Hace ya algún tiempo que os hablamos de ‘Parallel Worlds’, un proyecto de Guido Gutiérrez. Este fotógrafo aficionado hispano-canadiense está constantemente viajando por el mundo y le gusta retratarlo de una manera original: Jugando con los reflejos en superficies con agua, lo que le lleva a conseguir imágenes muy llamativas que realiza exclusivamente con su móvil y comparte en Instagram.

Pues bien, desde que os lo presentamos Guido ha tenido la oportunidad de viajar a nuevos destinos y realizar muchas más fotos que ha querido enseñarnos. Además nos ha contado que sigue con su mismo método de hacer las fotos con el smartphone (de hecho en su web figura la leyenda “100% Google smartphone images”) aunque ha cambiado de terminal: “antes usaba un Nexus 5 y ahora estoy utilizando el Google Pixel 2”.

Sobre su proyecto ‘Parallel Worlds’, el autor considera que “no es que tenga un proyecto en concreto pero sí es verdad que sigo creciendo y aprendiendo.” Además de hacer algunas colaboraciones, Guido también se ha lanzado a vender las fotos a través de la web como ediciones limitadas en tamaño 50x70 cm, “aunque sean fotos de movil, tienen muy buena calidad” comenta.

Lo cierto es que, como nos cuenta, sigue “con la misma línea de hacer fotos con perspectivas diferentes y poder demostrar que no necesariamente se necesita una cámara cara para sacar una nueva foto. No soy fotógrafo... Sólo por afición, nunca he tenido ninguna formación sobre ello.” Pues nadie lo diría, la verdad, porque sus imágenes son muy interesantes (incluso refrescantes ahora en verano) ¿No os parece? ¿Créeis que con una cámara de verdad (tal vez una pequeña sin espejo) conseguiría mejores resultados?

Guido Gutiérrez | Página web | Instagram

En Xataka Foto | ‘Heritage’, un proyecto de Adam Koziol para documentar las últimas tribus indígenas del planeta

Fotografías de Guido Gutiérrez reproducidas con permiso del autor para este artículo

El gran fotógrafo catalán Txema Salvans está de estreno con nuevo libro. En pleno mes de agosto, cuando muchos se divierten y relajan en la playa (o cualquier rincón del Mediterráneo, habitual escenario del trabajo de Salvans) la editorial MACK acaba de lanzar 'My Kingdom'. Un trabajo, en blanco y negro esta vez, donde Salvans combina fotografías y textos bajo su habitual visión (y sentido) irónico.

Este mismo año conocimos la publicación de 'The Waiting Game II', la segunda parte de su exitoso libro que lo lanzara al panorama internacional. Ahora, recopila un trabajo realizado a lo largo de varios años en forma de nuevo libro.

El eje temático de este nuevo trabajo gira en torno al concepto de nacionalismo y la soberanía en España. No en vano el libro incluye algunos de los discursos de Juan Carlos I (en sus cuatro décadas de reinado) combinado con imágenes de los españoles disfrutando de sus "pequeños reinos" veraniegos: disfrutando de la pesca, durmiendo al aire libre o haciendo su peculiar picnic en escenarios tan diversos como un aparcamiento, junto a fábricas o rincones de lo más variopintos.

Mezcla de fotos y discursos soberanistas

Son los escenarios habituales de la fotografía de Txema Salvans, solo que aquí se mezclan con esas citas conformando una combinación subversiva en torno a cómo el poder ha utilizado la retórica nacionalista para seducir al pueblo. Y cómo este, en contraste, disfruta de sus espacios y condiciones de esparcimiento vacacional a lo largo de la costa mediterránea española.

Si bien cabe apuntar, como indica el propio Salvans en una reciente entrevista en The British Journal of Photography, que "para mí fue importante mostrar que este trabajo se hizo desde adentro, que no es una mirada estética desde el exterior. Las personas que fotografié son aquellas que escucharon los discursos del Rey, son "el reino" del Rey, personas que crecieron con él y que formularon una idea sobre él". Y continua aclarando:

'My Kingdom' no solo se refiere al territorio donde reina un Rey, sino también a las cosas por las que todos luchamos: nuestro automóvil, nuestros amigos, nuestro apartamento de vacaciones, nuestro pedazo de playa, nuestro hijo, nuestra tarjeta de crédito, nuestro cuerpo ... Este libro no es una crítica de un personaje específico, sino un análisis de un sistema, o incluso de un rasgo humano.

El libro 'My Kingdom' publicado por la editorial Mack cuenta con 176 páginas y 65 imágenes tritono con un tamaño de 17,5 x 23 cm y un precio de 35 euros.

En MACK | 'My Kingdom', de Txema Salvans

El belga Harry Gruyaert es uno de los más reputados fotógrafos europeos. Miembro de la agencia Magnum es profundamente admirado por su maestría en el uso del color, como ya comentamos. Ahora, se ha preparado un documental, titulado 'Harry Gruyaert, Photographer', sobre su figura que nos servirá para conocerle mejor.

El documental se encuentra en fase de postproducción y se estrenará el próximo 8 de diciembre, aunque ya podemos ver un tráiler que nos deja con ganas de más. Este film biográfico trata de profundizar en la figura del fotógrafo de Magnum, que con 75 años, cuenta con una larga trayectoria y es (bien) considerado como uno de los pioneros de la fotografía a color en Europa. Un maestro para muchos.

En el documental conoceremos sobre sus orígenes, como creció en una estricta y tradicional familia flamenca católica y con la prohibición expresa de su padre para que se convirtiera en fotógrafo. Algo que era considera un pecado. Por suerte, Gruyaert decidió escapar de esa opresión en su país y viajó por todo el mundo, fijando su residencia en París. Descubriremos cómo partiendo de ese fondo gris descubre la luz y el color europeo y dio rienda suelta a su deseo de convertirse en fotógrafo a toda costa.

El pionero europeo de la fotografía a color

Esta es la historia del miembro de 77 años de Magnum, Harry Gruyaert, cuya vida se salvó por el color. Harry crece en una estricta y tradicional familia flamenca católica. Su padre le prohíbe convertirse en fotógrafo porque lo ve como un pecador. Entonces decide dejar su país y viajar. Viniendo de un fondo reprimido y gris, descubre las luces y el color de Europa. Impulsado por el odio y el amor y el irresistible deseo de ser fotógrafo, se convierte en un pionero de la fotografía en color europea.

Gruyaert es un fotógrafo discreto a pesar de ser una figura de primer orden, que cuenta con un gran reconocimiento internacional. Pero que lejos de soltar espesos discursos estéticos o desarrollar una fotografía conceptual, su trabajo está basado en la intuición, como bien él mismo confiesa en este breve tráiler que ahora podemos disfrutar.

Como también explican en la breve sinopsis conocemos la historia de un vagabundo inquieto, un alma inquisitiva que nunca deja de buscar imágenes. Un hombre que, a pesar de todo, debe seguir un impulso irresistible de seguir viajando y descubrir los cambios en la sociedad. Es la historia sobre un voyeur tímido pero honesto que capturó el espíritu de la época de una manera única.

Nos quedamos con ganas de más y tendremos que esperar unos meses para poder verlo completo. No sabemos en canal de distribución se estrenará pero estaremos atentos porque a buen seguro que merece la pena.

Está producido por Las Belgas, una productora de su país de origen, Bélgica y dirigido por Gerrit Messiaen, autor de varios documentales, entre ellos el del también fotógrafo "Lucien Hervé, fotógrafo a su pesar".

Más info | Web oficial

Sin duda Hong Kong es un escenario idóneo para los fotógrafos, especialmente los callejeros (aunque también para los de arquitectura). Sin embargo no es fácil que un novato en fotografía, como es el caso del australiano Sean Foley, sea capaz de lograr imágenes tan sugerentes. Por eso nos hemos fijado en su serie de fotografías nocturnas sobre esta metrópolis que están muy ligadas a esa estética ochentera tan de moda últimamente.

Sus fotos nos recuerdan a algunas otras que os hemos venido enseñando últimamente, como éstas de Bangkok o estas otras de Tokio, y se caracterizan por los colores saturados, casi fluorescentes. Un tratamiento (realizado con Ligthroom) que tiene bastante mérito para un fotógrafo autodidacta que nos confiesa que sólo lleva un año haciendo fotos (y seis meses realizando estas de las calles de Hong Kong).

Sean vive en esta ciudad china desde hace unos cinco años y trabaja como profesor de inglés. La fotografía es sólo un hobby en su vida, aunque le gustaría que fuese algo más. De momento sus fotos son sólo de Hong Kong y de la vecina Shenzhen, pero tiene planes para viajar por otras zonas de Asia y ampliar su campo de acción.

Aparte del tratamiento que aporta estos colores tan atractivos, en sus fotos abundan encuadres en los que normalmente sólo aparece una persona, seguramente buscando retratar la soledad en un lugar normalmente atestado de gente. En cualquier caso nos parecen unas estupendas fotos (sobre todo para un novato) así que sólo podemos aplaudirle y animarle a seguir. Y es que, visto lo visto, está claro que tiene buen ojo para la fotografía.

Sean Foley | Instagram

En Xataka Foto | ‘Hong Kong Tourlapse’, un trepidante trabajo mezcla de timelapse e hyperlapse para mostrarnos esta fascinante ciudad china

Fotografías de Sean Foley reproducidas con permiso del autor para este artículo

El afamado fotógrafo neoyorquino Joel Meyerowitz dispone de una dilatada carrera artística en la que ahora podemos profundizar justo en sus inicios. Allá por comienzos de los sesenta se lanzó a la fotografía dejando su labor como editor y, curiosamente, recaló en la ciudad andaluza de Málaga donde estuvo fotografiando y empezando a desarrollar su estilo. Ya conocimos el libro y también podemos disfrutar de la exposición.

En su camino de exploración se forjó en la fragmentación de la calle, de lo espontáneo y los contrastes urbanos que luego reflejaría con gran maestría durante varios años capturando su ciudad, Nueva York. Pero curiosamente, en su viaje por Europa a mediados de los sesenta recaló en Málaga, concretamente entre 1966 y 1967, donde convivió con los Escalona, una de las familias flamencas de mayor renombre del lugar.

Los orígenes de Meyerowitz y su estilo de street photography

Meyerowitz se convertía en un puro observador, dejándose llevar por lo que siente mientras camina por las calles, obedeciendo a su impulso sensorial. Por tanto estas fotografías, aunque primigenias en su trayectoria, poseen un gran valor para conocer y poner en situación a uno de los grandes referentes de la fotografía de calle o street photography, como él mismo se ha encargado de definir y documentar.

Estas fotografías son las que se pueden disfrutar en una muestra que se lleva a cabo en Valencia bajo el título "Hacia la luz". La expo incluye 98 fotografías de la Colección Per Amor a l‘Art, y se pueden ver en el Centro de Arte Bombas Gens de capital valenciana hasta el 20 de enero próximo. La muestra está comisariada por Nuria Enguita, Miguel López-Remiro y Vicente Todolí.

Web oficial | Bombas Gens

Pau Barroso es un auténtico todoterreno de la comunicación que ha trabajado de casi todo, tanto en radio (el medio que más le gusta) como en televisión o prensa escrita. Pero nosotros le hemos conocido a raiz de su faceta como fotógrafo gracias a ‘Toro. Osborne 60 años’, un fotolibro conmemorativo del aniversario de ese icono de nuestra cultura popular que es la valla publicitaria con forma de toro que adorna muchas de nuestras carreteras.

La historia de este cartel es muy interesante, pero la de la realización del libro no lo es menos, tal y como nos ha contado Pau de primera mano en la charla que hemos tenido la oportunidad de tener con él y que reproducimos a continuación.

Muy buenas Pau, gracias por atendernos. Para comenzar, háblanos un poco sobre ti y tu trayectoria.

Aunque nací en Madrid, he pasado gran parte de mi vida residiendo en Talavera de la Reina (Toledo), aunque estuve afincado en otras ciudades y me gusta resaltar mi descendencia de Becerril de Campos (Palencia). Desde hace tiempo, realmente trabajo para mí, algo arriesgado si te quieres dedicar a la fotografía.

Soy socio de la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión y también trabajo para potenciar y posicionar la Asociación de Informadores Gráficos de Talavera de la Reina, la cual presido al objeto de promocionar el fotoperiodismo audiovisual y la fotografía solidaria, porque colaboramos en la difusión de diferentes asociaciones de discapacitados, enfermedades degenerativas, etc...

Pau Barroso retratado ante uno de los Toros de Osborne. Foto de Paula Pupo

Aunque ya venía haciendo fotos solidarias para una revista, un buen día decidí poner sobre la mesa mi experiencia fotográfica para “visualizar a través de mi objetivo” la labor que se realiza en las diferentes asociaciones. Desarrollo mi labor como periodista desde el año 1991, pasando por diferentes medios: escritos, radiofónicos, televisivos, hasta optar, básicamente, por la fotografía a comienzos del año 2000, principalmente, en el sector empresarial y foto periodístico. La denominada “crisis” arrastró a la desaparición de medios de comunicación y a un empobrecimiento del sector audiovisual, lo que obligó a reinventarse buscando “sacar partido” a la fotografía. Actualmente, trabajo en desarrollar mi propia página web.

¿Cuándo y por qué comenzaste a trabajar como fotógrafo?

En realidad, la fotografía, por la cual ya sentía curiosidad desde pequeño, empieza a formar parte de mi vida a comienzos del año 2000, cuando la llegada del digital motiva un punto de inflexión, donde compaginar la fotografía laboral, principalmente empresarial, con la meramente “aficionada o de ocio”. Es decir, si quieres tener un buen equipo fotográfico tienes que plantearte cómo hacerlo rentable...

Te hemos conocido por tu libro sobre el famoso cartel de Osborne ¿Cómo y por qué surgió la idea?

La fotografía empezó a coger cada vez más peso en mi vida personal, laboral y de ocio. ‘Toro’ surgiría de esa simbiosis: Primero porque estuve trabajando para las Bodegas Osborne en Malpica de Tajo (Toledo) durante siete años (de 2002 a 2009), unido a mi pasión por conducir. Durante ese período, la imagen del toro de Osborne era casi diaria, sumada a las diferentes expresiones artísticas presentes en la bodega que tenían el icono como inspiración, a nivel de pintura, fotografía, escultura, etc…

Sin embargo, tenía la sensación de que “faltaba algo”. Desde mi punto de vista era como si no hubiera vida alrededor de la figura del toro, cuando es un icono presente en diferentes puntos urbanos e interurbanos con recursos dignos de ser representados. En cierta manera la idea era hacer una radiografía del toro de Osborne desde la primera luz del día hasta la noche, con la presencia de la luna llena. Como si fuera “Un día en la vida del Toro”.

¿Cuánto tiempo tardaste en realizar el proyecto? ¿Cuántos kilómetros recorridos?

Han sido cuatro años de trabajo entre los años 2008 y 2011, aunque faltaba una valla, fotografiada en 2014, y volvimos a la carretera en el año 2017. El proyecto fue estudiado a partir del año 2014, pero no cobró cuerpo hasta el 2016 con la inauguración de la sala expositiva Toro Gallery, que está ubicada en una de las bodegas centenarias de El Puerto de Santa María, donde se pueden ver 230 fotografías mías, la mayoría en un mapa interactivo de los toros de Osborne situados en las carreteras de España.

Para ello he recorrido 89.349,68 kms, de los cuales, 84.908,70 se hicieron por carretera. ¿Por qué tantos kilómetros? Por la necesidad obsesiva de mejorar cada imagen, de desarrollar un proyecto ambicioso en cuanto a paisaje, costumbres y condiciones climatológicas…

¿Tenías algún tipo de mapa o listado con las localizaciones de los toros o tuviste que investigar para encontrarlos, preguntar a la gente, etc?

La iniciativa partió de mí, sin comentar nada a Osborne, porque quería hacerlo a mi manera y sin marcarme unos tiempos ajustados, con mi propia visión fotográfica. Utilicé un mapa donde, supuestamente, se ubicaban todos los toros, pero no estaba actualizada y algunos ya no se encontraban físicamente en ciertos puntos kilométricos. En muchos de ellos se convirtió en una labor de campo puro y duro, preguntando en gasolineras, pastores, e incluso a un lanzador de pesca de plomo en seco…

Imagino que tendrás anécdotas curiosas… ¿Qué es lo más raro que te ha pasado? ¿Y lo más emotivo?

Prácticamente unas cuantas por toro. Desde salir ileso fotografiando uno donde había un panal enorme de avispas, hasta amenazarme con una escopeta en una finca, cuando entré para preguntar por un toro. La principal anécdota era que pasaba el tiempo y no avanzaba, y me cuestionaba lo que estaba haciendo, en la búsqueda de la perfección en el contenido de cada fotografía. Recuerdo que “engañaba” a mi madre diciéndole que me quedaban pocos cuando apenas tenía 30 toros. Se convirtió en una obsesión. ¿Raro? Como ya tenía un gato caminando delante del toro recuerdo que “pedía” que apareciese un perro, y tras un par de horas, surgió un perro de la nada. Eso fue ¡increible!

¿Lo más emotivo? Posiblemente haya sido, a posteriori, cuando ves todo el trabajo plasmado en un libro. Pero recuerdo que buscando otra perspectiva de un toro entré en un negocio familiar donde me recibieron agarrándome del cuello. Dos horas más tarde tenía la foto y el ofrecimiento de poder quedarme a vivir allí.

¿En qué ámbito encuadrarías el libro… fotografía documental, de viajes…?

Sin duda, en el género del fotoperiodismo costumbrista, aunque con un gran componente viajero. No sé vivir sin la carretera y la cámara de fotos. En cierta ocasión califiqué este trabajo de “Polvo, Carretera y Toro”. Hay una circunstancia a destacar en el libro: Las fotografías de los 90 toros no están ubicadas, aunque alguno se pueda “sacar” fácilmente, pero en líneas generales es difícil ubicarlos por lo que el libro no sólo hace las funciones como tal, sino que además sirve como aquellas guías Campsa que iban en los coches. Es decir, el libro está pensado para llevarlo en el coche y “jugar a buscar” la fotografía que corresponde a cada toro cuando estemos cerca de uno.

¿Llegabas al lugar y hacías la foto o te dedicabas algún tiempo a estudiar la zona, conocer a la gente que vive cerca, etc?

Lo primero era localizar el toro, estudiar la zona y, si se podía, realizar un 360 grados observando “algo” que pudiera encajar en cada fotografía. No hay toros repetidos, son los 90 que hay actualmente en pie, y eso exigía 90 “situaciones” diferentes. Aunque dentro del libro hay como pequeñas temáticas dedicadas a señales de tráfico, estaciones del año… En definitiva, había que buscar las “palabras del toro”. Me dio tiempo a conocer gente, pero en la mayoría de ocasiones mi propia obsesión me “obligaba” a regresar para intentar mejorar lo ya hecho. O, por ejemplo, esperar a una ola de calor o de frío intenso para reflejar fotos a más de 40º y otras a -12º C. En una ocasión así, con esta gélida temperatura, llegué a sentir como los dedos se me quedaban dormidos. Extraña obsesión que me hizo llevar al extremo mi propia integridad física.

En tu opinión ¿qué representa el cartel de Osborne en la sociedad española de hoy día? ¿Crees que es un símbolo aceptado de igual manera por todo el mundo y que ya no se identifica con la tauromaquia?

Empiezo por el final y utilizando las palabras de Jaime Nuño, autor de los textos y miembro de la Fundación Santa María la Real: “El Toro de Osborne no está relacionado con la tauromaquia, representa al toro de campo, al toro milenario, mucho antes de que se destinara, principalmente, a las corridas”. En esa línea me identifico, el Toro de Osborne representa más de lo que es. Para los que desean quitar este icono, no son conscientes de su historia. El toro representa la idea de un genio de la publicidad, que fue Manolo Prieto en el año 1956.

Y aunque al principio la propia empresa no lo veía tan representativo para sus marcas, se convirtió en un verdadero icono publicitario que se salvó tras una ley que exigía retirar las vallas publicitarias junto a las carreteras. Eso fue gracias a la iniciativa de Bigas Luna y otros intelectuales y artistas de finales del siglo XX, que llevaron a cabo una serie de acciones para evitar que desapareciera de nuestro paisaje. Así, Osborne tapó la publicidad y el toro “volvió a nacer” en el año 1997. De los casi 500 toros que había, quedaron cerca de un centenar.

El Toro de Osborne más que símbolo es un icono, que en cualquier país sería motivo de orgullo, aquí no sé porqué se le cuestiona. Insisto, es cuestión de conocer la historia real de la figura negra de catorce metros de altura.

Además de fotógrafo eres locutor, guionista, publicista, informador gráfico, periodista, community manager… Osea que has tocado todos los palos de la comunicación ¿lo has hecho por vocación o por necesidad? ¿Cuál es tu faceta preferida? ¿qué importancia tiene para ti la fotografía en tu trayectoria profesional?

La crisis de los medios de comunicación me condujo a lo que llaman “reinventarse”, entonces entendí que debía seguir enriqueciéndome a nivel profesional y con aspectos relacionados con la sociedad, donde la presencia audiovisual es inevitable. En mi ADN va actualizarme y recibir la formación necesaria para contar con las herramientas básicas que exige la sociedad. Evidentemente, la necesidad conduce a aprovechar la vocación con mi experiencia, y si no hay vocación, la necesidad queda en el cajón del olvido. Posiblemente la radio sea el medio que más engancha, por su inmediatez y, algo curioso, porque ha sabido sobrevivir primero a la televisión y luego a Internet. De hecho, Internet se ha convertido en el mejor aliado de la radio.

Si tuviera que resumir todo lo que hice en una palabra, sería un “todoterreno”, intentando intuir hacia dónde camina la sociedad, y donde puede encajar mi experiencia en diferentes campos, principalmente, el audiovisual.

Cambiando de tercio ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué cámara (o cámaras) utilizaste en el proyecto?

Es curioso, pero en la guerra histórica entre Nikonistas y Canonistas yo he utilizado ambas marcas. En primer lugar una Nikon D100 con un objetivo 18-70 mm, y luego una Canon EOS 5D Mark II con un 16-35 mm. Apenas utilizaba el tele, soy de los que opino que la foto cercana transmite más y el tele “siendo cómodo se comporta con una terrible frialdad”.

¿Eres de lo que llevas siempre tu cámara contigo a todas partes?

Intento desconectar, porque cada vez que llevo la cámara no veo el fin. El hecho de pensar que todo es mejorable a veces se convierte en un contratiempo, pero no puedo evitarlo, es coger una cámara y sentir que todo es fotografiable. Evidentemente para fotografiar suelo ir sólo. Es complicado transmitir lo que haces a alguien que no lo siente como yo. Por cierto me gustó vuestro artículo sobre cómo vivir con un fotógrafo y que no acabe en divorcio.

¿Que opinas sobre el estado actual del fotoperiodismo, la competencia de las redes sociales, etc?

El fotoperiodismo no atraviesa por su mejor momento, debido a los comportamientos individualistas que no se dan cuenta de la importancia de un sector que necesita un fuerte corporativismo para hacer frente a tantos males. Por ejemplo los gabinetes teledirigidos de prensa, los concursos gratuitos o de baja cuantía para alimentar páginas web y redes sociales a precios irrisorios. Igual que nadie pone su vida en manos de un cirujano aficionado, sería necesario mentalizarse de que los trabajos realizados por un fotoperiodista profesional tienen más valor.

Es como el término freelance, algo que ya denota hastío y, si se me permite, cualificación vulgar a la hora de acreditarse. No voy en contra de la evolución, pero no todo el que tiene una cámara digital puede decir que sepa hacer fotografías. A eso hay que sumar que vivimos rodeados de fotomontajes y de una excesiva manipulación en los ordenadores, cuando la fotografía es el reflejo de un instante, de un momento. El resto son fotomontajes, que realizan los foto montadores, nunca los fotógrafos. Por eso me gusta el fotoperiodismo, pero el que capte ese instante que nos recuerde que una imagen vale más que mil palabras.

Las redes sociales están, sin duda, condicionando, nuestras vidas. Parece que estamos obligados a publicar lo que hacemos en cada momento, por eso cada día las empresas de telefonía se especializan más en hacer las mejores cámaras, que sirvan incluso para llamar por teléfono…

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto?

En primer lugar agradecer la ocasión que me brindáis de poder mostrar un trabajo elaborado por cuatro partes de enorme calidad: Fundación Osborne, Fundación Santa María la Real del Patrimonio Histórico, Tau Design y los 90 toros que hay a nivel nacional para conmemorar los 60 años desde que se instaló la primera valla. Y si se me permite, repetir unas palabras que me dijo un compañero de la asociación, Eduardo Méndez: “Hacer fotos en un conflicto no tiene tanto mérito porque suele haber muchos compañeros haciendo la misma foto, por lo que a veces tiene más mérito la fotografía de la cercanía, de lo que nos rodea en nuestro día a día”. Saludos a tod@s l@s lector@s y si lo desean nos encontramos por los caminos y carreteras.

Pau Barroso | Página web | Facebook

En Xataka Foto | “Mi idea fue volver a retratar esos lugares desiertos y esta vez lo hice con un dron”, Markel Redondo, autor de ‘Sand Castles II’

Fotografías de Pau Barroso reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace un par de años os presentamos el trabajo de Liam Wong, una exploración de la ciudad de Tokio en la noche. Pero, como todo en trabajo en progreso, esas imágenes van evolucionando. A medida que la experiencia se acumula son más sólidas y concisas. Aquí os mostramos ‘Tokyo at Night’. Un trabajo que ha sido pilar en los ultimos años en el estilo de fotografía ochentera.

Wong es principalmente uno de los directores de arte más jóvenes en la industria de videojuegos. Fue incluido en la lista de la revista Forbes de los ‘30 under 30’, que muestra los emprendedores más influenciadores menores de 30 años. Ha trabajado durante varios años con Ubisoft y, hace un par de años, decidió experimentar con la fotografía durante un paseo por la ciudad nipona.

En una entrevista con Xataka Foto, Wong nos cuenta sobre su proceso de inspiración. Usualmente lo primero que menciona en su listado de inspiraciones son películas como ‘Blade Runner’, ‘Akira’, ‘Enter the Void’, ‘Ghost in the Shell’ y videojuegos como ‘Snatcher’. Sin embargo, Wong es una persona que, debido a su trabajo de director de arte, ha sido muy influenciado por ilustraciones, juegos, películas, fotografía y artes.

Al preguntarle sobre ese balance de influencias, Wong responde a Xataka “Mi porcentaje de influencias es 60% películas, 20% Música, 15% videojuegos y 5% fotografía. Como director de arte en la industria de los videojuegos, mi foco está principalmente en una cosa: el estilo”. A la hora de tomar fotos, Wong dice que proyecta aquellas películas para obtener composiciones y colores que le interesan, mezclados con la emoción de la música que esté escuchando en el momento, principalmente vaporwave y synthwave.

Nos cuenta también que cuando usó todo sus ahorros en su DSLR, no sabía que iba a resultar de ello. Afortunadamente ha sido un crecimiento de desarrollar habilidades como desarrollo de estilo, mercadeo y trabajar propuestas creativas distintas en tiempos más cortos. La fotografía se ha vuelto su pasión principal. Ha sido un complemento tanto para su trabajo como director de arte, así como lo ha invitado a explorar medios nuevos como el vídeo.

Xataka Foto preguntó cuáles serían los tres consejos para todos aquellos que están iniciando en la fotografía, o que incluso ya llevan un tiempo en ella. Wong responde:

• Rodeaos de talento: Muchas personas me preguntan cómo conseguir seguidores y creo que es una mala pregunta para hacer. En vez de ello, deberíais buscar personas en vuestra misma situación con quienes crecer. Muchas veces me gusta conocer personas que me siguen en Instagram para ver qué es lo que los inspira a capturar fotografías. Esto me abre la mente a diferentes estilos y temas nuevos.

• Se tu mismo: Veo que muchos fotógrafos van por el camino de copiar estilos, ir a los mismos lugares de las tomas y usar las mismas frases y etiquetas. Una de las cosas más guays de tu trabajo es que tu eres quien lo hizo- usado tu propia sensibilidad, inspiraciones e influencias. Si haces algo que ya está hecho, entonces no estás ofreciendo nada nuevo.

• Nunca dejes de aprender: Una de las cosas que más amo de la fotografía es cómo puedes mezclar una toma. Vuelve a tomarla. Trata de hacerlo con un nuevo ángulo. Trata de buscarle un nuevo tema o un nuevo género. Cuando compré mi DSLR no sabía cómo usarla. Desde entonces, trato de aprender nuevas técnicas, invierto en equipo que me permita llevar mi trabajo a nuevas direcciones.

Finalmente, Wong cuenta a Xataka que está abierto a ir evolucionando su estilo en el camino. Es consciente que su trabajo ha influenciado a otros fotógrafos y lo hace feliz ver cuando la gente se acerca a él a mostrarle los resultados de buscar ese mismo camino. La fotografía le ha traído mucha felicidad a su vida y se alegra que el tomar una fotografía colorida y morada le traiga felicidad a otros.

Podéis ver más de su trabajo en su página web o siguiendo su Instagram. No os lo perdáis

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Imágenes | Liam Wong (Web | Instagram | Twitter)

“La saturación de imágenes que vivimos afecta de un modo especial a nuestro sentido de identidad. La tecnología y las redes sociales han configurado un sistema que paradójicamente no ha ayudado a la individualización de los rasgos particulares de las personas sino que ha acentuado su homogeneización”. Así comienza a describir Cristina Galán su proyecto ‘Paul’, cuyas llamativas imágenes os mostramos a continuación.

“Las fotografías de este proyecto —continúa la fotógrafa madrileña— exploran, desde el ámbito tradicional del retrato, la subversión de la identidad y la aparición de lo siniestro bajo la superficie visualmente pulida de la realidad.” Se trata, por tanto, de una serie con un evidente sentido crítico, que como veis muestra una sociedad idealizada en la que todos acaban siendo como Paul.

Por eso, los escenarios son neutros e impersonales, a veces indefinidos y abstractos, y representan “los escenarios tópicos de la sociedad de consumo: un gimnasio, un supermercado o la propia vivienda.” En ellos se mueven unos personajes no miran a cámara, “para que al observador le sea menos violento mirar y observar —continúa Cristina— Los personajes parecen suspendidos en el tiempo, acentuando su carácter inmóvil y mecánico, ajenos a lo que sucede a su alrededor. Se trata de escenarios donde la luz brilla las 24 horas del día, representando el estándar del 24/7 de la sociedad actual, siempre dispuestos, siempre productivos.”

La idea del proyecto surgió “como un intento de crítica irónica de aspectos sociales e individuales que llevamos arrastrando décadas y que en la actualidad creo que tienen su máximo apogeo. Temas como la identidad individual y social, y la felicidad como imperativo, y lo siniestro que acaba resultando todo esto, y más aun dentro de un marco en el cual nos creemos muy libres e independientes.”

Para llevarlo a cabo, Cristina (que también es realizadora AV y ha trabajado como directora de fotografía) puso en marcha un plan muy medido, “desde el vestuario y peinado, el acting, los colores, el escenario…Qué personajes salen y cuantas veces salen. Actualmente trabajo sola en lo referente a la preparación y edición de cada sesión fotográfica por lo que me encargo desde la localización a la edición digital, pasando por peluquería y maquillaje.”

Desde luego el trabajo es llamativo, tanto por su significado como por su estética, con un tratamiento de la imagen en el que juega un papel destacado el color, elegido buscando apoyar también la idea de homogeneidad y neutralidad, lo que para la autora deriva en alienación.

Por todo ello, ‘Paul’ ya fue expuesto en el Centro de Arte de Alcobendas (Madrid) y ha sido seleccionado para participar en el festival Encontros da Imagem en Braga (Portugal) asociado a PHotoEspaña 2018, donde podrá verse del 21 al 23 de septiembre. Por nuestra parte, simplemente felicitar a Cristina y agradecerla que nos hiciera llegar su trabajo.

Cristina Galán | Página web | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | Sean Foley retrata el ambiente nocturno de las calles de Hong Kong con una estética ochentera

Fotografías de Cristina Galán reproducidas con permiso de la autora para este artículo

Aunque sin duda André Kertész esté entre los Grandes Maestros de la Fotografía esto no siempre fue así. Tal y como os contamos hace tiempo, este fotógrafo húngaro se quejó amargamente de no haber obtenido en vida el reconocimiento que merecía. Nosotros tampoco le hemos prestado mucha atención, cosa que nos proponemos corregir a continuación.

Su fotografía navegó entre el reflejo de la sociedad en la que vivía, con una mirada especial para los más desfavorecidos, y el surrealismo de muchas de sus imágenes, muy influenciado por las corrientes vanguardistas de principios del Siglo XX con la que tuvo un contacto muy directo gracias a los años pasados en París.

En cualquier caso, Kertész tuvo una vida intensa que puede dividirse en cuatro etapas, las primeras correspondientes a los tres principales lugares en los que vivió (su Hungría natal, el París de principios del SXX y el Nueva York de los años 30 y en adelante), más una última en la que (sin moverse de NY) por fin su trabajo fue reconocido a nivel internacional.

Hungría y la Primera Guerra Mundial

Nacido en Budapest en 1894, creció en el seno de una familia judía relativamente acomodada (su padre murió siendo él joven) y estudió comercio para trabajar en la Bolsa a pesar de que no le gustaba nada. Además, en su familia estaba mal visto que quisiese ser artista, por lo que tuvo que aprender fotografía de forma autodidacta y comprarse su primera cámara (una ICA de placas de 4,5×6 cm) con su primer sueldo.

Este joven durmiendo es considerada una de sus primeras obras.

Con ella se dedicó a hacer fotografías en su tiempo libre de los campesinos y los gitanos magiares (ahí empezó su interés por los temas sociales) además de los paisajes de la Gran Alföld (“la Gran Llanura Húngara”). En 1914, con 20 años, fue enviado al frente de batalla de la primera Guerrra Mundial, como parte del ejército austrohúngaro y allí se dedicó a hacer fotos. Aquellas imágenes mostraban cómo era la vida de los soldados en las trincheras, pero acabaron la mayoría destruidas durante la revolución húngara de 1919.

Aquello acabó cuando en 1915 Kertesz fue herido en un brazo (que quedó parcialmente paralizado) y le devolvieron a casa. Bueno a casa no, porque estuvo bastante tiempo hospitalizado, aunque lo aprovechó para seguir haciendo fotos. Una de ellas, ‘Nadador bajo el agua, Esztergom, 1917’, (que habéis visto en portada) es una de sus fotos más conocidas y muestra a un nadador distorsionado por el agua.

Aquella imagen formaba parte de una serie más amplia que se perdió, pero la idea inspiró a Kertész y provocó que años más tarde lo acabara materializando en una de sus series fotográficas más famosas titulada precisamente ‘Distorsions’. Por cierto que de aquella época (1917) data la publicación de su primera fotografía en la revista húngara Érdekes Újság.

Una fotografía de su serie 'Distorsions'.

Finalizada la guerra, Kertész regresó a su puesto en la bolsa de valores húngara donde conoció a Erzsebet Salomon (más tarde Elizabeth Saly), quien se convertiría en su esposa y modelo de muchas de sus fotografías. Por supuesto siguió haciendo fotos, incluso llegó a dejar el trabajo para tratar de dedicarse a la agricultura.

Pero finalmente la fotografía le tiró más y aunque ya hacía años que Budapest se le quedaba pequeño y pensaba en trasladarse a París, por entonces un hervidero cultural, no fue hasta 1925 cuando por fin se decidió a dar el salto. Y lo hizo en buena parte alentado por la publicación de una de sus fotos en la portada de aquella revista que en 1917 ya había elegido una de sus fotografías.

París, la ciudad de la luz

Así, finalmente y a pesar de no contar con la aprobación de su familia, en 1925 se mudó al París de las vanguardias (sin tener ni idea de francés y dejando atrás a Elizabeth hasta que pudiera establecerse) y no tardó en darse a conocer. Allí se cambió el nombre (originalmente era Andor) y se unió al creciente grupo de artistas que formaban parte del dadaísmo y demás vanguardias que se desarrollaban por aquella época, como el surrealismo y el cubismo.

Entre ellos, por supuesto, había fotógrafos como Man Ray, Germaine Krull, Brassaï y Robert Capa (estos dos últimos emigrados del Imperio Austrohúngaro como Kertész), pero también había otros artistas como Chagall o Mondrian. Precisamente en el estudio de éste último Kertész haría una de sus imágenes más famosas: ‘Chez Mondrian - 1926’ (“En casa de Mondrian”).

‘Chez Mondrian – 1926’

Aquello fue el comienzo de su etapa más reconocida (y, posiblemente, la más feliz) con una amplia producción fotográfica que incluía retratos de sus nuevos amigos y escenas callejeras, que a partir de 1928 realizaba ya con una Leica dejando atrás las placas. Su obra es expuesta y reconocida, publica en distintas revistas y recibe encargos de otras, realiza varios libros y también tiene tiempo para proyectos personales.

En 1933 retoma la idea de las distorsiones que materializa por fin creando la serie ‘Distorsions’, en la que mostraba los cuerpos desnudos de modelos reflejadas en un espejo deformante. En 1934 se publica una foto en el revolucionario semanario Vu y al año siguiente ya pasa a ser uno de sus principales fotógrafos.

‘La Danseuse burlesque – 1926’ otra de sus imágenes más famosas tomada en su época parisina

En el terreno personal, Kertész llegó a casarse en secreto con una fotógrafa francesa a finales de los años 20. Pero aquel matrimonio duró muy poco y Kertész volvió a Hungría en 1930 de visita y consiguió que Elizabeth se fuera con él poco después. Se casaron en 1933 y el fotógrafo empezó pasar menos tiempo con sus amigos artistas y fotógrafos para estar con su esposa, de la que no se separaría hasta el final de sus días.

Por entonces, el nazismo empezaba a emerger en Alemania y esto provocó un clima prebélico que hizo, entre otras cosas, que las revistas se volcarán en temas políticos que no interesaban a Kertész. Por eso, el fotógrafo empezó a tener menos trabajo y se planteó una nueva mudanza a “la tierra de las oportunidades”. Finalmente, en 1936, con un encargo para trabajar en los Estados Unidos y la Segunda Guerra Mundial en ciernes, se embarcaron ambos rumbo a Nueva York.

Otra imagen destacada de su etapa parisina.

En el “exilio” norteamericano

Kertész llegó a los Estados Unidos con la idea de darse a conocer como fotógrafo pero su periplo allí no fue fácil. Probablemente su traslado a los EE.UU salvó su vida y la de su esposa, pero también supuso el comienzo de una etapa negra para el fotógrafo, condenado al ostracismo por su origen húngaro (llegaron a prohibirle hacer fotos en exteriores por si era un espía) y el escaso interés de los editores americanos por su trabajo y talento.

Los discapacitados fueron uno de los temas que le llamaron la atención desde siempre.

Su ignorancia del idioma fue aún más perniciosa que en Francia y se encontró con que la vida en Manhattan era más dura de lo imaginado y que los americanos no eran tan amables cuando los fotografiaban como los parisinos. Solo y sin sus amigos “franceses” contactó con museos y medios estadounidenses que despreciaron su trabajo. En concreto, el director del departamento fotográfico del Museo de Arte Moderno de Nueva York criticó sus ‘Distorsions’, lo que sin duda no gustó a Kertész. Tampoco que la agencia Keystone, la que le había contratado, no cumpliera con las condiciones prometidas.

Todo esto le llevó pensar en la vuelta a París, pero para cuando reunió el dinero ya era imposible regresar por culpa de la guerra (y su origen judío). Por todo ello, años más tarde él mismo calificaría esta etapa como una “absoluta tragedia” que se alargó hasta la década de los sesenta. Y eso que en 1937 dejó de trabajar para Keystone y empezó a colaborar con revistas como Harper's Bazaar, Life y Look, aunque tuvo muchos problemas con sus editores por diversas razones que acabaron frustrándole.

Vogue también le ofreció un trabajo que él rechazó pensando que no iba a poder adaptarse a la forma en que se trabajaba en el mundo de la moda. También colaboró con la revista House & Garden de Condé Nast Publications quien en 1946 le ofreció un contrato de larga duración.

Un autorretrato del fotógrafo de 1976, cuando por fin empezó a tener el merecido reconocimiento.

Aquel trabajo por fin le permitido tener unos ingresos estables y vivir mejor tras muchos años de penurias. Y aunque los temas que fotografiaba eran limitados (y realizó pocos trabajos personales) y le obligaba a pasar mucho tiempo en el estudio, gracias a aquel trabajo Kertész recorrió los EE.UU visitando casas de famosos e incluso pudo salir del país y volver a París y Budapest.

También fue el comienzo de un nuevo período que supuso por fin cierto reconocimiento internacional, empezando por su primera exhibición internacional en 1946 en el Art Institute of Chicago formada principalmente por fotos de su serie ‘Day of Paris’.

Sin embargo el reconocimiento no llegó realmente hasta los años 60 cuando, ya liberado de su contrato con Condé Nast y tras recuperar por fin los negativos de su trabajo en Francia y Hungría (que habían quedado en París años atrás), intentó volver a la escena fotográfica internacional. En 1964, tras ser nombrado John Szarkowski nuevo Director de fotografía del MOMA, se inaugura la primera exposición de Kertesz en este Museo de Arte Moderno.

La muestra fue aclamada por la crítica y permitió que, por fin, Kertész fuera considerado una figura relevante dentro de los círculos fotográficos norteamericanos (claro que por entonces ya tenía 70 años). Fue a partir de entonces cuando pudo participar en numerosas exhibiciones por todo el mundo y recibió múltiples premios y condecoraciones.

Una de sus fotografías del Washington Square Park.

Por cierto que en 1952 se había mudado junto a su esposa a un apartamento cerca del Washington Square Park, lugar desde donde Kertész tomó algunas de sus mejores fotografías de esta etapa (mostrando el parque cubierto de nieve además de numerosas huellas y siluetas) gracias a un teleobjetivo. Este mismo apartamento fue el lugar donde vivían cuando Elizabeth murió (en 1977) por culpa del cáncer, y donde permaneció él hasta la suya (en 1985).

Fue allí también de pasó sus últimos años que en parte dedicó a hacer fotos con una cámara Polaroid que esta firma le regaló en los años 80. Por cierto que en 1984, un año antes de fallecer, André Kertész donó su legado (más de 100.000 negativos y 15.000 diapositivas en color, además de cartas y otros documentos personales) al Ministerio de Cultura francés.

Un “maestro de maestros”

Sin duda su vida no fue fácil y, como habéis visto, estuvo marcada por su lucha en busca del reconocimiento que él creía merecer, sobre todo a partir de su traslado al nuevo continente. Sin embargo hoy día es considerado como uno de los grandes maestros de la fotografía del Siglo XX, con una importante influencia sobre fotógrafos como Cartier Bresson o Brassaï.

Kertész (derecha) junto a Robert Doisneau en los Encuentros de Arlés (Francia) como invitado de la edición celebrada en 1975. Foto de Wikimedia Commons

Su obra, como comentábamos al principio, es bastante heterodoxa, con una buena parte de su trabajo que se encuadraría en el ámbito del fotoperiodismo y la fotografía callejera, con una mirada muy humanista. Por otro lado, otra parte de su producción estaría casi “en la otra punta”, con esas fotografías de cuerpos distorsionados fruto de sus coqueteos directos con el surrealismo y otras vanguardias.

En su trabajo tuvo mucho que ver una idea según la cual Kertész atribuía a la fotografía la capacidad de registrar la naturaleza real de las cosas. Por eso, su estilo fotográfico se basaba en una mirada lúcida, personal y muy íntima, casi poética. Fruto de ello son unas composiciones muy armónicas, con todos los elementos en su sitio y una gran capacidad para captar el momento adecuado. Sin duda un genio que merece nuestro reconocimiento.

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Todas las fotografías de Andre Kertesz extraídas del album Photography-Masters de Retrogasm

Sin duda, el día de tu boda no es un día cualquiera. Y si por fin ha llegado probablemente te asalten un montón de dudas y tengas que preparar mil cosas. Y entre ellas estará la elección del fotógrafo que va a inmortalizar el enlace, una tarea que sin duda tiene gran importancia teniendo en cuenta que en sus manos estará que todo quede bien inmortalizado para el resto de tu vida.

Foto de Kaboompics

Por eso, como es lógico, antes de contratar a un fotógrafo para tu boda tienes que sopesar bastantes cosas para asegurarte de que estás tomando la decisión correcta. Algo en lo que vamos a tratar de ayudarte con una serie de consejos y recomendaciones para elegir sabiamente al fotógrafo más adecuado para tu enlace. Allá vamos.

Elige bien tu estilo

Lo primero es tener bien claro, o al menos una idea, de cómo quieres que sean las fotos de tu boda; Osea, qué look quieres que tenga el reportaje. Un tema que ya tratamos hace tiempo y en el que básicamente podemos diferenciar entre tres estilos: El tradicional “de toda la vida”, otro de tipo artístico, cercano a la fotografía de moda, y un tercero de corte documental, muy de moda en los últimos tiempos.

Foto de the photographers helper

Estos tres estilos suelen implicar un tipo de fotografías más o menos diferenciadas, con imágenes tradicionales en el primero, fotografías muy cuidadas y poses estudiadas en el segundo, e imágenes mucho más improvisadas en el tercero (que “simula” el trabajo de un fotoperiodista), aunque por supuesto todos ellos se pueden interpretar de muchas maneras.

Además, hay que tener en cuenta también que una cosa es el tipo de fotos que se hagan y otra el aspecto final de las imágenes. Estas pueden ser muy diferentes si el fotógrafo aplica un fuerte procesado (para que, por ejemplo, predominen los tonos pastel), las convierte a blanco y negro con alto contraste o bien aplica una gama cromática determinada. Y, por supuesto, cada fotógrafo puede tener un estilo propio que aplique de forma regular a sus trabajos.

Foto de torbakhopper

En cualquier caso, tenemos que tener claro qué es lo que queremos antes de empezar a buscar al elegido, ya que nuestros gustos ayudarán a que la búsqueda sea más sencilla. Si no tienes ni idea, ya va siendo hora de que empieces a ver tendencias de fotografía de boda para que vayas pensando cómo te gustaría que quedaran las fotos de la tuya.

Adicionalmente, también debes empezar a pensar qué tipo de servicios quieres. Si el trabajo del fotógrafo se va a limitar al día de la boda o quieres también una sesión preboda y/o postboda, si vas a querer que te hagan un fotolibro o un libro tradicional, si quieres las fotos en papel, en CD o pendrive, etc, etc.

Fija un presupuesto

Una vez que tienes claro el estilo que quieres, sería el momento de fijar un presupuesto, aunque es cierto que es algo complicado. En algunos portales de planificación de bodas recomiendan dedicar al menos el 10% del presupuesto total de la boda a la fotografía, una cifra en la que nosotros no nos vamos a meter.

Lo que sí recomendamos es que no escatimes con el dinero. Piensa que es un día irrepetible y que unas buenas fotos serán el mejor recuerdo de esa cita tan especial. Como dice el fotógrafo Jairo Crema en su blog tienes que tener en cuenta que “es el legado visual que dejarás a las próximas generaciones. Te puedes comprar ahora un mueble y pensar que cuando ahorres más pues ya te comprarás otro mejor, pero con las fotos de boda no puedes, las fotos es algo en lo que solo inviertes una vez para siempre.”

Foto de Daniel Case en Wikimedia Commons

La opción barata de recurrir a un familiar/ amigo/ conocido que sabe de fotografía y está dispuesto (porque la fotografía de bodas no es nada sencilla) es muy arriesgada, porque puede salir bien pero también podría acabar en un completo fracaso, llegando incluso a la situación de que no tengas fotos de tu boda.

Así, lo ideal es pensar en una cantidad previa que pienses es adecuada para este apartado y, a partir de ahí, comprobar si es suficiente de acuerdo a la oferta del mercado. Lo mejor es tener la mente abierta y pensar si realmente merece la pena gastar una cierta cantidad para conseguir un reportaje del que te sientas orgulloso/a.

Busca con tiempo

Llega el momento de empezar a buscar al fotógrafo ideal, algo que te recomendamos hagas con mucha antelación. Seguramente pienses que no es algo que necesite tanto tiempo, pero piensa que ciertos fotógrafos pueden estar muy demandados. Esto te obligará a contratarlos con mucha antelación, por ejemplo un año, especialmente si tu ceremonia se celebra en fin de semana y durante la temporada alta de bodas (normalmente los meses de junio, julio y septiembre).

Foto de Mike Baird

Por supuesto, esto no es óbice para elegir con prisa. De hecho, por el contrario, lo mejor es mirar mucho y con tranquilidad, para estar seguro de que los candidatos elegidos son lo que estabas buscando. Por cierto que llegados a este punto hay que hablar brevemente sobre el tema de las exclusividades, que ya sabréis son habituales en los lugares de celebración de bodas y otro tipo de ceremonias.

Así, es posible que te encuentres con que la iglesia, el salón de bodas o cualquier sitio en el que lo celebres te quieran imponer un fotógrafo. En este caso, sopesa el trabajo que te ofrecen como uno más, pero no accedas porque sí. Tienes que saber que las exclusividades son ilegales y, por tanto, denunciables. Por eso, si no te convence, pide que te dejen elegir a otro fotógrafo por tu cuenta y, si aún así no ceden, considera la posibilidad de cambiar de sitio en vez de fotógrafo.

Foto de Comrade King

Pero volvamos a la tarea de buscar fotógrafos para localizar al ideal, algo para lo que desde luego Internet puede ser el mejor aliado. De hecho, no deberías limitarte a buscar fotógrafos en tu entorno sino en cualquier lugar del mundo (aunque está claro que eso puede suponer un coste extra), aunque por supuesto tampoco debes obviar las recomendaciones y referencias personales. Por ejemplo la de fotógrafos que hayan hecho los reportajes de boda de tus amigos/as. Eso sí, ten en cuenta que tus gustos pueden diferir de los de tus amigos, así que mira bien qué te ofrece el fotógrafo en cuestión y si se adapta a lo que quieres, especialmente a tu estilo.

Si no es el caso, inicia una búsqueda online para la que hay múltiples fuentes. Por ejemplo puedes recurrir a los directorios que suelen ofrecer portales especializados en bodas como Zankyou o Bodas.net y también a las recomendaciones de blogs del ramo como Casilda se casa, Petite Mafalda, La Champanera o Lucía se casa.

Por supuesto también se puede ojear algunas cuentas especializadas de Instagram o recurrir a asociaciones o páginas especializadas de fotógrafos como Unionwep o Fearless Photographers.

Elabora una lista de favoritos

Foto de Alethe en Wikimedia Commons

Cualquier fuente es buena para encontrar los posibles candidatos que concurran finalmente a ser el elegido para inmortalizar tu boda. Una vez hayas hecho una búsqueda exhaustiva, es recomendable que realices una lista de finalistas con los que más te gusten. Su número dependerá de ti y del estilo que quieres para el evento, pero te recomendaríamos no subir de diez.

Y es que el siguiente trabajo sería investigar más en profundidad a cada uno de los candidatos finalistas para conocerle mejor. Empezando por ver bien su trabajo, porque es importante no fiarse sólo de unas pocas fotos que hayas podido ver colgadas en una cuenta de Instagram. Muy al contrario, deberías procurar ver varios trabajos suyos, y a ser posible completos, para hacerte una mejor idea de qué te puede ofrecer (piensa que un reportaje de boda tiene que contar una historia).

Foto de Michael Gaida

También es recomendable buscar opiniones de clientes pasados y también puedes ir recopilando información sobre el fotógrafo, como su lugar de residencia y otros datos que pueda ofrecer en su web (siempre importante) para hacerte una idea previa de lo que te va a costar contratarle. Eso sí, no te dejes influir por posibles “ofertas gancho” que alguien pueda ofrecer, ni tampoco por fotos que hayan sido hechas en sitios increíbles que a lo mejor no tienen nada que ver con el lugar en el que se va a celebrar tu boda.

La última fase de este proceso sería entrar en contacto con ellos (quizá algunos ya hayan quedado descartados) para preguntar por su disponibilidad para tus fechas, un presupuesto aproximado y, si lo consideras oportuno, pedirle más muestras de su trabajo. A continuación sería el momento de un segundo contacto, que se recomienda sea personal, osea en una entrevista (si es posible por cercanía).

Éste será el momento de inquirir todos los datos que necesites sobre los servicios que te ofrece: Cuántas fotos entregan, cuánto tiempo dedican, qué es exactamente lo que cubren (casa de los novios, iglesia, salón…), si realizan sesiones de postboda/ preboda, cuántos fotógrafos cubrirán el evento, qué equipo utilizan (importante llevarlo todo duplicado), qué tipo de tratamiento de las imágenes hacen, cómo entregan las fotografías, si realizan copias de seguridad de las fotos, sus datos legales (si es un freelance o una SL…), etc. Y por supuesto de trasladarse cualquier petición especial, por ejemplo sobre el estilo concreto que quieres para tu reportaje.

Foto de Jan Kroon

Enterarse bien de todo lo que te ofrece cada uno de los candidatos será crucial para poder tomar la decisión final. Y también comprobar qué tal empatizas con el/la fotógrafo/a en cuestión. Piensa que si el profesional te parece un antipático probablemente esto no ayudará a que sonrías en las fotos.

Por cierto que sobre esto hay que asegurarse también de quien va a ser el encargado directo de hacer las fotos (si es la persona con la que te entrevistas o es otra). Es usual que los estudios de fotografía tengan distintos profesionales y puede que estés hablando con alguien que luego no va a ser quien haga las fotos.

Todo bien reflejado

Una vez has recopilado toda esta información, comparado los distintos candidatos, debatido con tu pareja y consultado con la almohada, llega el momento de decidir al elegido y contratarlo. Porque, por supuesto, debe haber un contrato por escrito en el que quede reflejado todo el servicio que se va a prestar, detallando todo lo que se ha acordado previamente.

Foto de Elvert Barnes

Todo tiene que quedar bien reflejado para evitar problemas posteriores y firmado por ambas partes. Ah y recuerda que todo es negociable, luego no te conformes con que te ofrezcan un contrato estándar que no se puede modificar y asegúrate de que todo lo pactado esté en el contrato.

Una vez firmado, ya puedes relajarte, pero no demasiado. Piensa que, para un resultado óptimo, lo ideal es que los novios y el fotógrafo vuelvan a verse antes del evento. Sobre todo para realizar una planificación previa del desarrollo de la boda y conocer sobre el terreno los lugares del evento, para que el fotógrafo conozca mejor dónde va a trabajar, qué luz se va a encontrar, etc.

El fotógrafo amigo o conocido

No podíamos acabar si dedicar un apartado especial a esto, la posible elección como fotógrafo de la boda a ese amigo/ familiar/ conocido que es fotógrafo/ tiene una buena cámara/ sabe de fotografía. Una opción que ya hemos apuntado (y de la que hemos hablado varias veces) es arriesgada pero que por supuesto no vamos a censurar.

Foto de Elias eliasfalla

En el caso de que el amigo sea un profesional habrá menos riesgo, aunque hay que considerar el grado de amistad porque en ningún caso el fotógrafo disfrutará del evento. En los otros dos casos hay que pensar muy bien si el riesgo a correr merece la pena. Porque ser fotógrafo de bodas no es nada fácil, así que dejar el trabajo en manos de alguien sin experiencia puede, como ya hemos apuntado, conducir al desastre.

Si aún así decides ahorrarte el dinero de contratar a un profesional, ahí van algunos consejos: Asegúrate de que sabe lo que hace, que cuenta con una cámara “de verdad” (y a ser posible que tenga otra más, aunque no sea tan profesional) y que sabe usarla. Y sobre todo asegúrate de que el día en cuestión lleva material de repuesto suficiente (básicamente tarjetas de memoria, baterías y/o pilas).

Además, procura hablar mucho con el/ella antes para que le quede bien claro el estilo que quieres, visita los lugares donde se celebrará la boda y haz pruebas, e incluso asegúrate de que va a ser capaz de realizar el retoque necesario para que las fotos queden como esperas.

Foto de Pedro de Sousa

Y con esto acabamos pero, como suele ser habitual, os animamos a participar con vuestras opiniones a través de los comentarios. Seguro que tenéis muchas anécdotas y podéis aportar mucho para que elegir un buen fotógrafo de bodas sea más sencillo.

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Foto de portada | Victor Grigas en Wikimedia Commons

Instagram TV llegó al mercado hace muy poco tiempo. La plataforma que quiere competirle a YouTube ha logrado cautivar a muchos seguidores de creadores de contenido. Y, aunque es una plataforma más pensada para la creación de contenido de vídeo, los fotógrafos también pueden sacarle provecho.

Aquí os mostramos seis cuentas para seguir y presentaros con ellas cómo podéis integrar IGTV a vuestra marca personal.

Jovana Rikalo

Esta fotógrafa está enfocada en la creación de fotografía artística de retrato con mucha influencia de la fotografía de moda. Su canal de IGTV está enfocado en fragmentos de sus producciones, pequeños cortos que muestran el contexto de las locaciones en las que trabaja y el estilismo que utiliza.

There will be shadows around you, dark ones. Be sure to follow only bright path, you will find it. #jovanarikalophotography #jovanarikalo #500pxambassador #whpimagination

De su canal, lo que me parece llamativo es la forma en que complementa su concepto de fantasía. Son pequeños fragmentos que se pueden grabar fácilmente durante una sesión fotográfica y que acompañadas de una música o un relato pueden ser un trailer a la serie de fotografías que capturaron en aquel lugar.

Stephen McMennamy

Este fotógrafo es muy conocido porque le gusta mezclar espacios, objetos, conceptos y demás… Es una cuenta muy divertida para seguir y su canal de IGTV está enfocado en mostrar vídeos bajo el mismo concepto de mezclar imágenes relacionadas con un concepto. Vale la pena seguir este trabajo tan cautivante.

record player + cookie Look, we all know that isnt just any ordinary chocolate cookie sandwich up there, but I didnt really want to play favorites over the brand name. Im not sure if everyone is familiar with the lesser know, Hydrox brand of chocolate cookie sandwiches. And though they are the originators of that particular style of cookie concoction, they clearly missed the boat on the name game... Hydrox came out in 1908 and Oreo in 1912... who knew I guess if youre still reading this, we all know now. Im not looking to stir up any trouble between Hydrox and Oreo, Im just letting you know the facts. I dont want any part of that mess. Sorry, that was a tremendous amount of ramp up just to say, heres a picture of a record player and cookie, but heres a picture of a record player and a cookie. Now Im off to scour the earth in search of a Hydrox cookie. #combophoto

De su canal de IGTV, lo que más rescato es que es una expansión de su temática general de mezclar imágenes. Así que, para aquellos fotógrafos que gustan explorar distintos medios, esta herramienta os da un espacio para crear vídeo sin quitar el enfoque en vuestro feed de imágenes.

Joel Robison

El fotógrafo canadience tiene un trabajo que se enfoca en la fotocomposición y en lo surreal. Así que en contraste, su canal de IGTV contiene pequeñas piezas de un minuto que resumen a modo de diario el mes entero.

"Catch The Flight" I'm just starting to get my bags packed for my next set of adventures. In one way it feels like a slower travel year but then when I looked at how many flights I've been on this year it added up quickly. This week I'll be heading to Prince Edward Island and then to Quebec and Vermont before flying over the ocean to the UK for a nice long visit. Perfectly fitting for #whpjourney and #mycreativesummer_summernights .

De su canal de IGTV, el crear un diario de actividades que muestre cómo es que uno ocupa el tiempo es muy buena idea. Muchos clientes quieren saber con quién trabajan y si ven que uno es una persona creativa que incluso saca contenidos a partir de grabar momentos durante el tiempo libre, seguro que se llevan una buena impresión.

Simone Bramante

Al ver el feed de Simone uno encuentra mucha fantasía, paisajes increíbles y el típico feed donde cada foto es para guardar en el tablero de Pinterest como referencias de estilo. Su canal de IGTV no se aleja mucho de eso, aunque estpa enfocado en el trabajo prncipalmente publicitario de este fotógrafo.

{ Spain - Almond } II of IV A journey across its botanicals to discover @bombaysapphireuks true Essence through incredibile places. A breathtaking view, quite another Era. Blue prevails on everything, drawing sinuous profiles between the rocks. The unspoiled nature of Murcia, place of origin of the intense almonds. #bombaysapphire #gin #botanicals #photographic #project #placesofBombay #ad

Al ver su canal, lo que me parece interesante es que el se presenta como director creativo y fotógrafo. En el feed de imágenes vemos a la persona detrás del objetivo, pero en su canal de IGTV vemos al creativo de agencia y sus publicidades. Una forma interesante de presentar distintos perfiles laborales.

Chris Burkard

Burkard es un gran fotógrafo de paisaje y viajes. Tiene un perfil muy interesante para seguir. Y su canal de IGTV se enfoca en complementar el trabajo fotográfico, en él encontrarán una conferencia y pequeños reels de las aventuras fotográficas.

This was my first view of The Great Sand Dunes. It was love at first sight last year. This same wind that created the lenticular clouds is responsible for creating the largest dune field in North America. Im excited to be back this week sharing my love for this place with a group of photography students at @ranchlands

Lo que más me llama a nivel de uso profesional es su vídeo de él dictando una conferencia. Muchas veces, la mejor forma de demostrarle a un cliente que uno es el fotógrafo indicado para cierto proyecto es demostrandole que uno es una autoridad en el tema. Y las conferencias y las publicaciones son los elementos que más ayudan a conseguir esa reputación. Así que podéis utilizar IGTV como plataforma para promover vuestras conferencias, vuestros talleres y mostrar por qué sois autoridades en vuestro campo fotográfico.

National Geographic

Es probablemente la revista referente de muchos de nosotros. Su feed está completo de imágenes impactantes desde el paisaje a la fotografía documental. Y su canal de IGTV arrancó con un fascinante documental de 47 minutos en formato vertical sobre el espacio.

Photo by @CristinaMittermeier | To the casual beach goer, the ocean may often seem like a desert vast expanses of blue water with little to catch your eye. If you spend enough time out there, however, every once in a while you get a surprise. Imagine how curious these four orcas were when they unanimously decided to spy-hop to take a better look at our small zodiac. Whales are sentient, intelligent animals that have emotions, grieve the loss of their pod members, and can hold sophisticated conversations with each other over vast distances. Their future is in our hands. Please visit @CristinaMittermeier to see why I need your voice, your influence and your energy to protect them from commercial whaling. #orcas #whales #stopthehunt #blackandwhite #ocean

Lo más importante de este canal es: Recuerden el medio para el que crean contenido. IGTV es una plataforma diseñada para el vídeo vertical. Veréis que casi todos los creadores que mencionamos tienen sus videos en horizontal. Sin embargo, Instagram le da prioridad a todo lo vertical, y la mejor forma de sacarle provecho es siguiendo este formato. NatGeo lo hace naturalmente por su gran equipo de comunicaciones, pero, ya que conocéis el truco, no lo hagáis mal.

Vosotros, ¿qué cuentas seguís por IGTV?

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El primer siglo de la fotografía fue una constante experimentación de cómo lograr las tomas, así implique crear una cámara desde ceros. Casos importantes hemos visto, cómo la cámara macro de David Fairchild hacia 1913. Pero esta es una de las construcciones fotográficas más emblemáticas: “La fotografía más grande del mundo del tren más hermoso del mundo.”

En 1899, el fotógrafo George R. Lawrence fue convocado por la compañía de trenes Chicago & Alton Railway. El propósito era fotografiar un tren muy especial que había sido construído con un estilo único para la época: Carros del mismo tamaño desde el vagón principal al trasero, una locomotora del mismo tamaño que los carros y un diseño que era estético y parejo. Hay que tener en cuenta que los trenes en aquella época eran un popurrí de carros de distintos materiales y estilos.

Como cuenta Atlasobscura, la cámara diseñada por Lawrence permitía cargar una placa de 3,04 metros de largo por 1,8 metros de alto. En el frontal contaba con una óptica diseñada y patentada por Carl Zeizz, el objetivo más grande que se había creado. Tenía un peso de 408 kilogramos. La fotografía final tenía unas dimensiones de 2,4 metros de largo por 1,37 metros de alto. Un gran equipo de personas tuvieron que cargar la cámara en distintos medios de transporte para llevarla al lugar de la toma. Se requirió de 15 personas para operar la cámara el día de la foto. Fue bautizada como 'Mamut'.

El trabajo de Lawrence le dio el gran honor de Excelencia Fotográfica Mundial, otorgado durante la Exposición de París. Aunque el fotógrafo fue puesto a prueba, pues la comunidad fotográfica no podía creer que una placa de ese tamaño pudiera existir o incluso ser revelada. Tras mostrar las pruebas suficientes Lawrence mantuvo en pié su nombre y su eslogan “Los hasta ahora imposibles de la fotografía son nuestra especialidad”. Además, de paso motivó a nuevos fotógrafos a seguir su ejemplo en la actualidad.

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Imágenes | Indiana Historical Society (web)

Se ha inaugurado en Madrid la exposición 'Terré', una retrospectiva dedicada a uno de los grandes fotógrafos del mítico Grupo Afal, Ricard Terré. En la Sala Canal de Isabel II y con el comisariado de Laura Terré, los aficionados de la fotografía podrán descubrir a un autor que por fin será reconocido como una figura fundamental.

De un tiempo a esa parte, las entidades culturales están rescatando del fondo del olvido las figuras de fotógrafos fastuosos que habían sido olvidados injustamente. Es verdad que todavía no tenemos en España un Centro Nacional de la Imagen (y parece que nunca lo tendremos por problemas con el movimiento de los archivos) pero desde las instituciones públicas y privadas están recuperando la memoria de los fotógrafos que deberíamos venerar de la misma forma que los clásicos que aparecen en los libros de historia. Y en esta ocasión tenemos la oportunidad de conocer a Ricard Terré.

La vida de Ricard Terré

Nació en 1928 en Barcelona y murió en 2009 en Pontevedra. Fue pintor antes que fotógrafo, cómo no. De familia técnica, él terminó pintando cuadros al óleo con las dos manos. Así que se terminó buscando un empleo de ilustrador en Barcelona, donde trabajó con uno de los más grandes caricaturistas de la época. Pero la fotografía llamó a sus puertas al mismo tiempo que tarareaba el ritmo del jazz que conoció clandestinamente en la ciudad (una música prohibida por la dictadura).

Barcelona 1957

Se apuntó a la Agrupación Fotografíca de Cataluña. Era la época del salonismo, donde primaba la técnica y el tipo de cámara por encima del sentimiento (me suena esta forma de ver la fotografía). Así que la naturaleza fue juntando a aquellos aficionados (no había escuelas ni talleres para aprender) que querían salir del atolladero cultural y empezaron a pasarse revistas extranjeras y a redescubrir a los maestros de antes de la guerra, como Catalá Roca.

Con estos amigos terminó fundando el grupo Afal en los años 50. Muchos vieron la oportunidad de profesionalizarse. Pero él ya tenía una familia con tres hijos y no quiso arriesgarse. Siguió con su empresa y a cambio fue uno de los más firmes defensores del cambio en la mentalidad del que hoy somos deudores todos los fotógrafos.

Barcelona 1957

Uno de los aspectos que marcó su carrera fue la fidelidad a los temas: en la exposición podemos ver sus cruces, sus semanas santas, la vida, el Carnaval y la muerte. Y siempre con un estilo perturbador, directo, contrastado y sin un ápice de paternalismo ni crueldad. Quizás con ironía. Las cosas son como son. El espectador es el que verá, según su forma de ser, si el fotógrafo es cruel o un fiel amigo.

Barcelona 1958

Y lo mejor de todo es que nunca se repite. Su fotografía tiene dos periodos: de 1955 a 1969 y de 1982 a 2005. Siempre con la Tri X (película de blanco y negro que aguantaba todo) cargada. Durante esos diez largos años en blanco perdió las ganas de disparar. Pues bien, no se notan los diez años de inactividad. Él mismo era el estilo. No era una pose ni algo estudiado. Nació fotógrafo.

La exposición en la Sala Canal de Isabel II

'Terre', la exposición que podemos ver hasta el 11 de noviembre en la sala de fotografía más impresionante de Madrid, tiene pocas copias vintage por un sencillo motivo. Como podemos leer en el catálogo, en el texto de Christian Caujolle, el mismo Ricard se encargó de romperlos. Hay muy pocos y es una pena. Así es la única manera de conocer la obra en su contexto, aunque la impresión sea pequeña.

En este sentido llamó mucho la atención el trabajo de Cualladó, por el excesivo contraste de sus copias para el gusto actual. A pesar de todo, y gracias a que la comisaria es su hija, una de las mayores especialistas que tenemos sobre fotografía en España, seguro que estamos viendo lo que a él le gustaría.

Laura Terré con la fotografía más icónica de su padre

Son 110 fotografías en blanco y negro. Con película TriX, con negativos de Hasselblad y Leica (que podemos ver en la exposición). Algunas muy grandes, perfectas, como sus dos trabajos más conocidos, el niño con la vela partida o la famosa niña bizca de comunión. La exposición está montada por temáticas. En ningún momento sigue un hilo cronológico. Así que lo mejor es empezar la exposición de arriba abajo. Siempre que voy a esta sala me subo en los ascensores de otra época y marco la 3ª planta. Y luego se baja andando. Es la mejor forma de disfrutarla...

Seguro que después de ver sus fotografías, tomadas con un angular, en un poderoso y contrastado blanco y negro, directas con un toque de ironía, saldrás con ganas de pillar tu cámara y conseguir algo que se acerque al trabajo de Ricard Terré. Y si puedes, mira el catálogo, que es el mejor recuerdo que queda de una exposición, y llévatelo a casa después de pagarlo. No te arrepentirás.

‘Terré’

Del 8 de septiembre al 11 de octubre Sala Canal de Isabel II

C/ Santa Engracia, 125 28003 Madrid

Horario De martes a sábados de 11.00 a 20.30 h. Domingos y festivos de 11.00 a 14.00 h.

Entrada gratuita

En Xataka Foto| 'Cualladó esencial', la retrospectiva de un fotógrafo que marcó con su mirada

El 4 de septiembre de 2008 moría Françoise Demulder, una de las mejores fotógrafas francesas, víctima de un cáncer. Han pasado 10 años desde entonces y su figura se recuerda estos días. Ella es la autora de una de las fotografías más estremecedoras de la guerra del Líbano en 1977 y de algunos de los retratos más significativos de los líderes políticos. Es momento de recordar a Françoise Demulder.

Françoise Demulder nació en París en 1947. Aunque su vida parecía que iba a ser tranquila en Francia, ella apostó por la lucha contra la guerra y a favor de la justicia y la libertad. Estudiante de filosofía y con una pequeña carrera de modelo, decidió ir con un billete solo de vuelta a Vietnam a principio de los 70 con su entonces pareja, el fotógrafo Yves Billy. No había nada previsto en ese viaje que terminó marcando su vida.

By Hans Peters / Anefo - Nationaal Archief, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38969692

La guerra de Vietnam empezó en 1955. Duraría hasta 1975 cuando los últimos norteamericanos fueron expulsados del país, algo que solo Françoise Demulder sería capaz de fotografiar. Pero no nos adelantemos y vamos a ver qué cambió en la cabeza de nuestra fotógrafa para terminar convirtiéndose en una de las fotógrafas de guerra más importantes del siglo XX, aunque su nombre hoy no sea recordado.

Cómo se convirtió en fotógrafa de guerra

En aquel viaje a Vietnam todo cambió en su cabeza. O quizás solo encontró la excusa perfecta para convertirse en lo que fue. Para buscarse la vida y poder conocer más a fondo la realidad de un país envuelto en una guerra política encontró una solución: hacer fotografías para venderlas luego a Associated Press por 20$. Fue la guerra de la imagen. La más vista, la más retransmitida... y la que provocó que los fotoperiodistas lo tuvieran cada vez más complicado en las sucesivas confrontaciones. Se dieron cuenta de que la imagen puede terminar lo que los políticos empiezan.

Imagen del vídeo Karantina Massacre by FRANCOISE DEMULDER - Pour la petite histoire

Pero volvamos a Françoise Demulder. Se dio cuenta de lo que podía hacer con una cámara entre las manos. Así que empezó a profundizar en el arte de la fotografía en la mejor escuela del mundo, la cruda realidad. Se especializó en lo que pedía la sociedad en aquel momento cuando estabas en Vietnam y querías acabar con la realidad, la fotografía de guerra. Y con su carisma pudo moverse por todo el país con ayuda del ejército norteamericano, que entonces no dudaba en ayudar a la prensa gráfica.

Así aprendió los rudimentos de uno de los trabajos más duros que existen dentro de la fotografía. Quizás no es la mejor forma pero a algunas personas les basta con la práctica. Quizás tardaba más en conseguir el disparo pero en esta profesión está visto que la intuición funciona. Desde luego no a todo el mundo, pero a Françoise Demulder le sirvió.

De hecho cuando todos los extranjeros tuvieron que salir del país ante la inminente victoria, ella fotografió, el 30 de abril de 1975, la simbólica llegada de los tanques del Vietcong a Saigon. Solo hubo un profesional en aquel momento y fue ella. Allí empezó su fulgurante carrera, con el apodo de Fifi, que según cuentan las crónicas le puso el mismísimo Arafat. Una de sus frases más conocidas es:

Odio la guerra pero me siento obligada a documentar que el inocente es siempre el que sufre, mientras que el poderoso se vuelve más y más rico.

Ganadora del premio World Press Photo 1977

A finales de los años 70 las mujeres se hicieron un hueco en la profesión: la propia Françoise Demulder, Catherine Leroy y Christine Spengler empezaron a llamar la atención a las agencias por la calidad de sus fotografías. Entonces se empezó a apostar por la calidad de la mirada. No importaba quién estaba detrás de la cámara.

De Vietnam fue a todos los países de Asia sudoriental y Medio Oriente. Cubrió eventos en Cuba, Pakistán y Etiopía... La fotografía que le dio fama internacional la hizo en 1976 y le dieron el prestigioso premio en 1977. A lo más jóvenes seguro que les suenan las guerras en Oriente Próximo. Conflictos que llevan más de lo que nos gustaría pensar.

Françoise Demulder estaba en Beirut, documentando el principio de la guerra civil libanesa. En la fotografía observamos a una mujer palestina suplicando a un soldado de las Falanges Libanesas armado. El fondo es sobrecogedor y somos incapaces de imaginar un buen final para los que salen. El pueblo siempre como víctima de las guerras por peleas políticas y de religión. Ese disparo certero, más justo que el que pueda conseguir cualquier pistola, llamó la atención del jurado del concurso más prestigioso de fotoperiodismo.

Página de la web del WPP

Se convirtió en la primera mujer en ganar semejante premio. Aunque nunca fue reconocida como una de las grandes, como si sucede con Christine Spengler, por poner un ejemplo, marcó el camino para abrir la profesión y demostrar que solo importa la mirada:

Cuando Françoise Demulder vino a Ámsterdam para recibir su premio a la Foto Mundial de Prensa del Año en 1977, le dijo al periódico holandés Het Vrije Volk que había entrado en la zona cristiana el día que la Falange decidió "limpiar" el barrio de Karantina. Los cristianos iban de casa en casa en el barrio palestino. Le dispararon a todos los que estaban allí. Había 350 civiles que huyeron de sus casas llorando. Los palestinos salieron con banderas blancas en sus rifles. Pero los falangistas seguían disparando, sin importar a quién golpeaban. Nunca antes había experimentado un odio tan fanático". Según Demulder, solo la niña y su hijo en el fondo de la imagen sobrevivieron a la masacre.

Françoise Demulder murió en 2008, después de cinco años de enfermedad en los que llegó a perder la movilidad de sus piernas. Llegó a salir en la novela 'A walking guide' de Alan Cowell e inspiró a Michael Alan Lerner para el personaje de la fotoperiodista de 'Deadlines'(2004). El día de su muerte la ministra Cultura de Francia señaló que Francia había perdido 'a una mujer notable, una gran fotógrafa y una reportera de guerra de un coraje excepcional. artista y testigo de nuestros tiempos'.

En Xataka Foto| #NoSinFotógrafas, una campaña que pretende promover la igualdad efectiva de la mujer en el ámbito de la fotografía

Richard Avedon es uno de los mejores fotógrafos de la historia. Y tiene algunas de las obras más importantes de la fotografía. Hoy nos vamos a fijar en uno de sus míticos retratos más perturbadores, el célebre 'Retrato de los duques de Windsor' en el que fue capaz de reflejar la realidad de una pareja que intentó engañar al mundo.

No podemos olvidar que estamos ante un retrato de la realeza. Que estamos en el año 1957 y que los duques eran de la nobleza europea. Que vendieron una historia de amor que encandiló al mundo entero. Y Richard Avedon tuvo el poder de desenmascararles con una fotografía certera que no les gustó y aún así, se publicó. En el hotel Waldorf Astoria, en la suite 28A, también es posible la humanidad.

Solo tenía una hora para fotografiarles. Y ellos no quisieron poner las cosas fáciles, no les caía bien. Querían un retrato al uso. Ellos se creían grandes porque sus familiares, por privilegios de sangre, lo eran. Y querían salir como lo hicieron sus antepasados: altivos, inalcanzables, perfectos...

Así que a Richard Avedon se le ocurrió contarles una mentira cruel. Una mentira que sabía que iba a hacer daño a los duques. Les dijo que había atropellado a un perro al llegar al hotel. Eso cambió la expresión de los personajes, obsesionados con los perros, y él consiguió la fotografía más natural de los nobles. Esa fotografía pasó a la historia y desarmó a todos.

Detalle

Las expresiones de ambos no se corresponden con lo que espera un espectador. Espera algo amable, directo y cercano. No espera esa mirada desasosegada del duque y el desconcierto de la duquesa. Puede parecer cruel. Pero las fotografías de Richard Avedon destilan una psicología que explica todos y cada uno de sus trabajos. No solo se parece a Goya por el uso genial del fondo neutro.

La historia que Richard Avedon quiso contar en una fotografía

Antes de llevarse las manos a la cabeza tenemos que conocer el contexto. Richard Avedon era uno de los fotógrafos más prestigiosos de Nueva York. Y por extensión, del mundo. Había alcanzado una posición única en el mundo de la fotografía. Creó un estilo propio a partir de la devoción que sentía por Martin Munkácsi. La fotografía de moda cambió desde que él empezó a trabajar con su Rolleiflex.

Él fue el que dio vida a las modelos. Gracias a él ríen, lloran, bailan y juegan. Simbolizan el estilo de las ropas que llevan. Y fue capaz de llevar al extremo la psicología de los grandes maestros de la pintura. Cada retrato suyo bebe de las fuentes de Goya o Velázquez. Con solo mirarlos somos capaces de entender cómo son las personas que retratan. Y por supuesto cómo era él mismo.

Uno de los momentos más dolorosos de su vida, la muerte de su hermana en una institución mental, le marcaron de tal modo que fue incapaz de ver la belleza como algo estático y digno de devoción. Quizás no pudo olvidar las palabras de su madre a su hermana: 'Eres tan hermosa que no necesitas hablar'. Y se negó rotundamente a seguir el consejo familiar. Así que siempre enseñaría la verdad.

En un libro de Richard Avedon

El duque de Windsor fue el rey Eduardo VIII pero abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una rica mujer de los Estados Unidos. En aquella época fue un escándalo que se casará con el duque después de dos divorcios... Pero más polémico fue la simpatía del matrimonio hacia Hitler, con el que se llegaron a entrevistar como representantes de su país. Era tanta la simpatía del dictador al matrimonio que incluso lamentó su abdicación. Y desde entonces era vox populi la relación de los duques con las ideas del nazismo.

Y eso es lo que quiso sacar Richard Avedon en la famosa fotografía. La venganza de un fotógrafo de familia judía. Incluso se cuenta que la idea le vino al recordar como sus padres preparaban las instantáneas familiares con coches y perros que no eran suyos... En esta foto también están presentes, aunque de otra forma... De todas formas, Avedon fue claro. Uno de sus comentarios recurrentes al hablar sobre dicha imagen es que estos señores amaban más a los perros que al pueblo judío.

Es un ejemplo perfecto de una buena fotografía de retrato. No hay que hacer una fotografía de carnet, sino mostrar la cruda realidad que cada uno quiere esconder. Y esta imagen dura, directa, en primer plano, implacable al mostrar el paso del tiempo en su versión más cruda. No vemos solo a los duques. Podemos adivinar la mirada de Richard Avedon.

En Xataka Foto| Oda personal al gran Richard Avedon

Esta tarde se inaugura el que será el segundo museo en España dedicado a un fotógrafo (tras el de Pérez Siquier), en este caso a la gran Cristina García Rodero, en la localidad que la vio nacer. En concreto, se ubica en las instalaciones del Museo Municipal de Puertollano (Ciudad Real) y albergará en principio más de 300 obras, de las cuales dos terceras partes serán de la fotógrafa homenajeada.

En la inauguración se realizará la apertura de la sala permanente, que mostrará una colección de fotos de la artista (con obras adquiridas por el Ayuntamiento junto a otras fotografías de distintas series donadas por coleccionistas privados y la propia García Rodero) y además la exposición temporal ‘Rituales de Haití’ compuesta de 185 imágenes. La experiencia del visitante se completará con otras salas dedicadas a distintos artistas, que en principio contará con el trabajo ‘La huella de la mirada. Fotografía y sociedad en Castilla-La Mancha 1839-1936’ del historiador Publio López Mondéjar.

Como era de esperar, la inauguración contará con la presencia de la Premio Nacional de Fotografía que también fue la primera española en entrar en la Agencia Magnum, quien ha colaborado con el ayuntamiento de Puertollano para acondicionar el espacio que alberga su museo con la idea de que se convierta en un reclamo cultural de primer orden.

Más información | Ayuntamiento de Puertollano

En Xataka Foto | 13 mujeres fotógrafas con un trabajo que nos encanta y que te invitamos a conocer

Foto de portada | Exposición de Cristina García Rodero en la Fundación Cerezales compartida en Wikipedia

Los premios Leica Oskar Barnack (LOBA) celebran la relación entre el ser humano y su entorno. En junio os presentamos los finalistas de la edición 2018. El ganador de la categoría principal fue el fotógrafo belga, Max Pinckers con su serie ‘Red Ink’.

El trabajo de Max fue capturado mientras asistía la reportería de Evan Osnos, periodista de The New Yorker. Ambos estaban asignados a ir a Corea del Norte. Como es de esperarse, el régimen dictatorial del país asiático no permite liberar imágenes que muestren la dura realidad del país. Los extranjeros periodistas y aquellos que buscan investigar sobre la vida norcoreana son llevados por una presentación preparada y falsa que muestra la cara falsa de este lugar.

En vez de combatir y tratar de sacar imágenes que pusieran en riesgo su estadía y su trabajo, Pinckers utiliza el flash de manera especial para hacer lucir estas escenas preparadas como fotografías de catálogo. Esta relación documental y comercial le permitió mostrar la falsedad presentada por el gobierno norcoreano. Una serie llamativa y poderosa. El fotógrafo comentaba en The New Yorker que “hay cierta subversividad en ese tipo de escenas montadas. Uno nunca puede poner un dedo en ellas. Uno no puede estar seguro de nada”.

El fotógrafo belga ha participado en ediciones pasadas del LOBA, además de haber expuesto a nivel internacional y publicado cuatro libros. Pueden ver el compendio total de las imágenes en la página oficial del certamen.

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Más en Xataka Foto | Estas son las fotografías finalistas del prestigioso certamen Leica Oskar Barnack Award 2018

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Imágenes | Max Pinckers via LOBA 2018

Todos hemos oído decir aquello de que “si tu foto no es lo suficientemente buena es porque no estabas lo suficientemente cerca”. Esa mítica frase del gran Robert Capa es de las más famosas, pero a lo largo de la historia de la fotografía ha habido muchos otros que (además de hacer buenas fotos) han dejado para la posteridad algunas citas de esas que merecen una lectura atenta por parte de todos los que amamos este arte.

Por eso os traemos esta recopilación de 100 de las mejores frases de fotógrafos de todos los tiempos que han realizado los colegas de Digital Camera World y que esperamos os sean muy inspiradoras. Como vais a ver, las frases están organizadas de acuerdo a distintos temas, y por cuestiones prácticas os las ofrecemos divididas en dos partes. Sin más, vamos a ello:

¿Qué es la fotografía?

1. “La fotografía para mí no es mirar, es sentir. Si no puedes sentir lo que estás mirando, entonces nunca lograrás que los demás sientan nada cuando miren tus fotos”, Don McCullin.

Foto de Don McCullin extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

2. “Hacer una fotografía es más bien como escribir un párrafo o una pieza corta, y realizar una serie completa de fotografías es como producir un escrito de muchas maneras. Existe la posibilidad de hacer declaraciones coherentes de una manera interesante, sutil y compleja”, David Goldblatt.

3. “La fotografía es una respuesta que tiene que ver con el reconocimiento momentáneo de las cosas. De repente estás vivo. Un minuto después no hay nadie. Acabo de ver cómo se evapora. Miras en un momento y hay de todo, al momento siguiente se va. La fotografía es muy filosófica”, Joel Meyerowitz.

4. “Fotografía con sinceridad y eficacia es ver debajo de las superficies”, Ansel Adams.

5. “Fotografiar un pastel puede ser arte”, Irving Penn.

6. “No se puede enseñar a la gente a hacer fotografías, deben aprenderlo de la mejor manera posible. Pueden aprender mirando imágenes ... pero en realidad no se relacionan íntimamente con el medio hasta que han logrado algunas malas tomas”, Cecil Beaton.

7. “El alfabeto no es lo importante. Lo importante es lo que estás escribiendo, lo que estás expresando. Lo mismo ocurre con la fotografía”, Andre Kertesz.

Foto de Andre Kertesz extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

8. “Mucha gente parece pensar que el arte o la fotografía tienen que ver con la apariencia de las cosas o su superficie [...] No entienden que no se trata de un estilo, una apariencia o una configuración. Se trata de obsesión emocional y de empatía”, Nan Goldin.

¿Qué determina una buena foto?

9. “Si te hace reír, si te hace llorar, si te arranca el corazón, esa es una buena fotografía”, Eddie Adams.

10. “La fotografía es verdad. Y el cine es verdad veinticuatro veces por segundo”, Jean-Luc Godard.

11. “Si no tienes nada que decir, tus fotografías no van a decir mucho”, Gordon Parks.

12. “Las mejores imágenes se diferencian por matices ... Una relación pequeña, ya sea una armonía o una discrepancia, crea una imagen”, Ernst Haas.

Foto de Ernst Haas extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

13. “El hecho de que la gente use Instagram y tome fotos con teléfonos móviles no significa que las imágenes sean significativas, de la misma manera que un texto que alguien envía a un amigo no es una gran literatura. ¿Es algo que va a permanecer? ¿Nos va a inspirar?”, Steve McCurry.

14. “Para mí, una fotografía es una página de la vida, y esa es la cuestión, debe ser real”, Weegee.

15. “Una buena fotografía es como un buen sabueso, tonto pero elocuente”, Eugène Atget.

16. “Las mejores imágenes son las que conservan su fuerza e impacto a lo largo de los años, independientemente de la cantidad de veces que se vean”, Anne Geddes.

17. “Una fotografía es una colisión entre una persona con una cámara y la realidad. La fotografía suele ser tan interesante como la colisión”, Charles Harbutt.

18. “Una buena imagen nace de un estado de gracia. Esta se manifiesta cuando uno se libera de las convenciones, libre como niño en su primer descubrimiento de la realidad. El juego es organizar el triángulo”, Sergio Larrain.

Sobre los principios fundamentales de la fotografía

19. “La fotografía no se trata de lo fotografiado. Se trata de cómo se ve esa cosa fotografiada”, Garry Winogrand.

20. “La magia de la fotografía es metafísica. Lo que ves en ella no es lo que viste en ese momento. La verdadera habilidad de la fotografía es la mentira visual organizada”, Terence Donovan.

21. “Se necesita mucha imaginación para ser un buen fotógrafo. Se necesita menos imaginación para ser pintor porque se puede inventar cosas, pero en fotografía ... Se necesita mucho mirar antes de aprender a ver lo extraordinario”, David Bailey.

Foto de David Bailey extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

22. “Por supuesto, siempre habrá aquellos que solo miran la técnica, que preguntan ‘cómo’, mientras que otros, de naturaleza más curiosa, preguntan ‘por qué’. Personalmente siempre he preferido la inspiración a la información”, Man Ray.

23. “La fotografía es un medio en el que si no disparas a menudo no lo haces del todo, porque las cosas no ocurren dos veces. Una roca probablemente siempre será más o menos exactamente como la viste ayer. Pero otras cosas cambian, no siempre están ahí el día después o la semana posterior”, Paul Strand.

24. “En última instancia, la simplicidad es el objetivo en todas las obras de arte, y lograr la simplicidad es una de las cosas más difíciles de hacer; sin embargo, es la más esencial”, Pete Turner.

25. “Debes dejar que la persona que mira la fotografía haga algo para terminarla. Deberías ofrecerles una semilla que crecerá y les abrirá la mente”, Robert Doisneau.

26. “Toda la técnica en el mundo no compensa la incapacidad de darse cuenta de algo”, Elliott Erwitt.

Foto de Elliott Erwitt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre cómo enfrentarse a una sesión fotográfica

27. “No dispares a lo que parece, hazlo a lo que transmite”, David Alan Harvey.

28. “Nunca le dediques demasiado tiempo a una cosa, porque tu alma está en esa imagen”, Ruth Bernhard.

29. “La clave es fotografiar tus obsesiones; ya sean manos de gente mayor o rascacielos. Piensa en un lienzo en blanco, porque eso es lo que tienes, y luego piensa en lo que quieres ver, nadie más”, David Lachapelle.

30. “Mis palabras favoritas son posibilidades, oportunidades y curiosidad. Si tiene curiosidad, crea oportunidades, y si abre las puertas crea posibilidades”, Mario Testino.

31. “La satisfacción viene de trabajar junto a 500 fotógrafos y salir con algo diferente”, David Burnett.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

32. “Creo que una fotografía, de lo que sea (un paisaje, una persona…) requiere una participación personal. Eso significa conocer a tu sujeto, no solo criticar lo que está frente a ti”, Frans Lanting.

33. “No puedo decirte cuántas fotos me he perdido, ignorado, pisoteado o por cualquier otra razón, solo porque estaba empeñado en obtener la toma que yo creía que quería”, Joe McNally.

34. “Trata de entender no solo que vivimos en un determinado edificio o en un lugar concreto, sino que debemos tomar conciencia de que vivimos en un planeta que está avanzando a gran velocidad a través del universo. Para mí es más un sinónimo. Yo leo una foto no por lo que realmente está sucediendo allí, sino más por lo que está sucediendo en nuestro mundo en general”, Andreas Gursky.

35. “La trampa de la fotografía es que puedes terminar mirando todo a través de una cámara, en lugar de verlo por ti mismo. El visor te aísla. Cuando miras a través de uno estás eliminando todo lo demás de tu visión. La cámara puede abrir muchas puertas, pero a veces es necesario dejarla de lado y vivir”, Maggie Steber.

36. “Si hubiera sabido cómo sería la foto no lo haría. Es casi como si ya estuviera hecha ... El desafío es más sobre tratar de hacer lo que no se puede pensar”, Cindy Sherman.

Foto de Cartier Bresson extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre la importancia del instinto

37. “Si quieres hacer buenas fotografías la cámara tiene que ser una segunda piel para ti. Dedicar demasiada atención a las decisiones técnicas puede interferir en tus procesos creativos”, Robert Farber.

38. “Sería un error suponer que cualquiera de las mejores fotografías se obtienen mediante un proceso inteligible; es como todo arte, esencialmente el resultado de un proceso intuitivo, recurriendo a todo lo que el artista es, más que a cualquier cosa que él piense y mucho menos a lo que sepa”, Helen Levitt.

39. “Me parece que las mujeres tienen más posibilidades de éxito en la fotografía que los hombres ... Las mujeres son más rápidas y más adaptable. Y creo que tienen una intuición que les ayuda a comprender las personalidades más rápidamente que los hombres”, Lee Miller.

Foto de Lee Miller extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

40. “Es muy difícil decir hacia dónde vas hasta que llegas. Ese tipo de cosas se basa mucho en el instinto. Como fotógrafo, una de las lecciones más importantes que aprendí es que debes aprender a escuchar y confiar en tu propio instinto. Me ha ayudado a guiarme, al menos por ahora”, James Nachtwey.

41. “La técnica sin duda ayuda a hacer la fotografía mágica, pero prefiero trabajar con la atmósfera. Creo que la obsesión por la técnica es algo masculino. Juguetes de chicos. Les encanta jugar ... Pero una vez que hayas perfeccionado algo, debes comenzar a buscar un juguete nuevo. Prefiero buscar un nuevo modelo o ubicación”, Ellen von Unwerth.

42. “La fotografía concentra el ojo en lo superficial. Por esa razón oscurece la vida oculta que brilla a través de los contornos de las cosas, como un juego de luces y sombras. Uno no puede atrapar eso incluso con la lente más nítida. Uno tiene que andar a tientas para sentirlo”, Franz Kafka.

43. “Consultar las reglas de composición antes de hacer una fotografía es como consultar la Ley de la gravedad antes de salir a caminar”, Edward Weston.

Foto de Edward Weston extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

44. “*Las mejores fotos ocurren cuando te mueves al margen de tu propia comprensión. Ahí es donde es probable que surjan la duda y los riesgos. Cuando uno confía en lo que sucede a un nivel no intelectual, no consciente, puede producirse un trabajo que luego resuene, a menudo de una manera en la que no puede articular una respuesta *”, Jerry Uelsmann.

45. “*El secreto de la fotografía es que la cámara adquiere el carácter y la personalidad del que la lleva”**. Walker Evans.

46. ”La cámara es un instrumento notable. Empápate de tu sujeto y la cámara te llevará de la mano”, Margaret Bourke-White.

Foto de Margaret Bourke-White extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

47. “*Nace un testigo y se unen los rompecabezas en el momento fotográfico, que es muy simple y completo. El dedo índice presiona la liberación de la tonta máquina y detiene el tiempo y retiene lo que las mandíbulas pueden abarcar y lo que la luz manchará”**, Lee Friedlander.

Sobre la técnica fotográfica

48. “La artificiosidad autoconsciente es fatal, pero ciertamente no afectaría estudiar la composición en general. Tener una comprensión básica de la composición ayudaría a construir una imagen mejor organizada”, Berenice Abbott.

Foto de Berenice Abbott extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

49. “Directamente me acerco a la gente, y lo hago porque es la única forma en que se puede conseguir la foto. Debes acercarte. Incluso ahora, no me resulta fácil. No pido permiso ni me anuncio. Simulo estar enfocando a otro lado. Si tomas una foto de alguien es muy difícil no mirarla justo después, pero es la única cosa que da el juego de distancia. No trato de esconder lo que estoy haciendo, sería una locura”, Martin Parr.

50. “El Blanco y negro son los colores de la fotografía. Para mí simbolizan las alternativas de esperanza y desesperación a las que la humanidad está sometida para siempre”, Robert Frank.

Foto de Cecil Beaton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

¿Qué os parecen? Esperamos que os haya resultado inspiradoras y os emplazamos a leer la segunda parte de las frases célebres dichas por fotógrafos.

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (y II)

Foto de portada | Autorretrato de Lee Friedlander extraído del album Photography-Masters de Retrogasm

Terminamos el especial sobre frases inspiradoras de grandes fotógrafos que empezamos ayer con las primeras cincuenta sentencias. En esta ocasión vamos a ir con las restantes entre las que vais a encontrar citas igualmente interesantes de fotógrafos de todos los tiempos.

Sobre técnica fotográfica (continuación)

51. “Cuanto más específico seas, más general será”, Diane Arbus.

52. “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas, es que no estás lo suficientemente cerca”, Robert Capa.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

53. “Al hacer una toma estás siendo selectivo, luego editas las imágenes que deseas publicar y vuelves a ser selectivo. Desarrollas un punto de vista que quieres. Intentas entrar en una situación con la mente abierta, pero luego formas una opinión y la expresas en tus fotografías”, Mary Ellen Mark.

54. “Limita tus herramientas, concéntrate en una cosa y haz que funcione... Te vuelves muy inventivo con las restricciones que te impones”. Anton Corbijn.

55. “Muchos fotógrafos piensan que si compran una cámara mejor podrán tomar mejores fotografías. Una cámara mejor no hará nada por ti si no tienes nada en la cabeza o en el corazón”, Arnold Newman.

56. “Eres responsable de cada parte de tu imagen, incluso las que no te interesan”, Jay Maisel.

57. “La pieza más importante del equipo después de la cámara es un buen par de zapatos. Un escritor puede trabajar desde la habitación de un hotel, pero un fotógrafo tiene que estar allí, por lo que tiene que caminar mucho”, David Hurn.

58. “Durante el trabajo, debes estar seguro de que no has dejado ningún agujero, de que has capturado todo, porque después será demasiado tarde”, Henry Cartier-Bresson.

59. “Por mucho que juegues con los colores o los papeles de impresión nada transformará una fotografía común en otra cosa que no sea una fotografía común”, Bill Brandt.

Foto de Bill Brandt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

60. “Estoy muy preocupado por perfeccionar mi técnica algún día. Tengo que decir que es desafortunado ver cuántas de mis imágenes dependen de algún error técnico”, Sally Mann.

61. “Aquellos que quieren ser fotógrafos serios realmente van a tener que editar su trabajo. Tendrás que entender lo que estás haciendo. Y vas a tener que hacer algo más que disparar, disparar y disparar. Pararte a mirar tu trabajo es lo más importante que puedes hacer”, Annie Leibovitz.

62. “Si quieres ser mejor fotógrafo, ponte delante de cosas más interesantes”, Jim Richardson.

63. “Nunca dejes de mirar, no importa dónde estés, en todas partes hay buenas fotografías”, Art Wolfe.

64. “Te vuelves técnicamente hábil, quieras o no, cuantas más fotos tomas”, William Eggleston.

65. “Mira muchas exhibiciones y libros, y no te obsesiones con las cámaras y las cosas técnicas. La fotografía es sobre imágenes”, Fay Godwin.

66. “Cuantas más fotos veas, mejor serás como fotógrafo”, Robert Mapplethorpe.

67. “Uno de los errores más grandes que cometen los fotógrafos es no tener un trabajo que defina sus intereses y fortalezas. Nadie te va a contratar por lo que dices que te gusta hacer. Tienes que demostrarles que eres capaz de hacerlo primero”, Ami Vitale.

68. “Sé tú mismo. Prefiero ver algo, aunque sea torpe, que no se parezca al trabajo de otra persona”, William Klein.

Foto de William Klein extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

69. “El azar siempre está ahí. Todos lo usamos. La diferencia es que un mal fotógrafo se encuentra con ello una vez cada cien, y un buen fotógrafo encuentra oportunidades todo el tiempo”, Brassaï.

70. “Un fotógrafo es un acróbata pisando el hilo del azar, intentando capturar estrellas fugaces”, Guy Le Querrec.

71. “Hay un momento breve en el que todo lo que hay en la mente y el alma del hombre se refleja en el espíritu a través de sus ojos, sus manos y su actitud. Ese es el momento de disparar”, Yousuf Karsh.

72. “Solo obtienes un amanecer y un atardecer al día, y solo pasas un determinado número de días en la Tierra. Un buen fotógrafo hace sus cálculos y no desperdicia el tiempo”, Galen Rowell.

Sobre cómo retratar a las personas

73. “Una cosa es hacerse una idea de cómo es una persona; otra cosa es hacer un retrato de quién es”, Paul Caponigro.

74. “Un primer plano fotográfico es quizás la forma más pura de retrato, creando un enfrentamiento entre el espectador y el sujeto que la interacción diaria hace imposible, o al menos descortés”, Martin Schoeller.

75. “Para mí, la cara (los ojos, la expresión de la boca) es lo que refleja el carácter. Es la única parte del cuerpo que nos permite ver a la persona por dentro”, Philippe Halsman.

76. “Todos tenemos una especie de máscara de expresión. Dices adiós, sonríes, tienes miedo. Intento quitar todas estas máscaras y poco a poco restar hasta que quede algo puro. Una especie de abandono, una especie de ausencia”, Paolo Roversi.

77. “Nunca pienso en un disparo antes de hacerlo. Porque no hay una fórmula para las personas. Lo que trato de hacer es quitar todo en lugar de ir con nociones preconcebidas. Si hago eso, podría extrañar una gema o una joya que la persona me ofrece”, Platon.

Foto de Eve Arnold extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

78. “Las personas son conscientes del poder de una cámara, y esto instintivamente hace que la mayoría se sientan incómodas y rígidas. Pero me enseñaron a permanecer en un lugar lo suficiente, sin fotografiar, para que la gente se sintiera cómoda conmigo y con la presencia de la cámara”, Lynsey Addario.

79. “Un buen retrato es la relación que se establece entre dos personas, tiene que haber alguien delante de la cámara y alguien detrás”, Jeanloup Sieff.

80. “No importa si estás fotografiando a un portero en un mercado en Marrakech o al rey de Marruecos. Tienes que tener el mismo enfoque compasivo para todos. En general, tienes que ser amable con todos”, Albert Watson.

81. “Con la mayoría de las personas a las que he tomado fotografías he tenido una conversación. ‘¿Cuáles son tus metas y aspiraciones?’ ‘¿De qué se trata?’ No se trata solo de que yo capture la imagen, sino que quiero saber de qué se trata”, Jamel Shabazz.

82. “Un retrato no está hecho en la cámara sino a cada lado de ella”, Edward Steichen.

83. “El fotógrafo, incluso en la moda y el retrato, tiene que tener un punto de vista. Es importante saber lo que representa ¿no? La mayoría de la gente solo toma fotos que no representan nada. Siguen las tendencias y no saben porqué”, Peter Lindbergh.

84. “No necesito saber nada sobre las personas que fotografío, pero es importante que reconozca algo de mí mismo en ellas”, Rineke Dijkstra.

Sobre cómo encontrar tu pasión

85. “Si pasa un día sin que haga algo relacionado con la fotografía, es como si hubiera descuidado algo esencial para mi existencia”, Richard Avedon.

86. “¿Cuál de mis fotografías es mi favorita? La que voy a hacer mañana”, Imogen Cunningham.

Foto de Imogen Cunningham extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

87. “No hay una línea divisoria entre aventura y fotografía”, Chris Noble.

88. “Hay un momento en que la gente dice que tu trabajo es revolucionario, pero tienes que seguir siendo revolucionario. No puedo seguir retratando a estrellas del pop toda mi vida. Tienes que seguir cambiando, seguir presionándote, buscando lo nuevo, lo inusual”, Rankin.

89. “Uno realmente debería usar la cámara como si mañana fuera a ser ciego”, Dorothy Lange.

90. “La fotografía es algo que aprendes a amar muy rápido. Sé que muchas, muchas cosas me van a pedir que me tomen fotos y las tomaré todas”, Jacques-Henri Lartigue.

91. “Creo que si alguna vez me siento satisfecho, tendré que parar. Es la frustración lo que te impulsa”, Eve Arnold.

Las mejores citas cortas

92. “Fotografía solo lo que amas”, Tim Walker.

93. “No escribí las reglas. ¿Por qué debería seguirlas?”, W. Eugene Smith.

94. “Si pudiera contar la historia en palabras, no tendría que cargar con una cámara”, Lewis Hine.

95. “Los primeros diez mil disparos son los peores”, Helmut Newton.

Foto de Helmut Newton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

96. “Fotografía: Tantos intentos, tan pocas obras maestras”, James Elliott.

97. “Por cada negativo que acaba en desilusión, hay uno que es una alegría”, Edward S Curtis.

98. “Fotografía es 1% de inspiración y 99% de muebles en movimiento”, Gregory Heisler.

99. “Es más importante hacer clic con la gente que hacer clic en el obturador”, Alfred Eisenstaedt.

100. “La gran fotografía es sobre la profundidad de los sentimientos, no sobre la profundidad de campo”, Peter Adams.

Foto de Andreas Feininger extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Con esto hemos terminado con las frases célebres de fotógrafos. ¿Qué os han parecido? ¿Echáis en falta alguna que queráis añadir?

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Vía | Digital Camera World

Foto de portada | Autorretrato de Vivian Maier extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

El glamour es una de las ramas de la fotografía de retrato más comerciales que existen. En este tipo de fotografía se busca mezclar el estilo, destacando el mejor ángulo del sujeto, sus habilidades frente a la cámara y hacer que todos deseen a esa persona. Es, a su vez, una gran escuela de retrato clásico que hay que observar.

Por eso hoy os traemos tres consejos basados en el trabajo de George Hurrell, uno de los retratistas de glamour más representativos de la historia de la fotografía.

No pasar un chance

La historia de Hurrell comienza cuando estudiaba arte. Durante la universidad, él se enfocaba en la pintura. La fotografía era un elemento de lado que servía para capturar referencias de elementos y escenas que pudieran servir para su arte.

Es durante la escuela que él conoce un maestro de la escuela que lo invita a Laguna Beach a vivir una temporada y estar dentro de la movida. Ahí conoce a Florence Leonthine Lowe, una mujer con mucho dinero, amiga de algunos de los actores más famosos de la época, además de ser una de las figuras más influenciadoras de un círculo de personas importantes.

Florence fué uno de sus primeros sujetos fotográficos importantes. Hurrell la ayudó a tomar las fotos requeridas para obtener un permiso de aviación en la época. Gracias a que las fotos eran muy buenas, Florence presentó a Hurrell y Ramón Novarro (el actor más pago de MGM de finales de los veinte), quien luego le presentó a la actriz Norma Shearer (ganadora de un premio Óscar), gracias a quien se volvió el retratista oficial de los actores de MGM y una de las figuras más importantes durante la época del Star System Hollywoodense, y posteriormente en el ámbito más comercial de la fotografía.

Hay que hacerlos lucir elegantemente sensual

El motivo principal del éxito de Hurell en Hollywood era la facilidad que él tenía de entender los mejores rasgos de las personas, para hacerlos lucir perfectos. La reacción principal de sus sujetos era verse y sentirse ‘sexys’.

El caso de la foto de Norma Shearer es el claro ejemplo. La actriz quería un rol en ‘La Divorciada’, pero su marido le había negado siquiera presentarse al casting pues “no era lo suficientemente sexy”. Hurrell sacó unas magnificas fotografías mostrando que la actriz no era la típica chica americana, sino que podía ser una diva sensual. Estas fotos le dieron el rol por el cual fue ganadora del premio de la academia.

En la fotografía de Hurell solo se ve elegancia, poder y sensualidad. Lo que la mayoría deseamos sentir al vernos en la imagen.

El rostro es la prioridad número uno

Algo que se cumple en todos los retratos de Hurell es que el rostro saca a relucir sus mejores característcas. Sean los labios y pómulos de Carole Lombard, los ojos llenos de poder de Greta Garbo, o la sensualidad general de Anna May Wong. En las fotografías de este artista el rostro es lo primero que vemos.

Hurrell manejaba un esquema triangular tradicional en general, pero tampoco tenía miedo de apagar las luces, de buscar las sombras fuertes y profundas. De mezclar direcciones de luz de manera extraña.

Todo se vale, siempre y cuando el rostro siga siendo el protagonista.

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Imágenes | The Estate of George Hurell (web)

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