Liam Wong es un diseñador y fotógrafo que ha capturado la plenitud de la belleza nocturna de Tokio a través de su cámara. Con su singular forma de procesar los colores empleando magentas, amarillos, verdes y azules eléctricos, consigue crear imágenes llenas de fuerza con un toque ochetero a las que tan sólo les hace falta una canción de Kavinsky de fondo.

Fotografía de Liam Wong

Wong, nacido en Esocia, ocupa un puesto como diseñador en Canadá para la empresa Ubisoft, por lo que que en el tour de presentación de Far Cry 4 pudo visitar Tokio para cumplir con sus compromisos profesionales. Por la noche, el joven fotógrafo de 27 años vaga por los barrios más icónicos de Tokio como Shibuya, Shinjuku o Akihabara y fotografía rincones, callejones y locales llenos de luces de colores.

Aunque las fotos no son más que fotografías nocturnas de los rincones más ocultos de la ciudad más poblada del mundo, nos llama la atención cómo Liam gestiona el color, procesando sobre una base turquesa, azul o verdosa vemos cómo saltan carteles magentas, verdes, amarillos y rojos que contrastan ofreciendo esta gama tan especial. La lluvia no hace más que mejorar el asunto añadiendo multitud de reflejos al suelo.

Fotografía de Liam Wong

Las referencias de Wong se encuentran en 'Blade Runner', 'Akira', o las más recientes 'Into The Void', 'Drive' o la tronchante 'Kung Fury'. Estas películas son algunos ejemplos en los que vemos cómo las ciudades se bañan de color por los neones y la música como elemento coprotagonista, no para de sonar en un estilo llamado 'synthwave' también llamado 'electrónica retro'.

Es posible comprar el trabajo de Liam en diferentes formatos que podemos encontrar en su perfil de Society6

La fotógrafa Miren Pastor lleva unas semanas que literalmente no para. Ayer se anunció que ha sido una de las 5 finalistas del Ing Unseen Talent Award 2016 en su modalidad europea, la semana pasada inauguró exposición en el festival de fotografía BAFFEST y ya se encuentra trabajando en la tercera parte de su proyecto fotográfico Bidean.

Hablamos hoy con ella sobre su trabajo Bidean, sobre su concepción de la fotografía y de su experiencia en el nuevo Festival de Fotografía para Mujeres

Bidean comienza partiendo de una reflexión acerca de la adolescencia y el tránsito hacia la madurez. Este es un tema que te obsesiona desde hace tiempo, como ya pudimos ver en tu proyecto "piloto" por llamarlo de alguna manera Waiteen, en el que de un viaje por EE.UU. y Canadá comenzaste a hilar una serie de retratos de adolescentes.

¿A qué crees que se debe este interés? ¿Hay algo que querías resolver de tu adolescencia?

Sí, como bien dices el proyecto “piloto” Waiteen fue la semilla gracias a la cual surgió Bidean. Al terminar de estudiar el Curso de fotografía Anual en Blank Paper, no te puedes ni imaginar la de referentes, ideas, nombres, libros que invadían mi cabeza. Aterricé en Nueva York cámara en mano, con mi hermano Ander, deseando poner en práctica todos los conocimientos adquiridos en la escuela, a lo largo de un viaje de 48 días por EE.UU.

Admiro la gente que es capaz de proponerse un proyecto, pensar cómo hacerlo y ejecutarlo. En mi caso la búsqueda del famoso “tema” fue totalmente intuitiva y llegué a él por acumulación. Al volver a Madrid fue cuando aprendí que más allá del momento de la toma fotográfica, era mucho más importante la edición. Cuando imprimes todas las fotos en miniatura, las extiendes en el suelo y te pones a seleccionarlas, ahí es donde empiezan a surgir las historias.

Me llamaba la atención la adolescencia porque supone un viaje de transformación, sentimos todo con más intensidad, sufrimos cambios físicos y psíquicos constantes, nuevas etapas que nos marcan un antes y un después y que, sin ser conscientes, van generando las bases de nuestra personalidad.

Tal vez tenía un asunto pendiente por resolver con la adolescencia, que aún no era consciente. La verdad es que la fotografía, muchas veces, sirve como terapia. Mi adolescencia recuerdo haberla vivido como una constante espera, deseando que llegara lo siguiente, adelantándome a los acontecimientos en vez de disfrutar del momento. Sin ser la protagonista de las fotografías, de alguna manera, esos jóvenes en esas situaciones me evocaban ese tipo de recuerdos y sensaciones. Así nació Waiteen, término inventado para definir la espera en la adolescencia (Wait +teen = la espera en la adolescencia).

Hacer fotos en un país que visitas por primera vez, donde todo te llama la atención, puede resultar fácil y atractivo, pero al mismo tiempo muy superficial. Otra de las cosas importantes que nos insistía Fosi Vegue durante mis estudios en Blank Paper es que para hacer un proyecto fotográfico no es necesario viajar lejos, sino aprender a mirar mejor nuestro alrededor. Hasta que me di cuenta de que el tema me acompañaba allá donde iba, como si me persiguiera, solo faltaba mirarlo de otra manera. Más que encontrar yo al tema, digamos me encontró él a mi.

Mi hermano Ander que estaba adentrándose de lleno en su adolescencia, y su entorno, se convirtieron en el foco del proyecto. Estaré eternamente agradecida por haber compartido conmigo y mi cámara su salto de la adolescencia a la madurez. Sin intención alguna de convertirle en el protagonista del proyecto, el objetivo era conectar con un lenguaje más universal.

La suspensión y la incertidumbre son un elemento principal en la primera etapa de Bidean, y en cierta forma, uno de los rasgos más propios de la fotografía, que todo lo convierte en un reflejo suspendido a la espera de activar otras imágenes.

¿Cómo llegas a focalizarte en este aspecto y qué es lo que más te atrae de la suspensión?

Mediante Bidean, término en euskera que significa que algo o alguien está en el proceso o en el camino, comencé analizando las etapas de cambio creando un paralelismo entre los altibajos a partir de la adolescencia enfrentados a la transformación del entorno. Me inquieta la paradoja entre esta efímera etapa vital caracterizada por el avance a tientas, casi un salto al vacío, enfrentada a los paisajes inmortales, pero vulnerables también en cualquier instante, creando un paralelismo entre los altibajos emocionales y la fuerza incontrolable de los ciclos inestables de la naturaleza.

En Bidean se contraponen dos formas de la naturaleza registradas fotográficamente en el momento de un cambio: individuos retratados en plena adolescencia y escenarios naturales capturados en el instante en que están también a punto de cambiar; apenas cambie la luz, o se agite la atmósfera.

Ambos motivos encierran una contradicción casi trágica con esa aparente quietud, esa incertidumbre que es la que toma el protagonismo en los propios rasgos de los jóvenes aparentemente serenos, como lo que esconden los paisajes boscosos o la poesía de las cicatrices de las rocas.

Esta sensación de suspense que se extiende en todo el proyecto pretende incitar a la reflexión, generar estiímulos y despertar recuerdos o sensaciones como empatía, rechazo, añoro, nostalgia o alegría en el espectador, llevándole a su adolescencia y al mismo tiempo planteando otras cuestiones sobre el presente y el futuro; qué somos, de dónde venimos y a dónde vamos.

Uno de los aspectos más interesantes de Bidean es su plasmación como fotolibros (dos diferentes hasta ahora), un formato que da mucho juego. Posee dos formas de leerse, literal, es decir, como libro, donde madejas de naturaleza bruta nos van dando paso a algunas imágenes concretas, o como mapa, si optamos por desmembrar el libro, lo que nos otorga una visión de conjunto de la obra.

¿Cómo llegaste a esta solución formal y cómo dialoga con el propio proyecto?

Soy muy consciente de que nunca hubiera llegado a desarrollar el proyecto sin la ayuda del equipo de profesionales que me ha rodeado, como Víctor Garrido, Gonzalo Golpe, Sonia Berger, Fosi Vegue… y en este caso especialmente, le debo las gracias al diseñador Alberto Salván Zulueta de Tres Tipos Gráficos.

El primer fotolibro, autopublicado con motivo de la exposición en la Galería Gema Llamazares en marzo de 2014, se convirtió en la herramienta que mejor expresa el concepto del proyecto. Con el proyecto anterior, Waiteen, había trabajado en formato póster/desplegable y me gustaba la idea de continuar en esa línea, dando más peso a la disposición espacial que a una secuencia narrativa, sin jerarquías. Al ser un proyecto vivo que sigue creciendo, en vez de marcar un inicio y un final, optamos por no encuadernarlo ni graparlo. Al plantearle a Alberto las ideas que tenía en mi mente, fue él quien le dio técnicamente forma, planteando algo diferente, una publicación que cumple una doble función: como fotolibro y como recurso expositivo.

Mientras que en la puesta en página la textura de un paisaje envuelve las fotografías inspirando cierto suspense, al desplegar el mosaico todo cobra sentido. Esconde una especie de adivinanza, retando al lector a ser partícipe, como en el proceso de descubrir el mundo al que nos enfrentamos en la adolescencia.

Al desencuadernar los dos libros que componen Bidean quitando la ligera goma que une los pliegos y siguiendo las coordenadas indicadas -actualmente Bidean cuenta con dos fotolibros y al ser un proyecto vivo y probablemente culmine con un tercero- surge una instalación al colgar los dípticos en la pared. Cada pliego encuentra su sitio, reconstruyendo visualmente un paisaje representativo que abarca las fotografías más importantes del proyecto.

La cubierta tiene un doblez característico que medio esconde el título y a su vez invita a adentrarse en su interior. El libro también contiene un metafórico texto del teórico de arte Iván del Rey de la Torre, abriendo nuevas vías de interpretación al lector.

Tu trabajo, lejos de aproximarse al retrato de adolescentes en su entorno, algo que dicho sea de paso, estamos bastante acostumbrados a ver, opta por establecer un diálogo con la naturaleza en el que el hombre en potencia se convierte en un elemento más de la tierra, dejando de ser espectador para ser un elemento propio del cosmos que le rodea, lo que sin duda es todo un acierto y lo que otorga a Bidean personalidad propia.

¿Qué te ha llevado a desarrollar esta equiparación entre el hombre y la naturaleza?

Me llamó mucho la atención la frase de Iván del Rey de la Torre que dice así:

Surge una perfecta comunión entre el humano que es Naturaleza y la Naturaleza que tiene una parte humana; los ciclos son compartidos, cualquier cambio que afecte a una parte afecta a la otra.

Me hizo ilusión porque no era algo buscado o premeditado, ciertos conceptos surgen intuitivamente. Cosas que pueden resultar complicadas de explicar o expresar con palabras, a veces hay que dejar que sean las propias imágenes quienes lo cuenten.

Poco a poco me voy dando cuenta de que Bidean es el reflejo de la suma de dos aspectos que van muy unidos a mi personalidad: el estrecho vínculo con mi hermano Ander y el entorno natural en el que hemos crecido.

Bidean lo vivo como una búsqueda en la que se plantean más dudas que respuestas. Un camino de largo recorrido, en el que más que el resultado, me interesa el proceso. No es un proyecto ligado a un espacio ni aun tiempo concreto, sino a un concepto, el cambio. Esto me da libertad de poder trabajar en cualquier sitio y poder experimentar. Al igual que los retratos transmiten ciertas sensaciones, me gusta encontrar en la naturaleza situaciones que pueden simbolizar diferentes estados anímicos o emociones vividas por estos adolescentes. Como puede suceder en la fotografía del árbol con las raíces desarraigadas que parece que quiere huir.

La primera etapa reflejada en el primer libro giraba en torno a la idea de suspensión, la incertidumbre, el salto al vacío que se experimenta en plena adolescencia y estaba representado a través de una atmósfera boscosa que invitada a perderse y a volver a encontrarse con uno mismo. Imágenes como la chica con el pelo en la cara que impide ver lo que tiene delante, el joven de brazos abiertos con postura de pasividad, a la espera de que algo pase, representaban situaciones que me iba encontrando gracias a la convivencia con estos adolescentes.

Bidean no fue plantado en un principio como un proyecto a largo plazo, pero tras finalizar el primer capítulo te percataste de que querías seguir documentando la evolución del joven -tu hermano- que se estaba abriendo a la vida. Esto lleva a plantearnos si existe un final para este proyecto y qué vías va a seguir en un futuro, ya que aquel joven chico al que comenzaste a fotografiar es ya prácticamente todo un hombre.

¿Qué evolución va a seguir Bidean?

Ya han pasado más de 5 años desde que empecé a trabajar en este proyecto y soy consciente que estos jóvenes van dejando de ser adolescentes, están creciendo, madurando y el proyecto seguirá creciendo junto a ellos. En vez de plantearme un fin, creo que esto no ha hecho más que empezar. Aunque los cambios se manifiestan de manera más cruda en la adolescencia, se van repitiendo a lo largo de la vida como los propios ciclos inestables de la naturaleza. Y será gracias al crecimiento de estos adolescentes el proyecto ir tomando forma y generando su propia identidad. Unas fotografías dejarán paso a otras nuevas y así constantemente. Es un proyecto de largo recorrido en el cual me interesa especialmente remarcar el proceso, tanto en la evolución de estos jóvenes, como el de la experimentación del propio lenguaje fotográfico con el acopio de errores y aciertos.

Sin ser consciente el primer libro se convirtió en el eje central del proyecto y ha sido una herramienta clave que me ha orientado en el desarrollo de la siguiente etapa. Bajo el mismo nombre y partiendo de la misma estructura que la anterior, la única diferencia entre ambas publicaciones es el color de la portada y las fotografías del interior.

Cada etapa se caracteriza por un cúmulo de fotografías de naturaleza y retratos que​ ​representan mediante un lenguaje simbólico y alegórico, situaciones, emociones, sentimientos, deseos, anhelos, etc., vinculados a un periodo concreto de nuestro desarrollo vital. Las características de cada paisaje que envuelven a los protagonistas, potencian también mediante su textura y gama cromática las sensaciones que se quieren transmitir en cada momento.

En la primera etapa, reinaba la incertidumbre en los profundos bosques que invitaban a perderse en su interior a los jóvenes protagonistas. En la segunda etapa, la superficie se percibe más abrupta, rocosa y dura, los adolescentes van creciendo, poco a poco van dejando la adolescencia de lado para convertirse en adultos. Al contrario de la sensación de cobijo, de estar arropado que ofrecía el bosque, la piedra representa algo más hostil y simboliza el darse cuenta de la realidad, que no todo es tan fácil como parecía y que hay que luchar para salir adelante.

Actualmente estoy desarrollando la tercera etapa, con la que me gustaría cerrar este primer ciclo, siguiendo el flujo constante del agua. Guiada por los ciclos de la naturaleza, el agua es un elemento esencial en la creación de la vida. Descendiendo desde las montañas, por los ríos, el agua siempre apunta una dirección, el mar. Estos jóvenes que han tenido su primer contacto con la realidad, tienen que desarrollarse y el escenario que lo simboliza será el mar. Cuando las cosas van bien estamos tranquilos. Pero cuando nos invaden los problemas y preocupaciones, nos invade la peor de las tempestades. Sin embargo, sabemos que después de la tormenta siempre vuelve la calma, y los ciclos de las propias mareas representarán la siguiente etapa.

En 2017 me gustaría cerrar este primer ciclo compuesto por 3 etapas que se mostrará a finales del año en el Aquarium de Donosti y culminará con la publicación de la tercera parte, dando fin a la estructura de esta publicación que me ha permitido comenzar en esta gran aventura.

¿Qué novedades trae la exposición de Bidean en este nuevo Festival de Fotografía en Barakaldo? ¿Qué ha supuesto esta exposición para ti?

Exponer un proyecto fotográfico como Bidean en el que la naturaleza tiene tanta presencia en un entorno natural tan maravilloso como El Regato, en Barakaldo, ha sido un gran reto.

Más allá de mantener un vínculo narrativo, hemos distribuido las doce fotografías de las tres etapas de Bidean mezcladas a lo largo del recorrido de 3,5 km integrando lo mejor posible cada imagen en el entorno. En algunos casos, incluso he tenido una sensación extraña, como si hubieran estado hechas para ese lugar concreto, sin haberlo sabido antes.

Al integrar las fotografías en su nuevo hábitat, la vida propia del espacio añade un valor que potencia cada imagen con el sonido de los riachuelos, el cantar de los pájaros o gracias a los diferentes matices de los rayos de luz que se filtran entre las ramas, generando una nueva experiencia.

Estoy muy ilusionada por la buena acogida por parte del público. Que la gente se detenga ante una fotografía tuya supone un gran logro y si además le sugiere o le hace plantearse algo, muy feliz de haber cumplido mi objetivo.

BAFFEST es un festival que ha nacido con muchísimas ganas e ilusión por parte de los organizadores, dando visibilidad a las mujeres fotógrafas y acercando la cultura fotográfica a los ciudadanos mediante exposiciones en la calle, charlas, encuentros y un BookJockey que tendrán lugar el próximo 18 de junio. Muy contenta de compartir esta experiencia junto a fotógrafas que siempre he admirado como Cristina García Rodero, Cristina de Middel, Lurdes Basolí y con muchas ganas de conocer al resto de fotógrafas.

Estoy muy agradecida al equipo del BAFFEST por haber contado conmigo y a Ander Soriano, de Estudios Durero, por haber propuesto al Festival producir esta exposición y haberme descubierto este rincón tan inspirador.

La exposición se podrá visitar hasta el 3 de julio y espero que os guste y disfrutéis tanto como yo de esta nueva experiencia.

BAFFEST | Página oficial

Miren Pastor | Página oficial

Si este verano tienes pensado ir a Nueva York estás de suerte, hasta el próximo 27 de noviembre el MET Breuner acogerá una hostórica exposición que reunirá más de 100 obras de [Diane Arbus](http://www.xatakafoto.com/fotografos/diane-arbus-el-deseo-de-hacer-fotos-para-satisfacer-sus-instintos-vitales).

La muestra se centrará en los primeros siete años de su carrera, donde se observa la personalidad de una fotógrafa que desde el inicio ya tenía un estilo propio y reconocible que ha influido enormemente en la fotografía en todo el mundo.

La obra de esta maestra del documentalismo se centra en Nueva York, el afortunado visitante podrá descubrir en primera persona los cambios que ha sufrido la ciudad desde que Airbus realizara estas fotografías entre 1956 y 1962.

Como broche final a lo que seguramente será una exposición inolvidable, la mayoría de las fotografías expuestas en el MET nunca antes se habían visto y forman parte del archivo de Diane Arbus que adquirió el museo en 2007.

Foto de inicio | Laura Loveday en Flickr

Más info | MET

El fotógrafo madrileño Rafael Roa acaba de autopublicar ‘Dead Skin’, un libro donde se sirve del desnudo para reflexionar sobre la existencia, la vida, el paso del tiempo y las huellas que nos deja en la piel. Un libro de elegante diseño, sobrio y ausente de artificios donde deja que las imágenes, duras y contundentes como un puñetazo, tomen el protagonismo absoluto.

Con prólogo de Laura Terré, la sencillez de la edición empieza a cobrar fuerza. Tras una portada sencilla, donde un ligero degradado rosáceo, casi imperceptible, refuerza el título y nombre del autor como únicos elementos formales del libro, el texto de Terré define bien las intenciones del autor y, expresa, con certeza y precisión, qué nos puede hacer sentir (porque no deja indiferente), la colección de imágenes que contiene.

Un proyecto personal, arriesgado y diferente

Rafael ha trabajado en el libro con intensidad, concluyendo formalmente su último proyecto tan personal como arriesgado. Y es que en los tiempos que corren, no es fácil encontrar libros que duelan, fotografías que golpeen así y que huyan de la complacencia habitual, y más en este tipo de fotografías. Es un proyecto difícil, de esos que, seguramente, pocos editores arriesgarían a producir y, Roa, conocedor de este asumido riesgo de sus desnudos (es uno de los autores españoles más destacados en este género en las últimas décadas) ha preferido lanzarse a la autoedición, donde la libertad y el control sobre su idea original, se mantiene intacta y cobra un valor añadido.

En ‘Dead Skin’ las imágenes se suceden como cartografías humanas, anónimas, pero donde donde podemos reconocernos o reconocer a alguien cercano. Marcas en la piel que afloran con una dureza sobrecogeradora, acentuada por el tono azulado y frío con el que ha fotografiado los desnudos, y sin artificios, dejando que esas pieles, esos cuerpos nos vayan impactando y haciéndonos reflexionar sobre el inexorable paso de la vida.

‘Dead Skin’, contundente libro de fotografía de desnudo

Para centrar aún más la mirada del espectador en esa piel curtida, tatuada, marcada y arrugada, el autor omite mostrar cualquier tipo de rostro. Quiere que los cuerpos sean los protagonistas, para que sus huellas, desnudas y abiertas, centren nuestra mirada e inviten a que sintamos ese reflejo de la vida sobre la piel (ya sea castigo, dolor o, simplemente, los pasos que vamos dando cada vez más cerca de la muerte).

El libro, como indicaba, es de gran sencillez y austeridad en su diseño, en formato apaisado, en tapa dura. Además, es breve (88 páginas) pero lleno de fuerza y supone un trabajo muy personal y arriesgado del experimentado Rafael Roa.

‘Dead Skin’ se presenta el 23 de junio a las 19:30 en La Fábrica, donde su autor estará acompañado de José María Díaz Maroto, director de la Escuela Internacional PIC.A (Alcobendas, Madrid), donde también Rafael es docente, así como por Gabriel Corchero, diseñador.

El libro se puede adquirir directamente en la web del autor.

En Xataka Foto | Invisibles#Invisibles, de Rafael Roa, fotografiando las injusticias

Como sabréis, de vez en cuando nos gusta echar la mirada atrás y recuperar a esos grandes nombres de la fotografía que ha habido a lo largo de la historia. Y esta vez hemos querido destacar la figura de Cecil Beaton (Londres, 1904-1980), fotógrafo y diseñador por cuyo objetivo pasaron bellezas de la talla de Marilyn Monroe, Marlene Dietrich y Audrey Hepburn.

Conocido por sus fotografías de moda, retratos de sociedad y de las estrellas de Hollywood, Sir Cecil Beaton (fue condecorado en 1956 como Caballero de la Orden del Imperio Británico) es uno de esos artistas totales que no sólo se volcó en la fotografía. De hecho fue también muy conocido gracias a su trabajo para los estudios de Hollywood como director artístico y escenógrafo en películas tan populares como My Fair Lady.

Audrey Hepburn por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Sus inicios en Inglaterra y el salto a Nueva York

Hijo de un próspero comerciante, nació en Hampstead, Londres, y fue educado en algunos de los mejores colegios londinenses. Desde muy joven sintió una gran atracción por la fotografía por lo que a los 11 años ya tuvo su primera cámara, una Kodak A3 proporcionada por su niñera y con la que empezó a retratar a su madre y hermanas.

Daisy Fellowes por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Cursó historia, arte y arquitectura en la Universidad de Cambridge pero estaba más interesado en las relaciones sociales que en las tareas académicas y no llegó a graduarse. Sin embargo, en ese entorno hizo valiosos contactos que le sirvieron más tarde para empezar a trabajar como fotógrafo.

"The Soapsuds Group" por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

En los años 20 logró que un retrato suyo apareciera en la revista Vogue. Su sensibilidad y la capacidad para retratar el glamour y la sofisticación de las damas de la alta sociedad británica y de las estrellas del teatro y el cine le valieron para entrar en la plantilla de la revista e iniciar una relación laboral que duraría décadas. Allí tomó contacto con lo más selecto de la aristocracia inglesa llegando incluso a fotografiar a los miembros de la familia Real Británica.

Retrato de la Reina Isabel de Inglaterra por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

En 1928 viajó por primera vez la ciudad de Nueva York donde ya era conocido por sus retratos de la alta sociedad y su trabajo en Vogue y Vanity Fair. En la Gran manzana empezó a llevar una agitada vida social y entró en contacto con ilustres nombres de la cultura como Andy Warhol, Marlon Brando, Truman Capote, Greta Garbo, Gary Cooper, Coco Chanel, Pablo Picasso, Winston Churchill o Marlene Dietrich, a los que, como no podía ser de otro modo, retrató con su cámara.

Marlene Dietrich por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Elizabeth Taylor por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Los horrores de la guerra y la vuelta a los EEUU

A pesar de llevar una intensa vida social, cuando se declaró la Segunda Guerra Mundial Cecil Beaton no dudó en implicarse en la contienda de la mejor manera que sabía: haciendo fotos. Así, se convirtió en reportero de guerra como fotógrafo oficial del gobierno británico y de varias agencias militares.

Retrato de un aviador de la Royal Air Force por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de la colección de The Imperial War Museums

Su cámara pasó entonces a retratar algo muy distinto de lo que había hecho hasta ahora: el horror de la guerra y cómo afectó a la gente. Sus fotos de Londres devastada por los bombardeos de la aviación alemana se publicaron en revistas de los EEUU gracias a su estrecha relación con el país que le había acogido. Especialmente sonada fue una de sus imágenes, la de una niña herida en la cama de un hospital abrazada a un muñeco, que fue portada de la revista LIFE y tuvo gran influencia para que los EEUU acabaran entrando en la contienda, algo a lo que en principio eran reacios.

El famoso retrato de una niña herida que fue portada de Life. Imagen con licencia de dominio publico de la colección de The Imperial War Museums

Soldado bebiendo té por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de la colección de The Imperial War Museums

Retrato de niño británico por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de la colección de The Imperial War Museums

Cuando terminó la guerra, Beaton regresó a norteamérica y retomó su trabajo como fotógrafo de moda y retratos aunque muy pronto inició una nueva andadura. Y es que, a lo largo de su carrera, Beaton fue dejando poco a poco de prestar atención a los retratos y a centrarse más en algo que siempre había cuidado desde que empezó a hacer fotos: la escenografía y el diseño de vestuario.

Sus contactos, y su probada capacidad para recrear la belleza y recrear atmósferas que mezclan a partes iguales glamour y dramatismo le llevarían a trabajar primero para Broadway y más tarde para los grandes estudios de Hollywood.

Y la cosa no fue menor, porque su trabajo fue ampliamente reconocido por el mundo del espectáculo. De hecho, su participación en My Fair Lady (George Cukor, 1964) le valió para ganar el Óscar de Hollywood al mejor diseño de vestuario y la mejor dirección artística, aunque cinco años antes también lo había ganado por el diseño de vestuario de la película Gigi (Vicente Minnelli, 1958).

Coco Channel por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Marilyn Monroe por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

Por todo ello, su reconocido talento y su amplio legado (que incluye miles de retratos de algunos de los personajes más conocidos del Siglo XX y varios libros de su puño y letra), no nos cabe ninguna duda de que Cecil Beaton fue uno de los grandes genios del arte, y en particular de la fotografía, de su tiempo.

Foto de portada: Marlene Dietrich por Cecil Beaton. Imagen con licencia de dominio publico de The Coincidental Dandy

La fotógrafa iraní Soraya Doolbaz está cansada de que si buscamos sexo en Internet lo primero que aparezca sea la imagen de pechos o genitales femeninos. Para luchar contra ello ha comenzado a retratar penes a los que viste con diferentes atuendos en lo que ha bautizado como Dicture Gallery. Te contamos en qué consiste.

La idea comenzó cuando constató con varias amigas la obsesión que tienen muchos hombres hoy día de enviar fotografías de su pene a través de snapchat y otras aplicaciones de mensajería. ¿Cómo lucirían los penes si se les fotografiara como hacemos en una sesión de fotografía en estudio? Para contestar a la pregunta, nada mejor que ponerse a realizar fotografías.

A través de las parejas de amigos y familiares y más adelante gracias a muchos hombres interesados, Doolbaz ha ido retratando gran cantidad de falos en una primera serie que no buscaba más que la diversión y donde distintos penes aparecen vestidos como Papa Noel o incluso Michael Jackson.

Tras el éxito de su primera serie fotográfica, Doolbaz ha desarrollado una segunda serie de fotografías en las que retrata a penes como distintos líderes políticos actuales e históricos de carácter extremo con la excusa de que son dictadores, o en el caso de sus fotografías, dick tators.

Más allá de lo que nos pueda parecer su trabajo a nivel personal, hay que constatar el merito que tiene la difícil tarea de conseguir realizar fotografías de estudio a penes erectos vestidos con todo tipo de atuendos de modelos no profesionales, una tarea de la que más de un fotógrafo no saldría con éxito.

Página oficial | Dicture gallery

Jorge Sierra (1966, Madrid) es un fotógrafo especializado en fauna y naturaleza que lleva más de 25 años trabajando detrás de capturar las instantáneas más espectaculares de animales y naturaleza en estado puro. Durante todo este tiempo ha recibido varios premios en certámenes nacionales e internacionales de fotografía de la naturaleza, y ha publicado alguna de sus fotos en publicaciones tan prestigiosas como National Geographic Magazine en su versión norteamericana.

Hemos charlado con él y nos ha contado cosas muy interesantes sobre su trayectoria y cómo es el trabajo de un fotógrafo de naturaleza.

Hola Jorge, encantados de que nos hables sobre ti y sobre tu trabajo. Cuéntanos un poco de tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

Comencé a hacer fotos con unos 16 años, con una cámara prestada de un hermano. Ya salía al campo y quería inmortalizar los pájaros que iba viendo. Y ya desde entonces sentía la necesidad de fotografiar la naturaleza aprovechando mis salidas al campo.

¿Fuiste en búsqueda de los animales o fueron ellos los que te encontraron? En otras palabras ¿por qué te especializaste en fauna y naturaleza?

Me gusta la naturaleza en todas sus expresiones, y desde joven iba identificando los animales que me iba encontrando, y luego los quería retratar. Era la época de las diapositivas y mi equipo era muy básico. Lo primero que tuve para naturaleza fue un Tamron 70-300 al que incluso le ponía un duplicador. Pero mi primer teleobjetivo decente fue un Sigma APO de 400 mm f:5,6. Y así pude hacer mi primer reportaje del Elanio Azul, un ave de presa por esa época poco conocida, que publiqué en Periplo.

Buho real

¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila?

Siempre he utilizado equipo Nikon, pero cada vez más uso objetivos Tamron y Sigma, aunque los cuerpos siguen siendo Nikon. Y últimamente ando con una Olympus OMD EM5 a la que le acoplo los teles que tengo mediante una adaptador; gracias a su factor de multiplicación 2x me facilita mucho la fotografía de fauna salvaje. Ahora tiendo a ir mucho más ligero y no creo que tarde mucho en pasarme por completo a las cámaras sin espejo.

¿Qué supuso para ti el salto de la foto analógica a la digital?

Pues un gran alivio. Ahora mismo tengo cientos de miles de diapos que no sabes que hacer con ellas… Tengo unas 20.000 escaneadas para mi archivo, ¡pero quedan muchas que lo único que hacen es ocupar espacio! Y también para mí y para todos los profesionales, ha sido la universalización de la fotografía, por lo que hay muchos más fotógrafos e imágenes que demanda.

¿Cómo definirías tu trabajo?

Pues cómo de fotografía de la naturaleza en estado puro. Apenas uso el flash, ni tengo equipos complicados, baso mi fotografía en la manera natural de hacer las fotos, sin artificios. Componer bellas imágenes, lo que se consigue saliendo mucho al campo, que es lo que hago. Así tengo muchas más oportunidades de retratar la naturaleza cuando ésta se muestra realmente bella. Y todo en mi furgo camper, que ha ido mejorando con los años.

Elefante africano

¿Cuáles son tus referentes?

Recuerdo mucho a Frans Lanting, y entre los españoles seguía el trabajo de José Luis Rodríguez. Cuando había pocos referentes… ¡Ahora te pierdes! ¿Qué les dirías a los jóvenes fotógrafos que empiezan?

Pues que disfruten sobre todo de la naturaleza, ya que como profesión ya no existe prácticamente. Ya nadie se puede dedicar en exclusiva a hacer fotos de naturaleza y pretender vivir de ello. No quita que se curren una foto o un tema, quizás para algún concurso o para un blog… No sé, pero como profesión que se olviden, como otras muchas hoy en día…

De todos los premios conseguidos ¿De cuál estás más satisfecho? ¿Qué importancia les das y cómo crees que influyen en el trabajo de los fotógrafos de tu campo?

Me hace especial ilusión el premio Foto Nikon a la mejor foto de naturaleza de 2010. ¡Es prestigioso y además de mi marca! Desde luego [los premios] aportan ilusión en esta larga carrera de fondo, y más ahora que estamos inundados de fotografía de la naturaleza increíbles. Cuesta mantenerse al más alto nivel.

Tajinastes rojos - PN Teide (Tenerife). Ganadora del Foto Nikon 2010 en categoría Naturaleza

Por tu trabajo pasas muchas horas esperando escondido en un hide ¿Es eso lo peor de tu trabajo? ¿Qué es lo mejor?

Ya casi no uso hides, aunque puedo decir que he pasado miles de horas en ellos… ¡Miles! Y no es nada malo, al contrario, puedes ver y fotografiar a la esquiva fauna ibérica a placer, con un trabajo previo de localización. Ahora hago más paisajes y de todo. Me centro en un espacio natural y retrato todo su entorno y sus criaturas si se dejan, desde una ranita o una flor hasta un corzo o un zorro, pero en encuentros casuales.

¿Cuál es tu último proyecto y cuál tu próximo reto?

Ahora estoy más centrado en el vídeo con réflex, el mundo de las fotos está sobresaturado y vamos a probar suerte con las imágenes en movimiento. Una muy buena excusa para renovar ilusiones y para pasar más tiempo en el campo. Y además me estoy centrando en los espacios naturales de la Comunidad de Madrid, que son muchos y de mucho interés, ¡y me pillan muy cerca! Ya se sabe, a veces conocemos mejor un destino lejano que lo que tenemos de valor cerca de casa…

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto?

Los tiempos cambian y con ellos la manera de hacer fotografías. Hay muchísimo donde elegir en equipos, mucha gente haciendo fotos por todo el mundo. Encontrar un hueco para tu trabajo es misión casi imposible, al menos de forma remunerada. Pero… en el caso de la fotografía de la naturaleza te llevas además el poder ponerte en contacto con nuestros campos, bosques, costas, montañas, valles… y su fauna, un privilegio por el que hacer fotografía de la naturaleza ya vale la pena.

Y ya sin más damos las gracias a Jorge y os dejamos con una buena selección de fotos escogidas por el propia autor para deleitaros la vista.

Ciervo ibérico

Sapo de espuelas

Desierto de Namibia

Zorro

Amapolas y tormenta

Abejaruco

Bosque de Irati

Ratonero

Tigre

Cascada de la Cimbarra

Gharial

Koalas

Lince ibérico

Quebrantahuesos

Anade azulón

Cebras de Burchell

Flamencos rosas en la laguna de Villacañas

Delfín mular

Cocodrilo marino

Gran pavón nocturno

Lobo ibérico

Foto de portada: Abubillas, de Jorge Sierra

Fotografías de Jorge Sierra publicadas con su permiso para este artículo

La transexualidad, el travestismo y la homosexualidad son temas que generan exclusión social. Nuria López Torres propone en TransHabana una investigación en profundidad sobre el impacto que las políticas sociales cubanas han tenido en la comunidad LGTBI.

Las regulaciones por parte de los gobiernos en base a criterios morales es una tónica general en muchos gobiernos del mundo, que siempre son inútiles, porque lo que tratan es de impedir la evolución natural e imparable de un ser humano.

TransHabana es una parte del proyecto "Sex and Revolution in Cuba". Refleja el día a día de personas travestis y transexuales en Cuba, una país que ha prohibido y perseguido al colectivo LGTBI durante gran parte de su historia. Sin caer en el recurso fácil de la complacencia, el trabajo de Nuria López Torres nos ofrece una visión reflexiva que nos invita a ahondar en las dificultades añadidas a las que se enfrenta en su día a día una persona travestida, y aunque el trabajo se desarrolla en La Habana el discurso es universal, ya que aún hoy este colectivo es el que más se enfrenta al desprecio social.

TransHabana. Cortesía de Nuria López Torres

Nuria López Torres (Barcelona) Es una fotógrafa especializada en fotografía documental y retrato. Se formó en Instituto de Estudios Fotográficos de Catalunya y la Escuela Superior de Imagen y Diseño IDEP de Barcelona y allí realizó un master en fotoperiodismo.

TransHabana. Cortesía Nuria López Torres

Su trabajo persona se centra en temáticas relacionadas con la mujer y género, con una visión antropológica sensible a las necesidades identitarias en cuestión de género y violencia. Es miembro de la organización de fotógrafos, escritores y periodistas GEA PHOTOWORDS.

Más info | Nuria López Torres

Kampala es la capital de Uganda, país del África Central que tras dejar de ser colonia británica ha sufrido gran cantidad de golpes de Estado. Aunque en la actualidad cuenta con un gobierno supuestamente democrático, la corrupción está a la orden del día y hasta en los mismos procesos electorales.

El fotógrafo italiano Michele Sibiloni lleva varios años viviendo en Kampala, lo que le ha permitido documentar la vida de la ciudad basándose exclusivamente en el momento del día que más le interesa: la noche.

La truculenta historia del país, ser la ciudad del mundo con mayor índice de sida, homofobia radical amparada por el gobierno y una situación económica no muy boyante, convierten la noche de Kampala en el campo perfecto para que muchos africanos y extranjeros intenten olvidar y se dejen llevar por todo aquello que ayuda: alcohol, fiesta, sexo y drogas.

Un terreno que interesa y mucho a Sibiloni, que ha estado durante dos años documentando la noche kampaleña y viviéndola en primera línea, algo que se puede comprobar con tan solo echar un rápido vistazo a algunas imágenes de este trabajo.

Una estética que se mueve entre el feismo a golpe de flash y una narrativa muy abierta que lo aleja del clásico trabajo documental amparado en el dramatismo ha permitido que Sibiloni convierta este proyecto en un fotolibro editado por la casa Edition Patrick Frey llamado Fuck It, un proyecto que muy probablemente sea uno de los trabajos documentales del año.

Editorial | Patrick Frey

Página oficial | Michele Sibiloni

Daniel Casares Román es uno más de la generación de fotógrafos andaluces que tienen la experiencia del viaje y el moverse por tierras lejanas como elemento común. Tal vez sea la posición de Andalucía a lo largo de la historia como zona de paso de distintas culturas, o tal vez sea que tantas horas de sol empujan a conocer el mundo, pero el caso es que Daniel Casares Román se ha recorrido medio mundo cámara en mano.

Una de las características que más llaman la atención del trabajo de Casares Román es el uso exclusivo durante de su trabajo en otros países de equipos analógicos que además no cuenten con ningún elemento electrónico. Algo que más allá del valor que aporta a la experiencia fotográfica un número limitado de disparos y no conocer el resultado de antemano, le permite trabajar en condiciones climáticas complicadas como la extrema humedad del amazonas o las temperaturas casi infernales del desierto del Sahara, algo que muchas veces no podemos realizar con ciertas cámaras digitales.

Un 50mm, un 28mm y un par de zapatillas como zoom

Su trabajo se encuentra dentro de una línea documental clásica muy heredera de la mirada de autores como el ahora polémico Steve McCurry o el español Tino Soriano, donde composición, presencia del color y sobre todo, culturas, sus habitantes y su contexto son los protagonistas. Un tipo de fotografía que parece algo de capa caída ahora que estamos en plena expansión de las prácticas post fotográficas pero en la que figuras como la de Casares Román nos demuestran que aun le queda muchos negativos por sacar a la luz.

Otra de las pasiones de este fotógrafo jerezano es la docencia, siendo un profesor habitual en una de las escuelas de fotografía de referencia de la provincia de Cádiz, Manuel Esteves Fotografía, y desarrollando talleres alrededor de la fotografía de viajes que se materializan con distintas expediciones.

El próximo mes de Agosto, junto al fotógrafo gaditano Julian Ochoa se desarrollará Nadarat, un taller fotográfico focalizado en diferentes localizaciones de Marruecos donde no sólo prima la toma fotográfica sino también la reflexión, el diálogo y el intercambio de opiniones entre fotógrafos.

Página oficial | Color Humano

Taller Nadaret | Información

Bill Cunningham ha muerto este fin de semana, resultado de un infarto a sus 87 años. Nacido en 1929 en Boston, ha sido uno de los fotógrafos de moda más importantes de los últimos años por su trabajo para el The New York Times. Sus fotografías son el documento más fiable de cómo la calle crea y hace evolucionar la moda a través de los años.

Cunningham fue el segundo de cuatro hijos de una familia irlandesa católica ubicada en Boston. A causa de su obsesivo interés por la moda, en su adolescencia dió rienda suelta a sus inquietudes creando sombreros. Tras esto, empezó a trabajar en unos grandes almacenes y posteriormente fue becado para Harvard, dejándolo a los dos meses. En palabras del fotógrafo, "creían que era un iletrado. No tenía esperanza ahí. Yo era una persona visual".

Bill Cunningham, pescando la moda a pie de calle

Viajó a Nueva York para trabajar en la publicidad, y eventualmente acabó haciendo lo que siempre hizo: salir a la calle para pescar la moda. Esta actividad se alargó durante toda su carrera, y no solo retrató la moda a pie de calle, sino que con el paso de los años se convirtió en un archivo documental de la moda.

Cunningham era un cirujano que se dedicaba a analizar y extraer de la sociedad las tendencias que triunfaban a pie de calle. Su trabajo es una suerte de análisis a lo largo de las décadas de cómo la moda, como medio de expresión individual y personal, ha cambiado y evolucionado.

Chaqueta azul y una bicicleta

Su 'modus operandi' lo convirtió en todo un icono. Ataviado con su chaqueta azul (eran las que usaban los barrenderos de París) con sus bolsillos llenos de carretes, recorría Nueva York con su bicicleta para encontrar los modelos más punteros paseando por las aceras. Desde las deportivas propias del movimiento hip hop en el Bronx y Harlem hasta los pomposos trajes de la aristocracia neoyorkina en las galas a las que invitaban a Cunningham.

A pesar de que nunca le faltaron ofertas de empleo, prefirió ser freelance a tiempo completo. Su cita más célebre es “si tú no les coges el dinero, ellos no te pueden decir que es lo que tienes que hacer”. Tenía un aire asceta y humilde que le hizo huir siempre de los focos de atención: él quería fotografiar, no ser fotografiado.

Cualquier fotógrafo puede ver su trabajo y apreciar una falta en la técnica bastante destacable. No hacía uso de las técnicas fotográficas para conseguir resultados sorprendentes, pero era el más regular y auténtico al no preparar sus fotografías, por lo que el valor documental de su trabajo supera con creces su carencia de técnica. Eso no quiere decir que no tuviera su proceso de trabajo o simplemente improvisara sus fotografías, y de hecho podemos ver todas estas 'detrás de las cámaras' en el documental que protagonizó en 2014 titulado 'Bill Cunningham New York'.

A través del The New York Times podemos ver vídeos que recopilaban semanalmente sus trabajos y que él mismo comentaba. Un auténtico documento que quedará guardado para la posteridad como un tesoro de su autor.

Hiroshi Sugimoto nos invita a reflexionar en su exposición Black Box sobre varios conceptos que son recurrentes en su trayectoria: el tiempo y la realidad. Os invitamos a descubrir un trabajo que es, a la vez, tradicional y conceptual.

La Fundación Mapfre de Madrid tendrá expuesta la obra del artista japonés hasta el 25 de septiembre. Una obra intimista y reflexiva que nos invita a conocer un mundo surrealista y mágico dónde la cámara de fotos, como si de una máquina del tiempo se tratase, nos lleva de viaje a varios momentos de la historia.

El título que Sugimoto ha escogido para esta exposición admite diferentes interpretaciones. La del cerebro humano como caja negra que recibe y retiene, como si de una película fotográfica se tratase, las impresiones que recibimos desde los diferentes receptores del cuerpo. Otra, menos metafórica, rendiría homenaje a la caja negra de la cámara de fotos, elemento imprescindible para compartir con terceros la realidad que percibimos.

La muestra la componen cinco de sus series más conocidas y relevantes:

Dioramas en la exposición Black Box de Hiroshi Sugimoto

Esta serie nos lleva a reflexionar sobre nuestra percepción visual. Cómo la fotografía tiene el poder de convertir en reales situaciones que no lo son. Las técnicas utilizadas dotan de verosimilitud a unas imágenes que, si las analizamos detenidamente, cuentan una historia fantástica e irreal.

Arriba: Hyena-Jackel-Vulture, 1976. Abajo: Alaskan Wolves, 1976.

Pero este engaño no busca mentir al espectador, sino hacerle reflexionar sobre el poder de la imagen, de la capacidad para manipularnos y hacernos creer cosas que o no son o son lo contrario de lo que percibimos. Para conseguirlo hizo fotografías, como si de pinturas se tratase, de los animales disecados del Museo de Historia Natural de Nueva York.

Seascapes

El otro tema que el autor utiliza como hilo narrativo es el de el tiempo, utiliza la cámara como una herramienta con la que interpreta las sensaciones y percepciones de nuestros antepasados al ver el mar.

Con una fortísima carga abstracta, las imágenes están dividas a menudo por un horizonte que impide que el cielo y el mar se junten, aunque otras veces esa línea se desdibuja ofreciendo una atmósfera etérea.

Mar de Liguria, Saviore. Hiroshi Sugimoto

La abstracción de sus imágenes recuerda, salvo por la obvia diferencia del uso del blanco y negro, a la del pintor letón Mark Rothko, cuya obra navega entre el expresionismo abstracto y el surrealismo.

Theatres

Esta serie nos presenta el interior de varias salas de cine iluminadas sólo por la luz que se proyecta durante la duración de una película.

Autocine en Union City, 1993. Hiroshi Sugimoto

Lo documental y lo metafórico, lo real y lo fantástico son los temas recurrentes en la obra de Sugimoto. Theaters es un buen ejemplo de esto. Por el lado documental, se ha dedicado a recorrer cines y autocines diferentes que demuestran que lo que veremos no es una imagen casual en un único lugar determinado. El tiempo lo utiliza, en este caso, como herramienta metafórica.

Cine de la Quinta Avenida, Seattle, 1979. Hiroshi Sugimoto

Lo real está representado en el edificio, el único superviviente al tiempo; y lo fantástico se encuentra en el rectángulo blanco que condensa la multitud de imágenes que se han visto en esa pantalla mientras se hacía la fotografía.

Lightning Fields

Esta serie es la que da título a este artículo. La reinterpretación de Sugimoto de la fotografía clásica es evidente en esta serie, pero desde una perspectiva conceptual. La curiosidad lleva al autor a comprobar de manera empírica las posibilidades de la fotografía sin cámara.

Lightning Fields 327, 2014. Hiroshi Sugimoto

En esta ocasión lo abstracto se encuentra con lo efímero, generando imágenes irrepetibles, fugaces, que saben viajar entre lo científico y lo artístico.

Lightning Fields 248, 2014. Hiroshi Sugimoto.

Portraits de Hiroshi Sugimoto

De nuevo lo irreal, lo real, lo fantástico y lo metafórico se juntan en una de sus series, esta vez podemos incorporar, también el tiempo como un nuevo factor en esta ecuación.

Portraits. Ana Bolena 1999. Hiroshi Sugimoto

Se trata de retratos de estudio tomados a personajes históricos algunos de ellos aún vivos y otro ya muertos que, en esta ocasión, no están embalsamados como los animales de "Dioramas", sino que son esculturas de cera del museo Madame Tussauds. Las recreaciones pretenden hacer creer al espectador que el fotógrafo hizo un retrato a Enrique VIII o a Ana Bolena, entre otros, para jugar, de nuevo, a crear tensión entre lo animado y lo inanimado.

Si eres amante de la fotografía y por un casual este verano vas a visitar Londres (quizá aprovechando antes de que con el Brexit la cosa sea más complicada), no deberías perderte la exposición Fox Talbot: Dawn of the Photograph dedicada a uno de los padres de la fotografía.

William Henry Fox Talbot es mundialmente reconocido por sus invenciones en el campo de la fotografía y, como ya os hemos contado, a él se atribuyen dos momentos clave en sus primeros tiempos: el primer negativo propiamente dicho y el primer libro de fotografía de la historia.

"Por otra parte, a menudo sucede (y esto es uno de los encantos de la fotografía) que el propio fotógrafo descubre, al examinar su obra (tal vez mucho después), que ha representado muchas cosas que no tenía idea en aquel momento." Sabias palabras que William Henry Fox Talbot incluyó en su libro "El lápiz de la naturaleza” de 1844, en el que el inventor del calotipo, y con él del proceso negativo-positivo, sentó cátedra sobre sus experimentos fotográficos.

William Henry Fox Talbot. Foto de John Moffat con licencia de dominio público.

La exposición londinense sobre el que califican como “gran pensador y pionero de la fotografía de estilo victoriano” se desarrolla en el Museo de las Ciencias de Londres hasta el 11 de septiembre y ofrece una de las colecciones más completas e importantes a nivel mundial de la obra de este pionero.

Además, la exposición es un excelente lugar para adentrarse en los primeros años de la fotografía y contemplar obras de contemporáneos de Talbot como Anna Atkins, Hill y Adamson, y Calvert Jones, e incluso de contemplar auténticas joyas como varias cámaras de Talbot y algunos de los daguerrotipos más antiguos que se conservan.

Sus fotografías

Inventor, matemático, filósofo, biólogo, político… y fotógrafo. William Henry Fox Talbot fue todo esto y mucho más, pero ciertamente poco se conoce sobre su obra fotográfica más allá de aquélla que se considera primer negativo de la historia.

Por esa razón hemos buceado por Internet para rescatar algunas de las fotos que realizó y así dejar claro, si es que quedaba alguna duda, de que Fox Talbot no se limito sólo a realizar un trabajo científico. Ante todo, Talbot fue también pionero en iniciar eso que hoy denominamos el "arte fotográfico".

Vista de un boulevard de París. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

Arboles y reflejos. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

Vendedores de fruta. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

Artículos de China en el Museo Británico. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

La columna de Nelson en Trafalgar Square en construcción. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

Más información | Fox Talbot: Dawn of the Photograph

Foto de portada: Reverendo Calvert Jones sentado en el claustro de la Abadía de Laycock. Foto de William Henry Fox Talbot con licencia de dominio público.

La prestigiosa Agencia Magnum acaba de celebrar su reunión anual en la que además de hacer un repaso de lo que ha dado de sí el último año anunció el nombre de los nuevos miembros que entran a formar parte de sus filas. Dos son los nominados para entrar a formar parte de Magnum y dos los que ahora entran en ella de pleno derecho.

La 69ª Reunión Annual tuvo lugar en Londres los días 23 a 26 de junio comandados por su presidente, Martin Parr, y director ejecutivo, David Kogan quienes remarcaron que el último ha sido “un año muy emocionante para Magnum”, sobre todo por el lanzamiento de su nueva web. La reunión incluyó una feria del libro, un concurso fotográfico y una exposición retrospectiva sobre Peter Marlow, miembro de la agencia que falleció el pasado mes de febrero.

Nuevos nominados

Además, tal y como os hemos contado otros años, lo más interesante de la reunión anual es que se dieron los nombres de los nuevos nominados para formar parte de la agencia y que, según Martin Parr, demuestran su “compromiso tanto para apoyar a nuevos talentos como expandir la agencia." Dos son los aspirantes a ello, Diana Markosian y Matt Stuart, y dos los que ya han pasado el proceso previo y han entrado a formar parte de la agencia por derecho propio: Bieke Depoorter y Jérôme Sessini.

Foto de Diana Markosian.

Diana Markosian es una fotógrafa estadounidense de origen armenio que se ha dedicado, según dice ella misma en su web, a “explorar la relación entre la memoria y el lugar”. Licenciada en la Escuela de Periodismo de la Universidad de Columbia a la temprana edad de 20 años, su trabajo ya la ha llevado a algunos de los rincones más remotos del mundo y sus imágenes se han publicado en medios tan prestigiosos como la revista National Geographic Magazine y el periódico The New York Times.

Foto de Diana Markosian.

Del británico Matt Stuart ya os hablamos en su momento en Xataka Foto por su creatividad. Ya entonces le denominamos como un "creativo/ buscador de momentos" por la originalidad y frescura de sus imágenes de fotografía callejera. El propio Matt confiesa que su receta se basa en una cámara pequeña, paciencia y muchas dosis de optimismo para retratar su "fascinación por la gente y la forma en la que vive.”

Foto de Matthew Stuart.

Foto de Matthew Stuart.

Integrantes de pleno derecho

Mientras que los anteriores son fotógrafos nominados para entrar a formar parte de la agencia, cosa que no se produciría hasta dentro de unos años, los dos siguientes ya han superado este proceso y forman parte de Magnum con todos los derechos.

Bieke Depoorter, nominada en 2012, es una fotógrafa belga que trabaja sobre todo en sus propios proyectos entre los que destaca Ou Menya. Este trabajo, desarrollado en 2009, le llevó a viajar a través de Rusia fotografiando a la gente en cuyas casas pasó una sola noche. Con él, Bieje ganó varios premios de la agencia, incluyendo el Magnum Expression.

Iamgen de la serie Ou Menya, de Bieke Depoorter.

Imagen de la serie Ou Menya, de Bieke Depoorter.

Por último, también forma parte de Magnum el fotógrafo francés Jerome Sessini, cuyo trabajo ha sido publicado en medios de prestigio como Newsweek, Paris-Match, Le Monde y Wall Street Journal. Desde 1998 que acudió a Kosovo para cubrir su primera guerra, Jerome no se ha perdido prácticamente ningún conflicto bélico: Palestina, Irak, Haití, Mogadiscio, Líbano... Tampoco el conflicto de los narcos en México o la guerra de Ucrania y la de Syria.

“Syria”, de Jerome Sessini.

Foto de Portada: “Ukraine”, de Jerome Sessini

Fotos publicadas con permiso de Magnum para este artículo.

Hace unos meses ya os hablamos de Pete Souza, fotógrafo oficial de La Casa Blanca y responsable de su Instagram, a propósito de la recopilación de sus mejores fotos acompañando al Presidente Obama.

Sin duda, "trotamundos" es una palabra con la que se puede definir a este fotógrafo que recorre todo el mundo detrás del Presidente de los EEUU y se enfrenta constantemente a circunstancias siempre cambiantes. Por eso, imaginamos que su equipo está cuidadosamente seleccionado para ser capaz de enfrentarse a todo tipo de situaciones y salir airoso de ellas.

Y aunque en aquella entrada ya mencionábamos algo sobre el tipo de equipos que suele utilizar, Souza ha revelado a la revista Popular Science cuál es el equipo que lleva en su mochila y con el que documenta día a día la vida del hombre más poderoso del mundo.

¿Qué es lo que lleva en su mochila?

En el Instagram de Souza ya comprobamos que muchas de las fotos estaban hechas con una Canon EOS 5D Mark III, y es que ésta réflex es su principal arma de trabajo. Por lo que pudiera pasar (y como era de esperar) Souza lleva dos cuerpos del mismo modelo. No en vano tiene la gran responsabilidad de fotografiar los encuentros de Obama con todos los líderes mundiales y los personajes más famosos, y en estos casos hay que minimizar cualquier riesgo.

Además, es interesante saber que Souza suele emplear su cámara en el modo silencioso para reducir el sonido del obturador durante los encuentros a alto nivel del Presidente de los Estados Unidos con lo líderes del mundo.

En cuanto a los objetivos, su lista incluye sólo tres Canon: dos con focal fija y uno de longitud focal variable. Los dos primeros son conjuntos de lentes que ofrecen calidad, luminosidad y ligereza, tres factores importantes para cualquier fotógrafo profesional (y desde luego para Souza).

El primero es un Canon 135mm f/2.0 L, un teleobjetivo corto para cuando necesite fotografiar algo desde cierta distancia (no mucha, lógicamente). El otro es un Canon 35mm f/1.4 L, un angular estándar con ángulo de visión de 63° y que ofrece una gran luminosidad.

El otro objetivo que completa su equipo es un zoom Canon 24-70 F/2.8 L II, uno de los buques insignia de la firma dentro de su gama profesional. Eso sí, según Popular Sciencie, a Souza no le gustaba la primera versión de este objetivo, pero con la renovación que se produjo en el diseño de la segunda (añadiendo tres lentes muy baja dispersión para disminuir las aberraciones cromáticas) dice que se ha convertido en su elección principal.

Por ultimo, Souza también suele llevar una compacta para sus "ratos libres” según Popular Science. En concreto una Fujifilm X100S de la que Souza destaca su sensor equivalente al de un réflex pero en un cuerpo mucho más ligero (eso sí, conviene saber que hay un modelo más reciente de esta cámara, la X100T con un AF más veloz). Interesante ¿verdad?

Foto de portada | The White House (Flickr)

Vía | Popular Science

Gary Oldman es uno de los actores más icónicos de Hollywood y ya forma parte de algunas de las mejores película de la industria cinematográfica. Lo que desconocíamos de él, es que también le gusta fotografiar con una cámara que también usa su compañero Jeff Bridges: una Widelux. Recientemente, Oldman ha expuesto sus instantáneas en la Flowers Gallery de Londres.

Gary Oldman, fotografía entre plano y plano

La afición del actor se inicia con una amistad entre el pintor George Blacklock y Gary Oldman. Esta relación comenzó cuando Oldman se encontraba investigando para su papel en Honest, Decent and True. A partir de aquí se establece una relación centrada en criticar y pulir el trabajo mutuo. El bagaje del actor reside en la exploración del medio fotográfico desde los ambrotipos y ferrotipos hasta el colodión húmedo.

En su trabajo personal, ha trabajado con una Widelux Widelux F6B mientras que Jeff Bridges usa una Widelux F8. Hechas con la misma cámara, cada actor ofrece trabajos muy diferentes.

En la efímera exposición que tuvo lugar en la Flowers Gallery de Londres pudimos ver los trabajos de ambos artistas en un conjunto llamado 'George Blacklock & Gary Oldman: Slipping Glimpsers'.

De igual modo que hubo una Clara Campoamor o una Rigoberta Menchú, también en el mundo de la fotografía hubo alguien que fue pionera en la lucha por la igualdad de las mujeres. Y ese alguien fue Inge Morath, la primera mujer que entró en la Agencia Magnum y que abrió las puertas de una profesión hasta entonces casi exclusiva de hombres.

La exposición Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio sigue abierta en el marco de PhotoEspaña 2016 y es una excelente oportunidad de conocer un poco más sobre esta fotógrafa austriaca de la que no sabemos demasiado. Por ello, nos ha parecido buena idea, además de recomendaros la visita, repasar su vida y obra.

¿Quién fue Inge Morath?

Según sus propias palabras, Ingeborg Morath entró al mundo de la fotografía de una forma pausada, tomando contacto con el mundillo poco a poco. Hija de padres científicos, nació en Graz en 1923 y desde niña se acostumbró a viajar y a conocer distintas culturas e idiomas. Sus primeros contactos con el arte fueron en la época de auge de los nazis, que no tenían precisamente un gran cariño por las artes figurativas.

Crisen Canal de Sulina (Rumanía, 1994). Foto de Inge Morath Foundation/ Magnum Photos

Tras estudiar idiomas en la Universidad y hacer algún curso de periodismo, trabajó como traductora y editora y poco a poco empezó a interesarse por la fotografía. Sobre todo ante la necesidad de ilustrar los artículos que escribía para diferentes revistas, lo que le llevó a entrar en contacto con algunos fotógrafos, entre ellos Ernst Haas, con quien empezaría a trabajar para la revista Heute.

Alguien hizo llegar parte de su trabajo a Robert Capa quien invitó a ambos a ir a París para unirse a la primigenia Magnum Photos. Así lo hicieron y fue en la capital francesa donde Morath empezó a escribir textos para acompañar las imágenes que mandaban algunos de los corresponsales fundadores de la agencia (Cartier-Bresson desde el Oriente o George Rodger desde África) y a acompañar a muchos de ellos en su trabajo y ayudarles tanto en el trabajo previo como en el posterior.

Sin duda, un magnífico aprendizaje que le sirvió para tener un gran bagaje con el que lanzarse a realizar sus propias fotos, algo que no hizo hasta unos años después. El detonante fue su matrimonio con un inglés que le hizo trasladarse a Londres. Allí, al verse de pronto sin estar rodeada de fotógrafos, dice que sintió la necesidad de retratar muchas de las cosas que le rodeaban y de expresarse en un nuevo lenguaje, el de la imagen. Para Morath, de algún modo esto le hizo romper las barreras que hasta entonces había tenido por ser el alemán (el "lenguaje del enemigo"), su idioma nativo.

Paisaje cerca de Viena (1958). Foto de Inge Morath Foundation/ Magnum Photos

Tras un corto período de aprendizaje con Simon Guttmann, periodista que tuvo influencia en los inicios de Robert Capa, se compró una Leica de segunda mano con la que empezó a trabajar de forma incesante y a enviar sus fotos a todas las revistas que se le ocurrían. Y aunque lograba vender alguna, también recibía respuestas poco ilusionantes en las que elogiaban su ojo pero lamentaban su pobre técnica.

Cuando la cosa empezó a ir bien y creció su confianza, regresó a París donde empezó a trabajar con los sacerdotes católicos militantes que vivían, como ella vivió, la vida de los trabajadores en las fábricas y los barrios más pobres de París. Un trabajo duro que, cuando estuvo completado, enseñó a Robert Capa. Éste le invitó a que le mostrara el resto de su trabajo y le dijo que si era tan bueno la propondría como fotógrafa de Magnum.

Así es como fue invitada a trabajar como fotógrafa en la agencia más importante de la historia. Tras un año como invitada, en 1955 pasó a ser miembro de pleno derecho en una Magnum que abrió sus puertas por primera vez a una mujer.

Retrato de grupo de los componentes de la Agencia Magnum en 1957 (de izquierda a derecha y de arriba abajo): Inge Morath, Olga Brodsky, Allen Brown, Elliot Erwitt, Seemah Battat, Sam Holmes, Trudy Felieu, Eve Arnold, Erich Hartman, Inge Bondi, Dennis Stock, Ernst Haas, Cornell Capa, Henri Cartier-Bresson, Burt Glinn y John. G. Morris. Foto de Ur Cameras con licencia de dominio público.

Una vida de viajes

Lo siguiente fueron un montón de años de viajes constantes, fotografiando historias por todo el mundo, especialmente Europa, el norte de África y Oriente Medio. En 1956 se publicó su primer libro, “Fiesta en Pamplona”, que fue el primero de muchos y que reflejó parte de sus viajes a nuestro país.

Tras casarse con el dramaturgo Arthur Miller en 1962, Morath se estableció en los EEUU aunque no dejó de viajar. En 1965 visitó por primera vez la URSS y en 1972, tras estudiar mandarín, obtuvo un visado para entrar en China.

En la década de los 80 y los 90 continuó con sus viajes aunque sobre todo llegó el tiempo de los reconocimientos, con multitud de premios otorgados a su trayectoria, como el Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Connecticut o la Medalla de Honor de Oro de la Ciudad de Viena.

Galati (Rumanía, 1958). Foto de Inge Morath Foundation/ Magnum Photos

El Danubio como punto de partida

Su trayectoria, como decíamos, estuvo plagada de trabajos en distintos lugares del planeta, pero si hay uno que le marcó especialmente fue su proyecto sobre el Danubio, al que alude la exposición que citábamos al principio (en la que ocho fotógrafas revivieron su idea muchos años después para rendirle homenaje).

Todo comenzó en 1958 cuando se propuso hacer un recorrido por todos los países que baña el Danubio (incluida Austria, su patria natal). La idea era transmitir la historia de generaciones de personas que han nacido, crecido y fallecido en sus orillas. Morath se propuso inmortalizar con su cámara la historia de una zona rica en cultura y tradiciones y con grandes diferencias entre los distintos países que atraviesa el río.

No sin cierto miedo, Morath comenzó un viaje que no pudo terminar porque no le permitieron entrar en los países del otro lado del Telón de acero. Por ello, tuvo que volver muchos años después, una vez cayó el Muro de Berlín, para completar un trabajo que se convirtió en un reto personal.

El de abrir las puertas a las mujeres a la fotografía como medio de vida quizá no se lo propuso como un reto, pero no se puede dudar de que lo consiguió.

Smederevo (Yugoslavia, 1958). Foto de Inge Morath Foundation/ Magnum Photos

Web de Inge Morath Foundation

Foto de portada: Canal de Sulina cerca del Mar Negro (Rumanía, 1994). Foto de Inge Morath Foundation/ Magnum Photos.

Todas las fotos (salvo la de grupo) pertenecen a la colección de fotos expuestas en la exposición Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio publicadas con permiso de PHotoEspaña 2016/ Fundación Telefónica.

La fotografía del New Deal. USA 1935-1943 es un nuevo volumen fotográfico que recoge el trabajo de un equipo de fotógrafos de la Farm Security Administration. Este organismo, creado para paliar el hambre que asoló a los Estados Unidos en la Gran Depresión, quería documentar la pobreza de la vida de la población rural para darla a conocer el resto de estadounidenses.

Durante el período de 1935 a 1943, fotógrafos y escritores contratados por la Farm Security Administration se encargaron de recorrer su país para dejar constancia de la pobreza que asoló a la población durante aquellos años y "dar a conocer Estados Unidos a los estadounidenses".

La Farm Security Administration había sido creada con el objetivo de combatir la pobreza en las zonas rurales del país. Por ello se dedicó a desarrollar una serie de programas para mejorar las condiciones de vida los granjeros más pobres con distintos planes de reasentamiento, colectivización y modernización. Pero además, pensó que sería buena idea crear un programa paralelo que documentara todo este trabajo.

"Women workers employed as wipers in the roundhouse having lunch in their break room, Chicago and Northwestern Railroad", de Jack Delano.

La historia contada por los fotógrafos

El nuevo volumen, editado por Taschen, muestra este trabajo conteniendo casi 400 fotografías de artistas como Dorothea Lange, Marion Post Wolcott, Walker Evans, Russell Lee y Arthur Rothstein. El libro recoge testimonios e impresiones personales de los propios fotógrafos a través de los cuales se va conformando un retrato de la nación que recorrieron durante aquellos años.

Las fotografías, en blanco y negro y color, muestran a trabajadores de los campos de algodón, convictos, niños jugando en la calle o desplazados por la carretera. Un gran retrato colectivo que dibuja la dureza de aquella época en la norteamérica rural.

"Dusting plane after spraying a beanfield. In an average day these planes can spray 100 acres an hour and usually fly one or two hours, unless it rains or there is a storm", de Edwin Rosskam.

El volumen, que pertenece a la colección Bibliotheca Universalis de Taschen, se presenta en un formato compacto (tapa dura y medidas de 14 x 19,5 cm), contiene 608 páginas y tiene un precio muy interesante: 14,99 euros.

Más información | Taschen

Foto de portada: "Motherless migrant children. They work in the cotton fields", de Dorothea Lange

‘En la carretera’ recoge un centenar de instantáneas provenientes de cinco grandes fotógrafos de la agencia Magnum: Inge Morath, Martin Parr, Harry Gruyaert, Dennis Stock y Larry Towell. Se trata de un nuevo volumen de "100 Fotos por la Libertad de Prensa", editado por Reporteros sin Fronteras, una colección que se nutre de instantáneas de fotógrafos y/o agencias que ceden los derechos de sus imágenes a beneficio de la organización y de su lucha por la libertad de prensa en el mundo.

En esta ocasión, el nuevo libro de imágenes explora un tema clásico pero eminentemente atractivo: la carretera. Desde el ya famoso libro homónimo de Jack Kerouac, a los de otros muchos escritores y viajeros, muchos han sido, y en muchas disciplinas, los que se han visto atraídos por este tema, incluido por supuesto el mundo de la fotografía.

Estados Unidos, 1971. © Dennis Stock - Magnum Photos

Por las carreteras del mundo

A través de las fotos de los cinco artistas citados, el álbum nos conduce a través de las carreteras típicas de las vacaciones, desde las enormes autopistas americanas con sus hippies hasta los puertos de montaña del mítico Tour de Francia, pasando por los clubes de motociclistas a los que acuden los Ángeles del Infierno.

Tour de Francia. © Harry Gruyaert - Magnum Photos

"Los fotógrafos de Magnum se van de cruzadas para fotografiar la miseria y el hambre [...], en mi caso voy al supermercado de la esquina, es mi línea de fuego" cuenta Martin Parr acerca de sus fotos de veraneantes en la parte del libro donde podemos admirar sus fotos. Por su parte, Inge Morath, nos deja perlas como ésta: “Como fotógrafos, queríamos ser lo más invisibles posible. Hay que ser lo más invisible posible, porque, casi siempre, estorbamos algo o a alguien. Por eso siempre íbamos vestidos con ropa discreta. Creo que tiene su importancia saber retratar a tu personaje desde cierta distancia".

Santa Fe, Nuevo México, Estados Unidos, 1960. © Inge Morath - Magnum Photos

Por otro lado, el libro también nos descubre el relato de periodistas comprometidos con la lucha diaria por la libertad de información de Reporteros Sin Fronteras por todo el mundo, con artículos dedicados a la corrupción en México, al conflicto de Siria y a la catástrofe de Fukushima.

Inglaterra, 1994. © Martin Parr - Magnum Photos

‘En la carretera’ ya está disponible en librerías y kioscos de prensa por el módico precio de 9,90 euros que contribuyen a financiar a esta organización en su lucha por la libertad de prensa.

Más información | Reporteros sin fronteras

Foto de portada: Estados Unidos, 1971. © Dennis Stock - Magnum Photos

Cristina Núñez es una fotógrafa con una dilatada carrera artística que en esta ocasión nos ofrece 'We Exist', un proyecto en el que colaboran estudiantes de fotografía y presos de tres penitenciarías noruegas se autorretratan para materializar sus emociones y sentimientos. 'We Exist' se ofrece en formato virtual con una exhibición online en la que podemos explorar los trabajos de los estudiantes así como los autorretratos de los presidiarios.

El autorretrato como método de introspección

Con este proyecto, Núñez hace uso del autorretrato una vez más como método de exploración del ser humano con actitud autoanalítica. The Self-Portrait Experience® es un proceso en el que una persona se realiza unos autorretratos que después se recopilan y se ponen sobre la mesa para obtener conclusiones sobre nuestra propia personalidad junto a la fotógrafa.

Este proyecto fue realizado en primer lugar por los estudiantes de la Oslo Fotokunstskole en el que encontramos cosas tan interesantes como el trabajo de Adrian Saersten, un chico que sufre de prosopagnosia también llamada 'ceguera facial' que le impide reconocer efectivamente las caras de las personas. A continuación, Núñez trasladó el formato a tres prisiones noruegas: Bredtveit, Ila y Ullersmo, donde los presos quedaban solos en el estudio con un control remoto donde generaban una serie de autorretratos que después analizaban junto a Núñez. Durante la exposición oímos sus testimonios, algunos de ellos en español.

El resultado es una estupenda exhibición online en la que el espectador observa el trabajo de fotógrafos en plena ebullición creativa en contraposición a la profundidad psicológica de los internos. En 2017, las fotografías de los presos serán exhibidas en el Rådhusplassen de Oslo, mientras que el trabajo de los estudiantes se exhibirá en el centro que los vio nacer, la Oslo Fotokunstskole.

Sitio Oficial | 'We Exist'