En el mundo de la fotografía puedes encontrar la respuesta a muchas cosas. Es una forma perfecta de expresarte. Como muchos escritores solo tienes que buscar tu sitio. Luis Camacho encontró su lugar en la Gran Vía de Madrid, y desde que nos enseñó a mirar a través de sus ojos, ha recorrido un gran camino que le ha llevado hasta la sede del Instituto Cervantes de Belgrado.

El trabajo de Luis Camacho es fruto del esfuerzo. De horas detrás de la luz en la calle más madrileña. No son fotos encontradas. Son imágenes buscadas, registradas primero en su cabeza para volcarlas en el sensor de su cámara con un objetivo fijo. La idea era registrar la vida de la calle, de la Gran Vía, siempre a la misma hora, cuando el sol cae y se descubre el baile entre las luces y las sombras.

Luis Camacho

Luis Camacho es una fotógrafo que dejó el sueño del cine por la realidad de la fotografía. Fue miembro fundador de la Asociación Fotográfica Villaverde y miembro del añorado colectivo de fotografía documental Calle 35. Durante años recorrió este lugar que le llevaba una y otra vez a llevarse la cámara al ojo. Y todo surgió por un proyecto que inició con otro compañero que también fotografiaba la Gran Vía, pero la de Villaverde. Lo que le llevó a ganar el premio FotoCAM 2013, entre otros muchos.

Luis Camacho

Cuando terminó aquel proyecto, no pudo dejar de insistir en un lugar insustituible y de obligada peregrinación cuando no está invadido por las fiestas. Una calle con más de cien años que ha perdido la mayoría de sus cines a cambio de tiendas. Sin embargo sigue estando viva, desde el mítico edificio Metrópolis hasta la plaza de España.

Buscar un proyecto

Una de las cosas más interesantes de la serie de Luis Camacho, y de la que todos deberíamos aprender, es la búsqueda del proyecto. Es lo que nos permitirá mejorar como fotógrafos. Profundizar en una idea y desarrollarla hasta encontrar la línea que queremos seguir.

Luis Camacho

En el texto que acompaña la exposición recuerda que los fundadores de la agencia Magnum se repartieron el mundo en cuatro grandes regiones para cubrir todo lo que pasaba en el planeta. Ahora somos tantos fotógrafos que podríamos trabajar en nuestro pueblo, nuestro barrio o calle y documentaríamos la realidad como nadie, pues nunca se trabaja mejor como en la zona que dominas.

Sabes cómo amanece, dónde cae la luz, cuándo salen las abuelas y entran los nietos. Conoces los bares y las fiestas, las noches de drama y los ratos de alegría. Una idea fantástica sería seguir la idea de Luis Camacho y que un conjunto de fotógrafos contara cómo es la vida en cada una de las calles de su ciudad... Un proyecto en el que me encantaría participar sin duda ¿A quién no?

Gran Vía, una resonancia urbana

Es el nombre de la exposición. Es el retrato vivo de una de las arterias más importantes de la ciudad madrileña. Como dice el fotógrafo Rafa Badia en el texto de la exposición:

Me fascina el "Gran Vía" de Luis Camacho por un doble motivo: me encanta su mirada (ése uso de las luces, ésas composiciones barrocas y a la vez muy sencillas) y el tema elegido, una calle emblemática que, en mi opinión, mejor resume el espíritu de esta ciudad de la meseta. Reconozco que tengo una relación ambivalente con las aceras que, durante años, Luís se ha trabajado a fondo: me produce atracción-rechazo, en tanto que mantuve con ella, durante los 18 años que viví en Madrid, una intensa relación de amor-odio. "Fascinante", "enérgica" "amable", "agresiva", o "peligrosa" son adjetivos aplicables a esta calle plagada de comercios, cines y mucha vida. Un espacio social que Luis ha sabido captar a la perfección mediante retazos, aspectos fragmentarios donde abundan las miradas, los reflejos, el encuentro y desencuentro entre los seres humanos, figuras de paso que conviven con la publicidad, el sueño colectivo en grandes dimensiones.

Luis Camacho

Ya estuvo expuesta hace años en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada. Pero seguro que volverá a pisar tierras españolas para poder apreciar una forma de mirar única, en la que la luz convierte en un escenario barroco una calle en continuo cambio.

Esta serie se puede disfrutar ahora en la sede del Instituto Cervantes de Belgrado hasta el 20 de junio de 2018. Seguro que se convierte en una exposición itinerante...

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En Xataka Foto| Fotógrafos de calle (II): 13 fotógrafos españoles a los que seguir la pista

El sábado asistimos a un encuentro con Isabel Muñoz, premio Nacional de Fotografía 2016, en la galería Blanca Berlín. Aquí es donde actualmente expone su trabajo 'Agua'. Encontramos en este nuevo proyecto una forma poética de contar los peligros que acechan la supervivencia de los mares.

Isabel Muñoz (1951) no para de trabajar. Por su cabeza bullen ideas por doquier. Y de su mirada brotan sin cesar fotografías vivas y sensuales. Esa es su marca, la pura vida enmarcada en platinos, un proceso noble, del siglo XIX, del que ha conseguido sacar incluso el color y ha combinado con la época digital.

En la galería Blanca Berlín podemos ver hasta el 21 de abril 'Agua':

Inicié este proyecto atraída por la belleza de los entornos marinos y como llamada de atención ante los peligros que amenazan su supervivencia. El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a cambio. Damos por sentado que su riqueza es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no somos capaces de cuidar de sus tesoros, si seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo habitan, si continuamos vertiendo residuos que pondrán fin a la biodiversidad marina si no reaccionamos a tiempo?

Isabel empezó a fotografiar su pasión: el cuerpo y la danza. El baile. Ahí están en el recuerdo sus primeras series como 'Tango'. Pero muy pronto volcó todo su saber en la denuncia de las injusticias. Ella no se calla y aunque tiene la entrada prohibida en algunos países (algunos no pueden olvidar 'Maras'), es incapaz de parar. Es una fotógrafa social.

'Agua' como denuncia ecológica

La visita guiada del sábado estuvo a punto de no poder realizarse. Después de trabajar durante jornadas de 11 horas debajo del agua (el proyecto sigue adelante) Isabel Muñoz se quemó la cara. Pero allí estaba, al pie del cañón, explicando cómo alguien puede utilizar el cuerpo para ilustrar una denuncia ecológica.

Isabel Muñoz Serie Bajo El Agua 2017

Hemos llenado el mar de plásticos. Hace poco ha muerto otro cachalote con más de 20 Kg de plástico en su interior. Con el paso del tiempo se descompone en pequeños pedazos que ingieren los peces que pescan de forma masiva y llega a nuestros platos. Nos estamos envenenando poco a poco. Y fingimos no darnos cuenta.

Y aquí es donde entra Isabel Muñoz. Para contar el horror nos engancha con la belleza. Y decide sumergirse en el mar Mediterráneo y en los mares de Japón con bailarines y gente relacionada con el mar. Envueltos en telas, plásticos y por supuesto en la luz tenue que apenas toca la inmensidad del océano.

Hoy es ya una experta buceadora. Su primera experiencia vino cuando pudo fotografiar a los waterpolistas en las piscinas olímpicas antes de partir a los Juegos Olímpicos de Sidney. La visión de aquellos cuerpos atléticos la llevaron a recordar la primera vez que vio los cuerpos místicos de los techos de la capilla Sixtina. Desde entonces no ha dejado de soñar dentro del agua. Hasta hoy que lo vemos convertido en realidad. Y la belleza es una de las mejores armas para concienciar.

Los platinos de Isabel

Ella necesita tocar. Sentir. Y las platinotipias son su marca. Su identidad. La emulsión hay que prepararla. Elegir un pesado papel con textura, con tacto vivo. Y extenderlo con brocha por toda la superficie. Como hacían los grandes maestros del pasado.

Luego hay que crear un negativo tan grande como quieras. Porque como todo en su vida es un proceso de contacto. Piel contra piel. Y el calor de la luz para sensibilizar el noble material. Para terminar sumergido en el agua.

Isabel Muñoz Serie Bajo El Agua 2017

Así que lo que vemos expuesto es una obra única. Ahí se juntan como pocas veces la pintura y la fotografía. La emulsión solo agarra si los movimientos del pincel han sido firmes y constantes. El proceso es largo y difícil. Costoso. Pero no tiene nada que ver con una copia de impresora. Es un trabajo hecho enteramente con las manos. Con una reproducción perfecta de la luminosidad de los grises.

Y encima gran parte de lo expuesto es en color. Platinos en color. Un color particular y propio que le permite soñar. Y a los espectadores también. Porque saben que no están viendo el resultado de un viaje de ida y vuelta de un cabezal, sino el trazo de la emulsión transformado por la luz. Cuesta entenderlo si no has visto nunca un platino.

Isabel Muñoz Serie Bajo El Agua 2017

La exposición podemos verla en la galería Blanca Berlín hasta el 21 de abril. En la calle Limón 28. Y es un aperitivo de lo que está por llegar, la gran retrospectiva en Tabacalera por el premio Nacional de Fotografía.

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Meyerowitz es uno de los grandes fotógrafos americanos de los últimos tiempos, uno de esos clásicos imprescindibles en fotografia callejera a los que dedicamos un especial hace no mucho. Y aunque sobre todo es conocido por retratar las calles de las ciudades de los EE.UU a todo color desde los años 60 del siglo pasado, también fijó su mirada en otros escenarios como refleja el libro ‘Hacia la luz’ editado por La Fábrica.

En este volumen, el fotógrafo americano muestra lo que vio en su visita a Andalucía allá por los sesenta, la época en la que España empezaba a tratar de “ver la luz” más allá de las ataduras de la dictadura franquista. En concreto, el artista muestra 98 imágenes tomadas en Málaga en una estancia de seis meses entre 1966 y 1967 (acogido por una familia gitana), y en donde realizó más de 8.000 fotografías.

Estas fotos, según el editor, “constituyen un documento único de la España de aquella época […] la vida en las calles, los ambientes rurales, el genio flamenco, la dictadura franquista o el poder de la iglesia son algunos de los motivos que aparecen y que intentan ser explicados gracias a los textos de Francesco Zanot y Miguel López-Remiro, además de una conversación con el propio fotógrafo.

Joel Meyerowitz, Malaga, Spain, 1966 © Cortesía del artista. Cortesía Colección 'Per Amor a l'Art'

En ella, el propio Meyerowitz desvela (según la nota de prensa) “que se hizo fotógrafo en aquellos seis meses pasados en España, donde empieza a familiarizarse en esta época con la fotografía de calle, que tenía en Frank y Cartier-Bresson a sus grandes referentes”.

Las páginas de ‘Hacia la luz’, que incluyen tanto fotos en blanco y negro como en color, no siguen una historia sino que son “un choque de partículas procedentes de universos distantes, que generan combinaciones inéditas”, cuenta Zanot. Lo cierto es que la obra recoge la complejidad y el contraste de la sociedad española de aquellos años, maniatada por la dictadura, en la que frente a “la gente que vivía atrapada en su cotidianeidad, aparece el submundo de la cultura gitana, más abierta y distendida”.

Joel Meyerowitz, Malaga, Spain, 1966 © Cortesía del artista. Cortesía Colección 'Per Amor a l'Art'

El fotógrafo

Joel Meyerowitz se inició en la fotografía calejera siguiendo al maestro Robert Frank y pronto su trabajo llamó la atención hasta convertirse en un referente. Además, Meyerowitz tuvo un papel clave en el cambio de actitud hacia el uso del color (que él reivindicaba por su potencial semántico), y el fin de la “dictadura” del blanco y negro. Su primer libro, ‘Cape Light’, es considerado un clásico de la fotografía en color y ha vendido más de 150.000 ejemplares desde su publicación.

Este útimo, ‘Hacia la luz’, cuenta con 180 páginas en tamaño 24 x 31 cm y está editado en español e inglés. Puede adquirirse en librerías especializadas y en la web de La Fábrica con un precio recomendado de 32 euros. Además, el libro coincide con la exposición homónima que puede visitarse en el Centro de Arte Bombas Gens de Valencia hasta enero del próximo año.

Joel Meyerowitz, Malaga, Spain, 1966 © Cortesía del artista. Cortesía Colección 'Per Amor a l'Art'

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Foto de portada | Joel Meyerowitz, Malaga, Spain, 1966 © Cortesía del artista. Cortesía Colección 'Per Amor a l'Art'

Le conocimos a raíz de la entrevista con Pau Buscató, uno de los fotógrafos callejeros más conocidos del panorama nacional, quien le situaba entre sus referentes, y hemos querido acercarnos a él para mostraros una forma de ver el mundo muy personal.

Nacido en Salamanca y afincado en Oviedo, Chema Hernández fue pintor antes que fotógrafo y eso se nota en sus imágenes que tienen un toque pictórico evidente. Algo que se mezcla con un agudo sentido visual que le permite captar momentos memorables de la vida cotidiana.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de pintura, trabaja como profesor de enseñanza secundaria en la especialidad de artes plásticas. Un empleo que compagina con una afición fotográfica centrada en el ámbito documental y la foto de calle que le ha llevado a formar parte del colectivo VIVO de street photographers.

Muy buenas Chema, gracias por atendernos. Como siempre, empezamos preguntándote por tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo?

El primer contacto serio con la fotografía se produjo en la universidad, en los años 80. El tercer y cuarto curso de los estudios de Bellas Artes incluían la asignatura de fotografía donde practicábamos principalmente la de tipo documental y la de desnudo. Me hice con un equipo básico y empecé a revelar en casa película en blanco y negro. Los comienzos fueros duros y bastante frustrantes, ya que aprendía de manera prácticamente autodidacta y por el método de ensayo y error. Recuerdo que al principio estaba más preocupado por conseguir una imagen que por su contenido.

En aquellos años sin Internet el conocimiento provenía de los libros y las exposiciones. Desde el comienzo tenía claro que estaba más interesado en el género documental que en cualquier otro, quizás por idiosincrasia. Recuerdo hojear una y otra vez pequeños catálogos que llegaron a mis manos dedicados a Charles Harbutt, Cartier-Bresson o William Klein. A raíz de un viaje a Nueva York regresé con varios tomos sobre la agencia Magnum que confirmaron mi inclinación hacia este género fotográfico.

¿Cuándo y cómo dejaste de lado la pintura a favor de la fotografía?

Por aquel entonces practicaba principalmente la pintura ya que era la especialidad que había escogido en la universidad. Dejaba la fotografía básicamente para los viajes y para alguna que otra ocasión esporádica.

Con el tiempo realicé varias exposiciones de pintura y alguna de fotografía. Llegó un momento en que, por circunstancias familiares, tuve que abandonar el estudio de pintura, por lo que retomé la práctica fotográfica. Coincidió este momento con el descubrimiento por mi parte de la fotografía urbana contemporánea y los movimientos que se producían en relación con ella en las redes sociales.

Por ahora sigo fotografiando. ¿Volveré a la pintura? Supongo que sí. Puede que como Bresson, al final de mis días.

¿Cómo definirías el tipo de fotografía que haces? ¿Te defines como fotógrafo callejero o prefieres el término documental? ¿Por qué?

Supongo que el tipo de fotografía que yo practico se puede englobar en el género documental. Aunque no pretende un estudio en profundidad sobre un tema en concreto, sí habla de la vida en general y de la mía en particular. Quizás ese sea precisamente el tema: Mi vida. O acontecimientos que ocurren delante de mis ojos. Qué acontecimientos seleccionar y cómo hacerlo es la clave de todo este asunto.

El acercamiento a la realidad se produce en mi caso de la misma manera sea cual sea el escenario. Puede ser público o privado, con personajes conocidos o desconocidos. Este acercamiento se basa principalmente en la no interferencia. Para mí es importante que el fotógrafo no influya en el discurrir de los hechos. A veces es imposible, porque no puedes desaparecer del todo, pero se trata de minimizar esta influencia lo máximo posible.

¿Qué te parece el auge de la street photo que estamos viviendo en los últimos años?

Todo lo que suponga recordar de alguna manera el tiempo en que vivimos me parece positivo. Los grandes acontecimientos ya están en las hemerotecas. Necesitamos ser conscientes de lo cotidiano, de la vida que transcurre en las calles y en las casas.

¿Cómo definirías este género? ¿Dirías que el elemento más importante es la improvisación o estar preparado para captar el momento?

Las definiciones son peligrosas porque establecen límites. No sé cuáles son los límites de la fotografía urbana. Desde mi punto de vista debe existir el elemento diferenciador de la no interferencia del fotógrafo.

Dentro de la fotografía urbana existen diversas corrientes. Unas dan más importancia al contenido, otras a los aspectos formales, para otras es primordial el momento decisivo o los juegos visuales. La realidad es múltiple y permite interpretaciones variadas. Para mí es importante que exista un equilibrio entre el contenido y la forma, entre lo que la foto cuenta y cómo lo cuenta. También es deseable la participación del espectador aportando su propia interpretación a una representación abierta de la realidad. Considero que es importante que la foto "hable", que sugiera historias interesantes con lecturas diversas o que nos cuente cosas del propio fotógrafo, los temas que elige o cómo elabora la imagen.

En tus fotos hay una evidente influencia pictórica que viene de tu formación. Háblanos de ello…

Lo que cada uno es se refleja en lo que hace. A la hora de fotografiar se toman una serie de decisiones que son el resultado de múltiples influencias, no solamente culturales, también temperamentales. El sentido del humor, la relación con el entorno, la paciencia, la perseverancia... son características personales que pueden condicionar la elección de un tema, un punto de vista o un encuadre.

Al mismo tiempo, es importante tener presentes los elementos que forman parte del lenguaje visual y cómo componerlos. Las formas, el color, la luz, la textura son elementos esenciales en toda imagen. Quizás al haberlos utilizado en la realización de obras pictóricas los tengo más presentes a la hora de fotografiar. En alguna de mis imágenes predomina el uso del color o la composición sobre el contenido. Son imágenes que tienden hacia la abstracción, en consonancia con el tipo de pintura que practicaba.

Una característica que comparten la pintura y la fotografía que practico es la experimentación. Me interesa la variedad, la búsqueda de nuevos encuadres, composiciones y formas, pero siempre dentro de los límites de lo que se considera ortodoxo en este tipo de fotografía, con un procesado mínimo.

Trabajas como profesor de artes plásticas ¿te gustaría vivir de la fotografía? ¿crees que es posible hoy día?

Claro que me gustaría vivir de la fotografía, pero manteniendo la independencia creativa. Mi trabajo me permite esa independencia, pero a la vez me resta tiempo para dedicarme a ella. De todas formas, supongo que el tipo de fotografía que practico nunca me permitiría una solvencia aceptable en mis condiciones actuales. Hasta donde yo sé, la mayoría de fotógrafos callejeros tienen trabajos paralelos o se ganan la vida con talleres o charlas más que con la venta de fotografías o de libros. El tema comercial es un asunto que desconozco por completo.

Cambiando de tercio ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila normalmente?

Nada del otro mundo. Una cámara compacta (una Fujifilm X100T) y baterías. A veces un libro.

¿Eres de lo que llevas siempre tu cámara contigo a todas partes?

Antes sí, ahora un poco menos. De todas formas, todos llevamos siempre una cámara en el bolsillo. Ya sé que no es lo mismo, pero todo depende de cómo te plantees el hecho fotográfico. Desde hace un tiempo intento aprovechar las peculiaridades de las imágenes que produce el móvil de una manera expresiva, sacando partido de sus limitaciones. A veces el error es precisamente lo interesante.

Háblanos de tus referentes ¿A qué fotógrafos admiras especialmente?

Mi referente principal siempre fue Cartier-Bresson, sobre todo por temas de composición. También en los inicios me gustaba el sentido del humor de Richard Kalvar y la profundidad de Robert Frank. Más recientemente me interesa el trabajo de Saul Leiter, Trent Parke, José Manuel Navia, Cristobal Hara, Jeff Jacobson o Rinko Kawauchi.

¿Qué le dirías a alguien que empieza y no sabe en qué tipo de fotografía especializarse? ¿le recomendarías el tipo de foto que tú realizas?

Este tipo de fotografía tiene la ventaja de que es bastante accesible, pero a la vez es probablemente el género fotográfico en el que es más difícil conseguir buenos resultados. Las variables son muchas y el fotógrafo no puede controlarlas todas. Tampoco se producen grandes acontecimientos en los que apoyarse. Por eso mismo es también tan satisfactorio cuando consigues una buena imagen.

Cada uno tiene que elegir el tipo de fotografía en el que se sienta más cómodo, por su manera de ser o por los objetivos que pretenda conseguir.

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto? Simplemente mandarles un saludo y agradecerles la lectura.

Del mismo modo, nosotros agradecemos a Chema habernos accedido a la presente entrevista y contarnos su forma de ver la fotografía y, por supuesto, le deseamos mucha suerte.

Chema Hernández | VIVO | Flickr | Instagram

En Xataka Foto | “La cámara es lo de menos, lo que importa es el contenido”, Daniel Castro García, ganador del premio W. Eugene Smith Grant 2017

Fotografías de Chema Hernández reproducidas con permiso del autor para este artículo

Si sois amantes del arte moderno seguramente conoceréis a Mark Rothko, uno de los grandes del expresionismo abstracto. Rodrigo Roher, un fotógrafo salmantino especializado en fotografía de calle, sí le conocía y un buen día, tras hacer la foto que veis abajo, se le ocurrió que podía existir una asociación entre ella y uno de los cuadros del pintor. Así surgió ‘Marcus’, su útlimo proyecto.

“Es un proyecto personal ―nos cuenta Rodrigo― que parte de la abstracción de la obra de Mark Rothko para llegar a una materialización tangible y mundana de sus pinturas.” Tras esta primera imagen, el fotógrafo se puso a estudiar en profundidad la biografia del pintor, sus creaciones y motivaciones y, armado con su cámara, se lanzó a captar más instantáneas. A buscar "'mapas' o 'paisajes humanos' en algo tan mundano como la nuca de una persona" que pudieran equipararse a algunos de los cuadros de Rothko (no es la primera vez, por cierto, que vemos que alguien se inspira en este pintor para un proyecto).

Las equivalencias entre las fotos de 'Marcus' y la obra de Mark Rothko.

“No puedo ni pretendo capturar la magnitud de su trabajo, pero sí concretizarlo y alejarlo de la misticidad que rodea su obra. El resultado, paisajes humanos, Rothkos de 'pelo y piel' simulando la técnica del color field painting y utilizando como pincel la cámara y la luz”. La mayoría de las fotos están realizadas con una Fujifilm X-E3 utilizando un Fujinon 35mm ƒ2 ya que, según nos cuenta, “me permitía acercarme lo máximo posible sin ser sorprendido, ya que quería que todas las fotos fueran naturales, sin posar... (robadas por tanto)”.

Una técnica que, tal y como nos confiesa Rodrigo, practica en todas sus fotografías callejeras (que podéis ver en su web). Un género que lleva cultivando desde 2013 de forma autodidacta, según nos cuenta (a pesar de tener formación en Comunicación Audiovisual y Bellas Artes) y que le ha valido diversos reconocimientos en concursos de street photography. Por cierto que el autor ha presentado ‘Marcus’ a los Street Photography Awards de Lensculture, así que sólo podemos desearle suerte y disfrutar de su curioso trabajo.

Rodrigo Roher | Página web | Instagram | Flickr

En Xataka Foto | “Para mí es importante que el fotógrafo no influya en el discurrir de los hechos”, Chema Hernández, fotógrafo documental

Fotografías de Rodrigo Roher reproducidas con permiso del autor para este artículo

Las hemos visto tiernas, “deportivas” y hasta de época, pero pocas veces habíamos visto intantáneas de perros tan divertidas como las que el alemán Christian Vieler ha recopilado desde 2016 en su proyecto ‘Dogs Catching Treats’.

Traducido, sería algo como “Perros atrapando golosinas”, lo que sirve perfectamente para describir lo que son las imágenes: Canes a los que les lanza comida para poder "atrapar" con su cámara momentos únicos en los que muestran expresiones que rara vez podemos ver en un perro. Así, en las intantáneas es posible “reconocer el pánico, la alegría, el miedo a la pérdida, el puro deseo y el máximo placer, como si fueran humanos pero al mismo tiempo sin dejar de ser perros”, cuenta Vieler.

Según este fotógrafo alemán, la gente suele decirle que “los perros salen feos [...] pero suele venir principalmente de personas que no tienen perros. Para mí, sin embargo, las imágenes tienen su propia magia”. Sean feos o no, está claro que las imágenes llaman la atención, son muy divertidas y muestran una cara muy desconocida del que es “el mejor amigo del hombre”.

No cabe duda de que este antiguo periodista reconvertido a fotógrafo, y dedicado a la fotografía de perros a tiempo completo desde 2016, domina a la perfección esta popular pero normalmente complicada disciplina. Como podéis imaginar su trabajo no se limita a estas fotos que os mostramos (que son la vertiente más lúdica de su trabajo), sino que ofrece su estudio para realizar “retratos serios” a todo aquel que quiera contratarle. Por cierto que normalmente trabaja en Waltrop (Alemania) pero precisamente del 23 al 28 de este mes de abril estará en Mallorca trabajando.

Christian Vieler | Página web| Instagram

En Xataka Foto | Cómo fotografiar mascotas (y II): Trucos para lograr mejores fotos de perros

Fotografías de Christian Vieler reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hasta el 17 de junio está abierta en el Centro Niemeyer una muestra que indaga en la trayectoria de Franco Fontana, un fotógrafo italiano muy conocido por sus imágenes de saturados colores empleados en paisajes que tienden al abstracto. Más de 60 fotografías, que datan desde 1967 hasta 2017, componen ‘Franco Fontana. Fotografía’, una muestra antológica para conocer a un artista del que apenas hemos hablado en Xataka Foto.

Sin embargo, casi seguro que habéis visto alguna de sus fotografías, porque han sido utilizadas en multitud de campañas publicitarias y en portadas de publicaciones como Time, Life, Vogue France o The New York Times. Del mismo modo, Fontana ha sido protagonista de numerosas exposiciones y su obra está expuesta en multitud de museos, con lo cual la presente muestra puede ser una buena oportunidad para descubrirle.

La exposición incluye obras de cuatro de sus series más famosas: ‘Paisaje’, ‘Paisaje urbano’, ‘Serie asfalto’ y ‘Fragmentos’, y además también se pueden ver trece imágenes “originales de época” tomadas en los 60 y 70, algo que los organizadores describen como “realmente excepcional y que permite comprender la evolución del proceso creativo que ha llevado a cabo este singular fotógrafo”.

Lo cierto es que la muestra permite conocer una obra realizada íntegramente en soporte químico centrada en el color y en la “armonía geométrica de la naturaleza, fruto de una estudiada composición de la escena y de una medición de la luz absolutamente magistral. Sin manipulación ni artificios, todas las imágenes parten del proceso analógico, lo que da idea del control técnico que este autor despliega a la hora de realizar sus fotografías”, según la nota de prensa.

El autor

Su trabajo puede gustar o no, pero no cabe duda de que Franco Fontana (Módena, 1933) ha sido uno de los fotógrafos italianos más importantes de la posguerra y que su trabajo supuso una reinvención del color. Un color “que utiliza como medio de expresión a través de un nuevo análisis, a veces provocador, del paisaje natural y estructurado con la intención de encontrar nuevos signos, estructuras y superficies cromáticas que se correspondieran a su imaginación creativa”.

Como os podéis imaginar, este uso del color surgió como reacción ya que los comienzos de Fontana en fotografía se remontan a 1961, una época en la que el blanco y negro y el clasicismo compositivo aún eran predominantes. Por eso, el autor quiso investigar y descubrir su propio estilo, un estilo en el que el color y la búsqueda de nuevos ángulos y encuadres diferentes se convirtió en protagonista y derivó en unas imágenes con un toque abstracto y minimalista.

No cabe duda de que, sin dejar de ser paisajes (aunque también tiene una faceta más urbana y otra de desnudos), sus fotografías “se sitúan en el límite entre la representación y la abstracción, a través de una gran sensibilidad cromática y una capacidad compositiva igualmente notable. Las formas naturales se convierten en fondos de color sorprendentes y la vista se transforma en visión”.

Para Fontana, “la creatividad en fotografía no debe reproducir sino interpretar: debe hacer visible lo invisible”. De modo que, a través del color y la cuidada composición, el fotógrafo trata de despertar en el espectador emociones y sentimientos exaltando “al objeto tal cual es pero, por encima de todo, lo transforma en un sujeto que puede vivir con su propia luz”.

‘Franco Fontana. Fotografía’

Del 13 de abril al 17 de junio de 2018

Centro Niemeyer

Precio: Tres euros (reducida 2,5 euros)

Avda del Zinc S/N

33490, Avilés (Asturias)

Página web

En Xataka Foto | ‘Archivo Paco Gómez. El instante poético y la imagen arquitectónica’, nueva exposición en la Fundación Foto Colectania

Fotografías de Franco Fontana reproducidas con permiso para este artículo

A Pelle Cass, un fotógrafo norteamericano de Brookline (Massachusetts), ya os lo presentamos hace algunos años cuando nos llamaron la atención las fotografías de ‘Selected People’ que definíamos como un timelapse condensado en una sola imagen. Eso mismo podemos decir de su última serie, ‘Crowded Fields’, donde nos muestra campos deportivos vacíos de público pero repletos de deportistas.

El resultado es una especie de imágenes oníricas que se ajustan bastante bien a lo que es el nombre del proyecto, cuya tradución literal sería “Campos abarrotados”. Claro que, como decimos, lo que está lleno es el campo, donde el fotógrafo consigue mostrar las fases del juego como en una secuencia, mientras que las gradas permanecen prácticamente vacías.

“Mis protagonistas son los campos y estadios de Universidades y equipos de aficionados (especialmente de mujeres) de Boston (donde vivo) que suelen tener poca afluencia de público”. A través de estas imágenes Pelle intenta “transmitir una sensación de caos extático: ritmo, patrón y placer corporal que conspiran para convertir los deportes nuevamente en un juego”.

Para realizarlas, Pelle Cass utiliza una técnica que quizá ya habéis imaginado: “Pongo mi cámara en un trípode, tomo hasta mil imágenes y compilo las figuras seleccionadas en una fotografía final que es algo así como un timelapse. No cambio nada, ni un píxel, solo selecciono qué guardar y qué omitir. Todo sucedió tal como se ve, pero no al mismo tiempo”.

El resultado sin duda es impactante, como esas imágenes que se denominan “secuencia de acción” o "fotosecuencias" pero a lo bestia. Gracias a ello, Pelle consigue que podamos ver prácticamente todas las fases del deporte en cuestión en una sola instantánea. O, como nos cuenta el fotógrafo, “reorganizar los arquetipos de los deportes en nuevos patrones”. Sin duda un llamativo trabajo con cuyas fotos os dejamos, no sin recomendaros una visita a su web.

Pelle Cass | Página web | Instagram

En Xataka Foto | 'Marcus', por Rodrigo Roher, materializando la obra de Mark Rothko a través de "pelo y piel"

Fotografías de Pelle Cass reproducidas con permiso del autor para este artículo

Eugeni Forcano es uno de los fotógrafos españoles que ha ganado el Premio Nacional de Fotografía. No era conocido por el gran público pero el premio permitió conocer a una de las figuras más interesantes de los últimos años. Forcano murió la noche del 22 de abril de 2018 y desde Xataka Foto queremos recordar su gran trabajo.

Eugeni Forcano nació en Canet de Mar en 1926. Desde siempre se recordaba con una cámara. Fue a finales de los años cincuenta cuando se dio a conocer en los salones internacionales, donde empezó a ganar premios y menciones. Este éxito llamó la atención de Néstor Luján y Josep Pla, quienes después de verle ganar un premio de la mítica revista Destino le ofrecieron trabajar en la misma.

Lo que provoca algo que solo pasaba en el pasado y que siempre reconoció: era un autodidacta que se formó gracias al trabajo, algo imposible de conseguir en los tiempos que corren. Nunca pensó que su afición terminaría siendo su fuente de ingresos.

Este trabajo le permitió cambiar el ambiente de su pueblo por un mundo cosmopolita. Hacía todo tipo de encargos, como reportajes y moda. Y en su tiempo libre podía disparar en la calle y encontrar a gente en la que no podía dejar de pensar. Fue tal su éxito que colaboró con diversas editoriales e incluso tuvo el honor de trabajar mano a mano con el escritor Josep Pla, que llegó a mencionar su trabajo en sus obras completas e ilustrar la portada del último tomo.

Un fotógrafo independiente

Una de las cosas que llama la atención de su trabajo, y por lo que quizás no es tan conocido, es que nunca se consideró de ningún grupo, asociación o escuela. Siempre fue libre en ese sentido.

Sin embargo sorprende que fue invitado por el Comisariado General de Turismo Francés, junto con fotógrafos como Cualladó, Cantero, Gómez, Basté, Colom, Cubaró, Masats, Maspons, Miserachs y Ontañón para contar con su cámara la vida de París. De aquel trabajo salió una colectiva conocida como Once fotógrafos en París.

A lo largo de su vida ganó numerosos premios y reconocimientos. Y aunque su esencia era la fotografía de calle, no dudó en probar con el color y el surrealismo, provocando el azar a través de la luz. Estos curiosos trabajos llamaron la atención de numerosos intelectuales españoles de los años ochenta. Y todo desde la absoluta convicción del autoaprendizaje y el trabajo duro.

El Premio Nacional de Fotografía

Ganó en 2012 el Premio Nacional de Fotografía. La historia no deja de ser curiosa. Aunque su trabajo es continuamente reconocido en Cataluña e incluso Publio López Mondéjar le incluye en la la exposición, con catálogo incluido, 'Fotografía y sociedad en la España de Franco. Fuentes de la memoria III', no es hasta 2005 cuando le organizan en el Palau de la Virreina una gran retrospectiva. Ahí empieza a sonar de nuevo su nombre.

De hecho, cuando ganó el premio, Gervasio Sánchez recuerda lo que supuso aquella exposición:

Quienes vimos su exposición antológica en el Palau de la Virreina en Barcelona en 2005 nos quedamos de piedra: Qué fotógrafo más maravilloso y más olvidado. Qué fotógrafo más preciso y humilde. Qué talento, qué ojo. Ese mismo año lo traje a Albarracín (Teruel) al Seminario de Fotografía y Periodismo que dirijo cada año y dejó a todo el mundo con la boca abierta. Alguien lo denominó el Cartier Bresson de la Fotografía española y no se equivocó. Felicidades maestro y espero que disfrutes de este premio tan importante. A tus 86 años sigues siendo un niño.

Afortunadamente nos queda su obra. Y podemos descubrir cómo era gracias a esa maravilla que es La voz de la imagen, un proyecto que reúne entrevistas a los fotógrafos.

Los motivos por los que le otorgaron el premio fueron claros,según aquel jurado en el que estaba el anterior premiado Rafael Sanz Lobato o el historiador Publio López Mondéjar:

Se concede el Premio Nacional de Fotografía a don Eugeni Forcano Andreu por la extraordinaria calidad de su trabajo, la perdurabilidad de sus imágenes, su larga trayectoria, destacando su capacidad de innovación y experimentación en el lenguaje
fotográfico.

Desde aquí no queda más que reconocer su trabajo y esperar que las generaciones futuras miren su trabajo y se den cuenta de que la mirada es algo con lo que se nace. Y que lo único que hay que hacer es no dejar de trabajar día a día hasta lograr un buen disparo. Te recordaremos, Eugeni Forcano.

En Xataka Foto| Eugeni Forcano, Premio Nacional de Fotografía 2012

Stanley Kubrick es uno de los directores de cine más personales que ha habido en la historia, pero antes de eso fue fotógrafo tal y como os hemos contado en varias ocasiones. De hecho, con apenas 17 años se convirtió en fotógrafo de la revista Look, publicación para la cual se dedicó a documentar la vida cotidiana de Nueva York, su ciudad, en los años 40. Una selección de aquellas fotografías se ha recogido en ‘Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs’, un proyecto que aparece en forma de libro y también se va a exponer en la Gran Manzana.

El libro, editado por Taschen, recoge cerca de 300 fotografías, muchas de las cuales no habían visto la luz, así como reproducciones de algunas de las páginas de la citada revista, y coincide con la organización de una gran exposición en el Museo de la Ciudad de Nueva York que rendirá homenaje a la faceta fotográfica del gran genio del Bronx.

Según el editor, “Through a Different Lens revela la mirada aguda y evocadora de un genio creativo en ciernes por medio de sus imágenes y ensayos fotográficos que muestran desde gente corriente que acude a la lavandería hasta un día en la vida de una corista, una visita al circo o la Universidad de Columbia […] y celebran la vida cotidiana de Nueva York y sus habitantes”.

Stanley Kubrick, Stanley Kubrick with Faye Emerson from “Faye Emerson: Young Lady in a Hurry” (1950). Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Lo que sí es cierto es que Kubrick tenía un talento innato para la imagen que ya se puede atisbar en estas primeras fotografías que, según la nota de prensa, “anuncian el genio artístico de un creador que iba a rodar algunas de las mejores películas de todos los tiempos”.

‘Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs’

El libro, que incluye una introducción del prestigioso crítico de fotografía Luc Sante, cuenta con una edición en tapa dura, con un tamaño de 26,7 x 33 cm y 328 páginas, y está editado en edición plurilingüe alemán, francés, inglés. Se puede comprar en librerias especializadas y en la web de Taschen por un precio de 50 euros.

Por su parte, la exposición se abrirá el próximo tres de mayo y permanecerá abierta al público hasta el 28 de octubre en el Museo de la Ciudad de Nueva York.

Stanley Kubrick, from “Shoeshine Boy” (1947) Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘Instant Stories: Wim Wenders’ Polaroids’, una oportunidad para conocer la faceta fotográfica más íntima del cineasta

Foto de portada | Stanley Kubrick, from “Life and Love on the New York City Subway” (1947). Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Hace apenas dos semanas que se anunció el fallo del concurso World Press Photo 2018, cuyo ganador, como fotógrafo del año, es el venezolano Ronaldo Schemidt. Pues bien, aprovechando que ha pasado por España hemos tenido la oportunidad de conocerle y saber cómo se hizo la que sin duda es la foto del año.

Si recordáis, la imagen recoge una impactante escena que se produjo durante los enfrentamientos entre manifestantes antigubernamentales y policía antidisturbios en Caracas (Venezuela). Más en concreto, el momento en que uno de los manifestantes huye envuelto en llamas tras explotar el depósito de una motocicleta de la policía.

Ronaldo, fotógrafo profesional en nómina de la Agencia France-Presse en Latinoamérica, ha contado en un encuentro con periodistas en Madrid en la sede de Canon (patrocinador del concurso) como todo se debió a un accidente porque los manifestantes habían retenido una motocicleta de la Guardia Nacional de Venezuela y la habían arrastrado hacia su terreno. Entonces, en un momento dado, alguien arrojó un cóctel molotov sin más consecuencia.

“Cuando vi lo que estaba ocurriendo pensé que era muy peligroso y empecé a retirarme y justo cuando yo estaba retirándome a la distancia mínima alguien golpea la moto y explota. Yo siento la explosión pero como llevaba máscara, casco y chaleco no me entero bien de lo que está pasando pero me doy la vuelta y veo el fuego sin saber si había gente o no. Es una cosa instintiva, por años de experiencia uno sabe en qué momento va a pasar algo.”

Ronaldo Schemidt durante su intervención contando cómo fue el momento que dio origen a la foto que le ha hecho acreedor del World Press Photo 2018.

Gracias a un vídeo tomado por un compañero, se sabe que todo sucedió en sólo catorce segundos en los que Ronaldo apenas tuvo tiempo de pensar. “Todo fue muy rápido, sí recuerdo que había gente por todos lados, muchos gritos, nervios, miedo… […] La explosión generó mucha confusión, gente gritando y comenzaron a culpar a los cuerpos del gobierno de lo que había pasado. Cuando vi esta situación yo saqué la tarjeta rápido, me escondí y me aparté un poco, pensé cómo subieron tanto los ánimos lo mismo me quitan las cámaras".

"Saqué la tarjeta y me la guardé en la camisa, me aparté un poco, un par de minutos, y al ver que nadie había advertido mi presencia volví a meter la tarjeta en la cámara y fue cuando vi, cuando me entero la primera vez realmente de lo que había sucedido porque yo ya había visto que allí alguien se había quemado pero no tenía ni idea de la dimensión de lo que había pasado.”

Documentado lo sucedido

Tras enviar las fotos, atendiendo a su responsabilidad como fotoperiodista, Ronaldo sintió que tenía que explicar lo que había ocurrido y aclarar que no había sido culpa de la Guardia Nacional sino que, por accidente, explotó un tanque y un muchacho se quemó. “Explico esto porque mucha gente me ha cuestionado que no explicamos bien lo que pasó. Uno hace el trabajo pero no tiene el control de, cuando se publica en los medios o en redes sociales, que es más peligroso todavía, de lo que cada quien piensa, se imagina o dice de los hechos. Yo en mi caso cumplí, esto fue un accidente, se incendió la moto, durante una manifestación ¡no lo quemaron!”

Ronaldo ha seguido narrando como, tras lo ocurrido, se retiró a la oficina de su agencia en Caracas y allí pudo charlar con su compañero Juan Barreto (también ganador en los World Press Photo en Categoría Spot News/ Historias) que estaba cubriendo la misma manifestación con él y en un primer momento pensó que el quemado era el propio Ronaldo.

En esta foto, tomada por otro fotoperiodista, se aprecia donde estaba Ronaldo (arriba a la derecha, con casco blanco) justo en el momento que el joven en llamas (junto al árbol del fondo) pasa delante de su cámara.

“Cuando volví a la oficina estaba como impresionado por lo fuerte que había sido todo, como fue tan espontáneo y accidental… Me quité el casco y demás y hubo un momento de relax y hablando con mi compañero nos dimos cuenta que podíamos haber sido nosotros los quemados así que decidimos que a partir de ese momento había que cambiar la estrategia de cobertura, tener mucho más cuidado y estar más retirados, cambiamos incluso los lentes para trabajar desde un poco más lejos”.

“Este tipo de coberturas ―continúa― termina siendo como una bomba de adrenalina y uno quiere estar más cerca, donde suceden las cosas pero hay que tener cuidado para no terminar siendo nosotros las víctimas. Me pasó con compañeros que pasaron la línea y regresaron heridos. Yo mismo salí herido a pesar de tener cuidado”.

Mientras contaba lo sucedido, Ronaldo ha mostrado toda la secuencia de imágenes que él tomó, y también las de otro compañero fotógrafo en las que se le ve a él justo en el momento en que hizo la toma que a la postre le valdría ganar el premio. Además, Ronaldo también ha enseñado otras fotos de su trabajo en Venezuela durante aquellos días.

Respecto a cómo se eligió la foto para presentarla al famoso concurso, el fotoperiodista ha contado como la elección fue una decisión conjunta de varias personas, en especial del propio Ronaldo y el jefe de fotografía de la AFP en Latinoamérica “porque yo tenía toda la secuencia […] pero ésta era la más fuerte, sobre todo en este caso por lo de la pistola de paz”. Sin embargo, teniendo en cuenta asuntos de estética y composición (como sale el fuego y demás) decidieron elegir la que a la postre acabaría siendo ganadora, aunque también participó en la categoría Historias con toda la serie de fotografías.

La responsabilidad del fotoperiodista

“Hay mucha gente que me ha preguntado ¿fue suerte nada más? Y le explico, cuando sucede la escena del choque, que luego le quitan la moto de la Guardia Nacional yo sabía que algo iba a pasar porque no iban a perder una moto nueva, sobre todo en Venezuela que es complicado reponer un equipo así, entonces yo sabía que la Guardia Nacional iba a volver, que iban a volver a buscar su moto y algo iba a pasar. Fue algo como le digo a los compañeros jóvenes, fue olfato, de saber algo va a pasar acá…”

“Nunca pensé que iba a pasar algo así […] pero de estar en el sitio adecuado en el momento justo yo creo que, cuando uno está involucrado en este tipo coberturas y de fotoperiodismo, uno tiene que estar preparado e ir imaginando un poco, si está pasando esto algo va a suceder. Ahí habían cuarenta o cincuenta fotógrafos y sólo yo y mi compañero nos fuimos para allá porque pensamos que algo iba a pasar. Podía haber estado en la calle de arriba que había un choque fuerte y varios muertos pero en este momento me llamó la atención esto porque pensé que algo iba a pasar ahí”.

Ronaldo mostrando una de las fotos que hizo y que para él mostraban las protestas como si fuera una lucha medieval, con dos bandos enfrentados protegidos por escudos aunque con medios muy desiguales.

Así las cosas, preguntado sobre si ha cambiado la responsabilidad del fotoperiodista y sobre las fake news en esta era de las redes sociales, Ronaldo piensa que es importante tener “idea de la gran responsabilidad que tienes, del trabajo que nosotros hacemos, nosotros hacemos esto y explicámos el problema pero tienes que tener claro que en el momento en el que la foto sale, yo la envío y se pone en el servicio fotográfico de la AFP, cualquiera la puede tomar y es cuando empieza el problema de las interpretaciones.”

“Si tú lees la historia de esta foto explica lo que ocurrió pero después cualquiera puede poner cualquier cosa y ya no hay control […] Yo creo que tenemos una responsabilidad como comunicadores, pero creo que también la gente tiene que tener una responsabilidad de averiguar qué pasa detrás de una foto o detrás de una historia. Porque mi responsabilidad llega hasta aquí, hice la foto y te expliqué lo que pasaba”. Para Ronaldo, “todos somos responsables en esta sociedad de saber y de no coger un teclado y criticar, juzgar o culpar a alguien sin haber leído la historia y saber qué ocurrió realmente.”

Retoque y objetividad del fotoperiodismo

Como era de esperar, en la charla salió a colación el tema de la manipulación de las imágenes que desde siempre ha perseguido a muchos fotoperiodistas. Para el ganador del World Press Photo de este año, debe quedar claro que la foto ganadora salió tal cual de la cámara. “Como estaba tan cerca ninguna de las fotos tiene recortes, así como se ve fue el cuadro completo. Así salió de la cámara, así fue enviada y así se publicó”.

En cuanto al asunto de la manipulación de las fotos, a Ronaldo le parece algo “terrible, porque estás alterando algo de la escena”. Según el fotógrafo, “en una de las fotos de la serie aparece un brazo y la gente me decía oye esto estorba, pero si vamos a hacer fotoperiodismo, esto fue lo que pasó, no puedo quitarlo. Cuando tenemos más tiempo uno puede componer, y eso lo sabe el fotógrafo, se puede esperar a que algo ocurra y lograr una composición más limpia, pero hay veces en las que no lo podemos hacer, sobre todo en el fotoperiodismo donde nada está preparado y que hay que asumir que a veces las cosas no van a ser tan bonitas pero es la escena que estamos viendo, la que estamos fotografiando.”

La primera foto de la serie tomada por Ronaldo Schemidt en la que el protagonista ya aparece envuelto en llamas y en la que un brazo (a la derecha) “estropea” la composición. Foto de Ronaldo Schemidt

“Hay compañeros que pueden influir en las escenas pero eso es un debate más profundo en el que cada uno debe decidir que tan sincero es lo que quieres transmitir […] Simplemente al elegir usar un objetivo de 50 mm, que se parece al ojo humano, o uno de 16mm ya estás cambiando lo que vas a mostrar. Hay un montón de discusiones acerca de eso, pero lo más importante es que seamos claros y sinceros acerca de eso, si esto es lo que se fotografió, quizá a veces se recorte para hacer más fuerte la escena, cosas mínimas, pero de ahí a poner o quitar, o gente que sube colores, tonos, eso es delicado, aunque hay bastante tolerancia con esas cosas todavía.”

Según Ronaldo, al trabajar para una agencia “nosotros no podemos hacer ese tipo de cosas porque las fotos salen y pasan por un montón de filtros. Y en el caso del World Press, cuando quedan mis fotos nominadas, tuve que enviar tres cuadros anteriores y tres posteriores para que quedara claro que no había manipulación, que puse más fuego o quité a una persona. En ese caso el World Press protege mucho a los fotógrafos y al mismo premio para hacerlo más creíble y confiable”.

Los móviles y el fotoperiodismo

Como era de esperar, en la charla también surgió este tema y Ronaldo fue consultado sobre si cree que, tal y como va la tecnología, llegaremos a ver un ganador del World Press Photo con una imagen tomada con un móvil. “Hace unos años que ya se dijo que todo el mundo con un teléfono en la calle es fotoperiodista pero mi posición ante eso es que claro, cualquiera puede estar en la calle y hacer una foto, pero el fotoperiodista tiene como responsabilidad no quedarse con hacer una foto y se va, sino saber qué pasó acá, consecuencias, cómo sucedió, por qué llegamos a esto, y hacer una historia completa y poderla contar en un paquete completo; osea esto no es hacer la foto ponerla en el Facebook […] Contar la historia es más que eso.”

“Eso no quita que pueda pasar, más con los móviles actuales con sensores de 20 megas y lentes espectaculares, y programas que hacen unas fotos bastante decentes, yo no las considero de mucha calidad todavía pero podría resolver la situación, y me puede pasar a mí. Yo estoy en la calle y se cae un avión, y si no tengo cámara y yo sé que voy a hacer, mi primer trabajo va a ser con el teléfono, entonces yo no lo descarto, en algún momento puede pasar. Ya ha sido una gran herramienta en situaciones como el último terremoto en México.”

Un periodista en medio de una nube de gases lacrimógenos. Una foto que, según Ronaldo, ejemplifica muy bien el nivel de violencia vivido en las protestas de Venezuela y cómo la Guardia Nacional "atacaba por igual a periodistas y manifestantes". Foto de Ronaldo Schemidt

Precisamente hablando de México, Ronaldo comentó las diferencias entre trabajar en Venezuela, su país natal, y México, el lugar en el que vive, sobre todo porque cuando recogió el premio se lo dedicó a sus compañeros fotógrafos que trabajan en ambos lugares. “Son dos países con una violencia y un peligro diferentes, muy difíciles para la prensa” Así ha contado como en Venezuela tuvo que enfrentarse a situaciones muy graves, “que nos roben el equipo, nos lo rompan o nos quiten la tarjeta”, o cosas más graves como una ocasión en que la Guardia Nacional apuntó a los periodistas y les hizo que se arrodillaran.

“Yo estaba con dos muchachos jóvenes y freelance y se arrodillaron, y no tenemos porqué arrodillarnos, nosotros no somos delincuentes ni arrodillarse ante nadie, estamos trabajando, pero estos muchachitos muy jóvenes estaban todos arrodillados… Son situaciones terribles”. “En México no pasan estas cosas ―continúa― pero si uno va a las zonas de conflicto como el norte hay que andar con mucho cuidado porque está todo el tema del narco que no quiere que la prensa hable así que se producen secuestros, robos y a veces crímenes y desapariciones. Cada uno tiene su particularidad pero ambos son países difíciles para la prensa”.

Por último, Ronaldo fue preguntado sobre la situación actual de José Víctor Salazar, el protagonista de la imagen, y el fotógrafo ha contado que no supo su identidad hasta mucho después (gracias a los compañeros de la oficina de Caracas) y que sufrió quemaduras de primer y segundo grado en el 70% de su cuerpo y le han tenido que hacer más de 25 operaciones. Todo esto lo sabe gracias a la hermana del muchacho, porque él “no quiere hablar con la prensa ni saber nada de prensa […] ni siquiera quiere ver la foto, no quiere recordar el momento porque quedó realmente muy afectado”.

Eso sí, Ronaldo cuenta que aunque hay gente que le dijo que porqué no bajó la cámara y le ayudó, “la hermana dijo algo súper importante que a mí me ayudó mucho y es que gracias a esta foto el chico recibió tratamiento, todo el tratamiento en el hospital, en una clínica privada fue gratis y recibió mucha ayuda de fuera en forma de medicinas. Cuando dijo necesito ayuda para mi hermano que es éste de la foto empezaron a enviarle medicinas, tratamientos y ayuda económica”.

Un niño de doce años participando en las protestas contra el gobierno, una foto que ejemplifica lo anormal de la situación vivida en Caracas. Foto de Ronaldo Schemidt.

"Confesiones"

Al término del encuentro tuvimos ocasión de intercambiar algunas impresiones con el fotógrafo premiado y nos confesó, además de que es seguidor de Xataka Foto, que no sabe si ganar este premio le va a ocasionar problemas con las autoridades venezolanas, tal vez cuando quiera regresar a Venezuela, pero que es posible ya que reconoce que la foto y el premio han sido una propaganda bastante negativa para el régimen de Caracas.

Además, también nos comentó lo que apuntábamos en el titular, que en ningún momento pensó que iba a ganar el World Press Photo, sobre todo porque normalmente el premio siempre es para algún fotógrafo de los que cubren conflictos de Asia, África u Oriente Medio. “Creo que desde el año 1962 ningún hispanoamericano había ganado este premio, y de eso hace muchos años”. Por ello, nosotros sólo podemos reiterarle nuestras felicitaciones por el trabajo realizado y el premio conseguido.

Ronaldo Schemidt | Instagram | Twitter

En Xataka Foto | “La cámara es lo de menos, lo que importa es el contenido”, Daniel Castro García, ganador del premio W. Eugene Smith Grant 2017

Sin duda alguna, Joel Meyerowitz es uno de los fotógrafos americanos que más influenció el crecimiento de la fotografía urbana y el disparar a color. Este genio fotográfico ha capturado el ojo de las personas a través de las situaciones llamativas de la Quinta Avenida y demás viajes alrededor del mundo. Incluso, antes os presentamos el libro de las 98 imágenes capturadas por él durante un viaje a Malaga entre 1966 y 1967.

En esta ocasión, el fotógrafo se ha aliado a los cursos en línea de Masters of Photography para traer un curso completo sobre fotografía. El curso de 170 dólares está dividido en 34 clases que cubren aspectos de toma en estudio y localización, además de muchas horas del fotógrafo hablando de cómo ve él el mundo: Una poesía al azar que siempre te permitirá hacer un click.

El curso se enfoca directamente en la parte creativa y artística que representa el trabajo de Meyerowitz. No importa si tomas fotografías con un smartphone o una DSLR, el curso invita a todo tipo de fotógrafos a salir a la calle y observar el mundo, ya que “Si tienes una cámara, tienes una licencia para observar”.

Como reporta iso1200, además de los vídeos, dentro de las lecciones encontrarán material escrito y ejercicios para poner en práctica las enseñanzas. El material subido a la plataforma se comparte con la comunidad que generará discusión y asesoría alrededor de ello. Pero, lo más llamativo, es que hay pocas personas que hablan del arte fotográfico con tal pasión como la del fotógrafo americano. Lo que hace de este curso un verdadero placer de tomar, sin importar si eres fotógrafo experimentado o no.

La cobertura del curso incluye los fundamentos fotográficos base como color, composición e iluminación; pero al salir a localizaciones y avanzar más dentro de los espacios encontrarán que se profundiza más en la planificación, en el cómo sentir los espacios y la luz y el cómo desarrollar un proyecto significativo. Así que, si queréis ver una verdadera clase de filosofía fotográfica, no dudéis en tomar esta.

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Imágenes Capturas de pantalla tráiler curso

El veterano fotógrafo iraní Abbas Attar (1944-2018), miembro de la prestigiosa Agencia Magnum desde 1981 y con una carrera de seis décadas a sus espaldas, ha muerto en su residencia de París a los 74 años. Su larga trayectoria tuvo como primer hito la cobertura de la revolución iraní de 1978 a 1980, pero después siguió documentando guerras y revoluciones por todo el mundo.

Según Thomas Dworzak, actual presidente de la agencia, el veterano fotógrafo era “un pilar de Magnum, un padrino de la generación de jóvenes fotoperiodistas actuales. Un iraní emigrado a París, un ciudadano del mundo que documentó implacablemente sus guerras, sus desastres, sus revoluciones y trastornos, y sus creencias, durante toda su vida”.

Foto de Abbas Attar capturada del vídeo “Abbas Attar - I Write With Light by elena dilascio”. ©Abbas Attar - Magnum Photos

“Cuando era niño tenía una imagen heroica del periodista: viajabas, ibas a la guerra, cubrías eventos históricos” contaba Abbas en 2017, reflexionando sobre su trabajo en la guerra en Vietnam, país que visitó en más ocasiones tras aquel conflicto. Tras la revolución de Irán, Abbas se exilió de forma voluntaria de su país de origen (no regresó hasta 17 años después) y se decidó a cubrir guerras y revoluciones a lo largo y ancho del mundo, primero trabajando por las agencias Sipa y Gamma y luego para Magnum, de la que se convirtió en miembro de pleno derecho en 1985.

Además de Irán, el fotógrafo trabajó en Biafra, Bangladesh, Irlanda del Norte, Vietnam, Medio Oriente, Chile, Cuba, Sudáfrica (durante el apartheid) y México, primero documentando los conflictos que allí fueron sucediendo y después respondiendo a un interés por la religión y su influencia en la sociedad. Al principio, tras su experiencia iraní, se centró en la especial relevancia del islamismo y su creciente influencia en el resto del mundo, pero más tarde pondría su mirada en otras religiones como el cristianismo, el animismo, el budismo y el hinduismo.

Foto de Abbas Attar capturada del vídeo “Abbas Attar - I Write With Light by elena dilascio”. ©Abbas Attar - Magnum Photos

Todo ello lo fue volcando en distintos libros publicados a lo largo de los años y en los que fue creando un relato sobre el choque de religiones, y su importante influencia en las luchas estratégicas del mundo contemporáneo. Según cuenta la nota de prensa difundida por Magnum, Abbas Attar se describía a sí mismo como “un "historiador del presente”, y cuando alguien intentaba convencerle en Irán de que no hiciera una foto él les decía “Esto es para la historia”. Descanse en paz.

Más información | Abbas Attar en Magnum

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Foto de portada | Abbas Attar en una instantánea capturada del vídeo "Abbas Attar, célèbre photographe, est mort"

Ayer se inauguro en Madrid, en la sala Principal de Tabacalera, 'La antropología de los sentimientos'. Es la exposición de Isabel Muñoz por el Premio Nacional de Fotografía que se le concedió en 2016. En una sala consagrada a los más grandes, los comisarios de la retrospectiva han seleccionado el trabajo más insólito de una de las mejores fotógrafas españolas.

Estamos acostumbrados a las retrospectivas clásicas de los pesos pesados del arte. A esas magnas exposiciones en las que todo el mundo puede ver el motivo por el que son reconocidos. Esto está bien para quien no tiene nada más que ofrecer, bien porque se ha retirado, bien por motivos más humanos.

Serie Nueve Dioses 2016

'La antropología de los sentimientos' recuerda a los valiosos frutos de un encuentro. Una exposición y un libro que no tienen nada de retrospectiva, pero que proponen una lectura de los últimos momentos creativos de la artista.

Pero los últimos premios nacionales tienen mucho que decir. Ahí está para la memoria la exposición de Juan Manuel Castro Prieto, por poner un ejemplo. Y ella no iba a ser menos. Hay fotógrafos incapaces de llenar un sitio tan majestuoso e imponente como Tabacalera. Es un reto inhumano que ya resolvió en su tiempo Gervasio Sánchez con la exposición que hizo allí sobre la guerra. E Isabel Muñoz, a juzgar por las expresiones de todos los presentes en la inauguración, ha roto los esquemas. El trabajo de los comisarios François Cheval y Audrey Hoareau en 'La antropología de los sentimientos' ha sido eficaz y muy arriesgado.

Visita a la exposición

Si esperas ver las grandes fotografías de toda su carrera artística, las que hicieron su figura, olvídate. Los comisarios han decidido que es una autora viva, con muchas cosas por decir. Es un recorrido por todo su trabajo pero con aires nuevos. Y sobre todo, reforzando ese aura sensual que invade su vida y obra. Puede decirse que es la exposición más sexual que hemos visto nunca de la autora. Hay piel, mucha piel. No es el momento de esconder nada.

Serie Agua 2016

Como es natural, nuestro proyecto original de carácter retrospectivo dio paso a un nuevo proyecto, en forma de capítulos y de ruptura. Había que romper a toda costa con los iconos, con una determinada idea de la belleza, que ya no está en la misma onda con lo que en hoy por hoy se ha convertido la fotógrafa.

El espectador tiene el deber de perderse por las salas, buscar las habitaciones secretas para encontrarse de frente con la mirada de la autora. Porque esta es una de las virtudes de un espacio como Tabacalera. Quien la conoce lo sabe. No es una sala diáfana, blanca y bien iluminada. Es un sitio inmenso en el que el espectador debe emprender una visita en la que puede encontrar su propia forma de entender su trabajo.

Serie Mitologías 2012

Se agradece la falta de textos concienzudos que traten de explicar lo que estás viendo. El visitante solo necesita ver las fotografías de algunas de las series más famosas. Un pequeño cartel, a una altura lógica, cuenta en pocas líneas la serie a la que pertenecen el conjunto de obras que ves en una sala o en una pared. Nada más. El espectador ante la fotografía. Así no pierde fuerza, como ella misma dice.

La figura de Isabel Muñoz

Isabel Muñoz (1951) ganó el Premio Nacional de Fotografía en 2016. También tiene dos World Press Photo, la Medalla al Mérito de las Bellas Artes y cientos de menciones más. Su trabajo se caracterizó en un primer momento por la pura representación de la sensualidad del cuerpo. Es algo que nunca ha abandonado en su trayectoria y ha ido sumando el mundo más social y comprometido.

Parece que no tienen que ver nada sus míticas series dedicadas al baile con las últimas dedicadas a la contaminación de los mares o a las recientes videoinstalaciones dedicadas al butoh. Pero siempre está presente su forma de sentir las cosas. La carnalidad palpitante de sus modelos. Y las platinotipias de gran tamaño, todas de nueva producción.

Serie Locura 2016

Puede sorprender que en una retrospectiva suya no veamos la famosa fotografía del culo (camino de convertirse en el cura portero de Masats) o más fotos de danza... Los comisarios Audrey Hoareau y François Cheval, cofundadores de The Red Eye, han sido capaces de enseñar al espectador otra forma de mirar la obra de Isabel. Y aunque nos choque, es una de las mejores sorpresas que hemos tenido. Siempre es agradable descubrir nuevas formas de sentir.

No podemos más que recomendar la visita a esta exposición, protegida por las cuatro grandes pantallas con Kudo, un actor de butoh que nos recibe, en la sala La principal de Tabacalera en Madrid. Es la hora de redescubrir a Isabel Muñoz, que nos mira siempre desde cualquiera de sus disparos. No os la perdáis.

‘La antropología de los sentimientos’

Del 27.04.2018 al 17.06.2018

Tabacalera. La Principal

Calle de Embajadores, 51, 28012 Madrid

Isabel Muñoz. La antropología de los sentimientos

En Xataka Foto| Isabel Muñoz fotografía la cruda realidad de los mares

Conocer la evolución de la fotografía nos enseña cómo han progresado las técnicas, tecnologías y acercamientos a este arte. Nos ayuda a identificar estilos fotográficos y sus contextos sociales. Sin embargo, el trabajo desarrollado por el fotógrafo y médico físico Kent Krugh tiene un nuevo y llamativo acercamiento a esta documentación evolutiva de la fotografía.

Dentro de la cámara

Mamiyaflex C2

‘Speciation: Still a Camera’ es una serie de fotografías realizadas sobre cuerpos de cámara mediante rayos X. Según Krugh, mediante esta exploración se puede ver “los límites de la evolución”, donde la cámara sigue siendo una herramienta de captura que no ha tenido tanta evolución, como si lo han tenido los medios y la forma del arte. Además, el trabajo ha servido para el fotógrafo como medio de homenaje a las cámaras que él ha usado. “Las herramientas del oficio, habiendo capturado imágenes por décadas, han sido capturadas en sí”.

Kodak Pony II

En un paralelo científico, este trabajo usa el nombre de especiación: el proceso mediante el cual aparecen diferencias entre dos especies próximas, que motivan su separación absoluta. “Para muchos” menciona Krugh en su trabajo “ esto es efectivamente evidencia de la evolución en acción [...] Así que, para cerrar el círculo, una cámara es aún una cámara, aunque existe entre ellas tremenda diversidad”. Esto es una invitación a pensar en estas prácticas científicas a través de la fotografía.

Elaborando la toma

Kodak No3 Folding Hawkeye Modelo 7

Kent Krugh es un médico físico, gracias a ello obtuvo acceso a un acelerador lineal que produce rayos X de alta energía. Las imágenes finales fueron capturadas con un generador digital de imágenes, parte del conjunto con el acelerador, y luego las imágenes fueron post producidas en Photoshop. En el laboratorio digital se pasaron las imágenes a escala de grises, se alinearon y se ajustaron los niveles de contraste y nitidez.

Eho Altisa Cámara de caja 3x4

Krugh nos cuenta que parte de las dificultades del proceso es que el tamaño físico del generador de imágenes es de 40cm x 30 cm, por lo que algunas de las tomas finales están compuestas por varias capturas que luego fueron pegadas en postproducción. Como dato curioso dentro de la elaboración, el fotógrafo menciona que tenía como opción utilizar dos cantidades de poder de rayos X, 2.5MV o 6 MV. Aunque 2.5 le era suficiente para capturar las cámaras, el usar el máximo voltaje le permitía penetrar más el cuerpo. Las imágenes capturadas a distinto poder le permitía el superponer ambas imágenes y obtener una buena penetración y mantener el contraste general de las fotografías.

Hasselblad 500CM

Cuando Krugh comenzó este proyecto en 2014, utilizaba película de rayos X. Sin embargo, este proceso tenía un flujo de trabajo mucho más complejo. Solo se podían hacer un número limitado de tomas por sesión, mayor complejidad en la exposición para obtener el contraste perfecto de la imagen, además de un proceso más laborioso para hacer el paso de Película de rayos X a papel fotográfico. Gracias al proceso digital, podía ver el resultado en vivo y actuar para ajustar los valores de captura de manera más eficiente.

Graflex Speed Graphic Miniature

A través de la página de Peta Pixel, se informa que podréis conseguir el libro de ‘Speciation: Still a Camera’ a través de la página de Fractioneditions en un par de meses. El trabajo completo lo podéis mirar en la página de Kent Krugh.

Canon AE1

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Más en Xataka Foto | La retrospectiva 'La antropología de los sentimientos' profundiza en la mirada sensual de Isabel Muñoz

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Imágenes | Cortesía de Ken Krugh (Web) (Instagram)

Todos sabemos que “jugar con fuego” no es nada aconsejable, tampoco en fotografía. Pero eso a Zach Alan no parece importarle y utiliza este elemento para crear unas imágenes impactantes gracias a la técnica del ligh painting que él combina con antorchas de fuego. Con ellas, más un buen trípode, un disparador a distancia, una modelo y, en determinados casos, algunos flashes, este fotógrafo norteamericano crea in situ unas fotografías de impacto.

Por supuesto eso no quiere decir que deseche el uso de los programas de edición, de hecho confiesa que forman una parte muy importante para ajustar el aspecto final de la imagen, sobre todo por lo que toca al color y el ajuste de la exposición y contraste de las distintas zonas. Sin embargo, el efecto principal de la foto lo consigue en el mismo momento de la toma, situándose detrás de sus modelos y blandiendo una antorcha de fuego con la que “pinta con luz” al tiempo que ordena a distancia a su cámara, ajustada en posición Bulb, que exponga la foto.

Por supuesto, la mayoría de imágenes están hechas con una persona de confianza (su novia), pero este fotógrafo norteamericano (radicado en Houston) confiesa que sus fotos han sido fruto de un largo periodo en el que ha ido depurando la técnica para asegurarse de que nadie corre peligro. Una técnica que en buena parte se puede ver en su canal de YouTube donde ha compartido unos cuantos vídeos de sus diferentes sesiones, en las que ha creado muchas de las fotos que veis aquí.

Zach Alan solo lleva cinco años ejerciendo como fotógrafo (tras haber tenido otros trabajos que “le chupaban el alma”) pero tiene experiencia trabajando en eventos, retratos, campañas publicitarias y fotografía de paisajes. Sus comienzos con el light painting fueron paulatinos, tras haber practicado la fotografía urbana nocturna y sentirse fascinado por el trabajo de Eric Paré, que con el tiempo se ha convertido en amigo.

Así, comenzó a practicar esta disciplina usando todo tipo de utensilios (confiesa que una de las mejores cosas del light painting es la gran cantidad de objetos cotidianos que se pueden utilizar) hasta llegar al fuego, un elemento que siempre le ha fascinado desde niño. Claro que para conseguir una buena fotografía de este tipo el elemento más importante es situar al modelo en un escenario adecuado. Por supuesto, estamos de acuerdo y os dejamos con más fotos suyas para vuestro disfrute.

Zach Alan | Página web | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | “Desde fuera se ve como una técnica para pasar el rato”, Pedro Javier Alcazar, fotógrafo especializado en light painting

Fotografías de Zach Alan reproducidas con permiso del autor para este artículo

Seguramente la fotografía de paisaje sea una de las disciplinas más practicadas en todo el mundo por fotógrafos que con su cámara quieren captar toda la belleza que hay en nuestro planeta. Sin embargo, pocas veces las fotografías destilan magia como lo hacen las de Cuma Cevik, un fotógrafo turco que estudió pintura pero finalmente se ha dedicado a la fotografía y los viajes.

Cuma se define en su perfil de Instagram como aventurero y fotógrafo, y de hecho además de viajar por todo el mundo se dedica a organizar viajes para turistas en busca de escenarios espectaculares para fotografiar. Empezando por los de su tierra natal, Turquía, rica en paisajes naturales (de ahí le surgió la vocación), y continuando por lugares como Jordania, Islas Feroe, Vietnam o Italia, que son algunos de los lugares que ha recorrido buscando de capturar toda su belleza natural en fotografías como las que estáis viendo.

En ellas desde luego hay algo mágico, algo que muy probablemente tenga que ver con esa formación pictórica que ha ayudado a que sus fotografías cautiven a primera vista. Unos conocimientos que le han ayudado a componer imágenes de una gran belleza, donde resalta el vibrante color verde de las colinas y valles que aparecen, o el perfecto posicionamiento del sol para crear atmósferas únicas.

Cuma Cevik | Página web | Instagram | Facebook

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Fotografías de Cuma Cevik reproducidas con permiso del autor para este artículo

‘O calidad o nada’ es el título de una carta abierta presentada ayer en el Colegio de periodistas de Barcelona con el que los profesionales de este sector pretenden denunciar la complicada situación laboral que vienen sufriendo desde hace tiempo (y que nosotros hemos denunciado frecuentemente, por ejemplo en artículos como éste).

La iniciativa surgió del colectivo catalán de fotógrafos pero pronto se extendió a todo el país de tal forma que finalmente el manifiesto está firmado por casi 600 profesionales que se suman a esta denuncia. La carta alude a la complicada situación que viven los fotoperiodistas actualmente y la falta de credibilidad que supone el menosprecio de su trabajo.

Pero lo mejor es que lo leáis vosotros mismos, motivo por el cual hemos incluido el texto en su totalidad a continuación como una manera de apoyar unas reivindicaciones que nos parecen de lo más justas:

Estos días se puede visitar una nueva edición del World Press Photo. Las imágenes, impactantes y emotivas, consiguen cada año que sea la exposición más visitada del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Sin embargo, la preocupante situación del fotoperiodismo en nuestro país no invita a ningún tipo de celebración.

Los fotógrafos siempre estamos en la calle, en contacto físico con cualquier realidad, por eso nuestras imágenes son la herramienta más directa para informar. Somos testigos de lo que ocurre y, por tanto, el primer factor de credibilidad del medio de comunicación. Una responsabilidad, no obstante, que no se corresponde con las condiciones en las que ejercemos nuestro trabajo.

Paradójicamente, el fotoperiodismo está fuertemente cuestionado ahora que la imagen en la sociedad tiene más fuerza que nunca. Sólo en Facebook se suben unos tres millones de fotografías diarias, la mayoría de consumo efímero. En el entorno digital ya no es cierto que una imagen vale más que mil palabras. Una buena imagen, sí. Por eso, los fotoperiodistas debemos marcar diferencias y posicionarnos como el auténtico valor añadido dentro de los medios. Las buenas imágenes interpelan al espectador. Está estudiado que lo primero que ven los lectores son las fotografías, en segundo lugar el titular y, finalmente, el texto. Primero observamos y después leemos.

Sin embargo, es difícil publicar buenas imágenes en las condiciones actuales. La firma del fotógrafo debe ser garantía de profesionalidad y veracidad. En cambio, las secciones de Fotografía cada vez tienen menos poder de decisión. Prueba de ello es la casi desaparición de los editores gráficos –básicos para filtrar en la sobreabundancia de imágenes y mantener la calidad–, la precariedad crónica y los constantes despidos de profesionales, sustituidos por imágenes de procedencia dudosa (por no decir malintencionada) y cedidas con intenciones publicitarias.

Una situación que no es exclusiva de nuestro país. El fotógrafo Ryan Kelly, recientemente galardonado con el premio Pulitzer, ha dejado la profesión cansado del estrés, los horarios extenuantes y unos salarios a la baja. Kelly es la punta del iceberg, porque hay un montón de compañeros que también lo están dejando.

Ante los importantes problemas financieros, unos desorientados editores y directores toman decisiones sin recorrido que afectan a la calidad periodística. Se está potenciando un periodismo sin investigación, alineado con los poderes económicos y que se ha acostumbrado a las ruedas de prensa sin preguntas.

Las empresas, preocupadas sólo en llenar el rectángulo en blanco de una maquetación, están acostumbrando al lector a una información de baja calidad con una profusión de imágenes planas, sin lecturas profundas ni calidad estética, sin intención ni valor periodístico, que atentan contra el derecho a la información. Estamos, pues, en medio de un empobrecimiento informativo que, a la larga, se paga. Porque el futuro del periodismo depende de la credibilidad de los contenidos, que van de la mano de la calidad. Credibilidad y calidad, dos palabras clave.

El camino a seguir lo encontramos en los medios de referencia que han apostado por los reportajes en profundidad, por el periodismo de investigación y por el buen fotoperiodismo. Empresas que son conscientes de su compromiso con los lectores, y éstos les corresponden confiando en ellos. Es la lección aprendida en los últimos años: no sirve cualquier cosa.

Muchos editores de nuestro país, sin embargo, parece que no lo han entendido, siguen pensando sólo en la cuenta de resultados a corto plazo y, de paso, vulneran su responsabilidad social, y a menudo, también, el código deontológico. Diecisiete años atrás, Pepe Baeza, –que fue editor gráfico de El Periódico de Cataluña y redactor jefe de Fotografía de La Vanguardia– finalizaba su libro Por una función crítica de la fotografía de prensa con una reflexión plenamente vigente donde decía que sin inteligencia, riesgo, debate profesional o el enfrentamientos con los poderosos, “la prensa, tal como aún podemos imaginarla, morirá lentamente, engullida por el interés, la banalidad y la indiferencia. Lo que le ocurrirá a la imagen será el primer síntoma de lo que vendrá después”.

Frente al pensamiento único y el bombardeo de imágenes triviales, hay que apostar por la visión diferenciada, crítica, innovadora y creativa del fotógrafo, con editores valientes que publiquen imágenes comprometidas. El presente y el futuro de la profesión pasa por propuestas visuales que nos inviten a reflexionar sobre el mundo en que vivimos.

Por eso levantamos la voz antes de que un día los lectores se den cuenta de que los medios ya no publican fotografías, sino simples manchas de color que no aportan nada. Entonces, nuestro trabajo ya no será una prueba palpable de la realidad y el lector habrá perdido su derecho a la información de calidad.

Porque la fotografía no es tan sólo un reflejo del periodismo, sino también de la sociedad. No reivindicamos un colectivo profesional más, sino la importancia de una prensa responsable. Por todo ello, os invitamos a apostar por un periodismo independiente, riguroso y que permita recuperar la credibilidad que han perdido los medios. Nosotros lo tenemos claro: o calidad o nada.

Impulsores: Sergi Alcázar, Gianluca Battista, Cristina Calderer, Alberto Estévez, Ana Jiménez, Jordi Play y Elisenda Pons

Firmantes: Casi 600 fotoperiodistas (la lista completa se puede consultar en este enlace)

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Foto de portada | William Warby

Con la fotografía podemos capturar lugares para dejar que vivan en la memoria colectiva por siempre. Gracias a ella, podemos conocer aquellos lugares que han sido transformados por la época, que no hemos conocido en persona y que pasan desapercibidos día a día. Una imagen puede crear sensaciones y crear preguntas sobre lo que está ocurriendo en aquel lugar.

Es ahí donde la fotografía puede complementarse con otras sensaciones. Es por ello que el proyecto creado por el compositor Stuart Fowkes es tan cautivante. Con vosotros: ‘Cities and Memories’.

¿Cómo suena el mundo?

Como reporta The Verge, este proyecto nace cuando el músico cuestiona el rol del sonido en la forma en que las personas consumen el contenido. Usualmente, esta mezcla de imagen y sonido nos traslada al vídeo, pero Fowkes “quería sonido e imágenes estáticas, y ver la imágen casi como una pintura”, y así el concepto de fotografías sonoras llega al núcleo de este proyecto. Según el compositor “el sonido es un sentido descuidado” y como personas pensamos que debe ser ver para creer. Sin embargo, él cree que la importancia del sonido es mayor ya que “el sonido es el primer sentido del que somos conscientes [...] escuchamos sonidos antes de nacer, antes de ver, es íntimo, cercano e importante”.

‘Cities and Memories’ es un trabajo colaborativo con personas alrededor del mundo. Un proyecto donde las personas crean un mapa sonoro del mundo a través de grabaciones y mezclas de audio. Como sub proyectos, Fawkes crea actividades en la comunidad como el de 'Sound Photography' que nos trae acá hoy.

En este, Fawkes pidió a voluntarios alrededor del mundo enviar fotografías que él agrega a una base de datos. Luego, los artistas sonoros toman esas imágenes y graban sonidos o crean mezclas para acompañar el sentimiento y/o el contexto para ellas, dependiendo de cómo hacen sentir o pensar al sonidista.

El resultado son poderosas mezclas musicales o grabaciones documentales que acompañan la imagen. Le agregan un valor y una llamativa experiencia que permite darle más tiempo al espectador de analizar la fotografía mientras identifica la relación de esta y el sonido.

El poder que tiene esto nos puede mostrar elementos sencillos como la imagen de arriba, que parte de lo que Fawkes siente al ver una imagen tomada a través de una ventana de su antiguo hogar. Gizmodo presentó el proyecto hace un par de años con el punto de vista de la experiencia que es estar dentro de un metro en Inglaterra. Wired presentó el proyecto con el potencial documental que tiene este durante las protestas, mostrando imágenes de protestas sobre Brexit y la campaña de Trump acompañadas con los gritos de los protestantes. Aquellas magníficas imágenes documentales se potencian, mientras el espectador usa su imaginación para unir oído y visión en su propia representación mental.

Un mapa sonoro

El proyecto cuenta con alrededor de 2.000 sonidos que están localizados en un mapa sonoro. En este encontrarán grabaciones y mezclas desde una ciudad como Zagreb, a un país como Kyrgyzstan o a un continente entero como África. Todo gracias a la colaboración de más de 500 sonidistas y fotógrafos que han compartido imágenes para inspirar.

‘Cities and Memories’ es un proyecto abierto, en el cual cualquier persona que esté interesada en darle un sonido al mundo quiera colaborar. La curaduría del proyecto es realizada por Fawkes. No duden en visitar la página de 'Cities And Memory' para escuchar este mar de grabaciones y conocer más sobre cómo colaborar en el proyecto.

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Imagen de portada | Stuart Fowkes (Web, Instagram, Twitter)

Cristiana Gasparotto es una italiana afincada en nuestro país que se crió en una zona montañosa que era frontera entre el Reino de Italia y el Imperio Austro-Húngaro cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Ahora es fotógrafa y la ideóloga de ‘Montaña abierta’, un proyecto con el que esta artista pretende hacer un viaje a los paisajes heridos por aquella contienda coincidiendo con que se celebran 100 años de su conclusión.

Se trata del primer proyecto seleccionado por el Programa Crisálida de Signo Editores, un plan de mecenazgo que subvenciona con 2.000 euros a proyectos relacionados con la cultura y las artes visuales. Este dinero lo usará Cristiana, fotógrafa y coordinadora de la Escuela de Artes Visuales Lens, para un proyecto que supone regresar junto a su padre a las montañas de Asiago “en busca de las huellas del paso del hombre […] y que es a la vez un viaje interior hacia sus propios recuerdos como esquirlas que quedan clavadas en la memoria”, según reza la nota de prensa.

La propia autora cuenta como ”de niña mi padre me llevaba a las cumbres, donde conociendo las montañas, aprendí también la historia. En este vínculo emocional con la montaña y la historia reside el origen de mi proyecto que, por otro lado, aspira a tener un alcance general al tratar cuestiones universales, como la identidad, la vivencia del territorio y las huellas del pasado”.

El proyecto comenzará el próximo mes de julio, que es cuando la fotógrafa viajará a Italia, y finalizará cuando se publique un libro en el que combinará imágenes y textos propios del proyecto. “Una de las principales dificultades a la hora de desarrollar un proyecto personal ―cuenta Cristiana― es su sostenibilidad económica […] El Programa Crisálida me permitirá cubrir los gastos de producción y posproducción asociados al desarrollo del proyecto. Por otro lado, gracias a la difusión del Programa, el proyecto tendrá más visibilidad.”

Por su parte, la Comisión de seguimiento de Signo Editores, responsable de haber elegido ‘Montaña abierta’, ha valorado su calidad, originalidad, viabilidad e interés social, así como “la sensibilidad de la autora a la hora de captar imágenes y relatar”. Según Cristina García, coordinadora del Programa Crisálida, “‘Montaña abierta’ capturó nuestra atención rápidamente. Cristiana nos proponía un viaje a los paisajes heridos por la Primera Guerra Mundial, pero en realidad nos estaba ofreciendo mucho más. Al tratarse de parajes que conoce bien, ligados a su infancia en Italia, encontramos un paralelismo entre la Historia y su propia historia que, sin duda, merece la pena conocer con mayor profundidad”.

El Programa Crisálida tiene el propósito de “dar visibilidad a aquellos proyectos que tienen mucho que aportar al tejido de la cultural, pero que por falta de financiación no se desarrollan”. Así, en los próximos meses darán a conocer otros cinco proyectos elegidos para completar los seis que serán subvencionados. En total se otorgarán 12.000 euros a través de un programa que impulsa iniciativas creadas por residentes en España y “relacionadas con la cultura y las artes visuales: contenido audiovisual, diseño, fotografía, arquitectura, videojuegos o artes plásticas; así como todos aquellos proyectos que tengan un carácter educativo o divulgativo de la cultura visual”.

Más información | Signo Editores | Cristiana Gasparotto

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Fotografías de Cristiana Gasparotto reproducidas con permiso del autor para este artículo