

La España de los 60 vista por Xavier Miserachs protagoniza el último libro de la colección PHotoBolsillo

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Barcelona 1966 Arena Y Mar Miserachs

El último volumen de la conocida colección de bolsillo editada por La Fábrica es un homenaje al fotógrafo catalán Xavier Miserachs, considerado uno de los pilares de la fotografía documental española. El libro, como siempre en formato reducido y asequible, hace un amplio recorrido por su obra a través de sus proyectos más destacados, como las series dedicadas a Barcelona, Andalucía y la Costa Brava.

Xavier Miserach Portada

Xavier Miserachs (1937-1998) comenzó su carrera como “fotógrafo ilustrador”, término que según explica Oriol Maspons (destacado fotógrafo amigo y compañero) en el prólogo del libro se utilizaba en París para denominar a los que ejercían esta profesión, “y desde entonces en ningún momento dejó de hacer fotografía”.

Los Encantes Barcelona 1957 Arena Y Mar Miserachs Los Encantes, Barcelona 1957 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

A través del libro, podremos conocer cómo Miserachs se sumergió en la Barcelona de los años sesenta retratando el ambiente de sus calles y su gente: tenderos, jóvenes, niños y familias protagonizaron la serie que le dio a conocer, “Barcelona, blanc i negre”, un proyecto que permitió a Miserachs formar parte de una exposión colectiva con Leopoldo Pomés y Francesc Catalá-Roca, y ahora forma parte de importantes colecciones como la del MACBA.

Antes de eso ya había participado en otra muestra junto a Ricard Terré y Ramón Masats, artistas con quienes se integró en la fotografía profesional y con quienes llegaría a sentar las bases de la fotografía documental española de los años 60.

El Born Barcelona 1962 Arena Y Mar Miserachs El Born, Barcelona 19 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

Después ya vinieron otros proyectos que fueron engrosando su currículum, varios de los cuales tienen cabida en el nuevo libro. Es el caso de ‘Costa Brava Show’, en donde Miserachs retrató el ambiente de las playas de Ibiza, Tossa de Mar, Cadaqués y Calongue. Tampoco falta constancia de su paso por Andalucía, de la que salieron una serie de fotografías con un carácter muy diferente a las anteriores, tratando de mostrar la idiosincracia andaluza con abundantes escenas sobre el mundo del trabajo y la omnipresente vida religiosa.

Entre sus trabajos cabe destacar también sus imágenes sobre ‘La Gauche Divine’, ese movimiento espontáneo surgido en los años 80 entre artistas, arquitectos y escritores en una época en la que la libertad aún contrastaba con los últimos resquicios de la dictadura franquista.

Semana Santa Tarifa 1961 Arena Y Mar Miserachs Semana Santa, Tarifa 1961 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

’Xavier Miserachs’

El nuevo libro de la colección PHotoBolsillo se presenta, como es habitual, en un formato de 13x18 cm y tiene un total de 96 páginas en las que se recogen 61 fotografías del maestro. Se puede adquirir en librerías o directamente en la página de La Fábrica y desde luego es una buena oportunidad para conocer a un gran fotógrafo por un precio asequible (14,50 euros).

Más información | La Fábrica | Xavier Miserachs

En Xataka Foto | Eduardo Momeñe y sus geniales retratos protagonizan el último volumen de la colección PHotoBolsillo

Foto de portada | Barcelona, 1966 (Arena y Mar), de Xavier Miserachs

‘Careful: Soul Inside’, de Pedro Oliveira, el fotógrafo que busca retratar “más allá de lo que tus ojos pueden ver”

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Careful Soul Inside Pedro Oliveira Portada

Pedro Oliveira es un fotógrafo brasileño afincado en los EEUU que en 2015 comenzó un proyecto personal sobre gente como cualquiera de nosotros, gente real que tenía planes y sueños pero por alguna razón acabó viviendo en la calle o en un refugio. Gente con una historia detrás que el fotógrafo pretende contarnos a través de las realistas imágenes de la serie ‘Careful: Soul Inside’.

Dale Careful Soul Inside Pedro Oliveira Dale

Como decimos, Pedro nació en Brasil pero hace cinco años se trasladó a Portland para continuar sus estudios y licenciarse en comunicación y publicidad. Allí le llamó la atención la gran cantidad de homeless que encontró, algo que le chocó al tratarse de la primera potencia mundial. Así, se le ocurrió la idea de iniciar el proyecto como una forma de concienciar sobre la delgada línea que separa a la sociedad “normal” de las personas sin hogar. Su esperanza es poder ayudar a derribar el enorme muro social que hace que estas personas sea prácticamente invisibles para la mayoría.

Para ello, el autor no sólo fotografía a los homeless de Portland sino que se relaciona con ellos y escucha sus historias. Como la de Gleen (nombre ficticio), a quien el fotógrafo conoció esperando el metro y, sin estar seguro de si era una persona sin hogar pero “fascinado por sus rasgos faciales, me dedicí a pedirle si le podía hacer una foto de todos modos”.

Gleen Careful Soul Inside Pedro Oliveira Gleen

Así comenzaron a hablar y Gleen le contó como, después de llevar una vida trabajando en varias ocupaciones diferentes, fue despedido por la crisis y, debido a su edad, no había logrado conseguir otro trabajo, de modo que había acabado viviendo en la calle: “No todos somos vagabundos, cualquiera puede terminar aquí”. Para Oliveira, Gleen es un claro ejemplo: “No es un borracho, no es un ladrón, no es un tipo malo en absoluto. Hablando con él no puedo evitar lo fina que es esa línea que nos separa de ser una "persona" a ser alguien invisible...

James Jimmy Careful Soul Inside Pedro Oliveira James

Otro invisible es, por ejemplo, James, la primera persona del proyecto a la que fotografió y a quien Pedro describe como “un hombre guapo, amable y extremadamente bien informado, que está siempre alrededor del área de Park Avenue y lleva consigo sus docenas de libros, revistas y periódicos”. O "Fried Rice David", un esquizofrénico a quien estuvo intentando retratar durante todo un año y, un buen día, se acercó a él y le pidió dinero para comprar "arroz frito chino". Y Oliveira, cómo no, se lo concedió a cambio de poder hacerle una foto.

David Careful Soul Inside Pedro Oliveira Fried Rice David

Para Pedro, ”un buen fotógrafo es una combinación de habilidades, persistencia y suerte... Me prometí a mí mismo que nunca saldría de casa sin mi cámara, porque solía perderme constantemente las escenas más interesantes. Y Doug me hizo recordar por qué”. Doug es a quien ya habéis visto en portada y que, un buen día, en una cafetería del centro de Portland donde Pedro había entrado a tomar algo caliente en un día lluvioso, “”se plantó ante mí con la sonrisa más grande que he visto”.

Doug Careful Soul Inside Pedro Oliveira Doug

Sin duda unas historias curiosas que Pedro Oliveira ha plasmado a través de unas impactantes fotografías que merece la pena admirar. Un trabajo que recuerda al de Lee Jeffries a quien tuvimos la oportunidad de entrevistar hace unos años. Sin más os dejamos con otras imágenes del proyecto que nos ha enviado Pedro y que, como las anteriores, todas van más allá de lo que se ve y tienen detrás una interesante historia que va “más allá de lo nuestros ojos pueden ver”.

Veronika Careful Soul Inside Pedro Oliveira Veronika
Mark Or Philipe Careful Soul Inside Pedro Oliveira Mark o Philipe
James Careful Soul Inside Pedro Oliveira James
Jake El Grande Careful Soul Inside Pedro Oliveira Jake "El grande"
Dean Careful Soul Inside Pedro Oliveira Dean
Michael Careful Soul Inside Pedro Oliveira MIchael

Pedro Oliveira | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘On the street’, de Ian Cole, el fotógrafo de los sin techo que antes fue uno de ellos

Fotografías de Pedro Oliveira reproducidas con permiso del autor para este artículo

‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’, la exposición sobre una nueva generación que rompe moldes

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chachacha

Este viernes se inaugura en la Sala Canal de Isabel II de Madrid la muestra ‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’, que ofrece una visión amplia del trabajo de la nueva generación de fotógrafos españoles, con Bego Antón, Elisa González, Teo Barba, Jon Cazenave, Bernardita Morello y Jesús Monterde a la cabeza.

La exposición muestra el trabajo de estos seis fotógrafos a través de proyectos integrales que se presentan confrontados en cada una de las plantas de la sala. Además, otros 48 fotógrafos presentan su trabajo en otros dos apartados, divididos por el formato (fotolibro y audiovisual), lo que se complementa con, según la organización, “un sugerente background sonoro que unifica todo el espacio de la Sala Canal de Isabel II”.

wannabe Serie "Wannabe" (2015-2016), de Elisa González Miralles

La exposición trata de reflejar las principales líneas de trabajo que se desarrollan actualmente en nuestro país, “prestando atención a las estrategias, estilos y lenguajes que esta reciente generación ha adoptado” según la organización. Entre ellos, se destaca “la creación de colectivos de edición y promoción, el internacionalismo en la temática y el gran protagonismo del fotolibro, muy presente en la exposición a través de más de una cincuentena de ellos”.

Una amplia selección de trabajos que se exponen con la idea de ahondar en la pluralidad de planteamientos sobre los que trabajan estos fotógrafos y que "ayudan a definir la actual fotografía de creación española, tanto desde el punto de vista estético como temático, recorriendo múltiples formatos, lenguajes, concepciones y recursos”.

azeri "Azeri", de la serie Galerna (2009), de Jon Cazenave

Como suele ser habitual, la exposición tendrá su reflejo en un catálogo explicativo que incluye textos del comisario, Jesús Micó, y de la fotógrafa Cristina de Middel. Este fotolibro pretende, según sus organizadores, convertirse en una publicación de referencia para dar a conocer la obra de los jóvenes autores que trabajan en España.

‘Un cierto panorama’

Organizada por la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ‘Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España’ se puede visitar de forma gratuita desde este viernes 12 de mayo y hasta el 23 de julio en la Sala de Exposiciones Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125). Paralelamente se desarrollará una serie de actividades con visitas guiadas, encuentros con especialistas, talleres y derivas fotográficas para todos tipo de públicos.

Real Serie "REAL" (2013-2016), de Teo Barba

Más información | Madrid.org

En Xataka Foto | ‘Acting for the Camera’, ahondando en la sugerente relación entre los actores y actrices y la cámara

Foto de portada | Serie "Everybody loves to cha-cha-cha" (2015), de Bego Antón


El no va más en fotografía de boda: el reportaje de una pareja a los pies del Everest

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Bodas hay de muchos tipos, desde las más clásicas hasta las más originales, y consecuentemente también hay de muchos tipos de reportajes de boda. Pero como el de Ahsley y James, de momento, no existe otro. Porque esta pareja se casó en el campamento base del Everest, en la cordillera del Himalaya a 5.364 metros de altura, y las fotografías de su boda realizadas por Charleton Churchill son, como podéis imaginar, realmente espectaculares y, sobre todo, únicas.

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Charleton Churchill es un profesional del norte de California que se define a sí mismo como fotógrafo de bodas aventurero. Pues bien, después de haber realizado fotografías de boda en lugares de lo más originales e inhóspitos, desde 2011 tenía la idea de hacer un reportaje en el Everest, como sabéis la montaña más alta del mundo. De hecho, en 2015 llegó a intentarlo con una pareja de aventureros como él pero todo se fue al traste por culpa del terremoto que asoló la región ese año.

Y aunque no sabía cuando iba a volver a poder intentarlo, cuando una novia en busca de fotógrafo contactó con él para contratarle se le ocurrió la idea de sugerirle embarcarse en esta aventura. A la pareja de novios, deportistas y aventureros ambos, les pareció una buena idea así que se embarcaron en la aventura de casarse en las faldas del Everest, a más de 5.000 metros de altura y con temperaturas bajo cero.

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Para ello tuvieron que prepararse todo un año antes de iniciar un viaje sin duda complicado que debía durar entre dos y tres semanas. La expedición, como podéis imaginar, no estuvo exenta de problemas de todo tipo, aunque lo peor fue que la noche antes de iniciar el ascenso hasta su meta final, el novio sufrió mal de altura y a punto estuvieron de tener que volverse de vacío.

Sin embargo, tras pasar una noche con oxígeno, su estado mejoró y decidieron subir, hacer una boda rápida y regresar después en helicóptero. Así, el 16 de marzo de 2017 Ahsley y James se casaron en el campamento base del Everest y, lógicamente, se hicieron el obligado reportaje fotográfico con sus trajes de boda a una temperatura de cinco grados bajo cero. Y aunque la cosa no fue según lo planeado (tuvieron que quedarse a dormir allí para que el helicóptero les recogiera al día siguiente) finalmente volvieron sanos y salvos, y con un reportaje fotográfico excepcional.

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Como podéis ver en las imágenes adjuntas, el entorno es impresionante y por supuesto lo que más destaca es ver a unos novios vestidos como tal en un lugar semejante. Sin duda una aventura increíble que el fotógrafo cuenta en su blog y en una serie de vídeos de YouTube) y que, según Charleton, “valió mucho la pena”.

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Charleton Churchill | Página web | Instagram

En Xataka Foto | Guía completa para iniciarse en la fotografía de bodas (I): Preparativos y consejos previos

Todas las fotografías de Charleton Churchill reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Hay que dejarse llevar por sensaciones, notar la energía cuando fotografías una ciudad”: Gonzalo Azumendi, fotógrafo de viajes

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Hablar de Gonzalo Azumendi es hablar de uno de los más prestigiosos fotógrafos de viajes que tenemos en España. Este vasco de Getxo lleva más de tres décadas centradas en la fotografía y se ha labrado una carrera fotografiando por todo el mundo. Queríamos conocer más sobre sus comienzos, su filosofía y saber más del fotógrafo divertido y sonriente que hay detrás de sus llamativas y curiosas fotos.

Azumendi trabaja para las mejores revistas, periódicos y publicaciones por todo el mundo. Aquí, es habitual en El País o El Mundo, Viajar, Viajes National Geographic o Lonely Planet, entre otros. Además de autor de numerosos libros y de conferencias y talleres, ha dedicado parte de su vida a documentar recónditos lugares para la UNESCO.

Llevas muchos años en esto de la fotografía, ¿recuerdas cómo fueron tus inicios? ¿cómo llegaste y qué te llevó a dedicarte a la fotografía de viajes?

Era escalador. Me fascinaba el alpinismo, me fascinaba la vida, me fascinaba viajar y los ochomilistas y esa liturgia, que al fin y al cabo era una pasión, igual que la fotografía. Una pasión por lo inútil, tomando las palabras del famoso alpinista Lionel Terray: “los conquistadores de lo inútil”. Pero, de repente, no se muy bien porqué empecé a llevarme la cámara de fotos que tenía mi madre para fotografiar aquella movida. Y, un buen día, me vi atrapado por las fotos. Empecé a hacer cursos, a interesarme por ir a proyecciones, conferencias de fotógrafos de Magnum... estando en Bilbao me iba a Barcelona a hacer talleres y, así poco a poco, me vi muy atrapado y enloquecido con la foto, tanto que seguí ese camino hasta hoy, que es mi medio de vida.

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Pero, ¿cómo empezaste profesionalmente?

Estudié psicología, mi padre había pagado la carrera por lo que la responsabilidad era más grande aún... y yo lo que quería, juvenil y con mente “hippie”, era ser libre, dedicarme al alpinismo... era como un sueño. Aunque fue la fotografía la que me atrapó. En ese momento era complicado dedicarse a la fotografía pero, en cierto modo, es más fácil que ahora, porque no estaba todo tan saturado. Antes el soporte habitual era la diapositiva y había que hacerla bien y venderla, entregar algo físico, lo cuál conllevaba un alto grado de exigencia a la hora de trabajar. Ahora es diferente. Todo está lleno de fotos, circulan por millones en la red, y hace que el valor de la fotografía comercial se haya devaluado, por tanto, en el terreno profesional es más complicado y cada vez más “low-cost”, trabajar muchísimo más y ganar muchísimo menos.

Cuando ya empiezas a dedicarte a la fotografía, ¿hubo algún encargo que te marcó?

En 1984 me fui a un barco pesquero porque en esa época hubo problemas, un conflicto con Francia y los patrulleros les disparaban. Así que salí con un barco del puerto Ondárroa durante una semana y estuve haciendo fotos. Llegó un ciclón y aquellas fotos las publicaron en un diario durante cuatro días. Aquello me sirvió para empezar.

Además, en la revista GEO hicieron un reportaje de los carnavales vascos que eran cercanos a mi y como me pillaba allí y tenía fotos hechas, pues me publicaron tres. Fueron los comienzos. Luego hice muchos festivales de música, de teatro, de eventos culturales que me tenían ocupado muchos fines de semana y así fui avanzando.

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¿Y luego llegaron los viajes?

Si, pero para nada fue fácil. Fue algo muy progresivo, que compaginaba con ser guía de viajes y complementando con otros encargos para ir saliendo adelante. Llegó a un momento en el que ya conseguí estar plenamente dedicado a la fotografía.

Tengo que destacar que en esa época lo que se pedía era un soporte físico y no existía la facilidad técnica, ni lo barato y accesible del digital, que cada día inunda la vida de imágenes, como un nuevo y rápido lenguaje. Entonces había que ser exigentes y cumplir con todos los encargos en tiempo y con calidad.

#fairytale 45 PINOCCHIO IN THE KINGDOM OF DON QUIXOTE ��#cuentosdehadas 45 PINOCHO EN EL REINO DE DON QUIJOTE. ��‍♂️Mykonos, Greece.

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De tus viajes, quizás destacaría cierta vinculación con Tailandia ¿no es así?

Si, he trabajado mucho allí, me encanta todo Asía, es muy cómodo y estimulante porque la gente es muy tranquila, “vive y deja vivir”, pero son muchos países con los que tengo vinculación. Me gusta casi todo el planeta. Va por rachas. Durante muchos años estuve viajando por países árabes, que fueron buena parte de mis trabajos durante tiempo.

¿Te resultaba fácil en esos países?

Siempre me encontré muy a gusto y bien. Muy cercano a la gente, sin diferencias. Ahora con los problemas actuales en el mundo, en algunos es más complicado viajar, y también hay menos demanda en las publicaciones y encargos. Lo echo de menos.

#fairytale 39 THE PILLARS OF THE EARTH ���#cuentosdehadas 39 LAS PILARES DE LA TIERRA , ( Pilar y sus amigas de fiesta � en Mykonos, Grecia)

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Cuando viajas a un país a un encargo ¿cuánto hay de improvisación y dejar que surgen situaciones y momentos y cuánto hay de planificación en tu trabajo?

Muchos piensan que todo se puede calcular pero hay veces que aparecen situaciones cuando menos te lo esperas y tienes que estar preparado para resolverlo y aprovecharlo

Pues te diría que un 95% de improvisación. Incluso el 100% antes de salir. Pero cuando ya estoy en el destino y empiezo a conocer dónde hay que estar, dónde ocurre algo, empiezo a planificar con detalle y calculo bien. Aunque, en general, muchos piensan que todo se puede calcular pero hay veces que aparecen situaciones cuando menos te lo esperas y tienes que estar preparado para resolverlo y aprovecharlo. Es cierto que en ocasiones hay que seguir un guión y algo previsto, por ejemplo, cuando me hace un encargo la Unesco tengo claro dónde tengo que ir y lo que hacer y no me voy a salir, pero aconsejo hay que dejarse llevar por sensaciones. Llegas a un país, a una ciudad, a una plaza y notas la energía, voy percibiendo dónde voy a conseguir buenas fotos. Notas que hay sitios en los que tienes que estar y donde va a ocurrir. Una vez allí ya planificas y te organizas para sacarle partido.

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Eso te llevará a encontrarte fotos fantásticas porque te has encontrado situaciones magníficas pero supongo que también te habrá llevado a situaciones en las que no es tan fácil resolverlo ¿no?

Claro, hay momentos en los que sabes que no puedes improvisar, tienes que buscar bien, planificar y saber cómo resolverlo. Ten en cuenta que tienes que tener mucha flexibilidad, ya que hay que amoldarse a la meteorología, a las horas, la luz... incluso me ha pasado, en la plaza de una ciudad que estaba todo perfecto y listo para conseguir la foto al caer la noche, apenas esperando a que el sol bajara un poco más para tener esa luz del atardecer y, de repente, llegó el apagón general de una hora por el día del planeta... y me quedé sin luces. Todo oscuro, maldiciendo mi suerte, tuve que reaccionar rápido y hacer una larga exposición para lograr la foto que estaba buscando.

Cuando estoy fotografiando no bajo la guardia en ningún momento, estoy siempre pensando en fotografía, con gran pasión y entusiasmo

No soy de los que se rinden, no puedo parar. Suelo hacer las fotos típicas porque me sirven y, para explorar, para investigar, para esperar... y llegar a donde quiero. Cuando estoy fotografiando no bajo la guardia en ningún momento, estoy siempre pensando en fotografía, con gran pasión y entusiasmo. No pienso en la foto puramente comercial, ésas salen casi sin quererlo, porque además estoy condicionado por años de profesión... Por eso, trato de ir más allá, buscando algo diferente, siempre, disfrutar (y sufrir, que nunca se dice), crear, me quiero divertir, insistir, explorar hasta donde llego y buscar resultados que me satisfagan sin pensar si aquello lo podré vender o no (que total, para lo que se paga).

¿Cómo se vivió el cambio de fotografía química a digital en la fotografía de viajes? ¿cómo lo viviste?

Empecé relativamente pronto, gastando 7.000 euros en la primera cámara. La ventaja es total. El digital es la inmediatez, ISOs impensables de altos que nos permiten nuevas fotos en nuevas situaciones, economía, y economía en el transporte respecto a los carretes, salvar fotos, retocarlas, modificarlas fácilmente si es necesario. En mi caso lo hago alguna vez si lo considero oportuno. Comentaba con un compañero lo popular que ha sido el caso de McCurry, que tanta polémica ha creado (no soy fan, pero mi respeto va por delante). Hay que agradecerle que durante unos días muchos blogs, redes, etc, se llenaron de opiniones y comentarios... Todos hablando del retoque, aunque no de si las fotos eran suficientemente interesantes o no. Es decir, el tema se popularizó y, todo el mundo podía opinar de tú a tú, como en el futbol (y yo me uno a la fiesta). Y esto es parte del cambio.

El caso es que ahora con la fotografía digital todo esto es más fácil y ayuda. Si tengo algún problema con una foto, por ejemplo, el cielo que se me ha quemado, lo puedo recuperar mucho. Y disfruto y me quedo tranquilo. No me presento a concursos, ni me gusta tener ataduras, quiero ser libre para poder tener la foto que quiero, que bastantes condicionantes tiene la vida profesional. Estoy muy a gusto con la fotografía digital. Eso sí, lo que menos me gusta es la saturación de imágenes, como comentaba antes, pero todas las personas tenemos el mismo derecho a gozar de algo tan bello como es fotografiar, y ese es el resultado.

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¿Qué equipo usas habitualmente? Supongo que dependerá del destino o el encargo ¿qué sueles llevar?

Si trabajo en ciudad generalmente uso un único objetivo, el 24-70 mm para full frame. Y si llevo bolsa pues también el 17-35 mm. Aunque intento no ir cargado. Como muchas veces mi trabajo es muy solitario, llevo una pequeñísima cámara Rollei Action Cam para grabarme en vídeo las escenas más simpáticas fotografiando, siempre con sentido del humor. Aunque aún no tengo dominado la edición de vídeo, me hace mucha compañía. A veces llevo trípode pero no lo cargo expresamente durante el día, solo cuando lo tengo muy claro, para fotografía al llegar la noche, para interiores oscuros... Es que el peso mata al fotógrafo, mata la creatividad, necesito ir cómodo y poder moverme, porque siempre son jornadas largas, hasta de más de 12 horas, y mejor ir ligero.

Tu web está en construcción…

En Instagram no subo fotos preciosas, sino más bien mis invenciones, dando rienda suelta a la creatividad... las que más me divierten

Sí, creo que lleva así varios años... ja, ja, ja... Por ahora no está, me cuesta mucho porque tengo que prepararlo y me puede más la pasión de cada día, cada reto, cada viaje o encargo. A veces no paro. En cierto modo no le doy demasiada importancia, y debo hacerlo. Pero en el estudio, con tres personas trabajando, y con tantas tareas para facturar día a día, y miles de fotos, es difícil encontrar hueco para montar una web completa. Además, de que siempre intento hacer algo nuevo, buscar cosas originales... y no es fácil reflejarlo en la web. Ahora disfruto con Instagram, una fotografía más liberadora, más divertida, aunque me he metido solo en una trampa, porque un día subí una foto de “cuentos de hadas”, y ahora no puedo salirme de ahí, atrapado, ya estoy por la número 45. No subo por ahora fotos espectaculares del mundo, o escenas de viajes que tengo por decenas, sino más bien mis invenciones, dando rienda suelta a la creatividad... las que más me divierten.

#fairytale 36 LITTLE BUDDHA #cuentosdehadas 36 EL PEQUEÑO BUDA , Chiang Mai, Thailand.

Una publicación compartida de Gonzalo Azumendi (@gonzaloazumendiphoto) el

Viendo precisamente tus fotos, se nota que eres más de provocar la foto que de llegar, observar y esperar… supongo que es por tu forma de ser

Si, no sabría decirte bien cómo. En realidad, me gusta mucho la improvisación, incluso dentro de la planificación dejo que las cosas fluyan, viendo cómo puedo conseguir algo, intervenir,... Muchas veces las tomas son espóntaneas, en otras ocasiones no se puede esperar a que pasen las cosas, hay que actuar, desinhibirse... pero eso es parte de mi. Si veo a alguien que me interesa, y puedo perder la foto, le paro, le hablo, le mareo, busco una foto, y otra... hasta que consigo lo que quiero y me hace feliz, me gusta y me satisface.

¿El próximo viaje?

Me voy en unos días a Japón, al camino de Kumano (que es como El Camino de Santiago allí) y luego a Tokio.

Aquí estoy, fotografiando en la cumbre del Pic du Midi de Bigorre a 2880 metros! Feliz en Pirineos!

Una publicación compartida de Gonzalo Azumendi (@gonzaloazumendiphoto) el

Pues muy buen viaje y buenas fotos. Gracias por tu tiempo. A todos os invitamos a conocer algunas de sus fotos en su web, aunque está en construcción, y, sobre todo, su divertido perfil de Instagram.

Fotografías de Gonzalo Azumendi reproducidas con permiso del autor para este artículo

PHotoEspaña 2017 presenta su XX edición celebrando 20 años de fotografía

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Phe17 Apetersen

PHE cumple 20 ediciones y lo celebra programando un centenar de exposiciones de 514 artistas, más un programa de 20 actividades tanto para profesionales como el público en general, que tendrán lugar en 62 sedes distintas, entre nacionales e internacionales, del 31 de mayo al 27 de agosto. De todas ellas, sin duda las más destacadas son las que forman parte de “La exaltación del ser”, una selección de seis exposiciones más una actividad con las que Alberto García-Alix nos presenta a una serie de autores poco ortodoxos que muestran su lado más íntimo y pasional.

XX Edición del Festival

Durante la presentación, Alberto Anaut, Presidente de PHotoEspaña, recordó cómo el tres de junio de 1998 se inauguró la primera edición del Festival con la idea de situar a la fotografía en el lugar que merecía dentro del panorama cultural y con una clara vocación internacional. Veinte años después, PHE es “uno de los festivales más importantes y respetados del mundo, además de un modelo de festival”, según Anaut.

Phe17 Alix Un momento de la intervención de García-Alix en la presentación de PHE17.

Por aquel entonces, setenta fueron las exposiciones que se programaron y de todas ellas hubo una que causó bastante impacto: la protagonizada por las imágenes de Alberto García-Alix. Por eso, veinte años después, la organización pensó que sería buena idea invitar al conocido fotógrafo, Premio Nacional de Fotografía, y darle carta blanca para que organizara lo más destacado de esta edición tan especial.

Esto se ha materializado, como ya hemos contado, en lo que desde la organización denominan como “la creación más heterodoxa de la mano de Alberto García-Alix. Bajo el lema “La exaltación del ser”, García-Alix ha reunido a seis autores “poco ortodoxos, cuyas creaciones se alejan de la norma y se nutren de los más íntimo y pasional del autor”, según cuenta el propio artista. Estos fotógrafos son Anders Petersen, Paulo Nozolino, Antoine d’Agata, Pierre Molinier, Karlheinz Weinberger y Teresa Margolles, que tienen cada uno su propia exposición de la que ya os hablamos hace unas semanas.

De lo que no hablamos entonces es de “De lo sublime y heterodoxo”, un laboratorio editorial de Adam Broomberg y Oliver Chanarin, desarrollado por los editores independientes Gonzalo Golpe y Verónica Fieiras, que tiene como objetivo generar un lugar de reflexión y acción colectivas alrededor del ámbito de la edición fotográfica y el proceso editorial.

Phe17 Tmargolles "Andrea sobre la Discoteca La Madelon" (2016). Foto de Teresa Margolles

Sección Oficial

Un total de 22 serán las exposiciones que se agrupen bajo la sección más importante de PHotoEspaña, dando la oportunidad de conocer tanto a grandes nombres de la fotografía como a nuevas voces en este ámbito. Entre los primeros destacan fotógrafos clásicos como Elliott Erwitt con “Cuba”, exposición que agrupa imágenes del fotógrafo de Magnum en esa isla en 1964 y en 2015, o Peter Fraser con “Matemáticas”, donde se retará al público a descubrir la dimensión numérica de todo lo que nos rodea.

Otros grandes nombres son los de Cristina García Rodero con “Lalibela, cerca del cielo”, proyecto que documenta las iglesias medievales de esta ciudad de Etiopia, o Minor White, exposición sobre el fundador de la revista Aperture a quien conoceremos a través de 40 imágenes que recorren cuatro décadas de su trabajo.

Phe17 Elliot Erwitt "National ballet, Cuba". Foto de Elliot Erwitt

Otras exposiciones interesantes son “Con los ojos bien abiertos. Cien años de fotografía Leica”, que homenajea la figura de las cámaras Leica (tal y como ya os contamos), “Entropía y espacio urbano”, donde se repasa la evolución en las imágenes de espacios construidos de Gabriele Basílico, o “Un cierto panorama –reciente fotografía de autor en España”, que muestra las nuevas tendencias de fotografía en nuestro país (y de la que también os hemos hablado con antelación).

Por lo que toca a las nuevas voces de la fotografía, podemos destacar “Confluencias: 10 años de Trasatlántica” con la obra de 19 autores que han participado en los visionados de porfolios celebrados en Iberoamérica (y en una exposición que, por cierto, conmemora su décimo aniversario), o “Pensar en el futuro. Nuevos relatos fotográficos en Dakar”, seleccionados gracias al foro que el pasado año se trasladó por vez primera a África con una sesión de visionado de porfolios en la capital de Senegal.

Phe17 Pfraser 03 Serie 'Mathematics'. Foto de Peter Fraser

Festival Off, sedes y actividades

Hasta 36 galerías de Madrid componen la red del Festival Off que pretende impulsar la promoción y el desarrollo del mercado fotográfico, reflejando, según la organización, “el espíritu participativo y de colaboración de PHE, un proyecto común, con una gran variedad de propuestas y espacios expositivos”.

De hecho, como en años anteriores, el Festival va mucho más allá de la capital española y se expande por España y otros continentes. Lo más cercano es Alcalá de Henares, Alcobendas, Murcia, Segovia y Zaragoza, que serán sedes del festival con distintas, y por supuesto interesantes, exposiciones y actividades.

Por lo que toca a otros países, por supuesto el festival mantiene la cooperación internacional como una de sus señas de identidad siendo, según Claude Bussac, Directora General de Arte y Festivales de La Fábrica, “el único Festival con actividades en cuatro continentes: Europa, Estados Unidos, Asia y Australia".

Phe17 Gabriele Basilico 'Bilbao' (1993). Foto de Gabriele Basilico

Por lo que toca a las actividades, se mantiene la división entre las dirigidas al gran público, pensadas para llevar la fotografía a la ciudadanía, y las orientadas a los profesionales. Entre las primeras podemos destacar el Foro PHotoEspaña Comunidad de Madrid, que esperan se convierta en un lugar donde fotógrafos y público puedan darse la mano, o “Los talleres de los sábados”, dirigidos a que los más pequeños se familiaricen con el mundo de la fotografía. En cuanto a las actividades profesionales, destacar “Descubrimientos PHE”, un espacio ya tradicional de encuentro de los profesionales de la fotografía que se desarrollará entre el 29 de mayo y el 2 de junio.

Como os podéis imaginar, siguiendo la línea que ha venido llevando PHE, la agenda de exposiciones y actividades es tan amplia que resultaría imposible mencionarlas todas de modo que os emplazamos a visitar la página web de PHotoEspaña 2017 (que por cierto estrena un nuevo diseño con la idea de ser más intuitiva, funcional, accesible y adaptada a todo tipo de dispositivos) para informaros de todos ellos con el fin de poder disfrutar de esta fiesta de la fotografía.

Más información | PhotoEspaña 2017

Foto de portada | De la serie 'Cafe Lehmitz' de Anders Petersen

Una gran retrospectiva de Duane Michals llega a la Fundación Mapfre de Barcelona

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Duane Michals nunca quiso seguir las normas que se supone tenían que aceptar los creadores de su generación e investigó con nuevas disciplinas que enriquecieron su trabajo fotográfico. Ahora, gracias a la retrospectiva que va a inaugurar la Fundación Mapfre en Barcelona a partir del próximo 31 de mayo podremos conocer bien su obra y entender los procesos creativos del fotógrafo.

Algo que hoy nos parece bastante habitual como es el hecho de pretender buscar "la ensencia" en los retratos, fue algo novedoso que el fotógrafo descubrió en un viaje revelador a la Unión Soviética, los retratos que allí hizo a desconocidos le hizo entender que, más allá del realismo que marcaba la doctrina fotográfica de la época, era posible investigar en las personas, sus historias, sus vidas.

Los diferentes lenguajes y modos de expresión marcan las etapas creativas de Michals, la exposición nos invita a recorrerlas y, además, nos muestra las diferentes obsesiones que el autor plasmó como series fotográficas a lo largo de su vida. Un recorrido desde sus etapas iniciales hasta la actualidad, ya que aún a sus 84 años sigue creando e investigando nuevos elementos comunicativos que apoyen su fotografía.

Fotografiar lo que no se puede ver como la muerte o el amor, la utilización de textos y poemas en sus trabajos, el acercamiento filosófico a la intimidad del ser humano, potenciado por el pequeño tamaño de alguna de sus obras que invitan al espectador a acercase, y la libertad absoluta en cuanto a temática y técnicas, son los cuatro ejes fundamentales en los que se basa tanto la obra del Michals como la exposición que presenta la Fundación Mapfre.

Duane Michals exposición en Arles 2009, Francia. Duane Michals exposición en Arles 2009, Francia. Compartido bajo licencia CC por biphop en Flickr

Desde el próximo 31 de mayo y durante algo más de tres meses, hasta el 10 de septiembre, podremos disfrutar por tres euros de una selección representativa del trabajo del fotógrafo en la Sala Casa Garriga i Nogués de la Fundación MAPFRE de Barcelona.

Más info | Fundación Mapfre

Foto de inicio | Estaría del vídeo "Duane Michals - Quién sabe de donde vienen las ideas."

‘Tina Modotti. Fotógrafa y Revolucionaria’, nuevo libro sobre una artista polifacética

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Activista política, actriz de Hollywood, musa de Edward Weston… y por supuesto fotógrafa. Muchas son las facetas por las que que se conoce a Tina Modotti (1896 - 1942) y todas ellas se repasan en ‘Tina Modotti. Fotógrafa y Revolucionaria’, un libro que pretende desmitificarla, “rescatarla de las sombras de sus amantes y ubicar a la mujer y a la artista en el centro de su propia historia”.

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El libro recorre en cuatro partes los hitos más importantes de la vida y la carrera de esta artista cuya belleza legendaria y sus relaciones con hombres famosos seguramente eclipsaron su talento. Quizá por ello su producción fotográfica no fue más amplia y no llegó a tener tanta importancia como para figurar entre las mejores de la historia, aunque su figura es digna de ser recordada tanto por su calidad artística como por su conocido compromiso ideológico con los más vulnerables.

Editado por La Fábrica y escrito por Margaret Hooks (una escritora irlandesa afincada en nuestro país que ha realizado libros sobre importantes artistas y fotógrafos), se incluyen más de 120 imágenes, una cifra significativa ya que Modotti sólo produjo unas 400 fotografías en total.

Tina Modoti 2 "Mujer con bandera", Tina Modotti. Del libro Tina Modotti. Fotógrafa y revolucionaria, de Margaret Hooks

Por supuesto, el volumen recoge muchas de las más representativas de su producción que la han llevado a ser reconocida como una de las autoras de referencia de la fotografía mexicana del siglo XX y precursora del fotoperiodismo crítico en ese país. Además, también están presentes una docena de retratos y desnudos de la propia Modotti realizados por Edward Weston, además de imágenes inéditas.

'Tina Modotti. Fotógrafa y revolucionaria’ se presenta con unas medidas de 15,5 x 23 cm y 288 páginas y está editado en español. Se puede comprar en librerías o directamente online en este enlace.

Más información | La Fábrica

En Xataka Foto | La España de los 60 vista por Xavier Miserachs protagoniza el último libro de la colección PHotoBolsillo

Foto de portada | "Manos sujetando una pala". Tina Modotti. Del libro Tina Modotti. Fotógrafa y revolucionaria, de Margaret Hooks

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