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Duane Michals, el fotógrafo-artista que nunca supo seguir las reglas

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https://vimeo.com/80728632

Duane Michals pertenece a ese tipo de autores que traspasan la frontera fotográfica para avanzar por la filosofía, la poesía. Un fotógrafo con un mundo interior tan rico y profundo que, a menudo, necesita complementar su discurso con escritos.

La reflexión es el primer paso antes de hacer una fotografía, sin eso solo tendremos una imagen vacía y hueca. La fotografía conceptual y sesuda de Duane Michals puede servir de acicate para los que primero hacen la foto y luego les dan el significado.

Cuando la fotografía falla comienzo a escribir sobre lo que no puedes ver en ella. Duane Michals.

Duane Michals nació en 1932 en Pennsylvania, desde muy joven ya mostró interés por las ciencias y estudió la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver, después terminaría abandonando los estudios y aprendiendo fotografía de manera autodidacta.

Los inicios. Mundo natural vs mundo interior

Michals decidió salirse del guión fotográfico que proponía el realismo del "momento decisivo" de Cartier-Bresson o los mandamientos que Roland Barthes dictaba al hablar del "Studium" o el "Punctum", al fotógrafo de Pennsylvania no le interesa en absoluto la realidad y prefería buscar las preguntas que subyacen detrás del personaje o incluso detrás del propio fotógrafo.

Descubrió el poder comunicativo de la fotografía por casualidad; en 1958, pese a que su familia no vivía con grandes lujos, le pidió un dinero prestado a su madre con el que se financió una pequeña cámara y un viaje a la Unión Soviética. Lo que en principio podría haber sido un simple viaje turístico con un montón de aburridas fotos se convirtió para él en una revelación. Durante el período que estuvo en la URSS decidió retratar a la gente que se encontraba por la calle.

Cuando volvió a EE.UU. comprobó que lo que más le interesaba de los rostros que había fotografiado no era la técnica, ni el momento, ni siquiera la naturalidad o fidelidad de la imagen para con el retratado, sino que quería saber más de esas vidas.

Con estas obsesiones en la cabeza consiguió producir su primera exposición en 1963 en la Underground Gallery de Nueva York. Por aquel entonces Estados Unidos y la URSS se encontraban sumidos en la llamada "Guerra Fría" y el trabajo de Michals no sentó nada bien a la conservadora sociedad norteamericana.

Los años 60. De las influencias al estilo propio

Andreas Gursky, que en este momento es el más “hot”, el más famoso, el más nuevo, es en realidad el fotógrafo más aburrido del mundo.

La exposición llamó la atención lo suficiente como para que empezasen a llamarle para trabajar en revistas como Esquire, Vogue, Mademoiselle y empezaba a verse el esbozo de un trabajo que a muchos recordaría a fotógrafos como Atget o Irving Penn, incluso hay quien encuentra momentos comunes entre la fotografía de Michals y la de Robert Frank.

Pero Michals siempre ha dicho sentirse influenciado, sobretodo, por las atmósferas de Atget. Lo dramáticos contrastes, los reflejos, la "no vida" de las ciudades y una forma de mirar que trascendía de lo rutinario.

Si algo parecía tener claro Michals es que no quería ser uno más, que la fotografía clásica de autores como Ansel Adams tenían que dejar paso a otros lenguajes que investigaran más sobre el ser humano dejando de lado los convencionalismos técnicos.

Lo primero que le ayudó a mantener las distancias con la fotografía existente fueron "Las Secuenciaciones", consistentes en una sucesión de fotografías que, al estilo cinematográfico, le servían para narrar historias y jugar incluso con la concepción del tiempo.

Pero su enfrentamiento con la fotografía tradicional fue más allá del mero aspecto formal, se trataba de una exploración que se atrevió a reflexionar con temas hasta entonces no abordados por la fotografía: la muerte, y la identidad sexual.

De fotógrafo a artista

Hubo un momento en el que a Michals la fotografía se le quedó corta. Si en la anterior época el de Pennsylvania luchó contra el vacío existencial que, a su juicio, invadía a la fotografía clásica, en esta se atreve a ir un paso más allá y decide apoyar su discurso con texto que acompañan a las fotografías.

https://www.flickr.com/photos/brixton/1526390 Fotografía de Duane Michals compartida por "Elizabeth" bajo licencia CC en Flickr

A estas alturas ya nadie discute del surrealismo de su fotografía, si miramos en su obra veremos que los retratos a pintores como René Magritte van más allá del existencialismo inicial, tratan de buscar la esencia del retratado utilizando cualquier recurso formal o aspectual que le ayude a construir a su personaje.

Rene Magritte Fotografía de Duane Michals compartida bajo licencia CC por "Cea +" en Flickr

En una entrevista que concedió en 2001 a El Cultural, el semanario del diario El Mundo, habla del concepto "fotografía guión arte" y reflexiona sobre el momento que atraviesa la fotografía con sentencias como "Andreas Gursky, que en este momento es el más “hot”, el más famoso, el más nuevo, en realidad es el fotógrafo más aburrido del mundo" y viene a decir que en la fotografía artística lo que interesa es más el tamaño de la obra que la calidad.

Me gustaría acabar este artículo con la respuesta que Michals le dio a David Seidner en esta entrevista. El periodista le pedía que matizara una respuesta que el fotógrafo había dado a la revista Le Monde en la que aseguraba que "los fotógrafos miran las cosas pero rara vez cuestionan lo que ven", su explicación, que no tiene desperdicio, resume la esencia de su fotografía:

Siempre estamos proyectando en el mundo nuestra propia experiencia. La única verdad que conocemos es lo que experimentamos. Por lo tanto, cuando vemos a una mujer llorando, pensamos, "Ay, que pena". Pero no podemos compartir su dolor. Sólo sabemos cómo nos sentimos cuando alguien que amamos murió, cuando sentimos su ausencia. Una fotografía de una mujer llorando no me dice nada sobre el dolor. O una fotografía de una mujer excitada no me dice nada sobre el éxtasis. ¿Cuál es la naturaleza de estas emociones? El problema con la fotografía es que sólo trata de las apariencias.

Foto de inicio | Extraida del vídeo de Vimeo "Duane Michals"


‘Xtumirada’, de Cuco Cuervo, retratos "manipulados" que nos abren los ojos ante el Síndrome de Down

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Xtumirada Cuco Garcia 1

Cuco Cuervo es un fotógrafo especializado en moda que está acostumbrado a que por delante de su cámara pasen personajes muy conocidos del mundo de la música, el cine, la televisión y el deporte. Un buen día, en un paso de peatones, se fijó en un chaval con Síndrome de Down y se dio cuenta de que el principal rasgo físico de estas personas eran sus ojos rasgados... Así que se le ocurrió una idea: ¿qué pasaría si intercambiáramos la mirada de un famoso con la de una persona afectada por esta discapacidad?

Xtumirada Cuco Garcia 11

Tres años y mucho trabajo después, y con el respaldo de un montón de famosos y varias organizaciones relacionadas con esta discapacidad, aquella idea se ha materializado en ‘Xtumirada’, una serie de fotografías que es la base de una campaña de carácter solidario cuyo objetivo es "cambiar la forma en que la sociedad percibe a las personas con Síndrome de Down, invitar a la gente a desprenderse de prejuicios y falsos mitos, y abrir sus ojos ante las personas con este trastorno genético".

Xtumirada Cuco Garcia 8

Se trata, como véis, de una serie de 150 retratos dobles de gran impacto. Y es que sin duda resulta muy llamativo ver cómo se mezclan rostros tan populares como los de Íker Casillas, Clara Lago, Antonio Orozco, Vanesa Romero, Sergio Ramos, Dani Rovira, David Bustamante o Arturo Valls con otros desconocidos y que presentan los rasgos característicos de las personas con Síndrome de Down.

Xtumirada Cuco Garcia 2

Aquí os dejamos con una muestra de ellas pero todas las fotografías pueden disfrutarse en una exposición que estará abierta hasta el siete de abril en el edificio Castellana 81 de Madrid, y que viajará durante el próximo año por distintas ciudades españolas.

Xtumirada Cuco Garcia 10

Xtumirada Cuco Garcia 9

Xtumirada Cuco Garcia 3

Cuco Cuervo | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Rimas de reojo’, un “poema de amor fotográfico” de Alex Webb y Rebecca Norris

Fotografías de Cuco Cuervo reproducidas con permiso del autor para este artículo

‘Small World’, un libro que recopila las icónicos y tiernas fotos de bebés de Anne Geddes

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Small World Anne Geddes 1

¿Quién no ha visto alguna vez alguna de las famosas fotografías de bebés de Anne Geddes? Su estilo nos puede gustar más o menos pero no podemos negar el alcance que han tenido sus imágenes en todo el mundo. Para todos sus seguidores, Taschen lanza un volumen fotográfico titulado ‘Small World’ en el que se hace un repaso por toda la obra de esta fotógrafa australiana, incluyendo imágenes inéditas.

Small World Anne Geddes Corinne holding Alexander, 3 weeks, Auckland, 2001. Foto de Anne Geddes

Desde luego es indudable la popularidad de sus icónicas imágenes y el hecho de que cambiara la forma de fotografiar bebés en todo el mundo. Así, que sus fotos aparezcan en pósteres, rompecabezas, aplicaciones, calendarios o prendas de vestir en casi cualquier lugar del mundo es algo que ha estado al alcance de muy pocos fotógrafos de la historia. Por eso, ‘Small World’ puede ser una buena oportunidad de reconciliarse con el trabajo de una mujer que se ha afanado en captar la belleza, pureza y vulnerabilidad de los niños.

Small World Anne Geddes 3

Un bebé convertido en girasol, o disfrazado de conejito, o sobre una alfombra de plumas… Sus retratos infantiles se han convertido en una marca por sí misma como se puede contemplar en este nuevo volumen de Taschen que hace un repaso a toda su obra, desde que empezara a finales de los 80. El libro, que cuenta con numerosas imágenes inéditas y que, según sus editores, se presenta no sólo como homenaje de “una estética caprichosa y entrañable, sino también de la filosofía subyacente en defensa de los más pequeños y vulnerables, quienes son, en definitiva, el futuro de la humanidad”.

Small World Anne Geddes Portada de la edición Italiana/Española/Portuguesa

‘Small World’, de Anne Geddes, es un volumen en tapa dura con un tamaño de 29 x 37,4 cm y 238 páginas y se podrá adquirir, a partir de mayo, en librerías o en la página web de Taschen por 49,99 euros.

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘The Golden Decade’, el libro que recoge la herencia de la escuela fundada por Anselm Adams

Foto de portada | ack holding triplets Charleé B, Susanna, and Jaclyn, 9 weeks, Auckland, 1999. Foto de Anne Geddes

Eduardo Momeñe y sus geniales retratos protagonizan el último volumen de la colección PHotoBolsillo

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Photobolsillo Eduardo Momene Principal

El universo del conocido fotógrafo vasco es el elegido para dar cuerpo a un nuevo libro de la colección de bolsillo editada por La Fábrica. El volumen recoge, en formato reducido y asequible, más de 70 fotografías de Eduardo Momeñe realizadas a lo largo de cuatro décadas y entre las que hay retratos de personajes como Robert Mapplethorpe, Wim Wenders, Carlos Saura, Ágatha Ruiz de la Prada o Emma Suarez.

Photobolsillo Eduardo Momene Portada

A Eduardo Momeñe ya le conoceréis porque hemos hablado de él en muchas ocasiones, pero conviene recordar que es uno de los autores más destacados de la fotografía contemporánea española, autor del libro ‘La visión fotográfica’, considerado todo un referente para los estudiantes de fotografía. Sin duda un gran retratista y un maestro de la fotografía de estudio que ha logrado trascender la esencia del retrato clásico y dotarlo de identidad propia.

Photobolsillo Eduardo Momene Sobre O Ato De Fotografar Sobre o ato de fotografar, 2009 (c) Eduardo Momeñe

Las fotografías que recoge el nuevo libro son una pequeña muestra del trabajo en su estudio, “un no lugar para obtener fotografías en ninguna parte”, según lo califica el propio Eduardo, por el que han pasado nombres muy importantes como los citados y han surgido fotos que han sido publicadas en revistas como Elle, Marie Claire o Vogue.

Photobolsillo Eduardo Momene Emma Suarez Retrato de Emma Suárez, 1981 (c) Eduardo Momeñe

La edición se completa con dos textos. El primero del periodista y escritor Alfonso Armada que repasa su biografía fotográfica y debe servir para comprender la importancia de Eduardo Momeñe en el panorama de la fotografía española. El segundo del propio fotógrafo y donde habla de su personal concepción del retrato de estudio.

He estado sumergido en mi estudio durante cuatro décadas […] Es un gran viaje y aún no me he cansado de transitar por este mundo sin geografía; aún vivo el placer de aislarme entre sus cuatro paredes del ruido del mundo; es mi pequeño búnker; es un privilegio”, cuenta Momeñe.

Photobolsillo Eduardo Momene Wim Wenders Retrato de Wim Wenders, 1981 (c) Eduardo Momeñe

Sin duda este libro de PHotoBolsillo es una buena oportunidad para conocer, descubrir y/o revisar la obra de este gran fotógrafo en un formato reducido (13x18 cm y 96 páginas) y asequible (14,50 euros) que se puede adquirir en librerías o directamente en la página de La Fábrica.

Eduardo Momeñe | Página web

En Xataka Foto | ‘Small World’, un libro que recopila las icónicos y tiernas fotos de bebés de Anne Geddes

'Como dos gotas de poesía', un proyecto que hermana la fotografía de naturaleza y la de arquitectura con la palabra en verso

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dos gotas poesia

Dos fotógrafas de diferentes géneros, de naturaleza Nuria Murillo y de arquitectura Mercedes Higuero, ponen las imágenes que se funden en dieciocho dípticos acompañados cada uno por un poema manuscrito. Éste podría ser el resumen de 'Como dos gotas de poesía', un proyecto donde estas dos artistas se dan la mano gracias a la intermediación de otro fotógrafo, Paco Negre, para fundir su trabajo visual con las palabras que ponen un buen puñado de poetas.

dos gotas poesia

El proyecto, que se va a materializar en una exposición que se abrirá en Málaga el seis de abril, surgió de la amistad de estos tres fotógrafos, con una visión y estética muy similares, que decidieron crear algo juntos basándose en la relación entre el hombre y su entorno. Paco Negre, a quien ya conocemos de anteriores proyectos (y es comisario de la exposición), fue quien estableció las bases para crear un diálogo entre las imágenes de naturaleza y arquitectura y las palabras, ya que “desde un principio pensé que este proyecto debía ir unido a la poesía”, nos cuenta.

dos gotas poesia

La idea se ha vertido en una serie de dieciocho dípticos de gran tamaño en los que se confronta una fotografía de cada autora (y por tanto de cada género), acompañado de otros tantos poemas que han sido elegidos, creados o cedidos para acompañar a cada una de las composiciones fotográficas. La elección de las imágenes “ha sido un trabajo retrospectivo, porque en ningún caso las imágenes que conforman los dípticos se han realizado ex profeso para esta exposición, sino que formaban parte de nuestros trabajos anteriores. Así, cada fotografía fue tomada en diferentes fechas y lugares del mundo (España, Islandia, Noruega, Turquía…)”. dos gotas poesia

Por lo que toca a las palabras, los poemas seleccionados pertenecen a 18 autores, en concreto María Victoria Atencia, Rosa Romojaro, Cristina Consuegra, María Navarro, María Eloy García, Violeta Niebla, Esther Morillas, Cris León, Isabel Bono, Carmen López, Alejandro Simón Partal, Abraham Grajera, Sergio Navarro, Isabel Pérez Montalbán, Ángel Luis Montilla, Aurora Luque, Chantal Maillard y Juan Manuel Villalba.

dos gotas poesia

La exposición

‘Como dos gotas de poesía’ se podrá disfrutar en una muestra que se inaugura el próximo seis de abril y permanecerá abierta hasta el cinco de mayo en el Centro Cultural Provincial María Victoria Atencia (C/ Ollerías 34, Málaga) y cuya entrada es gratuita.

dos gotas poesia

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Más información | Diputación de Málaga

En Xataka Foto | ‘Xtumirada’, de Cuco Cuervo, retratos "manipulados" que nos abren los ojos ante el Síndrome de Down

Fotografías de Mercedes Higuero y Nuria Murillo reproducidas con permiso de las autoras para este artículo

Fotógrafos de calle (II): 13 fotógrafos españoles a los que seguir la pista

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Praetervectio Jesus Leon

Si hace unas dos semanas os ofrecimos un listado de grandes maestros del género de la foto callejera, en esta ocasión nos vamos a fijar en los que tenemos más cerca, en fotógrafos españoles (o afincados en nuestro país) que practican esta disciplina. Y es que, como veréis, podemos presumir de un gran nivel en cuanto a artistas dedicados a la street photography.

De hecho, aunque no tengan el renombre de algunos fotógrafos internacionales, nuestro país cuenta con un buen montón de talentos en el campo de la fotografía de calle, algunos de ellos integrantes de colectivos internacionales dedicados a ello como Vivo o Burn My Eye. Lamentablemente Calle 35, el único colectivo de este tipo exclusivamente nacional destacable, acaba de disolverse hace apenas unas semanas. Aún así, como veréis, la influencia de este grupo nacido en Barcelona en 2011 reivindicando el uso del espacio público compartido, es notoria toda vez que a él han pertenecido varios de los artistas que vamos a nombrar.

Alberte Pereira 2 Foto de Alberte Pereira

Por otro lado, hay que decir que, como en la entrega anterior, hemos tenido que dejar a algunos en el tintero, como el veterano y más que consagrado Luis Baylón. También podríamos haber incluido a nuestro coordinador Jesús León, que no sólo es especialista en este género sino también autor del libro ‘Fotografía urbana. Cómo fotografiar la vida en la ciudad’, y a quien no hemos incluido por motivos obvios (aunque no nos resistimos a mencionar). Así que sin más os dejamos con la lista de fotógrafos callejeros españoles que deberías conocer.

José Luis Barcia

Jose Luis Barcia

El primero de la lista es un fotógrafo asturiano afincado en Madrid que conocimos tras ser finalista de los LensCulture Street Photography Awards 2015 con sus llamativas fotografías de la serie 'In Shadow'. Imágenes en las que José Luis Barcia retrata el entorno de una ciudad a base de jugar con los contrastes creando geometrías en la composición que suele romper con las figuras de los viandantes.

Un estilo minimalista en el que luces y sombras cobran protagonismo con mucho estilo y logran atrapar al espectador de la imagen. Por cierto que sus fotos están hechas con un smartphone, concretamente un iPhone, por lo que José Luis es un ejemplo más de cómo la cámara con la que se toman las imágenes es mucho menos importante que el talento y la personalidad del fotógrafo.

José Luis Barcia | Instagram | Flickr

Pau Buscató

Pau Buscato

Nacido en Barcelona pero residente en Oslo (Noruega) a Pau ya os lo presentamos en este artículo ya que, desde 2009, confiesa que “la fotografía callejera es mi manera de explorar la naturaleza mundana de la vida. Me ayuda a estar más en contacto con el mundo y al mismo tiempo escapar de sus limitaciones”. Con su cámara, Pau Buscató trata de desvelar, más allá de lo cotidiano, un "mundo detrás del mundo" en el que ocurren cosas extraordinarias. Para ello su mejor receta es mantener los “ojos frescos y una mente abierta”.

Finalista en la última edición de los premios The Miami Street Photography Festival (un certamen que es un referente en esta disciplina) y miembro del colectivo Burn My Eye, en sus fotografías sin duda consigue reflejar algo que podemos calificar como magia que emana de lo cotidiano y en la que no falta un sutil toque de humor.

Pau Buscató | Página web | Instagram | Flickr

Marcelo Caballero

Marcelo Caballero

Aunque no nació en nuestro país sino en Argentina, está más que afincado en España desde 2007 (concretamente en Figueres). Fotógrafo muy activo e implicado, como Buscató fue finalista en el The Miami Street Photography Festival 2016 y pertenece a un colectivo de fotógrafos, en este caso Quitar Fotos, un grupo de reciente creación que se mueve entre la fotografía de calle y la documental. Marcelo Caballero también fue uno de los miembros fundadores de Calle 35 y escribe un blog de fotografía que hemos recomendado en variadas ocasiones en nuestro Galaxia Xataka Foto.

Marcelo considera la fotografía como “algo terapéutico […] porque me ayuda a vivir con más libertad y extrae lo mejor de mi mundo interior. Así deambulo por las calles como un pintor con prisas”. Esta filosofía la vierte en unas imágenes con un estilo muy personal, donde destaca el juego entre el color y las sombras que consigue una fuerte implicación del espectador.

Marcelo Caballero | Página web | Blog | Flickr

Luis Camacho

Luis Camacho

Natural de Madrid, hasta el año 2000 trabajaba en el campo de la producción audiovisual pero “sintió la llamada de la fotografía, y desde entonces, en un aprendizaje continuo, no ha dejado de explorar las posibilidades del lenguaje fotográfico”. Luis Camacho también formó parte del colectivo de fotografía Calle 35 y en la actualidad trabaja como fotógrafo editorial para la SGAE y como fotoperiodista para numerosos medios de comunicación (sus imágenes han aparecido en los más importantes de España).

Interesado por “la mutación constante de la ciudad que produce una crisis de identidad y un conflicto cultural continuo”, su fotografía callejera explora “la dinámica entre el sujeto y el tiempo, lo real y lo su-real en escenas callejeras desarticuladas donde se manifiesta la gente corriente en su vida cotidiana”. Ciertamente, con sus fotos logra diseccionar con maestría la realidad mundana de las ciudades.

Luis Camacho | Página web | Instagram | Facebook

Luis Corrales

Luis Corrales

Como a Buscató, a Luis también lo presentamos ya hace un par de años calificándole como otro buen ejemplo de frescura en fotografía urbana. Luis Corrales es sevillano pero desde el año 2003 vive en Viena (Austria), aunque en sus fotos ha plasmado la vida cotidiana de muchas ciudades europeas (incluida por supuesto su Andalucía natal) desarrollando una mirada propia sobre el mundo.

Un auténtico cazador de instantes extraordinarios, que fotografía tanto en blanco y negro como en color y utiliza tanto cámaras analógicas como digitales (también un teléfono móvil), aunque su trabajo más personal es con película en blanco y negro. Ha publicado en revistas internacionales como International Street Photographer Magazine (EEUU), Bliza (Polonia) y Schwarzweiß (Alemania), fue finalista en The Miami Street Photography Festival en las ediciones de 2013 y 2014 y ahora mismo está centrado en la autoedición, de forma muy artesanal, del libro “Cuaderno de nostalgias”.

Luis Corrales | Página web | Flickr

Manu Mart

Manu Mart

A este fotógrafo madrileño que vive a caballo entre Barcelona y la capital (y últimamente viaja con frecuencia a Asia para ayudar en proyectos de diferentes ONG), también os lo presentamos hace unos años destacando su dominio de la luz y de las sombras y su cuidada composición dentro de una disciplina donde la improvisación siempre es fundamental.

Antes de dedicarse de lleno a la fotografía, Manu Mart trabajó en el mundo de la publicidad y también ha coqueteado con el del cine. También perteneció al colectivo Calle 35 del que venimos hablando y su trabajo fotográfico ha sido publicado en medios escritos y digitales como Leica Fotografie International o Vice Magazine. También ha participado en numerosos concursos, el último el Moscow International Photography Awards donde quedó en tercer lugar en la categoría ‘Architecture : Cityscapes’ con una imagen de “Beniyork”.

Manu Mart | Página web | Instagram | Flickr

Martín Molinero

Martin Molinero

El otro argentino de la lista tiene la doble nacionalidad y, aunque ha residido en Barcelona desde hace catorce años (cuando se instaló en España), ahora está en pleno proceso de comenzar una nueva etapa madrileña. Como muchos otros de la lista, Martín Molinero también perteneció a Calle 35 aunque ahora mismo forma parte del colectivo internacional de street photographers denominado VIVO.

Como buen fotógrafo de calle, tiene un ojo especial para captar esos momentos extraordinarios que a la mayoría nos pasan desapercibidos y disparar en el momento justo. Ha trabajado tanto en blanco en negro como en color, pero en ambos casos destaca su maestría con la luz y cómo maneja el siempre complicado juego de las luces y las sombras.

Martín Molinero | Flickr | Instagram

Óscar Palomares

Oscar Palomares

A este fotógrafo catalán también le recomendamos anteriormente dentro de este listado de fotógrafos callejeros internacionales en donde destacábamos su extraordinario dominio del color y su forma de componer las imágenes, con una gran cantidad de elementos yuxtapuestos que hacen necesario detenerse un momento para apreciar los detalles de sus fotografías en su justa medida.

Aficionado, como todos los de este artículo, a retratar la vida cotidiana de las ciudades, Óscar Palomares fue finalista en la edición 2012 de los premios The Miami Street Photography Festival y premiado por partida doble en el Photocertamen de 2013, y sus fotos han sido publicadas en medios como el Periódico de Cataluña, Ling, Time Out o el Magazine de La Vanguardia.

Óscar Palomares | Flickr

Alberte Pereira

Alberte Pereira

Gallego, autodidacta e independiente, según sus propias palabras, tuvo sus primeros contactos con la fotografía en los años 80 pero no fue hasta 2012 cuando se volcó en ella y se dedicó a recorrer las calles para atestiguar lo que sucede en ellas, sin olvidarse tampoco del género documental y el reportaje. Junto a Marcelo Caballero es miembro fundador de Quitar Fotos y en su currículum destacan numerosas aportaciones en varios festivales de foto callejera (Miami Street Photography Festival, StreetFoto San Francisco, London Photo Festival…), así como la inclusión en el Top 100 de los LensCulture Street Photography Awards 2016.

Para Alberte Pereira, la fotografía “es una forma de intentar comprender el mundo que me rodea. Observar el flujo de la vida en el espacio público […] y captar instantáneas para mostrar mi modo de ver el mundo”. Sus imágenes sin duda demuestran su talento, con una gran capacidad para conjugar luz, color y sombras de manera extraordinaria.

Alberte Pereira | Página web | Facebook | Blog

Carlos Prieto

Carlos Prieto

Otro catalán para nuestra lista y otro de los fotógrafos fundadores de la desaparecida Calle 35 donde desarrolló su amor por la fotografía callejera. Un amor en el que se volcó a partir del 2009, seis años después de que, tal y como él mismo cuenta, comenzara a hacer fotos con una vieja cámara y un objetivo de 50 mm que le acompañaba en sus viajes. Desde entonces su pasión por la fotografía como un medio para entender su entorno nunca le ha abandonado.

Para Carlos Prieto hacer fotos sirve para interpretar la realidad gracias a su subjetividad: “Me interesa la luz, el color, la composición, las formas, el equilibrio. En definitiva, me interesa la fotografía como medio de expresión”. Y sin duda que lo hace a través de unas imágenes en las que destaca el uso de colores saturados y un evidente impacto visual.

Carlos Prieto | Página web | Flickr

Ignasi Raventós

Ignasi Raventos Fotografía de Ignasi Raventós capturada de este vídeo

De este catalán ya os hablamos el verano pasado cuando logró un accésit el concurso "Del Selfie al Selfportrait", organizado por PHotoEspaña 2016 y la Fundación Canal, por un magnífico autorretrato. De joven tenía el sueño de ser reportero de National Geographic, y aunque descubrió que tenía cualidades para ello, por su dificultad lo dejó aparcado para comenzar una larga carrera en el campo de la publicidad. 25 años después, hastiado de su trabajo, Ignasi Raventós descubrió que las fotos que siempre había soñado ahora se podían hacer con un smartphone y decidió volver al camino de la fotografía.

Autor de varios libros sobre su ciudad de residencia, Barcelona, y X-Photographer oficial, en sus imágenes se aprecia su dominio de la luz y su gusto por la fotografía callejera en su sentido más clásico, ese que definió el maestro Cartier-Bresson con aquello de "captar el momento decisivo" para lograr una gran foto.

Ignasi Raventós | Página web | Instagram | Flickr

David Salcedo

David Salcedo Fuchina

Este fotógrafo murciano es otro de los ex de Calle 35 y además en 2014 formó la plataforma Territorios Libres, centrada en la fotografía documental, junto a otros artistas (incluido el siguiente de esta lista). Según cuenta él propio David Salcedo, hace tiempo que la fotografía forma parte de su vida pero “desde hace muy poco entiende realmente para qué sirve y cómo funciona, si es que eso tiene alguna importancia”.

Ganador, entre otros, del Premio Nuevo Talento Fnac de fotografía 2015 y el premio “Otra Manera de Mirar” del PA-TA-TA Festival de Granada, y participante en festivales como el Miami Street Photography o el Visa pour l'Image de Perpignan, el interés de David Salcedo por la fotografía callejera empezó cuando conoció la obra de dos grandes como Saul Leiter y Garry Winogrand. “La fotografía de calle es a la fotografía lo que el jazz, el blues y el flamenco a la música, improvisación constante, energía en ebullición y pura vida”.

David Salcedo | Página web | Instagram

Mingo Venero

Mingo Venero

El último de nuestra lista también formó parte del colectivo de fotógrafos Calle 35 y es miembro, como el anterior, de Territorios Libres. De hecho, este fotógrafo santanderino que vive en Barcelona desde 2006 se define como fotógrafo documental. Así, en su trabajo compagina la street photo con otra faceta, la de fotoperiodista, en la que ha realizado proyectos personales centrados en la denuncia social, poniendo cara a los más desfavorecidos. Ha participado en festivales como Visa pour l'Image y Miami Street Photography, y en 2013 fue finalista del Premio Internacional Luis Valtueña de Fotografía Humanitaria.

La fotografía entró en su vida en 2003 y desde entonces no ha dejado de hacer fotos, casi siempre retratando escenas de la vida cotidiana de la gente. “Caminar por las calles, observar, medir, encuadrar… capturar un instante para siempre. Con esta disciplina fotográfica es con la que más disfruto y con la que más he aprendido del ser humano”.

Mingo Venero | Página web | Instagram

Con esto terminamos esta segunda entrega dedicada a recomendar nombres interesantes del panorama nacional de la fotografía callejera. Como siempre, son bienvenidas vuestas sugerencias y comentarios. En una próxima (y última) entrega nos dedicaremos a fotógrafos internacionales actuales y emergentes a los que seguir la pista.

En Xataka Foto | Fotografía callejera (I): definición y primeras consideraciones

Foto de portada | Jesús León. Resto de fotografías reproducidas (salvo mención expresa) con permiso de sus autores

Los fotógrafos españoles también son solidarios

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Estela De Castro

El mundo parece que cada vez va peor. Las diferencias sociales, los conflictos bélicos, el cambio climático... son el pan nuestro de cada telediario. Y encima las primeras víctimas, porque luego llegará nuestro turno, siempre son las mismas, los más desfavorecidos. Estela de Castro, una gran fotógrafa, estalló de impotencia el mes de noviembre. **Su gran idea de una exposición solidaria se materializó ayer en el **Centro Universitario TAI****.

Estela de Castro salta a palestra con su maravilloso trabajo Fotógrafos. Lleva mucho tiempo trabajando pero su emocionantes retratos a los fotógrafos consagrados españoles con esa filosofía tan clásica y rompedora a la vez de retratarlos con su Hasselblad, en blanco y negro y con luz natural, la hicieron subir como la buena espuma. Y es que llama la atención esa manera tan respetuosa y cercana de mirar a los ojos a Cristina, a Navía, a Miguel, Oriol, Joan y un largo etcétera...

¿Y por qué recuerdo este trabajo en concreto de Estela? Porque es fundamental para entender cómo canalizó su rabia cuando vio las imágenes en los telediarios de los ataques con bombas de un hospital infantil en Siria, el último que quedaba en pie. Como fotógrafos podemos pensar que poco podemos hacer por el mundo, pero ella ha demostrado que no es así.

Con la colaboración de Juan Cañamero y el Centro Universitario de Artes TAI de Madrid, ha organizado un proyecto solidario que busca recaudar fondos para cuatro organizaciones: • Sohram-Casra (Turquía)Il gattaro d´Aleppo (Siria)Jugent Retter (En el mar Mediterráneo)Proyecto Elea (Grecia)

PHES (Fotografía Española Solidaria)

La primera idea fue organizar una exposición solidaria en la que la mayoría de los fotógrafos que retrató Estela de Castro han donado una de sus fotografías para venderlas y conseguir ayuda para dichas organizaciones.

El precio de las obras será más bajo del habitual, en algunos casos llegando a la mitad. Cada obra que sea vendida irá acompañada del retrato que Estela de Castro realizó a cada fotógrafo. La imagen fotográfica se pone al servicio de una causa social, contribuyendo como colectivo por un bien común: conseguir fondos económicos para apoyar a cuatro organizaciones que trabajan para ayudar de diferentes maneras a las personas que sufren la violencia y la guerra.

Y puedo decir que ayer en la inauguración las paredes de la sala estaban llenas de esos puntos que indican en las galerías que la obra está vendida.Ha sido todo un éxito. Y fue emocionante ver a los fotógrafos y sus trabajos unidos en un frente común, que es ayudar a los demás desde la imagen. Desde el único disparo que debería ser oído por cualquier ser humano, el del obturador de una cámara de fotos.

Estela De Castro Alix Alberto García Alix

Pocas veces podremos ver reunidos en una única exposición los trabajos de fotógrafos de la talla de Alberto Gª Alix, Eduardo Momeñe, Colita, Joan Fontcuberta, Ouka Leele, Joan Colom, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Javier Vallhonrat, Ramón Masats, Juan Manuel Castro Prieto, Eugeni Forcano, Sandra Balsells, Manuel Outumuro, Joana Biarnés, Txema Salvans, Ricardo Cases, Juan Manuel Díaz Burgos, Pilar Pequeño, Luis Baylón, Kim Manresa,... por poner algunos de los ochenta fotógrafos que han donado desinteresadamente una de sus fotografías.

La exposición

Estará abierta hasta el día 27 de abril de 2017 en el Centro Universitario TAI, en la calle Recoletos 22, muy cerca de la madrileña Puerta de Alcalá. Es una ocasión perfecta para conocer el trabajo de aquellos que han marcado y señalado el camino del buen hacer dentro de la fotografía española.

Visualmente es muy potente descubrir todas las formas de entender la fotografía: color, blanco y negro, estudio, calle, conceptualismo, humanismo, periodismo... Cada una en un formato y en un marco distintos.** Refuerza la idea de que todos somos distintos, que cada uno podemos decir las cosas a nuestra manera y que todas son complementarias**.

Es un ejercicio histórico ver una de las fotografías míticas de Centellés (cuya familia ha querido también contribuir, como la de Ricard Terré o Nicolás Muller, Maspons, Sanz Lobato o Fernando Gordillo) al lado los disparos más recientes de García Alix o Outumuro. Y si no podemos comprar una fotografía, siempre podremos colaborar con el catálogo que se ha editado para conmemorar tal evento.

La fotografía española está más viva que nunca. Y lo que es más importante, gracias a Estela de Castro, confirmamos que es también y ante todo, solidaria.

En Xataka Foto| Fotógrafos fotografiados, la nueva exposición de Estela de Castro en Tabacalera

‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

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El Cielo Manuel Capon 6

Mañana miércoles se inaugura la exposición ‘El Cielo’ donde el fotógrafo Manuel Capón hace un doble homenaje: A su abuelo, al que apenas pudo conocer pero del que heredó la pasión por la fotografía, y al circo, a sus gentes y a la ilusión y la magia que representa. La exposición, que pretende sorprender al visitante con su puesta en escena, servirá también para dar a conocer un libro homónimo autoeditado por el autor.

Este proyecto nació hace más de 20 años (en 1997) y, tras una larga pausa, es en 2014 cuando Manuel lo retoma para culminarlo gracias a la exposición que se inaugura ahora y en la que se podrán disfrutar de sus fotos. Imágenes que muestran la vida cotidiana de los integrantes del Circo Raluy y entre los cuales destaca un personaje principal, Graciela, la trapecista, para quien “el cielo era su lugar de trabajo y, en nuestras conversaciones, así llamaba ella a su trapecio en lo alto de la carpa del circo”.

El Cielo Manuel Capon 2

Así, ‘El Cielo’ es una suerte de viaje al interior del circo que nos muestra todos sus secretos y sus diferentes estancias. Y la exposición pretende lograr lo mismo, trasladarnos a un circo y hacernos olvidar por un momento que estamos en una sala de exposición y retrotraernos a esos “momentos vitales en los que la inocencia y la fantasía nos ayudaban a entender el mundo”.

Por otro lado, como hemos mencionado, el proyecto es también un homenaje a José Mouriz, abuelo de Manuel y entusiasta fotógrafo que le contagió la pasión por este arte: “Falleció cuando yo era todavía un niño, demasiado pronto para que pudiera conocerle realmente y disfrutar de él. Descubrí y posiblemente heredé su pasión por la fotografía a través de los muchos recuerdos y objetos que mi abuela y mi madre conservaban. Ya entonces me atraían poderosamente sus pequeñas copias en papel y sus negativos; los de cristal sobre todo llamaban especialmente mi atención”. Así, ‘El cielo’ hace referencia también a ese lugar al cual a los niños se les decía que se iban los que desaparecían.

El Cielo Manuel Capon 3

El autor

Como venimos contando, Manuel Capón (Lugo, 1965) empezó a desarrollar su interés por la fotografía al descubrir la colección de objetos fotográficos de su abuelo. Su formación fue inicialmente autodidacta y desde 1994 trabajó como fotógrafo editorial y de reportajes para la revista americana Guidepost en Madrid, además de colaborar con otros medios como El País. Posteriormente, Manuel permaneció alejado de la fotografía hasta que en 2012 retomó esta actividad y realizó el Curso Superior de Fotoreportaje de la Escuela Internacional Alcobendas PhotoEspaña. El Cielo Manuel Capon 1

Gracias a ello retomó este proyecto personal sobre la vida del circo Raluy, trabajo que inició para plasmar el asombro e ilusión que le despertaban sus visitas anuales al circo en su infancia, y realizó una primera maqueta en forma de libro que tuvo una buena acogida en la sección "Descubrimientos” de PhotoEspaña 2015 y en la semana Photo Book Week de La Fábrica del mismo año.

La exposición

El Cielo Manuel Capon 7 Instantánea del trabajo de montaje de la exposición

‘El Cielo’ está formado principalmente por veintidós fotografías realizadas íntegramente en película, en formatos 35 mm y 120 mm (6x6). Las obras que lo componen han sido producidas en diferentes tamaños, materiales y formatos, desde clásicos cuadros de tintas pigmentadas sobre papel de algodón hasta tintas UVI sobre metacrilato opal o lona.

Además de las fotografías, la exposición, comisariada por Belén Poole, incluye una pequeña vitrina con objetos fotográficos de la colección familiar heredada de José Mouriz, así como otros objetos relacionados con el circo que Manuel Capón ha conservado durante este tiempo.

El Cielo Manuel Capon 4

‘El Cielo’ se inaugura mañana, cinco de abril, en el Centro de Arte Alcobendas (Madrid) y permanecerá abierta hasta el próximo 13 de mayo (la entrada es gratuita).

Más información | Centro de Arte Alcobendas

En Xataka Foto | 'Como dos gotas de poesía', un proyecto que hermana la fotografía de naturaleza y la de arquitectura con la palabra en verso

Todas las fotografías de Manuel Capón


'Gea', de Pio Cabanillas, nos muestra la naturaleza desde un punto de vista mucho más íntimo

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Libro Pio Cabanillas Gea 1

Editado por La Fábrica, ‘Gea’ es un nuevo fotolibro que trata de redefinir la forma en que observamos la naturaleza, descartando los paisajes captados en grandes planos generales para centrarse en los detalles buscando aportar un nuevo significado y una belleza diferente. Curiosamente además, Pío Cabanillas es conocido por una carrera política que siempre compaginó con su afición a la fotografía.

Libro Pio Cabanillas Gea

Y es que si os sonaba el nombre es porque, efectivamente, el autor del libro no es otro que quien fuera Ministro Portavoz del Gobierno de José María Aznar a principios de siglo. De formación autodidacta, Pío Cabanillas mantuvo esta faceta en el ámbito privado durante mucho tiempo hasta que en los últimos años se ha volcado en la fotografía participando en algunas exposiciones colectivas y realizando varios proyectos individuales. El ultimo este ‘Gea’, que ahora se edita en formato libro y con el que busca desarrollar una mirada fotográfica diferente sobre la naturaleza y llevar al espectador hacia un plano mucho más corto, mostrándonos particularidades que suelen pasar desapercibidas.

Libro Pio Cabanillas Gea 3

Su búsqueda de belleza se centra en el detalle, lo que consigue a través de encuadres mucho más cerrados de lo habitual en fotografía de paisajes. Así, aunque las imágenes han sido hechas en algunos de los escenarios naturales más impactantes de la Tierra (lugares como Kenia, Vietnam, el Everest, Groenlandia o el Gran Cañón del Colorado), en muchas de ellas es imposible identificar la localización. Lo que Pío pretende es hacer aflorar la riqueza oculta, regodearse en los matices y descubrir “las más sutiles señas de identidad de nuestro entorno. La situación o el lugar donde se encuentran los espacios fotografiados no constituyen la esencia de la naturaleza, sino las formas y texturas de todo lo que nos rodea".

Libro Pio Cabanillas Gea 4

El libro, cuyo título proviene de la mitología griega (donde Gea es la divinidad primigenia, la madre Tierra) incluye 120 fotografías divididas en tres capítulos, Estructura, Forma y Textura, a través de las que el autor trata de descubrirnos sensaciones nuevas fijándose en las texturas, las sombras y los colores y, por otro lado, provocar nuestra curiosidad a través de la desaparición de la escala. Así, la cercanía y la descontextualización permiten que los distintos elementos de la naturaleza (cielo, agua, vegetación, minerales, arena…) se transformen en generadores de geometrías y otorgen a las fotografías una identidad propia, más allá de los lugares que representan.

Libro Pio Cabanillas Gea 2

‘Gea’, el libro

El volumen tiene un tamaño de 24 x 32 cm, incluye 256 páginas, está editado en español e inglés y se puede comprar en librerías o en la página de La Fábrica por 40 euros.

Más información | La Fábrica

En Xataka Foto | ‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

Todas las fotografías de Pio Cabanillas

Duane Michals, el fotógrafo-artista que nunca supo seguir las reglas

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https://vimeo.com/80728632

Duane Michals pertenece a ese tipo de autores que traspasan la frontera fotográfica para avanzar por la filosofía, la poesía. Un fotógrafo con un mundo interior tan rico y profundo que, a menudo, necesita complementar su discurso con escritos.

La reflexión es el primer paso antes de hacer una fotografía, sin eso solo tendremos una imagen vacía y hueca. La fotografía conceptual y sesuda de Duane Michals puede servir de acicate para los que primero hacen la foto y luego les dan el significado.

Cuando la fotografía falla comienzo a escribir sobre lo que no puedes ver en ella. Duane Michals.

Duane Michals nació en 1932 en Pennsylvania, desde muy joven ya mostró interés por las ciencias y estudió la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver, después terminaría abandonando los estudios y aprendiendo fotografía de manera autodidacta.

Los inicios. Mundo natural vs mundo interior

Michals decidió salirse del guión fotográfico que proponía el realismo del "momento decisivo" de Cartier-Bresson o los mandamientos que Roland Barthes dictaba al hablar del "Studium" o el "Punctum", al fotógrafo de Pennsylvania no le interesa en absoluto la realidad y prefería buscar las preguntas que subyacen detrás del personaje o incluso detrás del propio fotógrafo.

Descubrió el poder comunicativo de la fotografía por casualidad; en 1958, pese a que su familia no vivía con grandes lujos, le pidió un dinero prestado a su madre con el que se financió una pequeña cámara y un viaje a la Unión Soviética. Lo que en principio podría haber sido un simple viaje turístico con un montón de aburridas fotos se convirtió para él en una revelación. Durante el período que estuvo en la URSS decidió retratar a la gente que se encontraba por la calle.

Cuando volvió a EE.UU. comprobó que lo que más le interesaba de los rostros que había fotografiado no era la técnica, ni el momento, ni siquiera la naturalidad o fidelidad de la imagen para con el retratado, sino que quería saber más de esas vidas.

Con estas obsesiones en la cabeza consiguió producir su primera exposición en 1963 en la Underground Gallery de Nueva York. Por aquel entonces Estados Unidos y la URSS se encontraban sumidos en la llamada "Guerra Fría" y el trabajo de Michals no sentó nada bien a la conservadora sociedad norteamericana.

Los años 60. De las influencias al estilo propio

Andreas Gursky, que en este momento es el más “hot”, el más famoso, el más nuevo, es en realidad el fotógrafo más aburrido del mundo.

La exposición llamó la atención lo suficiente como para que empezasen a llamarle para trabajar en revistas como Esquire, Vogue, Mademoiselle y empezaba a verse el esbozo de un trabajo que a muchos recordaría a fotógrafos como Atget o Irving Penn, incluso hay quien encuentra momentos comunes entre la fotografía de Michals y la de Robert Frank.

Pero Michals siempre ha dicho sentirse influenciado, sobretodo, por las atmósferas de Atget. Lo dramáticos contrastes, los reflejos, la "no vida" de las ciudades y una forma de mirar que trascendía de lo rutinario.

Si algo parecía tener claro Michals es que no quería ser uno más, que la fotografía clásica de autores como Ansel Adams tenían que dejar paso a otros lenguajes que investigaran más sobre el ser humano dejando de lado los convencionalismos técnicos.

Lo primero que le ayudó a mantener las distancias con la fotografía existente fueron "Las Secuenciaciones", consistentes en una sucesión de fotografías que, al estilo cinematográfico, le servían para narrar historias y jugar incluso con la concepción del tiempo.

Pero su enfrentamiento con la fotografía tradicional fue más allá del mero aspecto formal, se trataba de una exploración que se atrevió a reflexionar con temas hasta entonces no abordados por la fotografía: la muerte, y la identidad sexual.

De fotógrafo a artista

Hubo un momento en el que a Michals la fotografía se le quedó corta. Si en la anterior época el de Pennsylvania luchó contra el vacío existencial que, a su juicio, invadía a la fotografía clásica, en esta se atreve a ir un paso más allá y decide apoyar su discurso con texto que acompañan a las fotografías.

https://www.flickr.com/photos/brixton/1526390 Fotografía de Duane Michals compartida por "Elizabeth" bajo licencia CC en Flickr

A estas alturas ya nadie discute del surrealismo de su fotografía, si miramos en su obra veremos que los retratos a pintores como René Magritte van más allá del existencialismo inicial, tratan de buscar la esencia del retratado utilizando cualquier recurso formal o aspectual que le ayude a construir a su personaje.

Rene Magritte Fotografía de Duane Michals compartida bajo licencia CC por "Cea +" en Flickr

En una entrevista que concedió en 2001 a El Cultural, el semanario del diario El Mundo, habla del concepto "fotografía guión arte" y reflexiona sobre el momento que atraviesa la fotografía con sentencias como "Andreas Gursky, que en este momento es el más “hot”, el más famoso, el más nuevo, en realidad es el fotógrafo más aburrido del mundo" y viene a decir que en la fotografía artística lo que interesa es más el tamaño de la obra que la calidad.

Me gustaría acabar este artículo con la respuesta que Michals le dio a David Seidner en esta entrevista. El periodista le pedía que matizara una respuesta que el fotógrafo había dado a la revista Le Monde en la que aseguraba que "los fotógrafos miran las cosas pero rara vez cuestionan lo que ven", su explicación, que no tiene desperdicio, resume la esencia de su fotografía:

Siempre estamos proyectando en el mundo nuestra propia experiencia. La única verdad que conocemos es lo que experimentamos. Por lo tanto, cuando vemos a una mujer llorando, pensamos, "Ay, que pena". Pero no podemos compartir su dolor. Sólo sabemos cómo nos sentimos cuando alguien que amamos murió, cuando sentimos su ausencia. Una fotografía de una mujer llorando no me dice nada sobre el dolor. O una fotografía de una mujer excitada no me dice nada sobre el éxtasis. ¿Cuál es la naturaleza de estas emociones? El problema con la fotografía es que sólo trata de las apariencias.

Foto de inicio | Extraida del vídeo de Vimeo "Duane Michals"

‘Xtumirada’, de Cuco Cuervo, retratos "manipulados" que nos abren los ojos ante el Síndrome de Down

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Xtumirada Cuco Garcia 1

Cuco Cuervo es un fotógrafo especializado en moda que está acostumbrado a que por delante de su cámara pasen personajes muy conocidos del mundo de la música, el cine, la televisión y el deporte. Un buen día, en un paso de peatones, se fijó en un chaval con Síndrome de Down y se dio cuenta de que el principal rasgo físico de estas personas eran sus ojos rasgados... Así que se le ocurrió una idea: ¿qué pasaría si intercambiáramos la mirada de un famoso con la de una persona afectada por esta discapacidad?

Xtumirada Cuco Garcia 11

Tres años y mucho trabajo después, y con el respaldo de un montón de famosos y varias organizaciones relacionadas con esta discapacidad, aquella idea se ha materializado en ‘Xtumirada’, una serie de fotografías que es la base de una campaña de carácter solidario cuyo objetivo es "cambiar la forma en que la sociedad percibe a las personas con Síndrome de Down, invitar a la gente a desprenderse de prejuicios y falsos mitos, y abrir sus ojos ante las personas con este trastorno genético".

Xtumirada Cuco Garcia 8

Se trata, como véis, de una serie de 150 retratos dobles de gran impacto. Y es que sin duda resulta muy llamativo ver cómo se mezclan rostros tan populares como los de Íker Casillas, Clara Lago, Antonio Orozco, Vanesa Romero, Sergio Ramos, Dani Rovira, David Bustamante o Arturo Valls con otros desconocidos y que presentan los rasgos característicos de las personas con Síndrome de Down.

Xtumirada Cuco Garcia 2

Aquí os dejamos con una muestra de ellas pero todas las fotografías pueden disfrutarse en una exposición que estará abierta hasta el siete de abril en el edificio Castellana 81 de Madrid, y que viajará durante el próximo año por distintas ciudades españolas.

Xtumirada Cuco Garcia 10

Xtumirada Cuco Garcia 9

Xtumirada Cuco Garcia 3

Cuco Cuervo | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Rimas de reojo’, un “poema de amor fotográfico” de Alex Webb y Rebecca Norris

Fotografías de Cuco Cuervo reproducidas con permiso del autor para este artículo

‘Small World’, un libro que recopila las icónicos y tiernas fotos de bebés de Anne Geddes

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Small World Anne Geddes 1

¿Quién no ha visto alguna vez alguna de las famosas fotografías de bebés de Anne Geddes? Su estilo nos puede gustar más o menos pero no podemos negar el alcance que han tenido sus imágenes en todo el mundo. Para todos sus seguidores, Taschen lanza un volumen fotográfico titulado ‘Small World’ en el que se hace un repaso por toda la obra de esta fotógrafa australiana, incluyendo imágenes inéditas.

Small World Anne Geddes Corinne holding Alexander, 3 weeks, Auckland, 2001. Foto de Anne Geddes

Desde luego es indudable la popularidad de sus icónicas imágenes y el hecho de que cambiara la forma de fotografiar bebés en todo el mundo. Así, que sus fotos aparezcan en pósteres, rompecabezas, aplicaciones, calendarios o prendas de vestir en casi cualquier lugar del mundo es algo que ha estado al alcance de muy pocos fotógrafos de la historia. Por eso, ‘Small World’ puede ser una buena oportunidad de reconciliarse con el trabajo de una mujer que se ha afanado en captar la belleza, pureza y vulnerabilidad de los niños.

Small World Anne Geddes 3

Un bebé convertido en girasol, o disfrazado de conejito, o sobre una alfombra de plumas… Sus retratos infantiles se han convertido en una marca por sí misma como se puede contemplar en este nuevo volumen de Taschen que hace un repaso a toda su obra, desde que empezara a finales de los 80. El libro, que cuenta con numerosas imágenes inéditas y que, según sus editores, se presenta no sólo como homenaje de “una estética caprichosa y entrañable, sino también de la filosofía subyacente en defensa de los más pequeños y vulnerables, quienes son, en definitiva, el futuro de la humanidad”.

Small World Anne Geddes Portada de la edición Italiana/Española/Portuguesa

‘Small World’, de Anne Geddes, es un volumen en tapa dura con un tamaño de 29 x 37,4 cm y 238 páginas y se podrá adquirir, a partir de mayo, en librerías o en la página web de Taschen por 49,99 euros.

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘The Golden Decade’, el libro que recoge la herencia de la escuela fundada por Anselm Adams

Foto de portada | ack holding triplets Charleé B, Susanna, and Jaclyn, 9 weeks, Auckland, 1999. Foto de Anne Geddes

'Como dos gotas de poesía', un proyecto que hermana la fotografía de naturaleza y la de arquitectura con la palabra en verso

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dos gotas poesia

Dos fotógrafas de diferentes géneros, de naturaleza Nuria Murillo y de arquitectura Mercedes Higuero, ponen las imágenes que se funden en dieciocho dípticos acompañados cada uno por un poema manuscrito. Éste podría ser el resumen de 'Como dos gotas de poesía', un proyecto donde estas dos artistas se dan la mano gracias a la intermediación de otro fotógrafo, Paco Negre, para fundir su trabajo visual con las palabras que ponen un buen puñado de poetas.

dos gotas poesia

El proyecto, que se va a materializar en una exposición que se abrirá en Málaga el seis de abril, surgió de la amistad de estos tres fotógrafos, con una visión y estética muy similares, que decidieron crear algo juntos basándose en la relación entre el hombre y su entorno. Paco Negre, a quien ya conocemos de anteriores proyectos (y es comisario de la exposición), fue quien estableció las bases para crear un diálogo entre las imágenes de naturaleza y arquitectura y las palabras, ya que “desde un principio pensé que este proyecto debía ir unido a la poesía”, nos cuenta.

dos gotas poesia

La idea se ha vertido en una serie de dieciocho dípticos de gran tamaño en los que se confronta una fotografía de cada autora (y por tanto de cada género), acompañado de otros tantos poemas que han sido elegidos, creados o cedidos para acompañar a cada una de las composiciones fotográficas. La elección de las imágenes “ha sido un trabajo retrospectivo, porque en ningún caso las imágenes que conforman los dípticos se han realizado ex profeso para esta exposición, sino que formaban parte de nuestros trabajos anteriores. Así, cada fotografía fue tomada en diferentes fechas y lugares del mundo (España, Islandia, Noruega, Turquía…)”. dos gotas poesia

Por lo que toca a las palabras, los poemas seleccionados pertenecen a 18 autores, en concreto María Victoria Atencia, Rosa Romojaro, Cristina Consuegra, María Navarro, María Eloy García, Violeta Niebla, Esther Morillas, Cris León, Isabel Bono, Carmen López, Alejandro Simón Partal, Abraham Grajera, Sergio Navarro, Isabel Pérez Montalbán, Ángel Luis Montilla, Aurora Luque, Chantal Maillard y Juan Manuel Villalba.

dos gotas poesia

La exposición

‘Como dos gotas de poesía’ se podrá disfrutar en una muestra que se inaugura el próximo seis de abril y permanecerá abierta hasta el cinco de mayo en el Centro Cultural Provincial María Victoria Atencia (C/ Ollerías 34, Málaga) y cuya entrada es gratuita.

dos gotas poesia

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Más información | Diputación de Málaga

En Xataka Foto | ‘Xtumirada’, de Cuco Cuervo, retratos "manipulados" que nos abren los ojos ante el Síndrome de Down

Fotografías de Mercedes Higuero y Nuria Murillo reproducidas con permiso de las autoras para este artículo

Los fotógrafos españoles también son solidarios

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Estela De Castro

El mundo parece que cada vez va peor. Las diferencias sociales, los conflictos bélicos, el cambio climático... son el pan nuestro de cada telediario. Y encima las primeras víctimas, porque luego llegará nuestro turno, siempre son las mismas, los más desfavorecidos. Estela de Castro, una gran fotógrafa, estalló de impotencia el mes de noviembre. **Su gran idea de una exposición solidaria se materializó ayer en el **Centro Universitario TAI****.

Estela de Castro salta a palestra con su maravilloso trabajo Fotógrafos. Lleva mucho tiempo trabajando pero su emocionantes retratos a los fotógrafos consagrados españoles con esa filosofía tan clásica y rompedora a la vez de retratarlos con su Hasselblad, en blanco y negro y con luz natural, la hicieron subir como la buena espuma. Y es que llama la atención esa manera tan respetuosa y cercana de mirar a los ojos a Cristina, a Navía, a Miguel, Oriol, Joan y un largo etcétera...

¿Y por qué recuerdo este trabajo en concreto de Estela? Porque es fundamental para entender cómo canalizó su rabia cuando vio las imágenes en los telediarios de los ataques con bombas de un hospital infantil en Siria, el último que quedaba en pie. Como fotógrafos podemos pensar que poco podemos hacer por el mundo, pero ella ha demostrado que no es así.

Con la colaboración de Juan Cañamero y el Centro Universitario de Artes TAI de Madrid, ha organizado un proyecto solidario que busca recaudar fondos para cuatro organizaciones: • Sohram-Casra (Turquía)Il gattaro d´Aleppo (Siria)Jugent Retter (En el mar Mediterráneo)Proyecto Elea (Grecia)

PHES (Fotografía Española Solidaria)

La primera idea fue organizar una exposición solidaria en la que la mayoría de los fotógrafos que retrató Estela de Castro han donado una de sus fotografías para venderlas y conseguir ayuda para dichas organizaciones.

El precio de las obras será más bajo del habitual, en algunos casos llegando a la mitad. Cada obra que sea vendida irá acompañada del retrato que Estela de Castro realizó a cada fotógrafo. La imagen fotográfica se pone al servicio de una causa social, contribuyendo como colectivo por un bien común: conseguir fondos económicos para apoyar a cuatro organizaciones que trabajan para ayudar de diferentes maneras a las personas que sufren la violencia y la guerra.

Y puedo decir que ayer en la inauguración las paredes de la sala estaban llenas de esos puntos que indican en las galerías que la obra está vendida.Ha sido todo un éxito. Y fue emocionante ver a los fotógrafos y sus trabajos unidos en un frente común, que es ayudar a los demás desde la imagen. Desde el único disparo que debería ser oído por cualquier ser humano, el del obturador de una cámara de fotos.

Estela De Castro Alix Alberto García Alix

Pocas veces podremos ver reunidos en una única exposición los trabajos de fotógrafos de la talla de Alberto Gª Alix, Eduardo Momeñe, Colita, Joan Fontcuberta, Ouka Leele, Joan Colom, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Javier Vallhonrat, Ramón Masats, Juan Manuel Castro Prieto, Eugeni Forcano, Sandra Balsells, Manuel Outumuro, Joana Biarnés, Txema Salvans, Ricardo Cases, Juan Manuel Díaz Burgos, Pilar Pequeño, Luis Baylón, Kim Manresa,... por poner algunos de los ochenta fotógrafos que han donado desinteresadamente una de sus fotografías.

La exposición

Estará abierta hasta el día 27 de abril de 2017 en el Centro Universitario TAI, en la calle Recoletos 22, muy cerca de la madrileña Puerta de Alcalá. Es una ocasión perfecta para conocer el trabajo de aquellos que han marcado y señalado el camino del buen hacer dentro de la fotografía española.

Visualmente es muy potente descubrir todas las formas de entender la fotografía: color, blanco y negro, estudio, calle, conceptualismo, humanismo, periodismo... Cada una en un formato y en un marco distintos.** Refuerza la idea de que todos somos distintos, que cada uno podemos decir las cosas a nuestra manera y que todas son complementarias**.

Es un ejercicio histórico ver una de las fotografías míticas de Centellés (cuya familia ha querido también contribuir, como la de Ricard Terré o Nicolás Muller, Maspons, Sanz Lobato o Fernando Gordillo) al lado los disparos más recientes de García Alix o Outumuro. Y si no podemos comprar una fotografía, siempre podremos colaborar con el catálogo que se ha editado para conmemorar tal evento.

La fotografía española está más viva que nunca. Y lo que es más importante, gracias a Estela de Castro, confirmamos que es también y ante todo, solidaria.

En Xataka Foto| Fotógrafos fotografiados, la nueva exposición de Estela de Castro en Tabacalera

‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

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El Cielo Manuel Capon 6

Mañana miércoles se inaugura la exposición ‘El Cielo’ donde el fotógrafo Manuel Capón hace un doble homenaje: A su abuelo, al que apenas pudo conocer pero del que heredó la pasión por la fotografía, y al circo, a sus gentes y a la ilusión y la magia que representa. La exposición, que pretende sorprender al visitante con su puesta en escena, servirá también para dar a conocer un libro homónimo autoeditado por el autor.

Este proyecto nació hace más de 20 años (en 1997) y, tras una larga pausa, es en 2014 cuando Manuel lo retoma para culminarlo gracias a la exposición que se inaugura ahora y en la que se podrán disfrutar de sus fotos. Imágenes que muestran la vida cotidiana de los integrantes del Circo Raluy y entre los cuales destaca un personaje principal, Graciela, la trapecista, para quien “el cielo era su lugar de trabajo y, en nuestras conversaciones, así llamaba ella a su trapecio en lo alto de la carpa del circo”.

El Cielo Manuel Capon 2

Así, ‘El Cielo’ es una suerte de viaje al interior del circo que nos muestra todos sus secretos y sus diferentes estancias. Y la exposición pretende lograr lo mismo, trasladarnos a un circo y hacernos olvidar por un momento que estamos en una sala de exposición y retrotraernos a esos “momentos vitales en los que la inocencia y la fantasía nos ayudaban a entender el mundo”.

Por otro lado, como hemos mencionado, el proyecto es también un homenaje a José Mouriz, abuelo de Manuel y entusiasta fotógrafo que le contagió la pasión por este arte: “Falleció cuando yo era todavía un niño, demasiado pronto para que pudiera conocerle realmente y disfrutar de él. Descubrí y posiblemente heredé su pasión por la fotografía a través de los muchos recuerdos y objetos que mi abuela y mi madre conservaban. Ya entonces me atraían poderosamente sus pequeñas copias en papel y sus negativos; los de cristal sobre todo llamaban especialmente mi atención”. Así, ‘El cielo’ hace referencia también a ese lugar al cual a los niños se les decía que se iban los que desaparecían.

El Cielo Manuel Capon 3

El autor

Como venimos contando, Manuel Capón (Lugo, 1965) empezó a desarrollar su interés por la fotografía al descubrir la colección de objetos fotográficos de su abuelo. Su formación fue inicialmente autodidacta y desde 1994 trabajó como fotógrafo editorial y de reportajes para la revista americana Guidepost en Madrid, además de colaborar con otros medios como El País. Posteriormente, Manuel permaneció alejado de la fotografía hasta que en 2012 retomó esta actividad y realizó el Curso Superior de Fotoreportaje de la Escuela Internacional Alcobendas PhotoEspaña. El Cielo Manuel Capon 1

Gracias a ello retomó este proyecto personal sobre la vida del circo Raluy, trabajo que inició para plasmar el asombro e ilusión que le despertaban sus visitas anuales al circo en su infancia, y realizó una primera maqueta en forma de libro que tuvo una buena acogida en la sección "Descubrimientos” de PhotoEspaña 2015 y en la semana Photo Book Week de La Fábrica del mismo año.

La exposición

El Cielo Manuel Capon 7 Instantánea del trabajo de montaje de la exposición

‘El Cielo’ está formado principalmente por veintidós fotografías realizadas íntegramente en película, en formatos 35 mm y 120 mm (6x6). Las obras que lo componen han sido producidas en diferentes tamaños, materiales y formatos, desde clásicos cuadros de tintas pigmentadas sobre papel de algodón hasta tintas UVI sobre metacrilato opal o lona.

Además de las fotografías, la exposición, comisariada por Belén Poole, incluye una pequeña vitrina con objetos fotográficos de la colección familiar heredada de José Mouriz, así como otros objetos relacionados con el circo que Manuel Capón ha conservado durante este tiempo.

El Cielo Manuel Capon 4

‘El Cielo’ se inaugura mañana, cinco de abril, en el Centro de Arte Alcobendas (Madrid) y permanecerá abierta hasta el próximo 13 de mayo (la entrada es gratuita).

Más información | Centro de Arte Alcobendas

En Xataka Foto | 'Como dos gotas de poesía', un proyecto que hermana la fotografía de naturaleza y la de arquitectura con la palabra en verso

Todas las fotografías de Manuel Capón


'Gea', de Pio Cabanillas, nos muestra la naturaleza desde un punto de vista mucho más íntimo

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Libro Pio Cabanillas Gea 1

Editado por La Fábrica, ‘Gea’ es un nuevo fotolibro que trata de redefinir la forma en que observamos la naturaleza, descartando los paisajes captados en grandes planos generales para centrarse en los detalles buscando aportar un nuevo significado y una belleza diferente. Curiosamente además, Pío Cabanillas es conocido por una carrera política que siempre compaginó con su afición a la fotografía.

Libro Pio Cabanillas Gea

Y es que si os sonaba el nombre es porque, efectivamente, el autor del libro no es otro que quien fuera Ministro Portavoz del Gobierno de José María Aznar a principios de siglo. De formación autodidacta, Pío Cabanillas mantuvo esta faceta en el ámbito privado durante mucho tiempo hasta que en los últimos años se ha volcado en la fotografía participando en algunas exposiciones colectivas y realizando varios proyectos individuales. El ultimo este ‘Gea’, que ahora se edita en formato libro y con el que busca desarrollar una mirada fotográfica diferente sobre la naturaleza y llevar al espectador hacia un plano mucho más corto, mostrándonos particularidades que suelen pasar desapercibidas.

Libro Pio Cabanillas Gea 3

Su búsqueda de belleza se centra en el detalle, lo que consigue a través de encuadres mucho más cerrados de lo habitual en fotografía de paisajes. Así, aunque las imágenes han sido hechas en algunos de los escenarios naturales más impactantes de la Tierra (lugares como Kenia, Vietnam, el Everest, Groenlandia o el Gran Cañón del Colorado), en muchas de ellas es imposible identificar la localización. Lo que Pío pretende es hacer aflorar la riqueza oculta, regodearse en los matices y descubrir “las más sutiles señas de identidad de nuestro entorno. La situación o el lugar donde se encuentran los espacios fotografiados no constituyen la esencia de la naturaleza, sino las formas y texturas de todo lo que nos rodea".

Libro Pio Cabanillas Gea 4

El libro, cuyo título proviene de la mitología griega (donde Gea es la divinidad primigenia, la madre Tierra) incluye 120 fotografías divididas en tres capítulos, Estructura, Forma y Textura, a través de las que el autor trata de descubrirnos sensaciones nuevas fijándose en las texturas, las sombras y los colores y, por otro lado, provocar nuestra curiosidad a través de la desaparición de la escala. Así, la cercanía y la descontextualización permiten que los distintos elementos de la naturaleza (cielo, agua, vegetación, minerales, arena…) se transformen en generadores de geometrías y otorgen a las fotografías una identidad propia, más allá de los lugares que representan.

Libro Pio Cabanillas Gea 2

‘Gea’, el libro

El volumen tiene un tamaño de 24 x 32 cm, incluye 256 páginas, está editado en español e inglés y se puede comprar en librerías o en la página de La Fábrica por 40 euros.

Más información | La Fábrica

En Xataka Foto | ‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

Todas las fotografías de Pio Cabanillas

"Con los famosos lo básico es hacérselo fácil, no complicarles la vida", Cuco Cuervo, fotógrafo de moda y retrato

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Entrevista Cuco Cuervo 1

Hace sólo un par de semanas que os presentamos a Cuco Cuervo a propósito de ‘Xtumirada’, una campaña basada en una serie de fotografías “manipuladas” en las que intercambiaba la mirada de un famoso con la de una persona con Síndrome de Down con el fin de ayudar a visibilizar a las personas con este trastorno genético. Pues bien hemos tenido la oportunidad de entrevistarle y conocer un poco más cómo fue la idea de esta campaña y cómo es el trabajo de este asturiano como fotógrafo de retratos y moda.

Muy buenas Cuco, gracias por atendernos. Te hemos conocido por tu proyecto “Xtumirada” ¿Nos podrías contar un poco más sobre ello y cómo surgió la idea?

Empieza en un paso de peatones un día por la mañana que voy en el coche y me paro y veo a un chico con síndrome de Down muy nervioso e inquieto. Me quedo mirándole pensado qué le pasará y cuando se pone en verde para los peatones veo que sale corriendo, como podía, porque era gordito y llevaba un maletín. Le sigo mirando y veo que va a perder el autobús, pero aunque éste arranca el conductor le debe ver, frena y consigue subir. Veo como se sienta a mi altura y hace un gesto de alivio y no sé porqué empiezo a pensar en que quizá era su primera día de trabajo, le habían dado una oportunidad y si llega a perder el autobús le hubieran despedido ¡yo que sé!

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Empiezo a darle vueltas y no sé porqué pienso que les tengo que ayudar, no sé cómo pero yo a esta gente les tengo que ayudar. Me dio mucha ternura así que cuando llegué al estudio busqué en Internet el término y lo primero que me sale es la Federación Española de Síndrome de Down. Les llamo por teléfono, les digo que soy fotógrafo, que me gustaría colaborar con ellos y ayudarles de alguna manera con mi trabajo. Entonces me dicen que esa semana no pueden atenderme porque dos días después es el Día Mundial del Síndrome de Down y yo pienso que todo está alineado.

Quedamos en hablar para la siguiente semana y durante ese tiempo empiezo a pensar qué puedo hacer. Empiezo a leer sobre ello y de repente veo en la Red una foto en la que hay cinco niños pequeñitos jugando, y rápido veo que uno de ellos tiene Síndrome de Down. Pienso en por qué lo he detectado tan rápido siendo cinco niños, y me doy cuenta de que es porque tiene esos ojitos rasgados típicos de las personas con Síndrome de Down. Pero ¿y si no los hubiera tenido así? Pensé que vivimos en una sociedad en la que juzgamos a unas personas simplemente por sus ojos. Si se los cambio ya nadie sabría que tienen Síndrome de Down.

Entrevista Cuco Cuervo

Y es entonces cuando, a la semana siguiente me reúno con la gente de la Federación Española de Síndrome de Down, les hablo de cómo juzgamos sólo por los ojos sin ver el interior, les muestro unos bocetos y les propongo esta idea. A ellos les parece maravilloso, les gusta mucho la idea y quedamos en que la vaya realizando y les vaya contando. Entonces es cuando llamo a la que para mí es la madrina absoluta de esta exposición que es Carmen Ruiz, que es una actriz, y le propongo esto. Le parece maravilloso y entre ella y yo decidimos buscar a ver si conseguimos 15 o 20 famosos que se presten a hacer este cambio de miradas.

Carmen a los dos días me llama y me dice que en 25 minutos había conseguido unos 40 famosos y ahí es cuando veo que esto se va a poder hacer. En dos meses teníamos 130. Yo estaba abrumado por la respuesta, porque no había representantes ni nada, era todo a través de whatsapps entre ellos, unos escribían a otros y les decían "mira hay esta iniciativa ¿te apetece? Pues sí, me apunto".

Entrevista Cuco Cuervo

Entonces llegó un momento en que sólo faltaba buscar dinero para la campaña, porque absolutamente el 100% iba a ser para la campaña, y ahí es cuando estuvimos dos años en los que no encontramos a nadie que quisiera financiarlo. Todo el mundo decía que era precioso pero que no tenía dinero o que no era su línea de acción. En un momento dado no me podía creer que nadie quisiera ayudar, hasta que entra Fundación GMP, que cuando se lo presentamos dijeron “Pero bueno ¿es que nadie quiere esto? Pues nosotros sí". Y ahí es cuando ya por fin conseguimos algo de dinero y pensamos en marcarnos una fecha. Y que mejor fecha que el 21 de marzo que el Día Mundial del Síndrome de Down. Y es ahí cuando ya dijimos "para adelante".

¿Habías tenido algún tipo de relación con personas con Síndrome de Down o fue algo nuevo para ti? ¿Habías hecho algún tipo de proyecto solidario antes?

La verdad es que no. Lo máximo era el hijo de unos amigos de mis padres y la verdad que nunca había pensado en ello. Le veía, le conozco desde pequeño y nunca había pensado en sus necesidades. Se le veía un chico feliz y nunca llegué a pensar que podía hacer algo por él. Y tampoco había hecho nunca otra acción social… Bueno sí, hace un año me llamaron para hacer un calendario benéfico para enfermos mentales, que también fue una experiencia muy bonita, pero no es que sea un fotógrafo especializado en acción social ni nada.

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Las fotos son impactantes y resulta complicado distinguir al personaje famoso ¿era esta la idea? ¿Cómo formaste las distintas “parejas artísticas” que aparecen en las fotos?

Mi idea inicial era mostrar a la gente que prejuzgamos por una mirada, por unos ojitos rasgados, pero cuando hicimos el primer montaje sí me doy cuenta de que ese cambio de miradas hace que sea muy difícil reconocer a esas personas. Ellos se convierten en personas absolutamente normales sin rasgos de Síndrome de Down y a los famosos cuesta mucho localizarlos. Y eso me parecía algo que vino sin buscarlo pero que decía mucho de que simplemente los ojos nos hacen cambiar la personalidad de la gente.

Sobre cómo formé las parejas artísticas, no buscaba nada en particular, simplemente sí que me di cuenta de que no encajaban bien chicos con chicas, la mirada quedaba muy rara. Además sí que había personas muy mayores y había que intentar nivelar un poquito las edades. No siempre se podía porque había niños más pequeños y había que ajustarlos pero… sí para los artistas un poco más mayores buscamos personas con Síndrome de Down de edades similares.

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Háblanos un poco de tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

Realmente llevo muy poco tiempo, relativamente, en el mundo de la fotografía. Ha sido muy intenso. Llevo diez años en este mundo, antes era diseñador gráfico y lo que hacía mucho era retocar fotografías. Lo que tuve que aprender realmente es a disparar, a usar la cámara en sí, eso fue lo que tuve que aprender.

Y sobre cómo comencé, yo tengo una pareja que vive en Madrid y es estilista, entonces cuando empiezo con ella me llevaba como ayudante de su fotógrafo. Si tengo que admirar a alguien es a él porque fue el que me enseñó todo. No es un grandísimo fotógrafo hiperconocido, se llama Joaquín Calle, pero para mí es quien me enseñó todo. Yo iba haciendo el making off de él, osea las típicas fotos de él haciendo las fotos.

Simplemente iba haciendo ese trabajo y mientras con el mío de diseñador gráfico, ella me llevaba a las producciones y así iba aprendiendo. Hasta que un día me dice “oye Joaquín no puede venir ¿te atreves a hacer tú la producción?" Y le dije, "bueno pues, vamos a probar".

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Hice la sesión de fotos, además me acuerdo perfectamente que era Raquel Sánchez Silva, ella no sabía por supuesto que era mi primer reportaje y si algún día vuelvo a coincidir con ella se lo diré “¿oye te acuerdas de aquellas fotos que te hice?” que encima me dijo que le habían encantado, fíjate, y era mi primera sesión. Sudé como no te puedes imaginar pero salió bonito. Y desde ahí fuimos haciendo otra y otra y ya son diez años, pero diez años muy intensos. No sé si a lo mejor sumando hay más de 500-600 editoriales.

La verdad es que tengo que reconocer que soy un afortunado, es la típica frase de 'en el momento exacto en el lugar exacto', porque fotógrafos mejores que yo hay tres mil, pero tener la suerte de publicar hoy en día son pocos… Por eso reconozco que yo soy un afortunado, he tenido mucha suerte por estar con quien he estado y se lo debo todo a mi mujer, Silvia Villarrazo, que es la que me metió en este mundo. También es verdad que te pueden dar una oportunidad, dos, tres pero hay que aguantar, hay que hacer las cosas bien porque en este mundo hay mucho fotógrafo, mucho fotógrafo muy bueno y al final si no vales te caes de la cámara.

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Por tu cámara han pasado multitud de personajes muy famosos, actores, actrices, deportistas… ¿Cómo suele ser el trabajo con ellos? ¿Hay un contacto previo antes de realizar las fotos o vas directamente al grano?

Los famosos suelen ser muy sencillos, sí que es verdad que en este campo trabajar con, llámalo celebrities o personajes públicos, que no son modelos, que no viven de posar, lo más importante es empatizar con ellos. Muchos a lo mejor es su segunda, tercera, cuarta o quinta sesión de fotos y no están acostumbrados a ese 1/160 o 1/250 de segundo que es la foto, están acostumbrados a estar delante de una cámara pero hablando y moviéndose, entonces les cuesta.

Yo creo que lo básico es hacérselo fácil, no complicarles la vida, no transmitirles órdenes, sino marcarles un acting, vamos a hacer esto y déjate llevar y sobre todo empatizar con ellos, saber que a muchos les cuesta y que esto es más fácil de lo que parece. Es dejarles en una localización, marcarles un acting y a ver lo que sale. Y así funciona muy bien.

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Sobre la forma de trabajar con ellos, muchas veces los conozco el mismo día del shooting, no hay una previa, no suele haberla. Otras veces, cuando nos vamos de viaje con ellos entonces sí que me gusta dejarles, el primer día que llegas, no hacer nada de shooting, sino que se vayan acomodando, sobre todo si no están muy acostumbrados a las fotos. Nos pasamos un día de relax, vamos localizando, hablando y que me vayan conociendo, y así el día que tienes que estar delante de ellos haciendo las fotos todo sale mucho más fluido, es mucho más sencillo para ellos.

Así no es tan extremo, tan agresivo, pero a muchos sí que los conozco el mismo día y lo que me gusta es, antes mientras se están maquillando, sentarme al lado de ellos, tomarme un café, charlar y transmitirles que todo va a ser muy fácil. A mí me gusta la moda evidentemente, me gusta la moda más romántica, no esas poses tan agresivas, no sé, no las sé sacar bien, me gusta más marcar un acting, decirles “mira estamos en una ventana tomando un café mirando por la ventana pensando en tus cosas” y me gusta sacarles ese alma interno.

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Pero si me tengo que caracterizar por algo yo creo que es por ser muy rápido. En una producción no puedes tener al maquillador, al peluquero, al famoso… a todo el mundo tres, cuatro, cinco horas, soy de los que disparo, miro la primera foto y si me gusta me cubro las espaldas con veinte o treinta disparos más pero no le doy más vueltas. Si esa foto es bonita y me gusta no… “enredo” como se suele decir. Osea ahora tráeme una escalera, ahora me subo arriba, ahora me pongo para un lado, no… tengo la foto y ya está. Por eso yo creo que lo mejor que dicen de mí es que soy rápido y que lo hago sencillo, yo creo que es la mejor forma para trabajar.

¿Prefieres trabajar en estudio o en exteriores? Como no vengo de la fotografía antigua, analógica, estudios y tal he tenido que aprender a vivir con el exterior. El exterior es un poquito más complicado porque en estudio tú tienes un esquema de luces lo tienes dominado y es muy sencillo de controlar. Me encanta el llegar a una localización y buscarme la vida un día de sol, un día de lluvia, un día de repente el maquillaje se ha alargado y son las doce de la mañana y no hay forma de hacer una foto porque el sol está muy alto… Encontrar esa localización, un rinconcito en sombra con cuatro cositas y luz natural, que para mí es mucho más agradecida que el flash de estudio... Pero bueno, hay que hacer de todo.

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Además de las fotos de moda y retrato ¿trabajas como fotógrafo en otros ámbitos?

Suelo trabajar solo en moda y en retrato. Es mi especialidad, lo que me gusta y lo que hago. Mi padre me decía aquello de “aprendiz de mucho maestro de nada”. Es decir, yo soy de los que creo que un fotógrafo se tiene que especializar en algo, hay fotógrafos maravillosos de bodas, de gastronomía, de arquitectura, social, deportiva, y yo creo que si tocas muchos palos al final no eres bueno en… osea no intentas llegar a ser el mejor en algo. Creo que cada uno se tiene que especializar en algo e intentar ser el mejor. Llegar a serlo es muy difícil pero por lo menos deberías tener una seña de identidad. Creo que llegas a ser un fotógrafo ese día que alguien ve una foto y dice ¿oye esta foto es tuya? Y ya tienes esa seña de identidad, aunque a lo mejor no es tuya pero la identifican con tu estilo. Yo creo que ese día es el que te puedes decir ya eres fotógrafo. Es mi opinión.

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Últimamente venimos hablando mucho de los problemas para trabajar como fotógrafo en España, del intrusismo y demás ¿Qué opinas al respecto? ¿Cómo te ha afectado?

No lo sé, yo a veces creo que soy el primer intruso de esto. Llevo tan poco tiempo que muchas veces me considero un intruso también. Hasta hace muy poco cuando me preguntaban a qué me dedicaba me daba vergüenza decir que a la fotografía, que era fotógrafo, porque realmente llevaba a lo mejor seis años cuando hay fotógrafos que llevan toda la vida trabajando, vienen del analógico… Yo creo que todo el mundo tiene que tener un hueco, pero sí que es verdad que lo que no se puede es entrar en esa guerra de precios…

Con comprarte una cámara cualquier puede ser fotógrafo por muy poco dinero pero es lo que decía antes, hoy día te pueden dar una oportunidad, pero si no vales no vales. Entonces no sé hasta qué punto el intrusismo es tan malo. Es decir, si al final no vales te vas a caer del carro de la fotografía. Sí que es verdad que hoy día afecta mucho más, por ejemplo, a los paparazzi, hoy en día hay 43 millones de fotógrafos paparazzi en España, todo el mundo que tiene un teléfono móvil es un paparazzi, ellos sí que están sufriendo mucho más. ¿La moda? Pues bueno al final la moda a niveles altos te contratan por tu trayectoria, quieren ver lo que has hecho y… bueno sí que los precios han bajado, está todo mucho más difícil pero yo creo que cada uno tiene su hueco.

Entrevista Cuco Cuervo

¿Eres de lo que en su tiempo libre deja la cámara aparcada o de los que te la llevas a todos lados?

Soy de los que absolutamente abandono la cámara, como dice el refrán “en casa de herrero cuchillo de palo” y me he hecho muy fan de la fotografía con el móvil. Creo que hoy en día se puede hacer cosas maravillosas, mi Instagram, llevo unos años con él, no es un perfil de fotógrafo donde pongo muchos trabajos, realmente son fotos que hago siempre con el móvil, sí que hay algún trabajo pero muy poquitos. Me gusta disfrutar del móvil, ir por la calle y conseguir sacar una buena foto con un móvil yo creo que te educa el ojo y hoy en día me parece que tenemos una herramienta muy buena en el bolsillo que todo el mundo lleva.

Entrevista Cuco Cuervo

¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila?

Yo soy Canonista y por supuesto tengo dos cuerpos. Tengo una EOS 1D Mark III y una Mark II, que es mi segundo cuerpo. Y de lentes, pues mi niño mimado, sobre todo en moda, es el 85 mm ƒ1.2, con el que hago el 70 u 80 % de mis fotos, y luego el 70-200 mm ƒ2.8. El 50 mm está muy bien pero prefiero tirar con el 85 y si tengo espacio tirar para atrás, porque soy muy de disparar con diafragmas muy abiertos. Luego la mitad de fotos se desechan porque hay que enfocar muy bien, pero eso es lo que me gusta.

Entrevista Cuco Cuervo

¿Qué les dirías a los jóvenes fotógrafos que empiezan?

Pues que vean muchas fotos. Que vean mucho, que vean lo bueno, que vean lo malo. Que disparen mucho, pero que disparen con sentido, que no disparen al tuntún. Osea que sepan lo que les gusta y que lo busquen, que investiguen, que prueben a ver qué pasa si ponen esta luz, si hacen una contra... Yo creo que hoy en día es cuestión de ver muchas fotos, comprar muchas revistas, filtrar lo que te gusta y luego, si puedes y tienes suerte, conseguir tu propio estilo. Esa foto que, como decía antes, te reconocen como tuya, yo creo que eso es lo más maravilloso. Y que es una profesión muy bonita, súper agradecida, y si consigues que tus fotos sean publicadas en una revista, en una exposición o donde sea es una satisfacción muy, muy grande.

Entrevista Cuco Cuervo

Sin más, nos despedimos de Cuco agradeciendole su atención, felicitándole por su trabajo y deseándole suerte en el futuro.

Cuco Cuervo | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Michel Comte: Retratos’, exposición sobre uno de los fotógrafos de publicidad, moda y retrato más solicitados del mundo

Fotografías de Cuco Cuervo reproducidas con permiso del autor para este artículo

'Menu', un proyecto mitad fotográfico mitad culinario materializado en unas imágenes impactantes

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Menu Postma Harrison 1

Una cena deconstruida a través de los ojos de un fotógrafo y un chef, así es como (más o menos) explican los creadores de ‘Menu’ lo que han querido conseguir con este impactante proyecto. La pareja formada por el chef Robbie Postma y el fotógrafo Robert Harrison, recreó una serie de retratos en los que el rostro humano es el lugar donde se colocan los ingredientes que van a formar los platos de un menú completo y muy especial.

Menu Postma Harrison 2 Vegetales. Ingredientes: Zanahorias variadas, rábanos y calabacín

El proyecto nace con la idea de demostrar que comer en un restaurante es sobre todo una experiencia. Para la dupla Postma-Harrison, un buen menú es una historia, con su propia narrativa y sus momentos de tensión, con emociones que se evocan y preguntas que se plantean. Por ello, su idea fue crear una historia visual sobre este tema, realizándolo en un lienzo muy personal y de forma totalmente artesanal.

Menu Postma Harrison 4 Mariscos. Ingredientes: Tinta de pulpo, langosta, mejillones, almejas y otros

Como en una buena cocina, cada uno de los ingredientes de esta particular comida fue preparado con mimo y “a fuego lento”, lo que en términos fotográficos se traduce en que cada ingrediente que aparece fue colocado a mano y sin utilizar ningún tipo de truco visual ni retoque de Photoshop.

Menu Postma Harrison 8 Carne. Ingredientes: Carbón, humo y costillas

Para realizar este imaginario menú utilizaron la cara del propio Postma (“porque es calvo, tiene unos ojos impactantes y no le importa mancharse”, según sus creadores) y necesitaron una media de seis horas para preparar cada una de las fotografías (aunque en algunos casos necesitaron hasta nueve). Un proceso artesanal, que se puede ver un poco mejor en el vídeo que adjuntamos al final, y con el que han creado unas imágenes que pueden gustar o no pero que no hay duda de que tienen un gran impacto visual.

Menu Postma Harrison 7 Especias. Ingredientes: Vainilla, sal de roca, nuez moscada, pimienta blanca, pimientos rojos, curry en polvo y otros
Menu Postma Harrison 3 Almidón. Ingredientes: Arroz negro, arroz blanco, guisantes amarillos, frijoles, quinoa y trigo
Menu Postma Harrison 5 Postres. Ingredientes: Chocolate blanco, chocolate negro y fresas
Menu Postma Harrison 6 Café. Ingredientes: Seis diferentes tipos de grano tostado

Página web | Menu

En Xataka Foto | ‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

Foto de portada; 'Vino. Ingredientes: Copa de vino tinto'. Todas las fotografías de Robert Harrison reproducidas con permiso del autor para este artículo

'City on the move (It rains)’, captando el flujo de la vida a través de la mirada de Richard Bilbao Yacubov

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City On The Move Richard Bilbao Yacubov

Ciudad, movimiento y lluvia son los tres elementos que sirven a este fotógrafo para reflejar el dinamismo de las ciudades con su proyecto 'City on the move (It rains)’. Un dinamismo que nunca para incluso en los días de lluvia, tan frecuentes en el norte de España donde reside Richard Bilbao Yacubov, quien curiosamente nació en la antigua Unión Soviética pero reside en la urbe vizcaina que lleva de primer apellido desde hace ya 20 años.

Para el autor, su obra es, por encima de todo, “fotografía meditativa […] La ciudad, anominal y atemporal, es el entorno estable, con sus ejes rígidos, es el lienzo, la base en la que formo la estructura compositiva. El movimiento expresa la fluidez de la vida silenciosa. La lluvia genera un gran abanico de ánimos y sensaciones percibidas por el espectador, que abarcan desde la purificación hasta la melancolía”.

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Con estas premisas Richard se ha dedicado en los últimos años a salir a las calles de la ciudad con su Olympus OM-D EM-1 al cuello (elegida “por tamaño y peso”), con un objetivo 12-40 mm ƒ2,8, para lograr las fotos que veis cuyo resultado consigue directamente en camara, utilizando una velocidad lenta para captar el movimiento “del objeto, del fotógrafo y de la cámara”, y realizando un postprocesado mínimo (con el software gratuito Snapseed, por cierto).

Cuando salgo a hacer fotos estoy ausente de cualquier ánimo o contenido ―nos cuenta― no quiero influir ni transmitir nada al momento de fotografiar […] Es un proceso profundamente meditativo. Capto, en sentido literal, el movimiento de las formas, su juego, lo que no es más que el juego de la vida”.

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Curiosamente Richard Bilbao Yacubov es de origen georgiano y descendiente de los “niños de la guerra vascos”. Es decir, su abuela era una vasca que fue exiliada a la URSS, concretamente a la región de Georgia, por culpa de la Guerra Civil. Allí vivió Richard muchos años (como curiosidad, a los 18 años hizo el servicio militar en Siberia) hasta que decidió dejar su tierra natal y venirse a Bilbao.

Esto coincidió con su iniciación a la fotografía, que fue desarrollando hasta el punto de convertirse en profesional trabajando en varios ámbitos (publicidad, moda, eventos sociales, deportes…), aunque actualmente se dedica a la fotografía como disciplina artística. Sin más os dejamos con algunas de sus fotos esperando que os gusten.

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Richard Bilbao Yacubov | Facebook

En Xataka Foto | ‘El Cielo’, de Manuel Capón, una exposición (y libro) que nos lleva de viaje al circo

Fotografías de Richard Bilbao Yacubov reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Para sobrevivir haciendo fotoperiodismo de calidad hay que irse fuera”: Juan Teixeira, fotógrafo documental autor de ‘Turkistán’

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Juan Teixeira es un fotógrafo con sede en Vigo que en los últimos años ha estado en muchas de las zonas más "calientes" como Ucrania o el campo de Idomeni, emblema en la crisis de los refugiados de Siria. Además, también ha visitado algunas zonas menos "candentes" pero donde se viven situaciones igualmente excepcionales como Chernobyl o el Kurdistán.

Precisamente esta última región turca con población mayoritariamente kurda es la protagonista de su último proyecto, denominado ‘Turkistán’. Nosotros hemos tenido la oportunidad de entrevistarle para conocer más sobre su trabajo y la situación del fotoperiodismo actual desde su punto de vista particular.

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Muy buenas Juan ¿Cómo estás? Gracias por atendernos. Como siempre, nos gusta empezar hablando de los comienzos. ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

Pues fue un proceso largo y no intencionado. Tras ver que no encajaba en el mercado laboral (estudié Publicidad y RRPP) decidí dedicarme a viajar. Ahí descubrí la fotografía como medio para relacionarse y descubrir el mundo. Sin saber muy bien porqué, me encontraba haciendo fotos de gente por Perú, Laos o Filipinas. Me di cuenta de que la fotografía era mucho más que hacer fotos, y desde entonces no lo he dejado. Cuando eso sucedió tenía ya unos 26 años. A esa edad la mayoría de fotoperiodistas ya están de vuelta de todo…

Entonces ¿cómo fue tu salto al fotoperiodismo profesional? ¿Lo buscaste o te llegó por casualidad?

Mitad y mitad. Como te comentaba, una vez descubrí el potencial de la fotografía, estudié un Master de Periodismo Multimedia y ahí empecé a viajar solo para realizar reportajes sociales, casi siempre con mi compañero Pablo González.

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Tampoco me considero fotoperiodista puro, ya que no me gusta nada la inmediatez o el vivir de hacer fotos de sucesos puntuales. Disfruto muchísimo haciendo reportajes sin prisa, dejándome llevar por lo que me encuentro, fluir con la realidad. En ese sentido soy un poco raro, ya que nunca me planteo el tema de un reportaje de antemano, sino que veo un tema que me interesa (o se cruza en mi camino por alguna razón), voy allí, y dejo que las fotos salgan solas.

Es a posteriori, cuando selecciono, que encuentro un nexo común en mis fotos y le doy forma. Nunca preparo una imagen o busco algo concreto. Me dejo llevar sin mucho criterio, soy muy intuitivo. Muchos dirán que esa forma de trabajar no tiene sentido, pero a mí es lo que me gusta hacer.

Cuentas que a través de la fotografía intentas entender el mundo que te rodea… ¿Estás empezando a entenderlo?

¡Que va! Todo lo contrario. Cuanto más viajo más me doy cuenta de que no entiendo nada, y que jamás lo haré. El mundo es caótico, e intentar ordenarlo o entenderlo todo me parece imposible a día de hoy.

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Totalmente de acuerdo, y ¿qué es lo más duro de la vida del fotoperiodista? ¿Pasar tanto tiempo fuera de casa? ¿Las situaciones que te toca vivir?

Como te decía, yo no soy un fotoperiodista al uso, ni quiero serlo. Para ello tendría que estar fuera de casa la mayor parte del año, y no sé si quiero. Soy muy feliz en Vigo rodeado de mi familia y amigos. En ese sentido si, supongo que lo más duro para quien se dedica en exclusiva a ello es estar tanto tiempo fuera de casa. Y los dramas con los que te encuentras claro. A mí me afectan mucho, no creo que aguantara viendo las miserias del mundo diez meses al año. Los que lo hacen me parecen auténticos héroes. Hay que tener una fortaleza mental tremenda. Creo que la gente no es muy consciente de eso.

¿Cuáles son tus referentes? ¿Hay algún fotógrafo al que admires especialmente?

Pues la verdad es que soy bastante autodidacta, nunca me he fijado demasiado en lo que hacen los demás. Veo muchas fotos, pero pocas veces me acuerdo de los nombres de quien las hace… Mi principal referente diría que es mi padre. Él es pintor y me ha rodeado desde pequeño de arte. Creo que eso ha formado mi mirada sin darme cuenta. Respecto a fotógrafos, me gustaría destacar la tremenda generación de fotoperiodistas españoles que hay hoy en día y que son una inspiración y motivación constante. Tan magníficos como infravalorados en casa. Y a nivel general, si tuviera que decir algún nombre creo que me quedaría con Alex Webb y Koudelka.

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Cuéntanos cómo surgió tu proyecto ‘Turkistán’…

Ya te digo que no pienso o preparo los reportajes de antemano. Tenía muchas ganas de conocer el Kurdistán, y por coincidencias de la vida acabé allí. Pasé bastante tiempo en Diyarbakir y recorriendo Bakur, viviendo la calle y haciendo fotos, y las sensaciones que sentí creo que son las que intento expresar. Lo que más me llamó la atención es el acoso al que viven sometidos los kurdos por parte de las fuerzas de seguridad turcas.

Turquía se ha convertido poco a poco en una dictadura. Desde el golpe de estado de julio, la situación allí es terrible para cualquier opositor a Erdogan. Ni la prensa se salva de la criba: más de 200 periodistas están en la cárcel, y muchos otros han huido del país. Yo mismo fui detenido en Cizre por intentar mostrar el estado en que ha quedado la ciudad tras los intensos bombardeos del ejército turco. Me retuvieron varias horas y finalmente me “incautaron” la tarjeta de memoria y me obligaron a abandonar la ciudad. No me imagino lo que debe ser vivir así todos los días.

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El proyecto retrata la realidad de uno de esos lugares en los que la gente está viviendo una situación denunciable y sin embargo apenas aparece en los medios de comunicación. ¿Fue idea tuya o un encargo?

Hasta ahora nunca me han hecho un encargo, y la verdad es que me gusta que sea así. Trabajo con libertad total para hacer lo que considero, y me gustaría que sea siempre así. Busco otras fuentes de financiación para poder lograrlo, y he llegado a un punto que creo que funciona. Si tuviera que vivir solo de mis fotos tendría que cambiar la forma de trabajar y los reportajes serían muy diferentes.

Por ejemplo, con ‘Turkistán’ me quedé bastante satisfecho con el resultado, y sin embargo ningún medio de comunicación va a publicar ese reportaje. Por un lado, porque es un tema “fuera de agenda”; Turquía no debe ser mostrada tal y como es en los medios generalistas. Y por otro, mis fotos no muestran nada concreto. No hay políticos, ni sangre, ni ningún hecho noticioso. Muestran otra pequeña parte de la realidad que no encaja muy bien en los medios clásicos. Mi reto para este año es encontrar dónde pueden encajar. Esta misma semana he firmado con la Agencia REDUX, espero que vaya bien.

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Kurdistán, Idomeni y la crisis de los refugiados, la guerra de Ucrania… Has sido testigo de muchos de los conflictos más actuales ¿Cómo ves el mundo en la actualidad?

No sé si es la edad, o el salir de la zona de confort, pero la verdad es que cada vez peor. Soy muy muy negativo respecto al futuro. La sobrepoblación hará que en las próximas décadas los recursos no sean suficientes para todos, lo que provocará más guerras todavía. Y eso si a nivel ecológico el planeta aguanta. Desde luego que si no cambiamos inmediatamente nuestra forma de entender la vida, no habrá un futuro feliz. Y no creo que eso suceda, porque la educación de las próximas generaciones no va encaminada a ello precisamente.

¿Que opinas sobre el estado actual del fotoperiodismo y el futuro a corto plazo?

Igual de mal… La verdad es que quien no me conozca va a pensar que soy “emo” o algo así. Pero es que la realidad es muy jodida. Hoy para sobrevivir haciendo fotoperiodismo de calidad hay que irse fuera, en España ni se paga ni se valora. Puedes ganar 6.000 euros por un post en Instagram postureando con un bolso de tal marca. Y 50 euros por una foto desde primera línea de frente en cualquier conflicto (con suerte). Mientras eso sea así, no hay nada que hacer.

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Y lo que más me molesta es que la gente en general aspira a hacer esa foto de 6.000 euros y ve como héroes a quien las hace. A mí me da asco. Nunca me ha interesado el dinero más allá de cubrir mis necesidades básicas, cosa que gracias a la suerte de donde he nacido siempre ha sido así. El capitalismo está acabando con el mundo, y de igual manera con el periodismo de calidad. Únicamente el idealismo y la humanidad pueden revertir eso.

En el caso concreto del fotoperiodismo creo que está siendo así. A pesar de las pésimas condiciones, ahí fuera hay cientos de personas jugándose el culo para aportar su grano de arena en cambiar las cosas. Por eso el futuro de esta profesión lo veo bien, porque no hay forma de acabar con el espíritu de quien lo ejerce. Peores condiciones ya no puede haber, solo queda mejorar, y creo que será así.

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¿Eres como los clásicos reporteros de guerra que cuando regresa a casa enseguida siente la necesidad de volver a zonas de conflicto?

Para nada, todo lo contrario. Muchas veces me pregunto por qué carajo hago esto. Me cuesta ir a zonas complicadas. Me pongo nervioso y se me cierra el estómago. Por eso creo que no sirvo para ser fotoperiodista de guerra. Sí es cierto que la adrenalina engancha, y entiendo a quien acaba siendo un yonki de las situaciones límite para disfrutar esos chutes. Yo para eso practico bodyboard. Es más seguro.

Fotográficamente prefiero centrarme más en la sociedad, en esa gente a la que le toca sufrir las consecuencias de las decisiones de quien los gobierna. Intento disfrutar de la fotografía, mezclar el disfrute de viajar con este medio de expresión tan potente. Por eso nunca iré a zonas demasiado peligrosas como pueden ser Siria o Libia.

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Compaginas la fotografía documental con la de boda ¿Lo haces por supervivencia? En otras palabras ¿se puede vivir siendo fotoperiodista hoy día en España?

Es lo que te comentaba antes. Yo creo que es imposible pagar un alquiler, una cuota de autónomos, alimento, gastos de viajes para los reportajes… con lo que se paga hoy día en España. Por eso hago fotos de bodas en verano. Me permite una gran libertad a la hora de plantearme los reportajes, y me sirve para progresar técnicamente. Me gusta, cada vez lo disfruto más. Intento hacer lo mismo que hago cuando viajo, fluir y hacer fotos.

Cambiando de tercio ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila?

Cada vez llevo menos equipo. La última vez en Turquía hasta me asusté, llevaba solo una mochila en cabina, sin facturar nada. Y eso que llevaba el portátil. Utilizo casi siempre una Canon EOS 5D Mark II con un 35 mm. A veces uso un 24-105 mm, pero mucho menos. Y llevo de segundo cuerpo una Fujifilm X100S. Eso es todo.

Juan Teixeira Entrevista 8

Luego tarjetas y baterías, muchas baterías. Soy un enfermo de las baterías. Eso sí, siempre sin empuñadura, las detesto. No llevo flash, no me gusta tampoco. En su lugar llevo una pequeña linterna. Después también depende de adónde vayas y lo que tengas pensado hacer.

En Ucrania, por ejemplo, a todo esto habría que sumarle el equipo de seguridad (que es un coñazo) y como hacía vídeo también pues micro, monopié… En general no soy nada friki de la tecnología ni me entero mucho de nuevos modelos. Creo firmemente que el equipo es lo de menos, lo importante es la forma de mirar.

Por curiosidad ¿es muy diferente el equipo de un reportero del de un fotógrafo de boda?

No. Yo al menos utilizo el mismo equipo. Excepto el chaleco antibalas, aunque en alguna boda no vendría mal…

Juan Teixeira Entrevista 6

Esa es buena… ¿y eres de lo que llevas siempre tu cámara a todos lados?

No, para nada. Es más, en Vigo no creo que nadie se crea que soy fotógrafo. Nunca saco la cámara en mi burbuja. No sé muy bien la razón. Creo que por un lado no me motiva la temática, y por otro necesito descansar para no saturarme de la cámara. Cuando viajo estoy todo el día pensando en hacer fotos, “mirando” continuamente, buscando encuadres y momentos. Si hiciera eso en casa también me volvería loco creo.

¿Qué le dirías a un joven fotógrafo que empieza y no sabe si especializarse en un tipo de fotografía en concreto?

Creo que la fotografía puede ser entendida como un negocio o como un estilo de vida. Como negocio, busca aquellas fotos por las que más paguen, que serán publicidad, moda… Desde luego en la fotografía documental no te metas por dinero. Si para ti la fotografía es algo más que un modo de hacer pasta, no le pongas límites y deja que fluya. Y compra unos buenos zapatos.

Juan Teixeira Entrevista 14

Sin duda buenos consejos para todos aquellos que se sientan atraídos por la figura del fotoperiodista y que, tal vez, se estén planteando dedicarse a ello. Muchas gracias Juan y que vaya muy bien en el futuro.

Juan Texeira | Página web | Instagram

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Fotografías de Juan Teixeira reproducidas con permiso del autor para este artículo

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