Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, un mediodía de verano de 2013, Rafael Sanz Lobato sentado ante los medios, carismático, tajante en sus ideas, defensor de la fotografía, sin pelos en la lengua, feliz a su manera porque al fin una retrospectiva se hacía eco de su obra. Premio Nacional de Fotografía tardío, en 2011, después de una vida dedicado al noble arte de documentar el mundo que nos rodea.

Hoy estamos de luto, pero queremos recordarle por su legado, el legado que nos ha dejado y que corresponde con la historia de nuestros antepasados, de nuestras tradiciones, de todos esos pueblos que hoy lamentan la pérdida de quién les dio visibilidad en las paredes de una exposición y en los libros. Desde aquí nuestras siete reivindicaciones, el mejor homenaje que podríamos hacerle.

Por una vida dedicada al blanco y negro

Mientras que en el cine en blanco y negro nos hace recordar al instante que estamos ante producciones clásicas pre color, en la fotografía la atemporalidad que siempre nos ha aportado es un recurso que aún seguimos explotando. En el caso de Sanz Lobato era una premisa indiscutible que dejó impregnada en toda su obra, desde su trabajo de caracter antropológico documental hasta sus bodegones o sus retratos y paisajes. El blanco y negro como nexo de unión de una obra que no dejó de perder su sello en ningún momento.

Por su amor incondicional a la fotografía analógica

Uno de los grandes momentos de aquella rueda de prensa fue esa defensa a ultranza que hizo de la fotografía analógica frente a la digital, algo que siempre que tenía ocasión expresaba y que indudablemente le definía como fotógrafo. En contraposición a otros fotógrafos de la vieja escuela que sí fueron adaptando su trabajo a los medios digitales, Sanz Lobato nunca dejó de utilizar sus herramientas habituales y el laboratorio químico para el copiado de sus imágenes.

Por haber documentado nuestro pasado

España es un país de tradiciones, muchas de las cuales aún se siguen manteniendo dentro de nuestro folclore festivo. Gracias a fotógrafos como Sanz Lobato, nuestra historia reciente y la memoria de muchos de nuestros pueblos sigue latiendo con fuerza a través de sus imágenes. Fiestas hoy olvidadas, incluso otras que se siguen celebrando, pueden ser situadas en el tiempo y observar su evolución por medio del trabajo de este autor que recorrió nuestras carreteras en busca de imágenes para recordar.

Por sentir su huella en cada fotografía

Hace unos días, revisitando el trabajo de Enrique Meneses a propósito de su exposición en Madrid, veíamos que había sido un fotógrafo invisible. Contrariamente a esa posición igualmente admirable, me puse a pensar en aquellos cuya impronta como autores sí se veía reflejada en las instantáneas. Sanz Lobato entraría perfectamente en ese listado. Hacía suyo todo lo que fotografiaba, su mirada se notaba en cada plano, su juego con el espectador, con el sujeto fotografiado.

Por ser maestro de fotógrafos

Gracias a su trabajo fueron muchos quienes siguieron sus pasos en las generaciones posteriores. Sin ir más lejos, Cristina García Rodero bebió de las fuentes de ese documentalismo tan racial, tan cercano, tan involucrado, tan visceral, tan de autor. Y gracias a él nuestra mirada fotográfica en España le ha tenido como referente visual. Gustamos de ese sentirnos parte de la escena, de ese límite traspasado entre sujeto y espectador.

Por su defensa pasional a este arte

“Amo tanto la fotografía que cuando veo algún golfo que se aprovecha de ella, siempre lo he denunciado”. Nada que decir a esta declaración de Sanz Lobato. Son muy pocos a quienes he visto sacar los colmillos por defender la fotografía, su pasión por este medio se veía reflejado en cada paso que daba. Amante de la fotografía bien hecha, de la sinceridad y la honradez fotográfica.

Por no tener miedo a experimentar

De Sanz Lobato conocemos fundamentalmente su trabajo enfocado al documentalismo, pero en su carrera existen otras estampas que igualmente, y como comentamos en aquella exposición de Madrid, reflejaban del mismo modo su sello. Porque lo importante en la obra de un fotógrafo es que sepa trasladar su mirada a otros géneros, y es así como lo hizo con sus bodegones e incluso con sus paisajes, donde se le ve en cada matiz de blancos y negros, en cada grano de película.

En resumen

Parafraseando a Díaz-Maroto y con su permiso, se nos ha ido Sanz Lobato, "maestro entre los maestros y rebelde entre los rebeldes". Porque así le sentimos quienes conocimos su obra y un poquito de su persona a través de sus imágenes. Larga vida a su legado y a este oficio que nos ha dado tanto alimentando nuestro alma en cada disparo, porque la fotografía es lo único que al disparar nos regala vida.

En Xataka Foto Rafael Sanz Lobato, por fin su gran exposición llega a Madrid Fotografía Bercianos de Aliste, 1971 © Rafael Sanz Lobato

Josef Koudelka, nacido en Moravia, hizo sus primeras fotografías mientras era estudiante en la década de 1950. Casi al mismo tiempo que él comenzó su carrera como ingeniero aeronáutico en 1961 él también comenzó a fotografiar gitanos en Checoslovaquia y, también, en el teatro en Praga, el Teatro Za Branou, y así, entre gente, tablas y decorados comenzó a experimentar con la acción dramática.

Esa afición se volvió un trabajo a tiempo completo en 1967, abandonando aquellos estudios de ingeniería. Al año siguiente, Koudelka fotografió la invasión soviética de Praga, publicando sus fotografías bajo las iniciales P. P. (que significaba "Fotógrafo de Praga "). Y lo hizo de esa manera por temor a represalias hacia él y su familia. Con estos estas pinceladas primeras parece claro que Josef Koudelka podríamos encajarlo entre el Fotoperiodismo y la Fotografía documental, aunque resulta complicado decirlo que un fotógrafo del cual se dice que nunca aceptó un encargo.

Trayectoria

Koudelka mostró en aquellos años 60, que la comunidad gitana Europea eran claramente marginados, apartados y silenciados.

A modo de curiosidad, desde 1986, ha trabajado con una cámara panorámica y publicado una recopilación de estas fotografías en su libro Caos en 1999. Ha ganado importantes premios como el Premio Nadar (1978), Premio Nacional de la Fotografía en EE.UU (1989), un Premio Cartier-Bresson (1991) o el Premio de la fundación Hasselblad Internacional de Fotografía (1992), entre otros muchos.

Ha realizado exposiciones muy importantes de su trabajo en el Museo de Arte Moderno y el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York; la Hayward Gallery, Londres; el Museo Stedelijk de Arte Moderno de Amsterdam; o el Palais de Tokio, París, entre otros.

El pueblo gitano

Poco antes de la Primavera de Praga Koudelka comenzó a mostrar los entresijos de la comunidad gitana de Praga. Unas vidas que plasmaría, también, en magníficos libros años después - su amigo y, también, editor Robert Delpire logró plasmar esta condición de viajero eterno en la colección Exilios. Aquello le costó que su nombre pasara a formar parte de una lista negra en la que si entrabas corrías muchísimo peligro.

Koudelka mostró en aquellos años 60, que la comunidad gitana Europea eran claramente marginados, apartados y silenciados. Un pueblo desconocido en sus costumbres, al margen del folclore.

Hasta tal punto fue su integración que aquellas comunidades con las que tenía trato, poco a poco comenzaron a invitarle a momentos más íntimos, más cercanos que así quedaron documentados con su cámara. Unas composiciones que en algún momento tienen algo de teatrales gracias a la pasada experiencia de Koudelka en el teatro de Praga.

La primavera del 68, según Josef Koudelka

Hay veces que nos detenemos en varios aspectos de la obra de un autor cuando estamos analizando sus grandes aportaciones a la Historia de la Fotografía. En el caso de Josef Kouldelka, es imposible no detenerse, sentarse y admirar el trabajo que realizó aquella invasión del 68. Koudelka ha publicado más de una docena de libros de su obra, siendo de obligada lectura el más reciente, en 2008, sobre la invasión de Praga del '68 durante aquel mes de Agosto.

Aquel loco se subía encima de los tanques en medio del caos y era jaleado por la multitud cada vez que le intentaban confiscar su material, ayudándole la multitud a escabullirse de los soldados.

Cuentan, que otro fotógrafo, de la agencia Magnum, Ian Berry caminaba un día por Praga con su Leicas ocultas bajo el abrigo, nervioso y asustado mirando en todas las direcciones. Para Berry, británico, el solo hecho de estar allí y tener dicha nacionalidad era como un suicidio perfectamente planeado. Apostado junto a las paredes y oculto entre las ruinas primeras de la invasión, Berry temblaba cada vez que necesitaba usar sus Leicas, porque había visto de primera mano como los soldados soviéticos disparaban a todo lo que consideraban sospechoso.

En una de estas ocasiones estaba, cuando vio un "loco" de "mirada salvaje" (según ha contado muchas veces, Ian Berry) con dos cuerdas colgadas al cuello de las que pendían dos antiguas cámaras Exakta. Aquel loco se subía encima de los tanques en medio del caos y era jaleado por la multitud cada vez que le intentaban confiscar su material, ayudándole la multitud a escabullirse de los soldados. Berry afirmó que aquel hombre era o el más idiota o el más valiente que había visto nunca. Aquel loco era Josef Koudelka.

Josef Koudelka

Su legado

En un mundo actual como el nuestro, sigue vigente todo lo que nos enseñó Josef Koudelka. Se necesitan locos como Koudelka, locos como muchos fotoperiodistas que se juegan la vida a diario por traernos y contarnos la situación de injusticia, pobreza o guerra de muchas personas. Es nuestro deber reaccionar, de alguna forma ante esas imágenes. Es nuestro deber, simplemente eso: ser humanos.

Más información | Josef Koudelka, Magnum

Ya sabemos las enormes posibilidades fotográficas que nos ofrecen los drones. Especialmente en lo que respecta al punto de vista, un recurso visual que aún nos puede sorprender en esto de la fotografía. El neozelandés Amos Chapple ha sabido aprovechar muy bien sus posibilidades y se ha llevado su cuadricóptero de viaje para fotografiar ciudades alrededor del mundo con magníficos resultados.

No hay más que echar un vistazo a la galería de su web para darse cuenta que ha buscado imágenes impactantes de lugares muy conocidos, pero que a vista de pájaro ganan mucho. San Petersburgo, Delhi, el Taj Mahal, Budapest o Barcelona son algunos de los puntos donde ha echado a volar su drone. Aprovechando la puesta de sol ha logrado capturar imágenes espectaculares.

Amos es un fotógrafo de viajes que merece la pena descubrir, que cuenta con buenos trabajos como el de la ciudad más fría del planeta) o sobre Irán. Aquí os dejamos con una galería de ciudades a vista de drone (con autorización del autor):

Barcelona.

Taj Mahal, India

San Petersburgo, Rusia

Trieste, Italia

Moscú, Rusia

Moscú, Rusia

París, Francia

Barcelona

Bourtange, Holanda

Budapest, Hungría

San Petersburgo, Rusia

Abkhazia, Georgia

Moscú, Rusia

San Petersburgo, Rusia

Moscú, Rusia

Tbilisi, Georgia

Mumbai, India

Luchadores de Kushti, India

Delhi, India

Sobre Diane Arbus hemos escrito en varias ocasiones, su vida y su obra dan para recurrir a su figura y siempre descubrir algo nuevo, algo que nos inquiete, que nos perturbe. No podíamos dejar nuestra sección de grandes maestros de la fotografía sin tenerla presente, porque esta fotógrafa aportó a la historia una manera de acercarnos a lo documental desde una perspectiva muy visceral, muy sincera, en ocasiones demasiado involucrada.

Todas las imágenes de Diane Arbus están protegidas con unos rígidos derechos de reproducción debidas al legado de la autora, así lo supimos durante la charla que tuvimos ocasión de disfrutar en las conferencias organizadas por Mapfre, donde no pudieron proyectar sus fotos, no obstante lo completaremos con vídeos. ¿Nos acompañais en este viaje por el apasionante universo de esta newyorkina?

Vida de Diane Arbus

Hay veces que distanciarnos entre la vida y la obra de un autor es fácil porque sus fotografías poco proyectan sobre su alma más allá de un gusto específico por realizar ese tipo de imágenes. En el caso de Diane Arbus, está todo tan unido, que prácticamente podemos afirmar que su fotografía es un estado de vida.

Queremos decir con ello que Diane Arbus utilizaba la fotografía como medio para poder realizar ciertas experiencias. La experimentación vital que podía satisfacer gracias a la toma de imágenes. Una actitud que la llevó a hacer de su obra un catálogo documental convertido en estudio de una época, pero alimentada con toda su presencia, porque en las instantáneas notamos su ser proyectado.

Nacida en el seno de una familia judía adinerada de Nueva York, comienza su andadura en la fotografía con su marido Allan Arbus, con quien trabaja en moda para revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar, hasta que el divorcio y la influencia visual de la fotógrafa Lisette Model, le hacen adentrarse en los barrios conflictivos de la Gran Manzana documentando escenas de prostitutas, enanos y otros personajes alejados de los cánones establecidos.

En 1967 realiza la exposición "New Documents", dándole notoriedad en la industria de la fotografía, haciendo así retratos para personalidades importantes y publicando en revistas de calado periodístico. Fue tras su muerte, a causa de un suicidio, cuando el mito de Diane Arbus creció, exponiendo póstumamente en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa americana en conseguirlo, así como se realizó su gran retrospectiva en el MOMA de Nueva York.

Lo que aportó Diane Arbus a la fotografía

Estamos haciendo mucho hincapié en que lo que caracterizó su obra fue su involucración en la toma de las imágenes. Diane Arbus no tuvo reparo en mantener relaciones sexuales con algunos de los que aparecen en sus tomas. Como decíamos era parte de ese proceso de experimentación que le permitía la fotografía.

Estilísticamente gustaba de utilizar poses frontales a cámara, directas. Donde se vieran los rasgos reales del fotografiado. Algo que reforzaba con el flash de mano, siendo pionera en su uso para fotografías de este tipo. La mirada a cámara, colocando al sujeto en el plano central, sin encuadres armónicos, permitía también ese descoloque del espectador, esa inquietud y pertubación nada sosegada, nada amable. En definitiva como comenté en un artículo hace tiempo, lo que nadie quiere ver.

La influencia de Diane Arbus

Su obra ha influido y sigue haciéndolo en aquellos que ponen su mirada en los rostros de la marginalidad friki. Ha influido en esa vertiente de fotógrafos que necesitan tener experiencias vitales gracias a este arte sin la distancia que ponen los demás. Que documentan aquello que tenemos alrededor desde dentro. Incluso aquellos que no se apoyan en el género documental, pero que también nos ofrecen una obra de mucho peso individual como autor en la imagen. Todos ellos beben de Diane, igual que Diane bebió de Winogrand, de Lisette Model y de todos aquellos con los que se codeó durante aquellos años.

Os comparto varios vídeos, entre ellos uno que ya nos enseñó Rodrigo en su momento. En el vídeo intermedio podéis ver sus fotografías más representativas, y en el primero la conferencia llevada a cabo en Mapfre sobre su figura. El último nos enseña un libro monográfico sobre su obra.

Fotógrafa Diane Arbus

¿Quién ha dicho que no se pueden realizar fotografías impactantes con una cámara compacta? Para todos aquellos que aún siguen con la idea en la cabeza de que tener un mejor equipo garantiza ese tipo de imágenes, hoy conocemos el caso de la fotógrafa Meagan V. Blazier. Madre de un niño, comenzó a realizar fotografías para documentar cómo iba creciendo el pequeño, hasta que puso su mirada en los paisajes que tenía a su alrededor, en el abandono de las casas de madera que tanto nos fascinan y en los cielos que nos transmiten tanto.

Para realizar estas fotografías, Meagan utiliza la bridge Canon PowerShot SX40HS y una edición mínima (ella nos asegura) en Lightroom y Photoshop. Con sólo esos elementos consigue impactantes imágenes que llaman la atención por la fuerza de unos colores reforzados y esa luz que tanto nos atrae de los momentos crepusculares del día.

Meagan ha cubierto portadas de libros y revistas, publicaciones online y ha sido galardonada tres veces con el Editor’s Choice picks de 500px. Con estos credenciales poco hay que añadir a que sólamente con una cámara de mayores prestaciones y mejor técnica dada por los sensores, lentes y píxeles podemos trabajar para el sector editorial. Como vemos no se trata de calidad técnica, sino de una sensibilidad muy concreta para llamar a la puerta de eso que llamamos emoción.

Todos, quién más y quién menos, soñamos con poder ver imágenes cómo las que Meagan nos muestra. Al fin y al cabo son paisajes solitarios alimentados con una carga muy fuerte de tonos que invitan a querer trasladarnos a esos atardeceres que nos enseña, porque no dejan de ser estampas reales que se han reforzado para conseguir ese aurea de impacto.

Es cierto que entramos en el eterno debate, pero quiero lanzar algunas preguntas, ¿superaría Meagan estas fotografías si las realizase con un dispositivo de mayor resolución técnica? ¿sería necesario? Precisamente ella nos cuenta en su web lo que su cámara le proporciona. Es una reflexión que me hago a menudo cuando tengo entre mis manos una cámara que supera a mi réflex habitual. Porque aún ganando en el resultado final a nivel casi imperceptible, siento que estoy realizando las mismas fotografías, incluso que tanto elemento adicional me corta en cierto modo las alas de la sencillez creativa.

Meagan es un claro ejemplo de lo que se puede realizar disponiendo de un equipo muy básico y, aunque muchos penséis que los paisajes de los que dispone ya los querríamos por aquí para realizar tan impactantes estampas, os sorprenderían la cantidad de lugares cercanos que aún nos quedan por descubrir. A quiénes gustais de este tipo de fotografías, os invito a pasear por lo que ella llama "Imaginescapes" en su página web, a soñar un poco con ellas y a que os sirvan de inspiración para trasladar esa sensibilidad a vuestras fotos.

Fotógrafa Meagan V. Blazier

En fotografía, apostar por una composición innovadora, y, en cierto modo, transgresora, acarrea alicientes, pero también desventajas. Lo positivo para el fotógrafo que decide dar rienda suelta a su creatividad de esta forma es que puede llamar la atención y conseguir que su fotografía tenga más visibilidad. Pero el inconveniente es que si la apuesta es demasiado atrevida es posible que también despierte un cierto rechazo. Posiblemente esto es lo que debe estar sucediéndole al fotógrafo japonés Takashi Kitajima.

Como podéis observar en la fotografía que abre el post, su apuesta es bastante original: toma dos fotografías con el mismo encuadre, una enfocada y otra desenfocada, y las superpone, pero utilizando como base la imagen desenfocada. El elemento que hace las veces de nexo entre una imagen y la otra es una lupa que, de manera metafórica, retira ese velo que nos impide ver el mundo con nitidez. Tal y como es.

A mí, particularmente, me parece una apuesta original y bastante fresca, aunque posiblemente acabaría exhausto si tuviese que contemplar una exposición completa con fotografías de este tipo. Como os decía al principio del post, no creo que este tipo de fotografía guste a todo el mundo. Pero, sin duda, es positivo que de vez en cuando alguien nos sorprenda con propuestas diferentes. Si os apetece echar un vistazo al porfolio de Kitajima no os perdáis su galería en Flickr o su página web.

Vía | My Modern Met
Más información | Takashi Kitajima
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Muchos son los grandes fotógrafos de los que podemos (y debemos) aprender. Pero solo uno pocos han llegado a sentar cátedra con la contundencia que lo ha hecho Ernst Haas en la historia de la fotografía. Como filósofo reflexionó sobre el hecho fotográfico, como profesor no dejó de inculcar sus conocimientos y, además, fue un maestro del color. Quizás el más influyente (con permiso de otros genios como Saul Leiter o William Eggleston), que cultivó tanto en la fotografía documental (siendo miembro de la agencia Magnum) como en la fotografía comercial sin perder ese espíritu colorista, creativo e innovador.

Y es que si algo puede definir al gran Haas es precisamente que Haas nunca perdió la curiosidad como artista. Se reinventó (también era pintor y se le puede considerar un completo artista visual), innovó, no dejó de probar nuevas fórmulas, de llevar más allá su talento fotográfico. Pero, tras tantos halagos, conozcamos un poco más sobre su obra y entenderemos la importancia de su legado y el por que lo considero uno de mis fotógrafos de cabecera. Imprescindible.

Sus inicios

Ernst Haas nació en 1921 en Viena aunque se nacionalizó estadounidense años después. Cuando tuvo que emigrar de su Austria natal por ser descendente de judíos y abandonar sus planes de formarse en medicina. Eso hizo cambiar su rumbo, estudiar Bellas Artes y, al poco, comenzar a trabajar como fotógrafo ya en EEUU. Su carrera fue creciente en aquella época, donde cultivaba la fotografía documental, con habilidad de reportero y viajando por Europa, consiguió un puesto fijo en la prestigiosa revista Life, donde ya había publicado. Pero eligió la agencia Magnum como destino profesional, auspiciado por el gran Robert Capa.

Pero no abandonamos la revista Life tan pronto porque fue crucial en su carrera. De hecho, en 1953 publica un reportaje clave: Images of a Magic City. Un trabajo innovador en lo formal, todo un ensayo fotográfico que aún hoy día no ha perdido un ápice de su fuerza y atractivo (fue muy adelantado a su tiempo y una suerte que Life, que buscaba trabajos para un público generalista, apostara por él). Haas se atrevió a experimentar con el color para un trabajo de encargo sobre la, muy fotografiada, ciudad de Nueva York.

Pero este trabajo, publicado en dos partes en Life (que se pueden ver completos gracias a Google Books), no es sólo pionero en el uso del color en fotografía, sino también por la forma de afrontarlo: no es un trabajo descriptivo de la ciudad. Vemos reflejos, sombras, juego con los colores y la formas… mucha abstracción. Era un trabajo arriesgado, reflexivo y buena muestra de los intereses artísticos que movían a Haas. Incluso para un encargo así fue capaz de llevarlo a su terreno, a la experimentación y demostrar que no hay límites creativos si uno se lo propone. Toda una lección. A partir de aquí Haas logró un prestigio y un respeto enorme que la agencia Magnum se encargó de potenciar.

Su talento le permitía alternar trabajos de pura fotografía documental con otros trabajos comerciales (como su famosa campaña para Marlboro) sin abandonar sus experimentaciones en proyectos más personales. Algo que solo alguien con su talento se puede permitir. En sus ensayos explicaba la clave:

“El único secreto para hacer buenas fotos es no perder la curiosidad ni creer que se ha alcanzado un objetivo, se trata de seguir buscando”.

El color y el movimiento: dos pilares en la obra de Ernst Haas

En adelante se le vincularía como el gran fotógrafo referente sobre el uso del color, aunque no por ello se puede desdeñar ni perder de vista su trabajo anterior y el realizado en blanco y negro. Haas se convirtió en un experto en la reproducción de copias a color de sus trabajos, tanto como para dominar el proceso Dye Transfer, que Kodak comercializaba desde 1946 y que permite obtener copias de máxima calidad.

Siguió trabajando para Life, coordinando la agencia Magnum e, incluso enseñando fotografía y reflexionando (escribiendo algunos ensayos), sin perder su visión ni creatividad en ningún momento. De hecho, logra realizar otro reportaje innovador que se ha convertido en otro de sus grandes logros fotográficos. Así, en 1957 realiza Beauty in a Brutal Art, un trabajo sobre el arte de la tauromaquia en España. Exposiciones lentas que otorgaban una belleza inusitada al arte del toreo. De nuevo, innovando (para la época, ya que además fue realizado a color).

En años siguiente continuó realizado trabajos muy brillantes, que le llevaron incluso a aproximarse al mundo del cine. Fue llamado por John Huston para encargarse de la dirección de fotografía de la superproducción “La Biblia”. Y en 1971 realizó un libro espectacular: The Creation, con imágenes registradas por la propia naturaleza. Más innovación.

Libros y premios

John Szarkowski, el que fuera prestigioso y capital director del Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York dijo de Haas: "...ningún fotógrafo ha expresado mejor que él el puro goce físico de ver…".

Ernst Haas ha publicado numerosos libros, entre los que podemos destacar el mencionado The Creation (1971), Ernst Haas in America, Himalayan Pilgrimage, Color Corrections o el recién publicado, esta misma primavera, Ernst Haas on Set, donde se recogen sus fotografías en los estudios de rodaje de Hollywood. Echando un ojo a esta bibliografía la conclusión es clara: Haas era un fotógrafo todoterreno (ha sido uno de los mejores retratistas de Marilyn Monroe, por ejemplo) y siempre buscaba innovar y dar rienda suelta a la creatividad.

En cuanto a premios, podemos destacar el último, en 1986, justo el año de su fallecimiento, como es el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad.

En conclusión, un maestro del que hay tanto por aprender.

"No estoy interesado en fotografiar cosas nuevas. Estoy interesado en ver cosas nuevas"

En Xataka Foto | Grandes Maestros de la Fotografía

Supongo que al tener siempre la fotografía tan integrada como un arte más gracias a la carrera de Historia del Arte, este tipo de reflexiones que nos hacen situar esta disciplina, según el debate, dentro o fuera de las bellas artes no es algo que sea una sorpresa para mí, pero sin embargo creo que es interesante para todos aquellos que aún siguen pensando en la fotografía como una forma de manifestación aparte sin esa integración de la que vamos a hablar.

Fue hace unos días cuando tuvo lugar una mesa redonda en el IED de Madrid, donde los artistas Miguel Ángel Tornero y Nicolás Combarro plantearon su punto de vista al respecto basándose en la experiencia de su trabajo. Los dos crean un tipo de obra donde la fotografía es utilizada como una herramienta más de expresión. Una obra donde integran otras manifestaciones como piezas ready made (esculturas) y collages entre otras formas de hacer arte.

La idea de todo ésto es poner de manifiesto que la fotografía puede convivir con otras artes así como otras artes pueden convivir con la fotografía en una simbiosis donde no hay límites para la creación. Tendemos a acotar siempre poniendo límites, fundamentalmente alimentados por los géneros fotográficos, y es muy dificil pensar que otro tipo del uso de la fotografía es posible. Y por tanto, esa línea que debería unir esta disciplina con las otras, al final se hace demasiado grande repercutiendo en pensar en la figura del fotógrafo lejos de la de artista.

Dos ejemplos mejor que uno

Ya que hemos nombrado a los dos intervinientes de la mesa redonda, vamos a hablar de su obra para ponernos en situación. Así que empezamos con Miguel Ángel Tornero, licenciado en Bellas Artes, actualmente expone en el Centro de Arte Alcobendas la muestra "The Random Series -berliner trato, romananzo & madrileño trip", un proyecto en el cual aparecen vistas de ciudades a través de espacios poco reconocibles para el turista común, en una suerte por hacer esa revisión al viaje interior, cuyas imágenes aparecen mezcladas de forma inverosimil gracias al juego azaroso que le aporta un programa informático para realizar panorámicas.

Con ello, no deja de ser un trabajo realizado a partir de material fotográfico tratado a su vez con un programa utilizado en fotografía, pero que le da una serie de composiciones que se alejan totalmente del ideal que tiene el público (general) sobre lo que debe ser una imagen fotográfica. Y por tanto es muy interesante ese juego que nos propone Miguel Ángel, en un primer momento gracias a ese factor sorpresa donde se mezcla la melancolía de los lugares con una pizca de humor, convirtiéndolas en estampas muy sugerentes.

Nicolás Combarro utiliza la fotografía como documento de sus intervenciones con la escultura y en el paisaje arquitectónico. Al final sus fotografías, perfectamente tratadas, son el lugar donde queda reflejada de manera perpetua esa actividad artística previa, ya sea con la creación de esculturas a través de piezas reutilizadas, o bien con la arquitectura transformada gracias a su intervención de corte pictórico, siendo este artista un ejemplo excepcional sobre lo que es un artista integral, porque si tenemos en cuenta que utiliza espacios arquitectónicos para intervenirlos con pintura o simplemente como contenedores para sus instalaciones escultóricas y todo ello lo deja constatado gracias a la fotografía, nos estamos encontrando con un integrador total.

Además, no sólo utiliza esa fotografía como documento que luego se expone en un entorno artístico, sino que juega también con la perspectiva fotográfica. Dicho de otro modo, cuando fotografía el espacio arquitectónico de frente nos da una sensación bidimensional, pero cuando se aleja y pone el encuadre en otro punto, esa intervención queda grabada como una obra tridimensional casi escultórica, haciendo aún más enriquecedora la experiencia de integración de las artes.

En resumen

Al final tanto Combarro como Tornero son dos ejemplos dentro de esa forma de integrar la fotografía en el contexto de las otras bellas artes. Son muchos en la fotografía contemporánea quienes practican esta serie de proyectos, sin ir más lejos en PHotoEspaña 2014 tuvimos algunos ejemplos tanto con P2P como en la muesta comisariada por Fontcuberta en el Círculo de Bellas Artes.

Y es cierto que estas exposiciones, y estas manifestaciones, están dentro de la programación de festivales que son de convocatoria general, pero aún seguimos con esa barrera, que sobre todo a nivel de formación impide que la fotografía sea tratada como un arte más y que haya tanta limitación a una integración que se hace absolutamente necesaria en los tiempos actuales. Os invito a visitar las webs de estos dos artistas y, sobre todo, a mirar con otros ojos las propuestas que se nos antojan innovadoras cuando en realidad las vanguardias ya nos las pusieron en el camino hace un siglo.

Más información IED Madrid Fotografías de portada Miguel Ángel Tornero (izq.) y Nicolás Combarro (dcha.)

Sabemos gracias a las personas que lo conocieron que Joan Vilatobà i Fígols era inteligente, inquieto, y, en cierto modo, rebelde. Nació en la localidad barcelonesa de Sabadell, en 1878, en el seno de una familia acomodada y culta. De su infancia no tenemos apenas información, pero es probable que su pronto contacto con los movimientos republicano y artístico de la época propiciase algunas de las decisiones que tomó durante su juventud, y que le llevaron a erguirse como la figura de la fotografía por la que ha pasado a la posteridad.

Como vamos a ver unas líneas más adelante, Vilatobà es uno de los máximos representantes españoles del pictorialismo fotográfico, una manifestación artística que surgió en Europa y Estados Unidos a finales del siglo XIX, y que pretendía reivindicar la fotografía como arte frente a la fotografía «vulgar» que propusieron la comercialización de las primeras cámaras de Kodak y el sistema industrial de revelado. Pero esto es tan solo una pincelada en la biografía de un auténtico maestro de la fotografía cuyo legado perdurará a través de su obra.

Deserción y primeros pasos como retratista

Joan Vilatobà era un pacifista convencido. Durante su juventud España estaba sumida en la guerra con la que pretendía apaciguar la ambición de independencia de Cuba, lo que provocó que, cuando llegó el momento de su incorporación al ejército para hacer el servicio militar, decidiese desertar y huir al extranjero. Pasó varios años en Francia y Alemania, dos países en los que tuvo su primer contacto con el impresionismo y el pictorialismo fotográfico, que ya tenían unos cimientos sólidos tanto en Europa como en Estados Unidos.

Unos años más tarde, a principios del siglo XX, Vilatobà ya estaba enamorado de la fotografía, por lo que, aprovechando que los ánimos se habían calmado, decidió regresar a España y abrió un estudio en su localidad natal. La experiencia que había acumulado durante los años que pasó en Toulouse y París le permitieron granjearse en poco tiempo una fama muy notable como retratista. De hecho, el rey Alfonso XIII se hizo con algunas de sus obras y le pidió que retratase a Victoria de Battemberg, su prometida.

En esta misma época están fechadas sus primeras fotografías de marcado carácter pictorialista, cuya calidad le hizo merecedor de varios premios importantes, como la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Madrid de 1905 o la Medalla de Oro del Concurso Fotográfico de la Ilustración Catalana. Su prestigio le permitió forjar una relación estrecha con varios artistas e intelectuales de la época, como Santiago Rusiñol, Andrés Segovia, Enrique Granados o Joaquín Sorolla, entre muchos otros.

El pictorialismo y la fotografía como arte

Como he mencionado al principio del post, el pictorialismo fue una manifestación artística que no pretendía en absoluto recrear fielmente la realidad, haciendo suyos los preceptos del romanticismo del siglo XIX. Por esta razón, las fotografías de Vilatobà exudan la melancolía y el tono poético que también es posible encontrar en la obra de otros pictorialistas de su época. Sin embargo, a diferencia de algunos de sus contemporáneos, se especializó en el uso de la técnica de positivado por copia al carbón, aunque también usó con menos fidelidad el bromóleo y la goma bicromatada.

En cualquier caso, su pericia le permitió dotar a sus fotografías de una estética muy personal y una poética visual muy sólida, que cultivó especialmente a través de las figuras, los paisajes y las composiciones. Estas últimas, de hecho, tienen una importancia capital en su obra porque son las imágenes que más se parecen a la pintura, aunque las técnicas que utilizó Vilatobà eran puramente fotográficas. Las fotografías que ilustran este post nos permiten entrever la clara influencia de la pintura del siglo XVII en su forma de componer y de definir los personajes.

Joan Vilatobà era un auténtico maestro en la técnica de positivado por copia al carbón

La característica más llamativa que nos permite identificar sus fotografías, que tenían una intención muy firme de afianzarse como manifestaciones artísticas en toda regla, al margen de su maestría en la técnica de impresión al carbón, es su utilización de las sombras y las texturas. Este recurso le permitió incrementar la carga dramática y poética de su obra, muy en la línea con otros pictorialistas europeos y norteamericanos que defendían estos mismos preceptos.

Adiós fotografía, adiós

Joan Vilatobà fue muy admirado y respetado durante sus primeras tres décadas de carrera. Sin embargo, no se sintió cómodo con el desarrollo que experimentó la fotografía durante los años 20 del siglo pasado, posiblemente porque se alejaba de la idea que él tenía de la fotografía como manifestación artística, lo que le llevó a abandonar su carrera como fotógrafo en 1931. A partir de ese momento se dedicó en exclusiva a dar clases de pintura y dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Sabadell, una labor que compaginó con la pintura.

Murió en 1954, olvidado como el gran fotógrafo pictorialista que fue, pero, afortunadamente, su obra recuperó la relevancia que nunca debió haber perdido en la década de los 80, lo que ha propiciado que algunas de sus fotografías formen parte de la colección permanente del Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo de Arte de Sabadell.

En Xataka Foto | Joan Vilatobá, un genio del Pictorialismo en el Museo del Romanticismo de Madrid | Alfred Stieglitz: el legado del maestro que hizo de la fotografía el arte que es hoy

La escuela de la calle le enseñó a Robert Doisneau que París es un gran teatro que fotografiar lleno de historias y personajes. Contemporáneo y amigo de Picasso, Kertész, Cartier-Bresson o del poeta Jacques Prevert entre otros muchos, compartió con todos ellos la inquietud y la fascinación en buscar historias en los suburbios de la ciudad del amor.

Niños, adultos o artistas callejeros eran habituales protagonistas de sus imágenes. "Gestor normales de gente normal en situaciones normales" es una frase con la que Doisneau describe su trabajo. Sintió la picadura de la fotografía trabajando como ayudante en el Atelier Ullmann, y con el paso de los años se convirtió en una figura de la fotografía humanista con icónicas imágenes cargadas de humor y optimismo que leídas entre líneas descubren la crudeza del mundo.

Robert Doisneau, la suerte del paseante

"París es un teatro en el que se paga asiento con el tiempo perdido. Y yo continúo esperando". Esta es una de las citas célebres del fotógrafo, un profesional de la imagen que esperaba al momento adecuado paseando por su París natal con una Rolleiflex. Con un planteamiento muy acorde a Cartier-Bresson y su 'momento decisivo', ambos trabajaron juntos tras la liberación de París en la agencia ADEP en 1945 gracias al extenso reportaje que Doisneau realizó durante la ocupación nazi.

"El avión de Papá", Robert Doisneau, 1934

A pesar de que las imágenes de Doisneau muestren una deliciosa complicidad entre el fotógrafo y los protagonistas, lo cierto es que comenzó tomando fotografías distantes debido a su timidez. Una de sus primeras imágenes de las que se tiene constancia es de una pared repleta de carteles deteriorados en 1930. Su batalla interna entre el retrato humanista y su timidez se solucionó rápido, y a los pocos años fotografiaba a los habitantes de París desde las distancias. "Al final, las limitaciones tampoco son algo malo. Mi timidez me impedía fotografiar de cerca a las personas. Por ello siempre estaban inscritas en un entorno, y eso es algo que luego intenté recuperar".

"El infierno", Robert Doisneau, 1952

Apenas cinco años después de iniciarse en la fotografía, encontró trabajo como fotógrafo para Renault que le permitió descubrir el mundo de los explotados obreros industriales, un mundo de dignidad y solidaridad que le quedaría grabado a fuego. Fue despedido en 1939 por llegar tarde sistemáticamente a su puesto de trabajo. "La desobediencia parece una función vital en mí, y debo confesar que la he practicado en muchas ocasiones. [...] Para mí, Renault supuse el verdadero inicio de mi carrera como fotógrafo y el fin de mi juventud".

La resistencia y liberación de París

Tras quedarse sin trabajo en 1939, estalla la Segunda Guerra Mundial y el fotógrafo sobrevive en una París ocupada vendiendo postales con pinturas y grabados de Napoleón en el Hôtel des Invalides. Durante la ocupación, retrató a la Resistencia y la Liberación de París desde un punto de vista privilegiado y peligroso a la vez. Estas imágenes le permitieron posteriormente acceder a la Agencia ADEP, donde confluyeron durante un breve período de tiempo Cartier-Bresson, Robert Capa y Pierre Jahan entre otros.

"El descanso de la Resistencia", Robert Doisneau, 1944

Tras trabajar colaborando en diversas publicaciones, es fichado para Vogue en 1949 como fotógrafo de moda de día, mientras por la noche paseaba por la noche de su querida París retratando los locales de jazz y la gente que los frecuentaban entre los que se encontraban famosos como Jean-Paul Sartre, Albert Camus o Simone de Beauvoir. Este archivo personal lo confeccionó a modo de antídoto ante el trabajo próspero y ostentoso que realizaba para la revista.

El punto cúlmen, la serie 'Besos'

En 1950 llegaría de la mano de LIFE el encargo que más popularidad le otorgó, la serie 'Besos' en la que se encuentra una de las fotografías más románticas de la historia: 'Le baiser de l'Hôtel de Ville' ('El beso frente al Ayuntamiento'). Si bien las fotografías estaban preparadas, la complicidad entre el fotógrafo y los protagonistas dieron un aire tan natural, que no es de extrañar que todo el mundo las tomara por improvisadas.

"Amantes con puerros", Robert Doisneau, 1950

En Estados Unidos, la serie le permitió exponer en el MoMA, y en Francia se editaron en dos diarios: Ce Soir y Point de Vue. A partir de aquí empezaría a trabajar en multitud de proyectos publicitarios y publicaciones de moda, a la vez que seguía atesorando en su archivo estupendas fotografías del pueblo parisino como 'Los carniceros melómanos'.

"Los carniceros melómanos", Robert Doisneau, 1953

Tras su popular serie, además de poder dedicarse a proyectos comerciales, también dedicó su tiempo a proyectos personales como la publicación de su libro 'Instantanés de Paris' en 1956 y ganando en dos ocasiones el Premio Niepce en los años 1956 y 57. Durante los años 60, la fotografía cayó en un eclipse y, liberado de multitud de cargas profesionales, decidió volver a retratar las calles tranquilamente como solía hacer a menudo.

Del trabajo duro a la consagración

Fue a partir de los años 70 cuando la fotografía de autor retomaría cierto protagonismo gracias al festival Rencontres Internationales de la Photographie d'Arles renovando el valor de la fotografía francesa e internacional. Tras editar en 1979 'Trois secondes d'eternité', las nuevas generaciones de fotógrafos quedaron maravillados por un trabajo sin pretensiones, realizado por el placer de fotografiar la vida. A partir de aquí, el trabajo duro hizo que Doisneau se consagrara siendo premiado con multitud de distinciones.

"Jacques Prevert: Desayuno Matutino", Robert Doisneau, 1953

No se vió abrumado por estos reconocimientos, que con poco trabajo que hacer, volvió a las calles a retratar a la gente. "Por supuesto que hice lo hice deliberadamente. Fue intencionado, pero nunca pretendí crear una obra con mis fotografías, simplemente quería dejar un recuerdo del pequeño mundo que amé". Sin embargo, tras tanto tiempo alejado de las calles, París había cambiado y así se lo describió a Michael Guerrin en 1992...

"Los fotógrafos ya no inspiran confianza. Ya no me reciben como antes. Se ha perdido la magia. Es el fin de la fotografía "pura", de quienes desenterraban tesoros ocultos. He perdido la alegría. [...] El cemento ha reemplazado a los enlucidos en yesoy a las cabañas de madera... Ya nada atrapa la luz."

Doisneau pasó sus últimos días en su apartamento de Montrouge, donde vivió desde 1937 paseando por sus zonas predilectas entre París, Montrouge y Gentilly con fotografías tristes, inmerso en el desasosiego que inundó sus últimos años.

Fotografía de portada | "El beso en el Ayuntamiento", Robert Doisneau, 1950

En nuestra revisión a grandes fotógrafos no podía faltar la figura de Mary Ellen Mark. Hemos hablado de ella en muchas ocasiones, incluyendo su merecido Sony World Photography Awards 2014 y la exposición que La Fábrica le dedicó en 2013. Pero su recuerdo, y su obra, ahora que nos ha dejado a la edad de 75 años, quedará para siempre reflejada en nuestra manera de mirar por el visor de nuestra cámara.

Historiadora del arte (me identifico), que se hizo a sí misma en la fotografía (me identifico salvando las distancias) y que dejó su Philadelphia natal para trasladarse a Nueva York (aquí ya no hay identificación posible). Una fotógrafa humanista que supo acercarse a la sociedad marginal de una Gran Manzana convulsa en los años 70, pero que a su vez se codeó con las grandes estrellas gracias a su trabajo como foto fija en la industria del cine.

Unos comienzos con mucho arte

Cuando hablamos de que un fotógrafo debe estar bien formado académicamente, no podemos tener mejor referente que Mary Ellen Mark. Una mujer que estudió pintura, historia del arte y periodismo. Que comenzó haciendo fotografías con una Box Brownie (buscadla porque es preciosa) a los nueve años. Y que tuvo la oportunidad de viajar a Europa gracias a una beca de fotografía por un año en Turquía.

Si juntamos su formación con una sensibilidad natural para transmitir, independientemente del lugar donde estuviese fotografiando, obtenemos un cocktail explosivo en cuanto a calidad fotográfica se refiere a todos los niveles.

Su contribución a la fotografía humanista

Se trasladó a Nueva York a finales de los años 60, en un momento en el cual las revueltas sociales en las calles estaban en pleno apogeo. La oposición a la Guerra de Vietnam, la cultura travesti, la liberación de la mujer, situaciones que la hicieron documentar todo aquello e implicarse en estrechas relaciones con aquellos a quien fotografiaba. En este sentido fue una fotógrafa emocional, humanista en cuando no miraba a los sujetos desde la distancia.

En uno de sus últimos trabajos en 2012, "Prom", el cual tuvimos ocasión de comentar en Xataka Foto, reflejaba esa sensibilidad para realizar una fotografía documental periodística desde una perspectiva más sentimental. Sólo hay que echar un vistazo a su vídeo para entrar en esa dinámica de empatía con los sujetos fotografiados.

Su contribución al cine

La industria del cine puede presumir de haber contado con el trabajo de Mary Ellen Mark en el rodaje de películas. Como foto fija o en la promoción de películas con sus fotografías, son más de 100 títulos donde pudo colaborar, con obras tan míticas como "Alguien voló sobre el nido del cuco" o "Apocalypse Now", incluyendo otros títulos que la hicieron trabajar con su esposo, el director Martin Bell.

Precisamente de Martin Bell es el film documental "Streetwise" que estaba basado en el trabajo de Mary Ellen "Street Kids" para la revista LIFE. Pero con su marido, no sólo se dedicó a la foto fija, sino que en proyectos como "American Heart", con Jeff Bridges y Edward Furlong, participó en el guión y fue productora asociada de la película.

Su contribución al fotolibro

New York Streets

Life, Rolling Stone, The New Yorker y Vanity Fair son algunas de las revistas donde se ha mostrado su trabajo, pero la cultura del fotolibro tiene, con Mary Ellen, un referente gracias a las 17 publicaciones en torno a su obra. Desde su temprano "Passport" en 1974 al fantástico "Man and Beast: Photographs from Mexico and India" de 2014.

Catálogos en su mayoría de exposiciones que le llevaron a recorrer galería y museos de todo el mundo, además de las numerosas becas y premios recibidos durante su carrera, entre los que se encuentran tres Robert F. Kennedy Journalism Awards.

En resumen

No hay frase que mejor resuma su máxima en esta profesión: "No hay nada más extraordinario que la realidad". Porque la misión en su vida fotográfica fue la de presentarnos el mundo desde la globalidad de las situaciones reales, independientemente del lugar donde realizase sus fotografías, siempre creyó en la universalidad de los problemas de nuestra sociedad, por ello los retrató a través de una verdad absoluta sin maquillar nada, y por ello hoy nos deja un vacío dificil de llenar. Allá donde estés, que tu emoción no descanse nunca.

Fotógrafa Mary Ellen Mark

Cinco fotógrafos. Cinco jóvenes fotógrafos. Cinco jóvenes fotógrafos españoles con proyección internacional. Cinco jóvenes fotógrafos españoles con proyección inernacional presentan su trabajo en Ivorypress (Madrid). Hace unos días se presentó la exposición "Under 35", la cual reune la obra de cinco fotógrafos menores de 35 años cuya carrera y su gran implicación con la fotografía les ha llevado desde muy temprano a estudiar y trabajar fuera de nuestras fronteras e ir realizando un sólido trabajo premiado en diversas ocasiones.

Sus nombres, Laia Abril, Alberto Lizaralde, Javier Marquerie Thomas, Oscar Monzón y Jordi Ruiz Cirera. Todos ellos con trabajos muy personales, quizá enfocados hacia un concepto más documental pero dónde cada uno pone sus propias normas en cuanto al formato que envuelve sus fotografías.

The Epilogue 2013 Laia Abril courtesy Ivorypress

De este modo Laia Abril nos presenta "The Epilogue", donde nos habla de Cammy Robinson, una jóven bulímica que viene a recoger el trabajo de esta fotógrafa como tema recurrente de estudio en su carrera. Los trastornos alimenticios, la sexualidad, son constantes en la obra de Laia, representando esa problemática desde su particular punto de vista, el que nos hace conocer el ambiente en el cual se mueve Cammy Robinson en su relación con las personas que la rodean. El fotolibro sobre este trabajo fue finalista en Aperture-Paris Photo Award (2014).

Everything will be ok 14, 2014 © Alberto Lizaralde courtesy Ivorypress

La obra de Alberto Lizaralde ocupa la pared situada a la izquierda de la sala según entramos al espacio expositivo. Es quien da preludio a las vitrinas con apuntes, bocetos y objetos de los diferentes trabajos expuestos. "Everything will be ok" es su trabajo presentado (una vez más nos encontramos con un título en inglés), donde este fotógrafo nos enseña parte de su ser (su huella en el trabajo) a raíz de una experiencia vivida, con lo cual las imágenes conviven entre ellas desde la realidad a la ficción en una narrativa de tres actos. En las vitrinas mencionadas se puede ver mucho material para comprender mejor este trabajo.

SinTitulo 1, 2012 © Javier Marquerie Thomas courtesy Ivorypress

Javier Marquerie Thomas nos conduce a la Batalla de Brunete desde el recuerdo que queda en un espacio familiar donde se vivió parte de ella. Metralla y otros elementos que han quedado de aquella experiencia y que le sirve para entablar un diálogo entre su familia y el hecho histórico de 1937. "Los barros del monje" no deja de ser una reconstrucción mental de algo que no hemos vivido en primera persona desde esa idea de memoria imaginaria.

KARMA, 2013 (001) © Oscar Monzón courtesy Ivorypress

A Óscar Monzón sobre todo le conocemos por su fotolibro "Karma", premiado al mejor libro de Paris Photo- Aperture Foundation en 2013. Un trabajo del cual ya hablamos en Xataka Foto y que expositivamente, al igual que ocurre con el libro, se hace muy interesante el hecho de presentar las imágenes tras un cristal que nos hace adentrarnos mucho más en esa idea de ver a través de la luna de un coche, con sus reflejos y el despertar de la curiosidad.

Campesino en la Terza Cué, 2014 ©JRCirera CourtesyIvoryPress

Jordi Ruiz Cirera, para cerrar, nos lleva a través de "The United Soya Republic" al estudio a través de la fotografía de Paraguay como cuarto mayor exportador de soja en el mundo y lo que ello repercute en su paisaje y en la sociedad. Con una trayectoria sólida en Inglaterra, estudió Fotoperiodismo y Fotografía Documental en la London College of Communication, que le ha llevado a que su trabajo documental sea galardonado como su reciente premio de retrato fotográfico Taylor-Wessing Photographic de la National Portrait Gallery de Londres.

En resumen

Una exposición que nos presenta a cinco fotógrafos españoles y que forma parte del festival Off de PHotoEspaña 2015, la cual podrá verse hasta el 18 de julio de 2015 en la sala de exposiciones de la editorial IvoryPress.

Más información Ivorypress Fotografía de portada Everything will be ok - 37, 2014 © Alberto Lizaralde courtesy Ivorypress

Pocos actores y directores de cine son conocidos por su trabajo fotográfico además del cinematográfico. De entre todos, probablemente el más famoso de todos sea Stanley Kubrick seguido de otros como David Lynch o Agnès Varda, con un estilo muy similar al tipo de cine que dirigen.

Aunque hay pocos, algunos actores también se atreven con la cámara aunque tienen más difícil salir a la calle a hacer fotos por su gran popularidad al frente de las producciones cinematográficas. Aún así encontramos grandes talentos como Jeff Bridges al que se unen Leonard Nimoy, Dennis Hopper, Jessica Lange, Viggo Mortensen o Antonio Banderas.

Fotografía de Jeff Bridges

La vida panorámica de Jeff Bridges

Podría no resultar una sorpresa que un actor se atreva a coger una cámara de fotos si fuera un actor cualquiera, pero cuando hablamos de Jeff Bridges, la cosa cambia. Actor en películas como 'King Kong' (1976) en la que coincidió con la también fotógrafa Jessica Lange, 'Tron' (1982), 'El Gran Lebowski' (1998), 'K-PAX' (2001) o 'Ironman' (2008), ha conseguido ganarse el respeto del público como actor por papeles tan épicos como el de The Dude (El Notas en España) entre otros muchos.

Sin embargo, nadie diría que tras las cámaras, Bridges ha documentado desde los años 80 cada set de rodaje que ha pisado con su cámara panorámica Widelux F8 que en eBay no baja de los 600 euros como poco. Esta cámara superpanorámica de 140º, captura fotografías a través de un carrete de 35mm, que en el caso de Bridges, es uno blanco y negro.

Fotografías íntimas desde el corazón de Hollywood

Posiblemente lo que más llama la atención de estas fotografías no es solo el buen gusto con el que están hechas, sino a que son fotografías íntimas y cotidianas tomadas desde el corazón de Hollywood. Grandes superproducciones de decenas de millones de dólares se documentan a través de fotografías que rara vez ven la luz, y sin embargo estas imágenes de Bridges nos transmiten una sensación de naturalidad que nos extraña y nos interesa.

Fotografía de Jeff Bridges

Fotografía de Jeff Bridges

A destacar la constancia con la que el actor ha fotografiado sus diferentes sets de rodaje, ya que 35 años disparando con la misma cámara podría aburrir a cualquiera. Todo este trabajo ha tenido la oportunidad de editarse en formato físico gracias al libro 'Pictures' que podemos encontrar en Amazon al precio de unos 325 euros.

Fotografía de portada | Jeff Bridges

[[gallery: jeff-bridges]]

Estamos acostumbrados a ver imágenes duras en conflictos bélicos, desastres humanitarios e incluso en dramas humanos próximos. Gracias a los fotoperiodistas y sus reportajes conocemos sus historias, pero ¿qué ocurre cuando un fotoperiodista decide mirar hacia adentro y contar su historia con imágenes duras e íntimas?

Eso es lo que está llevando a cabo el fotoperiodista mexicano Carlos Cazalis en Instagram: #thepassingpatriarch. Justo cuando cumple tres años de la muerte de su padre ha decidido hacer públicas las imágenes de sus dos últimos meses de vida. Es un mirada hacia adentro, a su corazón, al recuerdo y lo hace con valentía, como una especie de catarsis. ¿Por qué hacerlo? ¿por qué en Instagram? Hemos aprovechado para preguntárselo y conocer más sobre sus motivaciones con esta historia tan personal.

When I took this photo of my parents little did I know what might come of it. I did know I was photographing while my father was in and out of intensive care –for two months– because it was a way to stay present, focused and because surely this might be the last time. The photo would go on to be published worldwide as part of the project A Day In The World. It was a symbol of hope and love. Father had undergone open heart surgery for the third time in his life, now at age 75. The operation was a success but there were numerous complications thereafter that led to his death three years ago. My mother pictured was the most merciful of bulls, as she stood her ground and fought alongside him at every moment. My father was facing the greatest fight of his life. In Spanish we say "torear la muerte" or to bullfight death, and so he had already done this twice but this time "el duende" would not be in his favor. Follow me this week with the hashtag #thepassingpatriarch #patriarch #father #love #family #death #deadfather #jesusramirez #hope #heartsurgery #heart #eternity #heavencanwait #muertedelpatriarca #fujifilm #fujiX100

Una foto publicada por Carlos Cazalis (@ccazalis) el 25 de May de 2015 a la(s) 11:55 PDT

• Para comenzar, algo que me llama la atención ¿por qué decidiste hacer fotos a tu padre en ese momento tan duro?

Esta es la pregunta más complicada de responder. Por un lado no voy a negar que había una cierta sensación de morbo. Es decir, cuando yo llego a Sevilla desde México y sabiendo que la situación era grave, era una oportunidad de fotografiar a mi padre, quizá la última. Era muy consciente de eso.

La cámara me ayudó muchísimo a estar presente en lo que ocurría

That night alone, clarity came. Mother refused to leave his side. She was showing signs of fatigue. My sister Gabriela had gone back to New York. My brother gone. I insisted to mom to let me sleep with him so she could rest. It wasn't going well but at least he had left the Intensive Care unit and we had more time with him. He would go back and forth due to respiratory problems. That night with him I saw him suffer through the night in discomfort. He called to me. I tried to comfort him, held his hand, told him it was alright and I even tried to roll up in bed with him to hug him. There was no room. I cried in silence, deep inside of me. I didn't sleep, I couldn't. I also finally understood all the pain my mother went through over the years. Sleeping with a dead man walking. Love is so strong it makes us weak at times, or so we think. Weakness is a sign of true love in this case. Follow me this week with the hashtag #thepassingpatriarch as I recollect love, life and death in the family. #patriarch #father #love #family #death #deadfather #jesusramirez #hope #heart #heartsurgery #eternity #heavencanwait #fujifilm #fujiX100 #muertedelpatriarca

Una foto publicada por Carlos Cazalis (@ccazalis) el 27 de May de 2015 a la(s) 12:01 PDT

• ¿Por qué has decidido sacarlas a la luz ahora?

Si estas fotos me habían servido a mí, podían servirle a otros para ver cosas o entender sus propias emociones

• ¿Por qué has elegido Instagram como plataforma para ello?

Llevo poco tiempo con Instagram y me parece que aunque sea una plataforma donde de momento tengo la mitad de seguidores que en mi Facebook, es una herramienta muy auténtica con las emociones que producen las imagénes. Dado que no hay publicidad ni otras distracciones en su entorno, se facilita la lectura del pie de foto. Además me servía muy bien para estar actualizando y narrando la historia por partes sin otras distracciones.

• ¿Qué feedback estás recibiendo y qué sensaciones tienes al publicar estas fotos?

Hasta ahora ha sido muy bello haber subido las imágenes. La gente me manda todo tipo de cariños y condolencias. Hay gente que me ha escrito en privado también, dándome las gracias por compartir esto, comentando que ha de ser muy duro y que mi madre ha sido muy fuerte a través de todo el proceso. Luego aparecen personas poniendo comentarios de apoyo y de agradecimiento por compartirlo porque ellos han pasado por lo mismo.

También apareció alguien a media historia, que me deseaba que mi padre se mejorara. Me parece algo hermoso que la gente se te una y se comunique así. Personalmente a mi me ha traído recuerdos muy bellos y otros muy duros, especialmente cuando he recordado lo difícil que fue para mi ver a mi padre sufrir con tanto aparato que le fueron poniendo. Recordar ciertos momentos donde la posiblidad de que fuese a morir se hacia cada vez más fuerte, también me han tocado mucho el alma de tristeza. Es curioso como el dolor queda anclado en la memoria y puede resurgir en cualquier momento. Es importante saber eso para entendernos y saber elegir en que momento de tu presente realmente quieres vivir o si te vas a anclar al pasado o a un futuro imaginario.

• ¿Quedará esta historia ahí, en Instagram, o tienes pensado llevar el proyecto al papel, libro u otro medio?

La fotografía me sigue aportando un espacio muy importante para entender y vivir la vida con plenitud

Mother slept alone. The hospital was only half a km. away, literally down the street and yet after more than 45 years they wouldn't share a bed again. Mother must have had this thought numerous times. Months later she would tell me of how she would wake in the night expecting him to be there but there was only space. Night after night, dream after dream. Follow me this week with the hashtag #thepassingpatriarch as I recollect love, life and death in the family. #patriarch #father #love #family #death #deadfather #jesusramirez #hope #heart #heartsurgery #eternity #heavencanwait #fujiX100 #fujifilm #mother #unconditionallove

Una foto publicada por Carlos Cazalis (@ccazalis) el 30 de May de 2015 a la(s) 12:21 PDT

La historia que ha titulado bajo la etiqueta #thepassingpatriarch aún está en desarrollo y, pronto, llegará a su fin. Las imágenes son duras pero emotivas y todo ello unido a las palabras que acompañan a cada una de ellas. Eso sí, en inglés, pero merece la pena seguirlo.

Agradezco doblemente a Carlos por responder a estas preguntas y por su gesto valiente, demostrando que también se puede contar una historia emotiva y dura sin viajar muy lejos. Lo importante es la mirada, ese instinto por contar una historia con imágenes.

En Instagram | @CCazalis y #thepassingpatriarch
En Xataka Foto | "Ahora el fotoperiodismo es más popular, ha perdido el elitismo": Carlos Cazalis, fotoperiodista

A veces pensamos en Grandes Maestros de la Fotografía con cierta nostalgia, mirada a varios años atrás, olvidando, a veces, que en la época actual contamos con algunos de ellos y que, gracias a las redes sociales, internet y demás medios de comunicación globales tenemos la gran suerte de poder seguir la evolución de su trabajo.

Benjamin Von Wong es un fotógrafo comercial, de formación Ingeniero de Minas y residente en Montreal que apenas lleva fotografiando unos 8 años pero que ha logrado una grandísima repercusión internacional debido a sus originales ideas para sus trabajos fotográficos. Ejemplo de éxito para muchos, envidia para otros.

Los comienzos de un rebelde

Von Wong llegó a la fotografía por puro azar y como consecuencia de una ruptura amorosa mientras trabajaba como minero en Nevada, Estados Unidos. Eligió la fotografía como vía de escape ese día de ruptura porque decidió fotografiar unas estrellas en la solitaria noche del desierto de Nevada.

El frío de la noche en el desierto junto a una "horrosa" conexión de 56Kbps para subir la fotografía a Flickr marcaron los comienzos de este enfant terrible que desde entonces a revolucionado gran parte de la fotografía comercial en la actualidad.

De las redes a la fama pasando por la fotografía comercial

Nativo digital no puede ser considerado un maestro de la fotografía actual ni mucho menos, seguramente por algunos puristas, críticos. Sin embargo, no es nada raro, que con el paso de los años, los llamados "nativos digitales" irán ocupando los puestos entre los grandes maestros de la fotografía.

A pesar de que Benjamin von Wong es un estudioso de las redes sociales y del marketing como demuestra su gran presencia en todo tipo de redes y el cuidado que tiene con sus trabajos, uno de sus principales colaboradores y patrocinadores es SmugMug que patrocina gran parte de sus trabajos de autor.

Tal vez haya quien piense que el contar con patrocinadores puede hacerle menos artista pero no es así. Afortunadamente para él suele contar con gran libertad creativa para sus trabajos gracias a su gran talento e imaginación.

Como buen fotógrafo comercial, muchas de las fuentes de inspiración de sus fotografías están en el imaginario colectivo de la sociedad (occidental) sien éstas: el cine, mitos y leyendas, series de televisión (es un fanático de Juego de Tronos) o personajes de libros.

Su fotografía siempre juguetea alrededor de personajes de ficción y fantasía, queriendo hacer realidad aquello de si tienes una idea, ponla en práctica.

Si hay una palabra para definir el trabajo de Benjamin von Wong esa sería: Innovación. Un fotógrafo que siempre está pensando en cómo poner en práctica sus geniales ideas.

Fotografía móvil

Últimamente parece muy centrado también en la fotografía móvil, de la mano de uno de sus patrocinadores, Huawei, la compañía china de smartphones.

Las fotografías que veis a continuación forman parte de su último trabajo y fueron realizadas con un Huawei P8 a pesar de lo que aseguraban algunos de sus críticos. Ante ello, el propio von Wong decidió subir alguna des escenas descartadas del anuncio para el Huawei P8.

Por si queréis leer un poco más sobre este increíble trabajo podéis ver cómo se hizo el anuncio en el siguiente enlace.

Más información | Benjamin von Wong 500px Flickr Sitio Oficial

En Xataka Foto | Grandes Maestros de la Fotografía

Esta mañana inaugurábamos la semana grande de PHotoEspaña con una exposición que nos hacía entrar en el festival de la mejor manera posible, por las preciosas escaleras del Museo Cerralbo (Madrid), un entorno inigualable para una exposición que promete ser una de las más visitadas por la calidad del material expuesto.

"Korda, retrato femenino" es la muestra que nos trae a Madrid la obra menos conocida del fotógrafo cubano cuya fotografía más icónica fue la del Ché Guevara ("Guerrillero heroico"), pero que en esta ocasión nos permite conocer su faceta en torno al retrato femenino, un tema muy recurrente durante toda su carrera que dejó un legado precioso que hoy podemos conocer gracias a PHotoEspaña.

Fue la obsesión de Korda por captar la belleza de las mujeres lo que se presupone le hizo querer dedicarse a la fotografía. Su estilo, en este sentido muy influido por la publicidad y la moda que llegaba de autores como Irving Penn o Richard Avedon, le permitió después retratar a los líderes de la Revolución Cubana con ese halo de intemporalidad que había estado desarrollando en sus retratos femeninos.

Las fotografías que podemos ver en esta muestra conservan esa elegancia y distinción a la hora de retratar a sus modelos, no sólo ofreciendo unas poses de una delicadeza asombrosa, sino también en los primeros planos, de una fuerza y sensibilidad al mismo tiempo que hacen que el espectador se acabe adentrando en las miradas de ellas.

De Julia a Sao Paulo

La exposición nos lleva a conocer su obra dentro del retrato femenino desde la figura de sus modelos. De este modo con "Julia", su primera mujer, comenzó a desarrollar un estilo propio con fotografías que no fueron publicadas en revistas hasta tiempo más tarde, donde incluso su primogénita Diana sirvió también de modelo para sus primeras campañas publicitarias.

Gracias a un concurso organizado por la compañía de seguros Godoy Sayán pudo abrir su primer estudio de fotografía que después le llevaría a trasladarse a otro local más amplio y definir su marca como Studios Korda. En esos momentos fue cuando empezó a desarrollar campañas de publicidad importantes y a trabajar para grandes diseñadores. Su estilo, como decíamos al principio, muy influenciado por revistas como Vogue o Harper's Bazar no le impidió que fuera un pasito más allá creando un lenguaje narrativo propio gracias a las sesiones en exteriores en lugares decadentes. Algo innovador que le permitió trabajar de forma excepcional la luz natural.

El ideal de sus modelos se alejaba de la imagen de mujer cubana de grandes curvas. Mujeres delgadas, menos raciales, que le permitieron ser identificado con las modas del exterior e ir creándose una sólida carrera que no sólo le hacía despuntar a él como fotógrafo sino a las modelos, como Nidia Ríos, la cual fue aprendiendo la profesión gracias a Korda o la entonces televisiva Norka que también empezaba sus primeros pinitos en la alta costura. Dos modelos que encarnaban ese tipo de belleza y que componen las fotografías más interesantes de toda la muestra.

Con la Revolución, Korda fue, como señaló la historiadora Cristina Vives, "un improvisado fotorreportero pero un experimentado publicista". Con esto se explica que el fotógrafo sustituyese a sus modelos por los nuevos líderes trabajando con ello la imagen más comercial de los revolucionarios. La imagen reflejaba más un retrato simbólico que un hecho informativo. Algo que en la mítica imagen del Ché Guevara podemos observar de manera más intensa, no en vano es una de las obras más reproducidas de la historia de la fotografía.

Sus últimas fotografías de 2000 en Sao Paulo

Anécdotas de su carrera

En 1959 Korda conoció a su admirado Richard Avedon quien le instó a que desarrollase su propio estilo dejando las influencias que le habían inspirado durante tanto tiempo, pero él nunca negó esa fuente de inspiración y supo utilizarla muy bien en unos retratos que, si tenéis ocasión de ver en la exposición, os cautivarán por la sofisticada puesta en escena y las poses tan cuidadas de las modelos, que como decíamos se alejaban de la voluptuosidad y provocación de los cánones cubanos de belleza.

A pesar de ello, Korda también fue criticado por sus desnudos a raíz de una publicación en la revista "Carteles". En respuesta a aquello se trasladó a un cementerio con su secretaria, ataviada de riguroso negro, para publicar en la misma revista la fotografía llamada "La belleza y la muerte". Obra que puede verse en esta muestra.

Su hija Diana Díaz en la presentación de la exposición.

Su última sesión, cinco meses antes de morir, tuvo lugar en Sao Paulo, donde fue invitado a exponer y cuyo viaje aprovechó para realizar una sesión improvisada con varias modelos brasileñas. Murió en París el 25 de mayo de 2001 habiendo dejado un legado no completo en su totalidad puesto que en 1968 los Studios Korda fueron intervenidos por el departamento de Lacra del Ministerio del Interior cubano, confiscando todos los negativos y equipos de los que sólo se recuperaron los negativos de la Revolución.

En resumen

Una muestra imprescindible dentro de PHotoEspaña 2015, que nos permite descubrir la obra menos conocida de Korda y que estará abierta al público hasta el 6 de septiembre en el Museo Cerralbo de Madrid. No os la perdáis.

Más información PHE Fotografías LMDG

Ayer, tras la muestra de Korda en el Museo Cerralbo, pudimos visitar las exposiciones en el Círculo de Bellas Artes que forman parte de la programación de PHotoEspaña 2015. Para ello han apostado por mostrar la obra de dos mujeres, Ana Casas Broda y Lola Álvarez Bravo, que ocupan las salas Picasso y Goya respectivamente y que corresponden dos modos de mirar la fotografía de forma distinta, no sólo porque sus carreras han sido realizadas en épocas distintas sino también por trabajar géneros distintos.

La tercera exposición "En la mirada del otro. Fotografía histórica de Ecuador: la irrupción en la Amazonía" puede verse en la Sala Minerva y nos hace viajar a la época de la colonización de esa determinada zona desde un punto de vista etnográfico. Pero vayamos por partes conociendo estas tres muestras.

Lola Álvarez Bravo, una de las fotógrafas mexicanas más importantes

La zona de murales y fotomontajes dentro de la muestra

Ubicada en el contexto de Diego Rivera, Frida Kahlo y la también fotógrafa Tina Modotti (que tiene su exposición en Loewe Serrano la cual se inaugura esta tarde), Lola Álvarez se consolidó como una figura importante dentro de la cultura fotográfica en México. Nacida en 1903, sus fotografías nos llevan por un paisaje que nos ofrece una buena visión del país en la primera mitad del siglo XX.

En la muestra podemos encontrar desde retratos a personalidades de la época, con Frida Kahlo en la cabeza de los más buscados, así como Octavio Paz o Henri Cartier-Bresson, a quien admiraba e incluso se inspiraba para su fotografía. Un trabajo que a nivel de captura de su entorno sí podemos situar en esa búsqueda del estilo documental del genio francés.

Henri Cartier-Bresson por Lola Álvarez Bravo

También destacó por sus murales y por los montajes, muy interesantes los que se muestran en esta exposición. Utilizados en revistas y obteniendo visibilidad en espacios públicos, en la exposición pueden verse los referidos a ese momento en que México experimentó un boom económico, por tanto hubo un incremento en la construcción de carreteras y otros elementos del paisaje que aparecen en sus composiciones.

En algunos ejemplos nos encontramos con fotografías duplicadas, es decir, se han incluido las copias de la propia autora junto a otras que fueron el resultado de fotografiar esas copias. Como se comenta, Lola nunca fue una gran impresora de su trabajo, aquí se ponen a la par, observando que en el caso de las fotografías hechas a sus imágenes, se tuvo en cuenta darle un mayor contraste y una impresión en papel brillante para facilitar su reproducción.

Ana Casas Broda, amor de madre

Ana Casas Broda durante la rueda de prensa

La muestra de Ana Casas Broda, la cual no había tenido oportunidad de conocer, me sorprendió. Cuando la propia artista estaba explicando "Kinderwunsch" antes de pasar a la sala, me imaginé una serie de imágenes que no tenían nada que ver con el posterior visionado. De esta forma comprendí lo importante que es la imagen más allá de las palabras y el shock mental que podemos experimentar si nos imaginamos soluciones que después no se corresponden con lo que habíamos imaginado.

Nada más entrar en la Sala Picasso me encontré con unas fotografías de una puesta en escena muy cuidada, brutales a nivel de impacto, muy trabajadas a nivel de impresión, en ocasiones parece que los elementos quieren salir del papel fotográfico. Es un trabajo que se centra en los procesos de la maternidad, desde el deseo de ser madre, pasando por la infertilidad, el conseguido embarazado, los meses de gestación, el desnudo del cuerpo femenino en su transformación, el nacimiento, la lactancia y los niños.

Una de las fotografías a gran tamaño expuestas de Ana Casas Broda

Otras de las imágenes de Ana Casas Broda

Todo ello contado en primera persona, con imágenes muy potentes que nos llegan de ese documentalismo tan arraigado en los últimos años, donde importa la saturación del color y el negro como elemento del cual emerge la escena. Luces cuidadas, gestos conseguidos, momentos distendidos jugando con sus hijos y primeros planos de gran belleza (la del niño que ocupa el mural que nos encontramos a la derecha tras entrar a la muestra es simplemente sensacional) junto a otros más incómodos pero igualmente necesarios en su discurso narrativo.

La Amazonía Ecuatoriana, un viaje a finales del XIX y comienzos del XX

La muestra sobre la Amazonía Ecuatoriana

De carácter documental etnográfico y sin ninguna pretensión artística, las fotografías que forman parte de esta exposición nos enseñan un periodo concreto en la zona ecuatoriana de la Amazonía, que coincidió con el proceso de colonización. De ahí que las fotografías fueran tomadas para catalogación y estudio de las diferentes etnias.

Aspectos como la cristianización, la explotación económica y la industria cauchera, se ven reflejados en las imágenes. Llaman la atención las fotografías que nos muestran a los indígenas realizando enterramientos en ataúdes a la manera cristiana como símbolo de esa evangelización. Así como una imagen muy elocuente donde aparecen varios miembros de un poblado alrededor de una cámara fotográfica de la época.

Julio César Abad Vidal, co-comisario de la muestra sobre Amazonía

Una colección que ha sido posible gracias al trabajo que realizó el fotógrafo Manuel Jesús Serrano y a los fondos procedentes del Vicariato Apostólico Salesiano de la Amazonía Ecuatoriana, siendo una muestra inédita hasta la fecha en España.

En resumen

Tres exposiciones que componen la programación de PHotoEspaña en la sede del Círculo de Bellas Artes y que podrán verse hasta el 30 de agosto de 2015 dentro de la sección oficial de este festival, las cuales nos ofrecen una mirada a latinoamérica desde tres periodos y tres formas de concebir el medio fotográfico.

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El premio Nuevo Talento Fnac 2015 ha desvelado que David Salcedo es su ganador y su serie, '1 más 1' ha sido la premiada por un jurado compuesto por tres fotógrafos por su originalidad y cercanía al mundo onírico y la poesía.

Hoy entrevistamos al fotógrafo murciano, residente en Girona, que se ha cllevado a casa un premio con solera que acumula ya 10 ediciones y que le sirve como reconocimiento a una labor que según el propio fotógrafo "es un proyecto de vida".

Fotografía de la serie '1 más 1' de David Salcedo.

• Hola David, encantado de tenerte con nosotros. Para empezar, ¿podrías hablarnos de cómo nació tu curiosidad por la fotografía y cómo empezaste a dar tus primeros pasos con una cámara?

Pues no tenía ningún interés en la fotografía, pero a los 20 años descubrí esta pasión. En mi casa no hemos sido muy fotógrafos así que la fotografía me pilló adulto. Como todos en aquella época queríamos salvar el mundo, empecé a fotografiar estudiando fotografía en el Institut d’ Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). Tenía especialmente interés en el reportaje en zonas conflictivas, ya luego me dí cuenta de que si consigues salvarte a tí pues ya tienes bastante.

• ¿Cuál crees que fue el punto de inflexión que te hizo dedicarte de pleno a la actividad fotográfica, y más concretamente al tipo de fotografías de tu serie '1 más 1?

Sinceramente nunca me ha gustado especializarme en un tipo u otro de fotografías. Si entras en mi web, puedes ver fotografías documentales un poco más contemporáneas como 'S'amorra amorra' o trabajos más cercanos a '1 más 1'. No me quiero especializar en un tipo de fotografía, yo hago un proyecto y ese proyecto, durante la marcha, tiene un diálogo conmigo y yo ahí intento moldearlo según lo requiere.

Fotografía de la serie '1 más 1' de David Salcedo.

Es un poco complicado, pero para intentar resumirlo, yo voy siempre con mi cámara encima haciendo fotos. Mientras hago esas fotografías me van viniendo ideas y proyectos que relacionan unas imágenes con otras. No busco las fotografías, sino que cuando veo algo que llama mi atención y me mueve, la hago sin pensar cómo la catalogaré después.

Mis proyectos se forman durante el momento del disparo. Ni tengo el proyecto delineado de antemano, ni hago fotografías por puro azar y después las ordeno. Mis fotografías tienen un carácter orgánico, y los proyectos y las ideas surgen y se relacionan con las propias fotografías. Tanto el proyecto como yo mismo crecemos a medida que fotorgafío cosas que llaman mi atención.

La fotografía en sí y todos los proyectos que hago son un proyecto de vida. Siempre estoy mirando y capturando lo que me mueve. La fotografía es la vida.

• En cuanto a '1 más1', ¿cómo nació el proyecto y cómo lo desarrollaste? ¿por qué emplear dípticos y no otro tipo de formatos?

En mi último proyecto, '1994' que desarrollé y pude exponer en Kawasa, me dí cuenta de que todas las fotografías eran horizontales así que me propuse disparar más empleando la verticalidad. El motivo de convertirlas en dípticos es que al disponerlas así, me transmite la misma sensación que cuando estoy disparando, y eso es muy grande. También tiene que ver mi fascinación por fotógrafos como David Jiménez, Rafael Navarro, Bernard Plossu entre otros.

Las fotografías funcionan como historias singulares y a pesar de que en conjunto tenga una unidad, las fotografías son individuales y presentan un discurso singular.

Fotografía de la serie '1 más 1' de David Salcedo.

• ¿Entonces, podría decirse que '1994' y '1 más 1' son primos hermanos?

No del todo. A ver, comparten una misma estética aunque lo que pretendía conseguir con cada una de las series es completamente distinto. '1994' era un proyecto mucho más personal de lo que es '1 más 1'.

• Acerca de '1994', hablabas en una entrevista para Kawasa acerca de el hilo conductor de tus fotografías es la memoria, ¿es este un punto fundamental en la memoria?

Hablaba de la memoria, pero acerca de que la fotografía juega un papel fundamental en la memoria. Como decía Borges, la mente es un poco peligrosa y nada es como lo recordamos. La mente suele inventarse recuerdos.

Sorprendentemente, la fotografía juega un papel crucial en generar más invenciones y en retorcer los recuerdos. Por ejemplo, viendo un álbum de fotos al azar podemos ver una fotografía de las Navidades de 1998 y vemos que en la familia estamos todos riendo, cuando alomejor esa noche hemos estado todos discutiendo. Eso es mentira, la fotografía es mentira. Sin embargo, como la imagen nunca miente y ahí estamos todos sonriendo, nos inventamos el recuerdo de que durante esa cena, todos éramos felices.

• Acerca de uno de tus últimos trabajos, 'Pasaporte Territorios Libres', ¿qué es exactamente este 'libro interactivo?

Yo creo que 'Pasaporte Territorios Libres' invita al juego. A veces los fotógrafos nos tomamos muy en serio la fotografía y nos olvidamos de jugar y experimentar. 'S'amorra amorra' está en esa línea de experimentar y jugar. La fotografía al fin y al cabo está para jugar con ella y pasárnoslo bien.

El 'Pasaporte Territorios Libres' nace como una declaración de intenciones por parte del colectivo que formamos Mingo Venero, Pablo Pérez y yo de fotografía y gestión cultural parapromover nuestro trabajo y otros proyectos. Con el libro, nosotros proponemos experimentos a todo tipo de fotógrafos lanzando una idea que otro fotógrafo recoge y entra dentro del juego.

Nosotros queríamos romper lo que en teatro se la llama la 'vuelta pared', es decir, que el espectador compre el libro y se impregne del juego pero que el libro no quede en una estantería, sino que lo desarrolle y tanto el libro como el fotógrafo crezcan a medida que se complete el Pasaporte.

Fotografía de la serie '1 más 1' de David Salcedo.

• Respecto a Calle 35, formado por un colectivo mucho más amplio, ¿cuáles son los planteamientos del colectivo y cuál es vuestro propósito?

Nuestro objetivo es dar difusión a la fotografía urbana documental. Hasta ahora hemos tenido la fotografía de calle como objeto único, es decir, con fotografías individuales porque explica algo de nuestro tiempo y que a lo largo de los años este trabajo adquirirá valor. A nivel estético, las fotografías sobresalen por el uso de la luz del sol ya que en España gozamos de una calidad extraordinaria de luz solar.

Sin embargo, ahora Calle 35 está desarrollando proyectos individuales dentro del colectivo. Por ejemplo, Luis Camacho que vive en Madrid ha hecho fotografías urbanas de la Gran Vía, así que ha conseguido aunar dentro del colectivo un proyecto individual llamado 'Gran Vía' en el que recoge estas imágenes y las presenta como una serie de fotografías.

• Con una multitud de nuevas y antiguas tecnologías (como el revival de la fotografía química), ¿cuál crees que es el futuro de la fotografía?

Eso es todo un misterio. Cuando pienso en ello, recuerdo las palabras de Toni Catany que me dijo una vez que él cambiaba de cámara según las sensaciones que tenía y según el proyecto. Podía usar una cámara digital, una cámara estenopeica o una de formato medio.

Personalmente, yo comparto esa visión. Disparo el día a día con una cámara pequeñita como mi Fuji, pero en invierno cuando estoy en Murcia disparo con una estenopeica bastante más grande. En relación al revival de la fotografía química, creo que es una moda y dentro de unos años se llevará otra cosa. Sin embargo, eso no quita que tus fotografías sean menos válidas.

Fotografía de la serie '1 más 1' de David Salcedo.

• En relación a tus proyectos futuros, ¿qué tienes en el horizonte?

Ahora mismo estoy liado con las exposiciones de 'S'amorra amorra', también tengo una exposición a finales de Junio en el PA-TA-TA Festival de Granada. Sin embargo, en un primer momento me gustaría acabar '1 más 1', porque actualmente la serie cuenta con 25 fotografía y querría que fuese algo más contundente, tanto en calidad como en cantidad. Del total de fotorafías que presenté para el premio de Fnac, pero si no estoy satisfecho con el resultado y algunas fotografías terminan por caerse, se caerán. Para mí, lo principal es terminarlo y terminarlo sin prisas.

Tampoco me interesa que '1 más 1' acabe en formato físico como un libro. Prefiero que de momento siga como una exposición o un portafolio.

• Para terminar, David, a tus ojos, ¿qué es lo más importante para ser un buen fotógrafo?

Para mí, y sin importar el estilo —porque a mí me gusta la fotografía sin importar si es de moda o un paisaje sin prejuicios, creo que lo más importante es empaparse de todo. Fotografía documental como la de Blank Paper, Ricardo Cases u otros autores como Masao Yamamoto o Pep Bonet. Fotógrafos clásicos o modernos, que se lo mire todo.

Que aprenda a no tener límites en su pensamiento para llegar a crear. La única manera de hacerlo es empaparse de todo el mundo y aprender de ello. Porque todo el mundo tiene algo que decir y tiene cosas buenas.

Sitio Oficial | '1 más 1' vía SalcedoFoto

Foto de portada | David Salcedo en Facebook

El Museo Lázaro Galdiano (Madrid) y PHotoEspaña nos sorprenden una ocasión más con una exposición muy interesante, no sólo por descubrir el trabajo del mexicano Manuel Carrillo sino porque se ha comisariado la muestra haciendo que sus obras dialoguen con las fotografías de grandes maestros como Ansel Adams, Edward Weston, Edward Steichen o Paul Strand entre otros contemporáneos suyos como Manuel Álvarez Bravo (ex esposo de Lola álvarez cuya exposición podemos ver en el Círculo de Bellas Artes de Madrid).

Una exposición comisariada por Stuart A. Ashman, que pudo verse en el Museum of Latin American Art de los Ángeles el año pasado, que ahora visita Madrid y nos hace viajar a la Historia de la fotografía con autores claves y con un estupendo trabajo de Manuel Carrillo que, aunque muy inspirado por ellos, no deja de ser una obra impecable.

Manuel Carrillo desarrolló su carrera de forma tardía, pero aún así fue un reconocido fotógrafo que le llevó a exponer en ciudades como Chicago, siendo aquella una muestra donde presentaba la vida rural de México y que visitaron más de 100.000 personas. La temática que engloba su carrera está muy marcada por los trabajos de la época que se centraban en enseñar su país bajo una identidad cultural unificada. De este modo encontró su inspiración en las sociedades rurales, lugar donde este fotógrafo descubrió el verdadero sentimiento mexicano.

Fue un fotógrafo que trabajaba desde la paciencia. En este sentido llaman la atención sus fotografías bañadas de una luz que convierte las estampas en momentos únicos, y ello es gracias a que podía pasarse horas esperando a que llegase una buena iluminación natural para la escena. Decía que "para lograr una buena fotografía hay que armarse de paciencia, tenacidad y mucha película". Y es muy cierto ya que lo observamos en sus imágenes, son serenas, no son fruto de disparos fortuitos, se nota en los gestos de los sujetos que aparecen en ellas, sus facciones marcadas por el trabajo en el campo se nos tornan muy bellas. Son fotografías que el público agradece, que llenan.

Habíamos comentado que esta muestra se completa con obras de grandes maestros con la intención de poner de manifiesto esa inspiración que Manuel Carrillo había adquirido de ellos. De Manuel Álvarez, no sólo asimiló una estética y una técnica, sino también esa fascinación por los entornos rurales mexicanos. A nosotros nos da la oportunidad de ver obras icónicas como la famosa estampa del Flatiron de Nueva York por Edward Steichen o los maravillosos paisajes de Ansel Adams.

Sin obviar a Edward Weston, que en Manuel Carrillo influyó su abstracción, la cual supo adaptarla muy bien a sus composiciones si observamos cómo encuadraba a sus sujetos dentro de un espacio atemporal. Brett Weston, hijo de Edward Weston también aparece en la exposición, al igual que otro grande como es Paul Strand, cuya impronta experimental del uso de contrastes y encuadres más innovadores también podemos observar en el fotógrafo mexicano.

También nos permite conocer a otros fotógrafos mexicanos como el ya mencionado Manuel Álvarez o Graciela Iturbide, de reputado nombre por las fotografías de hombres ataviados con ropas tradicionales femeninas. Y es que esta exposición se hace indispensable para todos los amantes de los clásicos.

Es una muestra que no se hace extensa, con lo cual se disfruta mucho más, porque permite al público detenerse y esperar con la misma paciencia que tenía Manuel Carrillo, para localizar detalles y semejanzas de su obra con la de sus maestros. Imperdible. Hasta el 30 de agosto de 2015 en el Museo Lázaro Galdiano.

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Existe una delgada línea entre la realidad y la ficción. Entre las muñecas que parecen mujeres y las mujeres que parecen muñecas. El mito de la mujer muñeca en Japón se convierte en objeto de estudio fotográfico a través de las imágenes de Elisa González Miralles. A través de la exposición "Wannabe", esta fotógrafa nos muestra en las paredes de Blank Paper su aproximación a la cultura y sociedad nipona.

Su interés por esa cultura de la mujer muñeca le llevó a Japón para tomar imágenes de chicas, en la mayoría de los casos a la salida del metro, sin interrelación alguna con ellas, simplemente observando, disparando y captando sus rostros sobre un fondo alterado, que las hace abstraerse y ponerse en contraposición con las muñecas que pudo fotografiar en una fábrica.

Las conexiones entre muñeca y mujer pueden verse en el montaje realizado en una de las paredes de la exposición. Espacio donde convive la carne con el latex, y donde el espectador, hipnotizado por los rostros, se pregunta cuáles son las mujeres de verdad. La obsesión de estas jóvenes japonesas por llegar a ese ideal de belleza (inerte) es tal, que muchas se someten a cirugía estética. Por tanto, no siempre es fácil distinguirlas, hasta que nos topamos con el brillo de su piel.

Con este proyecto quiero cuestionar cómo una sociedad y sus estándares determinan el comportamiento de un individuo y limitan el desarrollo de su identidad. Me preocupa que una persona por el hecho de nacer y vivir dentro de una cultura cumple un rol que le viene impuesto, y lo hace inconscientemente, sin preguntarse los porqués, ni plantearse que puedan existir otros caminos. Hablo sobre las chicas que parecen muñecas, sobre la objetualización de estas mujeres al servicio de una sociedad y unas costumbres que generan comportamientos autómatas.

A través de este trabajo, que igualmente podría extrapolarse a otras latitudes por su carácter global a nivel de reflexión sociológica, nos permite descubrir (y ratificar) cómo el ser humano está condicionado por el medio que lo rodea social y culturalmente. "Wannabe" funciona porque nos lleva de una premisa, a priori sencilla, a un conflicto universal como es la pérdida de individualidad.

Lejos de querer reflejar de forma morbosa algunos aspectos de la cultura japonesa, me inspiro en ella para reflexionar sobre cuestiones que nos afectan a todos, especialmente en estos tiempos tan dados a la representación mejorada de uno mismo.

El montaje de esta muestra en sencillo, lo cual nos permite reflexionar también sobre el poder de los nuevos formatos de exposición. Imágenes impresas en vinilo que han sido montadas sobre paneles blancos. No hace falta nada más para que una exhibición sea efectiva y nos llegue con su mensaje discursivo.

En otra de las paredes se han colocado imágenes de mujeres, que ya no están en ese diálogo que nos llevaba a intentar descifrar cuáles eran muñecas y cuáles no, sino que aparecen sin interrelación alguna entre ellas y que, como observamos, corresponden a mujeres más maduras respecto a las demás jóvenes de la muestra.

Según nos comentaba Elisa, puede que sea una nueva línea de reflexión en un futuro proyecto. Pero de momento, nos quedamos disfrutando de "Wannabe", la cual puede verse en la Escuela Blank Paper de Madrid hasta el 25 de junio de 2015.

Le agradecemos a Elisa la visita guiada que nos concedió, y le deseamos mucha suerte con éste y sus próximos trabajos.

Más información Blank Paper Fotógrafa Elisa González Miralles