"¿Te ha llamado la atención el escaso número de fotógrafas que exponen y reciben reconocimientos hoy en día?". Con esta pregunta se abre un proyecto, que ha sido seleccionado en la convocatoria Crowd-UC3M del Vicerrectorado de Investigación y Transferencia Universidad Carlos III, que pretende ser una plataforma para dar visibilidad a las mujeres fotógrafas.

Para ello se ha puesto en marcha una campaña de recaudación para poder llevar a cabo este ilusionante proyecto, ya que este tipo de propuestas de investigación no reciben ayudas económicas sino que sólo son avaladas con reconocimiento. Serán aquellas personas concienciadas con la igualdad de género así como las interesadas en la educación visual quien ayuden a darle salida a una plataforma que es ciertamente necesaria.

Si la plataforma sale adelante, se realizarán tres acciones importantes como son la convocatoria abierta y gratuita a mujeres fotógrafas que presenten trabajos realizados entre 1975 y 2015. Con ello se seleccionarán tres fotógrafas a las cuales se les realizará un clip audiovisual donde podrán presentar su obra. Y por último, para aquellas interesadas en publicar un fotolibro, se seleccionará la mejor pieza que será editada por el equipo de Género y figura.

Como informan desde la plataforma de crowdfunding, cuantas más aportaciones económicas se realicen, mayor visibilidad y mayores acciones, como nuevas convocatorias o audiovisuales para presentar el trabajo de muchas más fotógrafas. Desde aquí felicitamos a Género y figura (GYF) por el reconocimiento entre los 13 seleccionados por la Universidad Carlos III y por la intención de querer ponerlo en marcha. Les deseamos también mucha suerte y esperamos contaros todos los detalles cuando la plataforma vea la luz.

Más información Género y Figura Goteo

No vendemos números, no vendemos clics, ni vendemos números f; en definitiva nunca acabamos por vender ni una sola de esas cosas. La historia de una fotografía la marca su fin, su final. En definitiva, la emoción que sugiere al que la visiona.

Todo lo que ocurre entre el momento de la idea y del visionado por las personas es puro "RUIDO", y no hablo exactamente del ISO. La fotografía no es sinónimo de cámaras, ni de sensores, ni tamaños, ni reglas, ni objetivos... salvo el objetivo final, emocionar (de la forma que sea y aunque reconozca que haya gente purista que me dirá lo contrario).

El estudio de la fotografía nunca debe comenzar exclusivamente por aprender unas técnicas, sino aprender simultáneamente a unir dichas técnicas con el proceso interior. Ser fotógrafo no es un dar un clic, no es saber manejar una cámara en Manual y no en Automático, ni siquiera es saber coger mejor o peor una cámara. Ser fotógrafo es hacer llegar una idea o un sentimiento, contar una historia. Las historias se cuentan de miles de formas, pero hay algo que prevalece en todas ellas, el mensaje.

Muchos hemos podido leer, por ejemplo, 1984. Y se ha podido leer en hojas físicas, interactivas, o incluso en imágenes (a pesar del debate de si ha fidelidad o no). En definitiva, hay gustos para todos, pues todos y cada uno de nosotros somos diferentes. A todos nos puede evocar una idea u otra, pero así es el mundo (y más en concreto la vida), lo verdaderamente importante es saber, antes que nada, lo que quieres mostrar y a quién quieres llegar.

"El problema con los árbitros es que conocen las reglas, pero no conocen el juego"

Las reglas son conceptos que, en algunos momentos, están siendo sobrevalorados por encima de (quizá y a mi modo de ver), el más importante, la improvisación. Y si, la improvisación se rige en gran parte por lo que tu intuición y corazón dice. Algo que a la postre pueden ser los verdaderos transmisores de emociones.

La industria fotográfica vende números cuando quizá debería vender historias. Vender lo que es la fotografía verdaderamente. La fotografía no es una necesidad en este mundo sino lleva, por encima de todo, la palabra sentimiento ligada. Nadie necesita una cámara para inmortalizar momentos en su vida, para eso tenemos nuestra propia cabeza y corazón, por tanto nadie necesita ni más ISO, ni más apertura, ni mejor rango dinámico, ni nada de eso... Lo que realmente se vende, porque se necesita, son los sentimientos. Y para conseguir un sentimiento no se necesita la mejor de las tecnologías, o si, pero eso lo defines tú nadie más que tú; porque va ligado a la persona y no es una verdad absoluta.

Fotografía de Nathan O'Nions

Dicen que el dinero ayuda a ser feliz, pero solo hay que ver como muchas personas sin él lo son, y muchas con él que no lo son... es por tanto, un punto en el que aquí se ve como no hay regla escrita tampoco. Si esto es así, nadie puede tener razón en si una fotografía la puedes hacer con una herramienta u otra, no. Si pensamos en números si, si pensamos en algo superficial quizá también, pero si pensamos en lo que realmente importa en una fotografía y por lo que siempre, y más a día de hoy, se necesita en ella que es su fin o por lo que siempre querrán tus fotos por encima de otras... no.

Qué nadie te diga cómo hacer o dejar de hacer tu fotografía o si usar una cámara grande, pequeña o inexistente. A la postre, nadie te puede decir como sentir o dejar de sentir. Ese es el fin de nuestro trabajo, demostrar que una imagen es el registro y el reflejo de un momento, una sensación, una emoción vivida. Algo nuestro; y en el momento que hacemos caso o nos dejamos llevar por alguien pasa a ser de él. Nadie paga números, y si lo hace tarde o temprano se hundirá y pocas veces se recordará. Algo que, al contrario, no pasa con las emociones que, aunque desaparezcan, siempre permanecerán en las personas.

Para finalizar os dejo una pregunta de una entrevista que le hicieron a Bruce Dickinson, vocalista de Iron Maiden sobre emociones y negocio (recordemos que el se dedica al mundo de los negocios tamibén):

- Los artistas son diseñadores de emociones. Me gusta pensar que las empresas también lo son a través de las experiencias que proporcionan a sus clientes. ¿Qué recomendarías a las empresas que quieran diseñar emociones para sus clientes?

- Sea lo que sea que vendan, deben tener en cuenta que lo que están vendiendo es una emoción, porque todo aquello con lo que interactuamos nos genera una emoción. Cualquier pequeño detalle desencadenará emociones, sensaciones, una reacción en los clientes. Y eso nos lleva a una relación emocional con ellos a través de nuestros productos y servicios. Es crucial darse cuenta de eso y no cometer errores, como por ejemplo recortar costes sin asegurarse de que no estamos afectando al valor de lo que estamos vendiendo, porque eso tendrá un impacto en las emociones que experimentarán nuestros clientes

PS: Tú fotografía y tu equipo te definen. Defiende todo ello mientras consideres que tus emociones y fotografías lo hacen. Esto no es una apología al uso de cámaras pequeñas pues también va dirigido hacia el que sienta esto con cámaras grandes y de gran valor monetario. Esto es un artículo para defender lo inmaterial de lo material, lo que es uno de lo que puedan hacerle creer que debe ser...

Fotografía de portada | Rodrigo Rivas

Gerta Pohorylle llegó a este mundo una cálida mañana del primero de agosto de 1910, en Stuttgart, una ciudad perteneciente en aquel momento al potente Imperio Alemán, y hoy en día, sencillamente, a la también potente Alemania. Hija de judíos de origen polaco, asegura el creciente número de historiadores que se ha interesado en la figura de esta pionera del fotoperiodismo de guerra que, a pesar de su origen burgués, simpatizó desde que era muy joven con el movimiento obrero, una filosofía que forjó no solo su carácter, sino también su destino.

Dicen que le gustaba fumar, bailar y jugar al tenis, como corresponde a una joven intrépida y rebelde a la que ni siquiera el auge que experimentó el partido nazi en su tierra natal consiguió atemorizar. A principios de los años 30 del siglo pasado Gerta estaba instalada en Leipzig (Alemania), formándose en la Gaudig Schule y ejerciendo un activismo que no solo provocó que los nazis se fijasen en ella, sino también que la pusiesen bajo custodia «protectora». Sin embargo, esa presión, lejos de amedrentarla, fue la chispa que provocó que la joven Gerta Pohorylle se transformase en la Gerda Taro que consiguió estampar su huella en la historia del fotoperiodismo.

París, Endre, Robert y la fotografía

Su origen judío y su incesante activismo contrario a la ideología defendida por los nazis colocaron a Gerta en una posición muy delicada que provocó que se viese obligada a abandonar Alemania, el país en el que había nacido y se había formado. Eligió París. Entre los meses de septiembre y octubre de 1933 llegó a la capital francesa, con 23 años, y no tardó en encontrar trabajo como mecanógrafa del psicoanalista René Splitz. Mientras, se dejaba seducir por el ambiente bohemio y antibelicista que se fraguaba en las brasseries y los bistrós frecuentados por los intelectuales parisinos.

Gerda Taro y Endre Ernö Friedmann se conocieron en París, en 1934

Fue precisamente en ese ambiente inspirador en el que el azar le presentó a un apuesto húngaro tres años más joven que ella, Endre Ernö Friedmann, también judío y dispuesto, aún sin éxito, a ganarse la vida como fotógrafo a toda costa. Dicen que él despertó en ella su pasión por la fotografía y le enseñó la técnica, y ella alimentó su curiosidad y compartió con él los modales y el estilo que solo puede conocer quien ha sido amamantado en un ambiente burgués. Aun así, el éxito se les resistía. Ninguna publicación impresa compraba sus fotografías, pero Gerta dio con la solución.

Gerda Taro y Endre Ernő Friedmann, unidos más allá de lo profesional.

La rubia, avispada e incipiente fotoperiodista propuso a su compañero Endre crear un álter ego, una marca que les abriese aquellas puertas que les estaban vedadas. Acababa de nacer Robert Capa. Pero Endre no era Robert. Robert era Endre, y también Gerta. Ambos se hicieron pasar durante meses por los representantes en París de un reputado fotógrafo estadounidense, y comenzaron a vender sus fotografías, las de ambos, a las publicaciones impresas de la época a un precio tres veces más alto del que habrían obtenido si hubiesen continuado firmándolas con sus auténticos nombres. La leyenda de Robert Capa ya había nacido. Y era imparable.

La Guerra Civil Española

A finales de 1935 Gerta y Endre vivían juntos en un pequeño apartamento situado cerca de la torre erigida cuatro décadas y media antes por Alexandre Gustave Eiffel. En realidad, el advenimiento de Robert Capa tuvo lugar unos meses después, en la primavera de 1936. A partir de ese momento todo comenzó a irles mucho mejor. Se entendían, y, además, tenían éxito profesional. Ambos practicaban la fotografía, y Gerta no dudó en empezar a utilizar el pseudónimo Gerda Taro para hacerse pasar por la representante de Robert Capa, y, así, vender las fotografías que Endre y ella tomaban. Pero lo mejor estaba por llegar.

Fotografía de Endre Ernő Friedmann tomada por Gerda Taro.

El 17 de julio de aquel mismo año estalló la Guerra Civil Española. Y Robert Capa, Gerda y Endre, uno ficticio y dos muy reales, decidieron desplazare a España para cubrir los preparativos para la defensa de Barcelona primero, y los frentes de Aragón y Madrid después. Tras la capital, y ya con el conflicto bélico en pleno apogeo, se dirigieron al sur, hacia Córdoba, donde Robert Capa tomó una de sus fotografías más poderosas: la del miliciano republicano de Cerro Murriano, conocida como «Muerte de un miliciano».

«Muerte de un miliciano», posiblemente tomada por Gerda Taro en 1936.

Sobre esta instantánea se han vertido ríos de tinta. Hay quien afirma que no fue espontánea, sino que fue meticulosamente planificada. Y, sobre todo, muchas voces aseguran que fue Gerda y no Endre quien la tomó, algo perfectamente posible dado que ambos estuvieron juntos en esa época, y, sobre todo, que los dos utilizaban el pseudónimo Robert Capa indistintamente. Poco después volvieron, juntos, a París.

Adiós, Gerda, adiós

Gerda preservó su activismo durante toda su corta vida. A finales de 1936 viajó a Nápoles para visitar a Georg Kuritzkes, un viejo conocido de Leipzig, y animarle a unirse a las Brigadas Internacionales. Y poco después regresó a España junto a Endre para fotografiar el buque de guerra Jaime I, atracado en Almería. De ahí fueron a Motril, Calahonda, Madrid... Pero en 1937 Gerda empezó a distanciarse profesionalmente de Endre y a firmar sus fotografías como «Photo Taro». Cubrió el frente del Jarama, el bombardeo de Valencia, y, de nuevo junto a Endre, la batalla de Navacerrada, entre otras localizaciones. Siempre «a caballo» entre París y España.

Una miliciana republicana practica delante de la cámara de Gerda Taro.

El 1 de agosto de 1937, el día en que Gerda cumpliría 27 años, Endre esperaba recibirla en París, pertrechada por su Reflex Korelle. Pero Taro no se presentó. Pocos días antes, durante el amanecer del 26 de julio, Gerda falleció en el hospital de campaña de El Goloso a causa de las heridas que le produjo unas horas antes el tanque republicano que la arrolló accidentalmente durante la retirada del frente de Brunete. Hoy Gerda Taro descansa en el cementerio de Père-Lachaise, en París. Pero su legado permanecerá, posiblemente, siempre.

En Xataka Foto | Erwin Olaf, el genio loco que cambió para siempre la fotografía comercial

Si hay un fotógrafo que dominaba la street photography como nadie, ese es Garry Winogrand. Por ello, la sala dedicada a la fotografía de Mapfre en Madrid situada en Bárbara de Braganza, pone a disposición del público el repaso a la carrera de uno de los referentes indiscutibles en el arte de capturar la esencia de las calles.

A través de un paseo que nos lleva desde Nueva York, escenario para la fotografía urbana por excelencia, hasta otras localizaciones que le llevaron por Estados Unidos, la figura de Garry Winogrand se nos aparece como fuente de inspiración inagotable gracias al cual podemos aprender, no sólo a retratar la ciudad y sus habitantes, sino también a comprender un lenguaje formal del cual hemos bebido de manera inconsciente desde que cogimos una cámara por primera vez.

No hay nada tan misterioso como un hecho claramente descrito

Si reparamos en la citada frase de Garry Winogrand podemos dilucidar en un segundo cuál era su modo de hacer fotografía. Porque claramente sus imágenes son estampas de momentos reales, donde regala toda la información posible, pero que al mismo tiempo se nos antojan muy complejas, quizá misteriosas en su paradoja.

El "cronista de América", como así se le conoce, nos muestra en esta exposición 200 fotografías que nos presentan buena parte de la historia de Norte América. Nos encontramos con la evolución de las décadas gracias a las manifestaciones callejeras que se ven reflejadas en el modo de vestir y de actuar, encontrándonos siempre una manera de fotografiar no cambiante. De hecho somos conscientes del paso del tiempo gracias al atrezzo que confieren las modas en la ropa y en los peinados, así como en la arquitectura del paisaje. Pero sus imágenes siguen siendo las mismas, aunque veamos que en los últimos años su fotografía pierde frescura en favor de una decadencia fruto, se dice, de su descontento con la sociedad americana.

Es importante esa huella que nos dejó un fotógrafo que a su muerte contaba con 6500 carretes sin revelar. Porque Winogrand sentía dejadez por el revelado de las imágenes, a él lo que le gustaba era fotografiar. Buscar la fotografía. Apretar el gatillo. En un mundo en el cual ya no sabemos tomar imágenes sin hacer el gesto de mirar nuestra pantalla tras la toma, es de locos no haber sentido la necesidad de saber que luz había impregnada en esos negativos.

La luz, muy importante en muchas de sus imágenes donde nos regala un complejo juego de lueces y sombras en el asfalto. Como también lo son los rostros. Muy cercanos, fruto de una fotografía que no tiene miedo a acercarse al sujeto. A encuadrarlo en las distancias cortas. Haciendo de esa manera que nos sintamos parte de esa imagen, que la vivamos no como espectadores sino cómo aquel que podía estar cruzando un paso de zebra en Nueva York al mismo ritmo que un señor con gabardina y sombrero.

A veces siento como si [...] el mundo fuera un lugar para el que he comprado una entrada. Un gran espectáculo dirigido a mí, como si nada fuera a suceder a menos que yo estuviera allí con mi cámara

Me acabo de imaginar la escena. Las calles en silencio. La gente petrificada como estatuas de marmol. Winogrand cierra la puerta de su casa. Pone un pie en el asfalto, agarra la cámara y... despiertan las calles. De pronto los autómatas de carne y hueso empiezan a actuar cómo cuando la vida de un fotograma comienza tras el sonido de la claqueta. Garry está ahí dispuesto a contárnoslo. A dejar para la posteridad un documento único sobre la historia americana.

Porque gracias su trayectoria podemos conocer desde manifestaciones a mítines políticos, desde hippies en Central Park a despegues de Apolo. Acontecimientos que no nos son indiferentes gracias a la iconografía que nos ha dado el cine americano, pero también fundamentada en la mirada que fotógrafos como Winogrand hicieron porque esas imágenes pasasen de generación en generación de fotógrafos que han seguido sus pasos.

En resumen

Una muestra obligatoria en nuestra agenda, que nos permite acercarnos a un fotógrafo casi sin parangone en la historia de la fotografía callejera. Para quienes no podéis acercaros a Madrid, estará abierta hasta el 3 de mayo, ya sabéis que Mapfre pone a disposición del público una visita virtual, así como toda la información en su portal. Os comparto también un vídeo de la conferencia que se llevó a cabo sobre su figura.

Más información Mapfre Visita virtual

En la fotografía, en el arte en general, existe lo icónico como resultado de una imagen que pasa a la historia porque su repetición y su puesta en circulación en el mercado artístico y en la cultura de masas hace que todos reconozcan las imagen con el paso de los años. En este sentido, el fotógrafo Dennis Stock sabía sobre ello. Una de las fotografías más icónicas del actor James Dean fue tomada por este autor que nació en el barrio del Bronx de Nueva York (casualidad con Winogrand) en 1928, y que falleció hace cinco años en Sarasota (Florida).

Dennis Stock, que empezó a tomar fotografías tras volver de su alistamiento en la marina durante la II Guerra Mundial, aprendió este arte junto con Gjon Mili, para en 1951 entrar como invitado en Magnum tras la propuesta de Robert Capa al haber sido galardonado con el premio LIFE en la categoría de joven fotógrafo.

Este newyorkino es conocido sobre todo por los retratos que realizó a James Dean, ya que le conoció cuando se trasladó a Hollywood, en especial el titulado "Dean in Times Square". Pero también por haber retratado de manera excepcional el mundo del jazz. En su libro "Jazz Street" recogió toda la escena de este género musical gracias a retratos de míticos músicos como Duke Ellington o Louis Armstrong. Durante los años sesenta estuvo muy metido en las comunas hippies retratando esa forma de vida y contracultura que reflejó en "The alternative".

Y siempre ligado a Magnum, para quien trabajó activamente desde 1954 hasta sus últimos días, a excepción del año que trabajó en su propia empresa Visual Objectives Inc., aunque terminó volviendo a la prestigiosa agencia para ser vice presidente del área de new media y film.

Un fotógrafo cuyo nombre desconocemos pero que tomó imágenes míticas

Efectivamente Dennis Stock encarna a ese tipo de fotógrafo cuyo nombre apenas resuena en nuestras cabezas, siendo paradógicamente renocible gracias a sus icónicas fotografías. Podemos decir que todo lo que no tenía su nombre de icónico, lo tiene su obra, pero también lo tuvo (y sigue teniendo) su rostro, ya que se convirtió en todo un icono gracias a Andreas Feininger y al retrato "The Photojournalist", cuyas hojas de contacto os comparto y que inmediatamente reconoceréis.

Como igualmente reconoceréis ese retrato ya citado de un joven James Dean paseando bajo un día de lluvia, cigarro en boca, por Times Square. O esa chica (foto de portada) bailando en primer plano bajo una multitud que disfrutaba igualmente en el Venice Beach Rock Festival de 1968. Y qué me decís del genial rostro de Earl Hines cantando, en una fotografía llena de dinamismo, al piano. O Audrey Hepburn apoyada sobre la ventanilla de un coche durante el rodaje de "Sabrina". Incluso esa imagen de Bill Crow caminando por Nueva York cargado con su instrumento musical.

Imágenes todas ellas que se han reproducido cientos de veces y que nos hablan de la maestría de un fotógrafo que paseó su cámara por los rincones del globo, siempre atento a las escenas, quizá también con cierta predisposición a esa iconicidad de las imágenes. Os comparto el link de Magnum con algunas de sus mejores instantáneas, pero también el trailer del film dirigido por Hanna Sawka donde se habla de su figura y de su obra. Disfrutadlo.

Fotógrafo Dennis Stock

Hablar de Richard Avedon podría significar, irremediablemente, hablar de la fotografía de moda actual. Y es que, la fotografía de moda actual es algo que le debe mucho a este hombre neoyorkino que, un día decidió poner a las modelos, y a la moda, "patas arriba".

Richard Avedon nació en Nueva York en 1923. Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, que trabajó para publicaciones de tanto prestigio y éxito como Vogue, Life o Harper’s Bazaar. Su fotografía hizo cambiar gran parte del panorama fotográfico e incluso influyó de gran forma en la creación de nuevas colecciones de moda, al poder fotografiarse y verse a las personas de una manera muy "distinta". Todo ello, unido a ser un gran retratista, faceta que le encumbraría como un grandísimo fotógrafo.

Los primeros acercamientos de Avedon al mundo de la moda y la fotografía fueron cuando aún era niño; su madre era aficionada a la fotografía. La prácticaba de como hobbie al igual que la coleccionaba. Mientras, su padre era dueño de una tienda de ropa.

Con doce años pasó a formar parte del YMHA Camera Club con su una mítica Kodak Box Brownie. Años después su padre le regaló una Rolleiflex como despedida cuando decidió unirse a la marina. Fue admitido y se le comisionó para hacer las fotografías de identificación de todo el personal en su carácter de Photographer’s Mate Second Class realizando cerca de mil retratos. A su vuelta, en 1944 estuvo estudiando en el laboratorio del New School con Alexey Brodovitch.

Avedon y su revolución en la moda

Tras su paso por el laboratorio, en el que Brodovitch daba clases, este joven Avedon pasó a engrosar las filas de la revista Harper's Bazaar. Magazine en el que Brodovitch era director de arte. Con poco tiempo pasó a ser director de fotografía de la revista. Y entonces llegó la revolución...

Esa revolución llegó la el viaje de Avedon a Paris. La ciudad del amor acabó por cautivar de tal forma al joven fotógrafo que elevó la moda de esa ciudad (muy de capa caída tras la guerra)a un nuevo capitulo, no sólo nacional sino mundial).

Y es que aquí, fue donde comenzó a arrancar con ese estilo novedoso, elegante y clásico, pero con un movimiento y un glamour antes no visto. Fotografiar algo preparado pero con una escenificación emocional fue el primero de las revoluciones fotográficas de la época. Juntar la fotografía de la calle (aunque fuera de altas esferas) con la fotografía de moda era algo no antes visto. Una fotografía que transmitía y emocionaba a pesar de ser para un interés comercial. No fue el primer fotógrafo de moda en hacerlo, pero si el que mejor supo hacerlo con este estilo. Algo que, acabó por plasmarse en otra publicación de gran importancia en moda como Vogue.

Richard Avedon from Raluca Munteanu on Vimeo.

Además de todo esto, Avedon sacudió el mundo de la moda con el concepto de los "modelos" como protagonistas y/o personajes. Dotó a estas personas de una personalidad y un personaje. Estableció las bases de los que son hoy las modelos como las conocemos, gracias a sus fotografías y estilos.

Sus escenografías elegantes pero excéntricas, hicieron de la fotografía de moda algo más parecido al mundo teatral que a la fotografía de catálogo vista hasta la fecha. Sin duda, todo lo que acontecía al momento previo a la fotografía era una situación más cinematográfica o teatral que otra cosa. Con una comunicación asombrosa parecía el perfecto director de orquesta. Y así es como muchos a día de hoy se sentirán identificados en muchas de sesiones; ya que la gran mayoría de todo este ritual es gracias a este loco fotógrafo.

Sus trabajos con compromiso social

Aunque la moda fue el principal baluarte y donde comenzó a hacerse un nombre, sus ganas por mostrar al mundo sus inquietudes y sus ansias por plasmarlas quedaron reflejadas en un gran número de fotografías y proyectos de este calibre. Así, durante el año de 1963, fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. Para finalizar estuvo en 1990 en Berlín para documentar la ciudad dividida.

El fondo blanco, la verdadera gran estrella de sus retratos

La parte retratista de Avedon fue y quedó en un grandísimo plano, llegando incluso a ponerlos a la altura de la moda.

Sus retratos, con una aparente sencillez, tenían una fuerte carácter psicológico, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un fondo blanco, consiguieron plasmar rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Marilyn Monroe, Andy Warhol, George Bush, etc... Con una técnica muy sencilla pero efectiva conseguía, en muchos casos, que el retratado perdiera la tensión. Y es que cerca de cuatro horas hablando podían hacer que muchas personas bajaran la guardia.

Y es que, con estos trabajos el gran fotógrafo contextualizó de una manera brillante uno de los puntos más importantes de la vida de un ser humano, el tiempo. La sencillez y transparencia de los mismos era el motivo principal para conseguir mostrar las vivencias, las señales, y un sin fin de matices que intentaban reflejar la psicología interna de los retratados dentro de ese pensamiento.

"In the American West", el trabajo más reputado

Si algo puede reseñarse en toda la obra de Richard Avedon, en lo que a no moda se refiere, es el encargo del Museo Amon Carter de Fort Worth en Texas. "In the American West", la obra que culminaría por darle el rango que hoy tiene dentro de la historia de la fotografía, fue realizada entre 1979 y 1984.

Este proyecto mandó a Avedon durante estos años al Oeste de Estados Unidos a documentar a personas que posiblemente nunca se sabría de ellas en la historia del país cuando murieran. Esas personas no eran otros que vagabundos, granjeros, amas de casa, presos, vaqueros, oficinistas..., esa gente que, sin ser grandes, acabarían por ser elevadas gracias a las tomas realizadas por él.

Las fotografías estaban realizadas con luz natural al aire libre con cámara de gran formato (placas). Gastando más de 17.000 placas con unas 750 personas, mientras recorría cerca de 190 lugares en 17 estados diferentes. De ellos se seleccionaron los 123 que en su momento conformaron toda la serie.

Richard Avedon siguió realizando, en sus últimos años, fotografías que definían más su faceta psicológica e implicación personal. Sin ir más lejos, en el 2004, falleció por una hemorragia cerebral mientras realizaba una sesión fotográfica para The New Yorker ("On Democracy") que documentaba todo el proceso electoral de ese mismo año. Todo ello retratando a candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros...

Más información | Richard Avedon

En Xataka Foto | Visitando... Richard Avedon: Murals & Portraits en Gagosian Gallery de New York

"Found at sea" es una fantástica serie de fotografías tomadas por Ray Collins, originario de Australia, concretamente de la ciudad minera de Thirroul ubicada en Nueva Gales del Sur. En la colección de fotografías, Ray nos muestra las olas como nunca antes las habíamos visto: petrificadas, como posando. Como si fueran esculturas efímeras que en un par de segundos se desvanecen en un trabajo muy similar al de Pierre Carreau.

Collins dispone de un trabajo modesto como minero pero siempre tiene tiempo para acercarse al mar, sellar su cámara con una carcasa y tomar fotos de las retorcidas olas. Muchas de sus fotografías están tomadas durante días nublados o tormentosos tal y como muchas de sus tomas revelan.

Lo que más me gusta de esta serie es precisamente la forma de las olas, que en muchas ocasiones se distancia del clásico rizo con el que los surferos sueñan. Muchas de estas fotografías toman el momento justo en el que un par de olas chocan entre sí y se levantan entre ellas formando bellísimas figuras que quedan cristalizadas gracias a la cámara.

Puedes seguir a Ray Collins a través de su Facebook o su Twitter.

Fuente | 123Inspiration

Foto | Ray Collins en Facebook

Con Iñaki Domingo como comisario y bajo el lema de "Lanzadera", el madrileño Centro Centro sigue apostando muy fuerte por la fotografía gracias a un proyecto que comenzó el día 12 de marzo y que seguirá hasta 2016, con exposiciones donde se darán a conocer al público general los nombres de jóvenes fotógrafos españoles.

Ya venimos observando esta tendencia de este espacio de la capital en cuanto se refiere a proyectos fotográficos. En su programación desde su inauguración se han ido realizando muestras de diversa índole y temática pero siempre con un componente fotográfico importante. Ahora nos ofrecen la oportunidad de tener acceso a jóvenes promesas y lo hacen exponiendo sus mejores trabajos.

Esta andadura ha comenzado con el trabajo de David Hornillos, a quien tuvimos ocasión de conocer en la presentación de su fotolibro "Mediodía". En esta ocasión podemos ver esas imágenes en formato exposición. Una muestra que podrá verse hasta el 10 de mayo de 2015 y a la que seguirán Alejandro Marote, Lucía Gómez Meca, Jesús Monterde y Rut Panuse en sucesivas muestras. Cada inauguración se acompaña además con una publicación correspondiente a la exhibición de ese momento.

Estaremos muy atentos a las muestras que dan sentido a esta "Lanzadera" y damos la enhorabuena a Centro Centro por esta gran iniciativa que no hace sino valorar el trabajo de nuestros nuevos talentos, en pro de una buena salud de esta disciplina en nuestro país. No olvidéis que la visita es gratuita y se accede a través de la cuarta planta del edificio en lo que han venido a denominar "Distrito fotográfico".

Más información Centro Centro

Imogen Cunningham es historia de la Historia de la Fotografía. Su peso en la fotografía del siglo XX junto a su grandísima energía para fotografiar hace de ella un personaje fundamental para comprender la evolución de la Fotografía. Nacida 12 abril de 1883 en Portland, Oregón (Estados Unidos), es una fotografía de Gertrude Käsebier, en 1901, la que la hizo interesarse por la fotografía mientras era una joven y prometedora estudiante universitaria de Químicas.

Es precisamente, su gran talento y creatividad lo que hicieron que inventase un sello de origen chino para firmar sus fotografías con tres sílabas I-MO-GEN lo cual si lo tradujéramos desde ese idioma significaría, IDEAS-SIN-FIN. Su trayectoria vital y artística recoge más de 70 años de duro y genial trabajo que intentaremos resumir en este artículo.
[[gallery: imogen-cunningham-o-cuando-una-fotografia-te-cambia-la-vida]]

La historia de una mente joven hasta los 93 años

"La fotografía comenzó para mí con la gente, no importa cuál es el interés que haya dado a las [otras] cosas, pero nunca he abandonado totalmente el verdadero significado de la vida humana. Como documento o registro de la personalidad, siento que la fotografía no es superada por ningún otro medio gráfico", declaró una vez.

Tras verse en el espejo de los trabajos de Gertrude Käsebier, la joven estudiante ahorró rápidamente para comprar una cámara que, acompañada de un curso por correspondencia, le facultó para obtener los primeros conocimientos sobre la técnica fotográfica. Empezó a practicar por el campus de la Universidad, donde se retrató a sí misma desnuda sobre la hierba. Aunque, en un principio, se sintió atraída por el estilo de Käsebier, pasó después a otros estilos, dominando todos aquellos en los que entró.

Ansel Adams, en Yosemite Valley

Comenzó, sin embargo, su carrera fotográfica como ilustradora para una revista pero no tardó en abrir su propio estudio de retratos en 1898 en la conocida Quinta Avenida de Nueva York. Con un estilo sencillo de fondos escénicos y divertidos muebles la joven Imogen Cunningham consiguió abrirse paso.

Three Dancers, Mills College

Es ya en la década de los años 20' y 30' cuando centra su en la fotografía de composciones naturales abstractas, algo no demasiado comprendido en su época, pero que vemos utilizado en nuestra época actual en muchos fotógrafos de Naturaleza, Flora y Fauna. Sin embargo, su gran momento de fama, llega entre 1932-1934 gracias a un encargo para Vanity Fair, sobre retratos a distintos personajes de la sociedad estadounidense, principalmente del cine.

Es junto con Ansel Adams y Weston, el máximo exponente del famoso grupo fotográfico f/64 que defendía con este nombre la nitidez y el detalle en los trabajos. Imogen Cunningham falleció, a los 93 años, el 24 de junio de 1976 en San Francisco.

Macrofotografía, Naturaleza Abstracta y Desnudos masculinos

Ansel Adams, dijo de ella que su sangre tenía un 3% de Ácido Acético por sus comentarios tan ácidos e inteligentes que realizaba

Magnolia. Lopez Island, Washington (1925)

Sin embargo, es por esa época, aunque no se sabe con exactitud, que realizó los primeros desnudos masculinos que se conocen en la fotografía. La historia cuenta que siendo ya mayor de 80 años, Imogen Cunningham empezó a organizar el ingente archvo de negativos y otra documentación fotográfica que había coleccionado hasta entonces y es en ese momento cuando aparecieron entonces los negativos de las fotografías de desnudo que había realizado a su marido, cincuenta años antes, siendo una adelantada a su tiempo.

Retratista en Vanity Fair

Es precisamente esta una de su épocas doradas ya que tras retratar a Martha Graham y José Limón, entre otros, los editores de Vanity Fair se fijaron en ella y la contrataron como colaboradora. Cary Grant, Joel Blondel o Spencer Tracy antes de desembocar en lo que ella misma denominó "fotografías robadas".

Cary Grant

Es, por tanto, la inventora, si así podemos llamarlo, de los "robados". Fotografías espontáneas en las que el sujeto de la foto no se da cuenta de que es fotografiado. Un estilo que todos conocemos y que es, ampliamente usado, en la fotografía documental, de eventos, la fotografía callejera o el fotoperiodismo, desde hace muchísimos años.

El Pictorialismo frente al Grupo f/64

La evolución de esta grandísima fotógrafa, no paró nunca. De sus primeras imágenes, estudios alegóricos realizados a artistas amigos, en los que las fotografías presentaban un enfoque blando o incluso desenfocado pasó a fundar con Ansel Adams y Edward Weston el grupo f/64 que defendía la excelencia en la nitidez.

Ben Butler, 1910

Sin embargo, esas primeras imágenes ofrecen un retrato oscuro de la propia Imogen, que transmite con ellas una gran sensación de misterio. Algo en lo que se volvió una auténtica maestra aplicándolo siempre en sus retratos. Ese desenfoque extremo provee sus imágenes de gran atemporalidad.

Alfred Stieglitz,1934

Sin embargo a pesar del Pictorialismo de su época, surgió un movimiento diferente que coincidía con su propia evolución en los retratos. Ese movimiento, nuevo, como respuesta al Pictorialismo y el Modernismo se denominaría Grupo f/64. Un grupo, que como ya hemos comentado sobradamente defendía el detalle y la nitidez.

Conclusiones

Nos dejó los robados, retratos atemporales, los primeros desnudos masculinos en la fotografía y grandes escenas del entorno urbano así como magníficos retratos, por no hablar de la abstracción de muchas de sus fotografías de flora.

Posiblemente, sin saberlo, estás muy influido por Imogen Cunningham.

Sitio Oficial | Imogen Cunningham

Chema Madoz es sin duda uno de los fotógrafos españoles que han marcado la historia de la fotografía de nuestro país. Es uno de los grandes nombres de la fotografía en España junto a otros nombres como Isabel Muñoz, García Alix, Cristina García Rodero u Ouka Leele.

Chema es un tipo singular. Tímido, no demasiado hablador, pero con grandes atisbos de buena persona. Tuve la suerte de poder asistir como alumno a una clase impartida por él, y durante tres horas me vi sumergido en un cuento a través de las explicaciones de sus fotografías y de su vida como fotógrafo.

Así es Chema Madoz, una persona que sólo con enseñar sus fotografías no necesita decir mucho más. Un genio de la fotografía y un poeta visual que analizan en este maravilloso documental que salió a la luz en los "Imprescindibles" de TVE y que, sin duda, hoy quiero recordar aquí.

Chema Madoz, regar lo escondido

Sino lo visteis, o queréis volver a verlo, es un buen momento para sumergiros en el maravilloso mundo de lo escondido entre lo cotidiano. Una hora de visionado de la que no os arrepentiréis si sois amantes de la fotografía, y del arte en general. Y es que, no me extraña que haya gente que quiera acabar siendo fotógrafo por sólo haber visto fotografías de Madoz.

Sitio Web | RTVE

Adrian Sommeling nació hace 48 años en Holanda. Casado y con hijo, vive en los Países Bajos donde tiene su propia agencia de diseño web, gráfico y fotografía. Para él, la creación de imágenes artísticas es algo que lleva haciendo desde que era joven, cuando, primero con un lápiz, después con el óleo y un lienzo pasó hace unos años al mundo digital de la mano de Adobe Photoshop y la fotografía.

Sus imágenes pretende tocar nuestras emociones y evocar esos recuerdos imposibles que fantaseábamos de niños. Esas historias, que los que tenemos hijos, revivimos a través de ellos. Un volver siempre a la infancia marca la hoja de ruta de Adrian Sommeling, artista visual y fotógrado o quién sabe si ninguna de las dos. Hemos aprovechado su paso por España durante esta semana para hablar con él. Descubrámoslo.

Hola Adrian, bienvenido.

Un placer, gracias.

Comencemos. ¿Artista digital o fotógrafo? ¿Tal vez ambas cosas?

Ambas cosas. A menudo, la gente me ve como un gurú del Photoshop pero no lo soy. Prefiero realizar todo lo posible - e imposible, añadiría yo - con mi cámara. Cuanto menos tenga que hacer con Photoshop, mejor. Aunque he de confesar que los efectos que logro en mis trabajos fotográficos serían imposibles de hacer sin Photoshop. Solamente con mucha paciencia puedo lograr esos resultados finales. Así que, diría que ambas cosas. ¿Cómo llegaste a convertirte en lo que eres hoy?

Como ya había comentado, así como puedo recordar en mi vida, siempre he estado creando imágenes. Mi madre es artista, nunca he vista nadie tan creativa como ella. Siempre estaba sentado junto a ella - mientras creaba, apunta - realizando mis propios dibujos. Según fui creciendo rápidamente creé mi propia agencia relacionada con la imagen.

Realmente, no empecé a trabajar en serio el lado fotográfico, hasta que hace 4 años compré una Nikon D3100 y empecé disparar con ella. Al principio, disparaba a todo pero pronto comencé a darme cuenta de que eso no era lo mí0. Quería aportar algo más con mis imágenes. Quería contar historias. Y así es como todo empezó.

Recordando el momento Bullet Time de The Matrix

Cuentas en tu Facebook que cada uno de tus trabajos pasa por siete pasos inedulibles. Pero mi pregunta es ¿cómo llegas a ese primer paso inicial, en el que empieza todo? ¿cómo te lo imaginas?

• Paso 1: Esbozo la idea en papel durante unos días.
• Paso 2: Busco el fondo de la escena con mi cámara, habitualmente cuando cae el sol. Cualquier cosa puede servirme como fondo.
• Paso 3: Una vez que he conseguido ese fondo, necesito los modelos para el primer plano. Ilumino los modelos, habitualmente con 3 flashes a través de un paraguas blanco, colocando las luces para que cuadre todo con la iluminación del fondo.
• Paso 4: Una vez que he realizado todas las fotos las abro en Camera RAW. Juego con los ajustes para conseguir un estilo un poco HDR, cuando estoy satisfecho, abro las imágenes en Photoshop y las recorto y ajusto unas con otras y comienzo el postprocesado de todo menos el Fondo. Una vez hecho todo, trabajo el fondo y lo acoplo.
• Paso 5: Uso el método de enfoque de filtro de paso alto, al final, para darle un toque de mayor nitidez al resultado.
• Paso 6: Abro, a veces, de nuevo el resultado en Camera RAW y ajusto el estilo HDR inicial.
• Paso 7: FIN

Creo que lo hago por cuestionarme todo. Analizar todo y tener un buen día a menudo te ofrece el poder crear nuevas imágenes en tu mente. ¿Por qué los niños como sujetos de la mayoría de tus trabajos?

Porque esencialmente son puros. Cuando un niño hace algo surrealista es creíble. Por otro lado, me gusta que mis imágenes toquen, afecten a las emociones. Muchos de los protagonistas de ellas son recuerdos de mi infancia. Nuestro pasado nos recuerda lo que vemos en esas imágenes.

He leído por ahí, que de vez en cuando colaboras con Glyn Dewis, gran fotógrafo y gran persona - uno de los primeros que entrevisté - ¿qué podrías contarnos de esas colaboraciones?

Me encanta Glyn, es un tipo muy divertido y con los pies en la tierra. Está muy especializado y es muy bueno con Photoshop, pero ya he dicho, la gente a menudo olvida que cuando alguien es muy bueno en Photoshop es porque suele ser también muy buen fotógrafo, como Glynn.

Tal vez me equivoque pero tanto Photoshop como la iluminación que usas juegan un papel muy importante. ¿Cuál es más importante?

Sin duda la iluminación. Con mucha paciencia, puedes conseguir la foto, apenas sin Photoshop, que se aproxime a mi estilo. Pero no puedo conseguir ese estilo si no la iluminado en la manera que lo hago.

Estoy seguro de que si pudieras escoger alguna fotografía no lo harías, pero al menos indícanos algunos fotógrafos con talento que conozcas.

Para ser realmente sincero, no lo sé. Hay muchos fotógrafos con talento, mucho. Sin embargo, debo admitir que difícilmente echo un vistazo al trabajo de otros. No porque no quiera, si no porque difícilmente encuentro tiempo para ello.

Al final de cada día, cuando acabo de trabajar, respondo emails y preguntas hasta que me quedo dormido.

Hasta aquí la entrevista con Adrian Sommeling, al que agradecemos muchísimo su precioso tiempo y al que podréis ver esta semana en España, concretamente en Oviedo, durante la celebración este próximo fin de semana del congreso internacional de Fotografía, ÉXODOS, en el que impartirá un taller de edición y retoque fotográfico.

Sitio oficial | Adrian Sommeling
500px | Adrian Sommeling en 500px

Antes de transformarse en uno de los directores y productores de cine más influyentes, Stanley Kubrick fue fotógrafo. De hecho, sus primeros pasos como profesional de la fotografía los dio cuando era muy joven como parte del equipo de la revista Look, y no tardó en conseguir un reconocimiento profesional muy importante por su indiscutible valía como fotógrafo.

Su búsqueda de la perfección estuvo presente en los albores de su carrera como fotógrafo, y continuó impertérrita durante el proceso de creación de sus trece películas. Kubrick controlaba con una atención desmedida todos y cada uno de los detalles de sus filmes, y la fotografía, de la que era el máximo responsable, no era una excepción. Si queréis conocer con todo detalle cómo eran las ópticas que utilizó para fotografiar sus películas, no os perdáis el interesantísimo vídeo que os dejo al final del post.

En él Joe Dunton, que asesoró a Kubrick en la fotografía de Eyes Wide Shut, su última película, nos cuenta con mucho detalle cuáles eran sus objetivos favoritos, y también cómo los adaptaba a su cámara predilecta, una Arriflex IIC. La fotografía de buena parte de las películas de este genial realizador sigue siendo hoy en día, y probablemente lo será siempre, una fuente de inspiración. Esto es lo que hace a este documento tan interesante para todos los que adoramos el cine y la fotografía. Si podéis dedicarle los 12 minutos que dura, no lo dejéis escapar. Merece mucho la pena.

Imagen | Autorretrato de Stanley Kubrick (1949). Colección de la revista Look
Vía | NoFilmSchool
En Xataka Foto | Stanley Kubrick

Si hoy podemos disfrutar cada vez más de la fotografía en los espacios de arte, en parte se lo debemos a uno de esos genios que aplicó el dadaísmo y el surrealismo como varguardias también en la disciplina fotográfica. Emmanuel Radnitzky, o Man Ray como se le conoce mundialmente, es una de esas figuras que entre los aficionados a la fotografía es menos conocido, pero que en el arte jugó un papel importantísimo dentro de la Historia.

Por ello, entre tantos grandes maestros como Bresson o Capa, es hora de darle a Man Ray la importancia que se merece. Primero porque descubrimos que no hace falta una cámara como herramienta para crear fotografías, y segundo porque gracias a la psicología del retrato y a las connotaciones más allá de la imagen que nos regaló el surrealismo, apreciamos que detrás de una estampa debe existir algo más que un encuadre bonito.

El americano hijo de inmigrantes rusos que se pasó media vida en París

Rayograma

Como siempre, nos gusta dar unas pinceladas biográficas sobre el fotógrafo. En este caso Man Ray nació en Filadelfia en 1890 fruto de la unión entre dos inmigrantes llegados de Rusia. Cantante preadolescente y bailarín, su interés por el arte nace tras el traslado a Nueva York, lo que en su juventud le permite trabajar en una agencia de publicidad y compaginar sus estudios en la National Academy of Design, comenzando también a frecuentar la galería de Alfred Stieglitz y acudir a tertulias.

Adquiere una cámara fotográfica en un principio para reproducir sus obras plásticas, pero su inquietud hizo que hoy en día tenga su hueco en la historia de la fotografía. Con Duchamp y Picabia creó el Dadá newyorkino, realizando obras experimentales que coqueteaban con todo tipo de soportes para la creación de obra artística. Así es como tras su instalación en París, al ver que su obra no encontraba mercado, empezó a crear sus famosos "rayogramas".

Man Ray: despreocupado pero no indiferente

Autorretrato ejemplo de solarización

"Despreocupado pero no indiferente", así reza su epitafio en el cementerio de Montparnasse. Una frase que podríamos aplicar a su obra y a acciones tales como la creación de esos rayogramas. Éstos son creaciones fotográficas que son realizadas sin la intervención de una cámara. Paradójico el hecho de que adquiriese una cámara para documentar sus otras obras y terminase siendo valorado por una serie de fotografías fruto de esas composiciones abstractas (muy estudiadas, eso sí), donde situaba objetos por contacto en papel sensible a la luz que después era revelado.

En un mundo donde la técnica fotográfica es muy relevante a la hora de valorar a un fotógrafo, que con un simple papel se pueda jugar y crear composiciones que después se han paseado por las galerías y museos más importantes del globo, da qué reflexionar. Nos hace ver la importancia de la idea, del concepto, de la transmisión artística visceral, creativa, imperfecta, despreocupada tal vez como Man Ray, aunque siempre realizada con un sentido.

Man Ray: retratos psicológicos de una época

Ese reconocimiento como artista fotográfico le dio oportunidad de realizar retratos a los personajes más relevantes de la cultura de su época. Al mismo tiempo sigue con sus naturalezas muertas y sus pinturas y esculturas surrealistas cuando el Dadá se fractura y comienza su andadura por el maravilloso mundo del Surrealismo.

La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte.

Las mujeres fatales y sus desnudos son recurrentes en su obra. De hecho gracias a la inspiración de su modelo y amante Kiki de Montparnasse, nació una de sus obras más emblemáticas, "Le Violon d'Ingres", que refleja en una sola imagen todo lo que este creador es para el arte. Porque se respira pintura por esa pose que nos traslada inmediatamente al pintor Ingres, tan admirado por Man Ray, pero a su vez nos mete de lleno en ese juego de dobles lecturas, convirtiendo el cuerpo de la mujer en un gran violonchelo por medio de esas "efes" añadidas porteriomente en edición. Idea, inspiración, creación, diseño, fotografía, pintura.

Man Ray: su aportación a la fotografía

Fundamentalmente su aportación nos lleva directamente a pensar que tras una imagen hay una idea detrás. Man Ray no fue un documentalista. Fue un creador, y como tal, su legado nos hace reflexionar en torno a lo que debemos ver más allá de una imagen. "Le Violon d'Ingres" podría haberse quedado en un simple y bonito retrato de desnudo sino llega a jugar con el concepto de elevarlo a otro nivel.

Esa es la gran aportación que nos hizo, amén de sus solarizaciones y rayogramas. La figura del fotógrafo como creador de composiciones inventadas. Elocuencia, humor, sensibilidad, ingredientes que hacen que podamos contar con los dedos (Chema Madoz) a las figuras que practican este tipo de imágenes. Porque encuadrar la realidad de una manera más o menos efectiva es fácil si se tiene garra, pero darle vueltas a la inspiración para crear estampas surgidas de uno mismo, eso ya es más complicado. Y aquí el señor Man Ray lo bordaba.

Le Violon d'Ingres

Si queréis conocer un poco más sobre su figura os invito a revisitar el texto a propósito de su exposición en la Fundación ICO de Madrid en 2007. También a consultar libros que hablan de su labor como artista en todas sus facetas. Incluso a su cine, como la filmación que os comparto "Les Mystères du Château du Dé" o "L'étoile de mer". Man Ray murió (en 1976) en el París que le dio sus mejores obras, pero afortunadamente todos podemos beber de las fuentes de su legado.

Fotógrafo Man Ray

Jörg M. Colberg abrió una ventana al mundo de la fotografía contemporánea gracias al blog Conscientious y, aunque muchos se habrán acercado a su figura gracias al último número de la revista Ojo de Pez donde nos ofrece una serie de trabajos sobre la verdad fotográfica a través de varios autores, hace ya tiempo que puso a disposición de internet el contenido que nos hacía estar al tanto de las últimas vanguardias fotográficas.

Para quien no lo conozca, Conscientious es un blog donde se cuelga contenido afín a fotógrafos contemporáneos. Un escaparate indispensable para los jóvenes y no tan jóvenes fotógrafos que quieran estar al corriente de lo que se cuece en la palestra contemporánea. Desde el link "archives" ya nos abre un ilimitado catálogo de enlaces que nos llevan a conocer desde revistas y otras publicaciones a fotógrafos, a los cuales accedemos gracias a una galería donde podemos curiosear aquel que por su imagen de ejemplo ya nos llame la atención.

El catálogo, como podéis ver, parece no tener fin, lo cual nos llevaría varios meses si queremos ir conociendo uno a uno a los fotógrafos propuestos. Pero no sólo éso, sino que además el blog se completa con el apartado "links" donde están ordenados los enlaces que nos llevan a tener categorizado desde contenidos sobre arquitectura a otros más específicos como agencias o editoriales. Sin duda una fuente estupenda de recursos para quienes quieran enviar CV al extranjero y no sepan a qué medios dirigirse.

No le perdáis la pista y tened este blog en vuestros favoritos, sobre todo aquellos quienes querais expandir mercado a otras latitudes, ya que todo el contenido está en inglés para un público eminentemente anglosajón. Aún así, es un lugar indispensable a tener muy en cuenta, como contenedor de ideas e inspiración y como referencia a la hora de conocer la fotografía contemporánea.

Blog Conscientious

De origen marroquí (nacido en 1941), el fotógrafo francés Bruno Barbey es una de esas grandes figuras de la fotografía contemporánea que bien merece reivindicarse con más fuerza. Siendo un autor muy reconocido internacionalmente y miembro de la prestigiosa agencia Magnum, quizás no haya adquirido tanta fama como otros fotógrafos de su generación.

Lo cual no quita para que hoy nos sumerjamos en su talento y nos quitemos el sombrero ante sus grandes aportaciones a la fotografía, que podríamos resumir en un magnífico uso del color, con una elegancia admirable.

La fotografía es el único lenguaje que puede ser entendido en cualquier lugar del mundo.– Bruno Barbey

Aunque no toda su obra la encontramos a color. De hecho, posee trabajos muy notables y destacados en blanco y negro, en sus comienzos y durante la década de los sesenta, que fue clave para convertirse en uno de los grandes.

De Suiza a Italia, para llegar a Francia y a Magnum

Bruno Barbey. ITALY. Town of Milan. 1964.

Barbey estudió fotografía y artes gráficas en Suiza y en los sesenta trabajó para Éditions Rencontre de Lausana y colabora con Vogue. En Italia se forjó como fotógrafo llevando a cabo un memorable trabajo titulado ‘Los Italianos’, hoy uno de sus libros más destacados. Aunque si algo le sirvió como trampolín fue su admisión en la agencia Magnum, siendo miembro de pleno derecho ya en 1968. Año clave para su obra, puesto que realizó uno de sus trabajos capitales: retratar el mayo del 68 en París. En blanco y negro aún, pero lleno de fuerza y del talento que ya atesoraba.

Bruno Barbey. MOROCCO. Rabat. 1992.

A partir de ahí, y amparado por Magnum, viajó por los cinco continentes cubriendo diferentes conflictos bélicos y realizando memorables reportajes (así como algunos destacadas películas documentales). Desde la revolución polaca de Solidaridad a Irlanda del Norte y, por supuesto trabajando en Asia, con la revolución de los ayatollahs en Irán, Vietnam, Bangladesh, Camboya, China (muy destacado), además de las guerras civiles en Nigeria. Por supuesto también en su tierra de origen: Marruecos, donde ha realizado algunas de sus imágenes más icónicas y espectaculares.

Bruno Barbey: maestro de la composición y del color

Bruno Barbey. MOROCCO. 2002.

Trabajos que ha ido compaginando con la publicación de libros que le fueron otorgando cada vez más y más prestigio y reconocimiento, además de publicar en multitud de revistas y publicaciones internacionales. Influenciado por Cartier-Bresson, Bruno Barbey otorgaba gran importancia a la composición, cuidada y elegante, que supo trasladar al color, convirtiéndose en una de sus grandes virtudes.

Fotografías armoniosas, delicadas y frescas, unidas a una mirada cercana y a la altura de sus coetáneos de Magnum. Buen ejemplo de ello es su trabajo sobre China que, hace poco, se ha convertido en un libro que recoge sus fotografías del país asiático durante cuatro décadas, una buena aproximación a los cambios que se han vivido y que Barbey captura con gran belleza y talento documental. Entre sus premios destacar la Orden Nacional del Mérito francesa.

Bruno Barbey. PORTUGAL. 1993.

En conclusión, se trata de un autor muy respetado, que ha realizado una aportación muy notable en sus reportajes y que ha sabido llegar a cualquiera con elegancia y con la armonía de su trabajo. Especialmente recomendables e inspiradoras sus imágenes a color y un autor a reivindicar.

Bruno Barbey. CHINA. 1980.

Foto inicio | Bruno Barbey. MOROCCO. 1985.
Sitio oficial | brunobarbey.com
En Magnum | Bruno Barbey

Dentro de la sección "Behind the photos" de la revista TIME, en esta ocasión le ha tocado el turno a Stephen Shore, pionero de la fotografía en color. La foto que ha sido objeto de atención para el artículo, fue una que el fotógrafo tomó en blanco y negro a la edad de 12 años. Una toma que precisamente llamó mi atención en la exposición que tuvo lugar en Mapfre (Madrid) y que para mí reflejaba ya toda una declaración de intenciones sobre lo que sería la marca personal de este maestro.

Me llamaba la atención la narrativa de esta fotografía donde aparece un equipo juvenil de fútbol en el momento que es retratado por el fotógrafo oficial. En la toma sale parte de ese equipo pero también el fotógrafo además de la sombra de Stephen Shore que estaba situado justo delante de todos ellos, y que podemos diferenciar del resto de sombras porque aparece en posición de estar sujetando una cámara.

Lo interesante de esta toma viene dado por el hecho de que mientras otros se habrían puesto a la misma altura que el fotógrafo oficial (que no era otro sino el director de la escuela donde Shore estaba internado) para sacar la fotografía de los jóvenes futbolistas, Stephen prefirió retrasar su paso para ofrecernos una imagen totalmente diferente del momento. Es algo que podemos ver en algún ejemplo más a lo largo de su carrera pero que también podemos observar en otros fotógrafos como Winogrand o incluso en nosotros mismos, ¿quién no ha tomado fotografías de gente fotografiando a otras personas?

Según narra el propio Shore para TIME, muy pronto se empezó a interesar por la fotografía, concretamente en un primer momento en la técnica del revelado en el cuarto oscuro gracias a que revelaba los negativos de su familia con un kit de Kodak que le había regalado su tío a la edad de seis años porque, como cuenta, "era un poco nerd y estaba interesado en la química". Fue ya con nueve años cuando tuvo su primera cámara de 35mm.

Fue a la edad de 12 años cuando Shore tomó esta fotografía que pudo revelar en el momento gracias a que tenía acceso al cuarto oscuro del internado, debido a que el director conocía su afición y le dejaba entrar allí. Como cuenta, es una imagen autorreferencial ya que le interesaba retratar su propia sombra como testigo de la toma fotográfica, aquí el fotógrafo no aparece de forma invisible, sino que su presencia es igual de importante junto a todos los demás elementos que componen la escena. Como decíamos al principio, toda una declaración de intenciones de uno de los fotógrafos, posiblemente, que más ha teorizado sobre la imagen fotográfica en la historia de esta disciplina.

Más información TIME

César March, nace en Alginet, un pequeño pueblo cerca de Valencia, en 1973. Es un gran aficionado a la informática desde muy pequeño y Diplomado en Empresariales por la Universidad de Valencia. Trabaja desde 1995 como técnico de comercio exterior en una empresa del sector del mueble y del descanso. Pese haber pasado de puntillas por el mundo de la fotografía química, no es hasta el arranque definitivo de la era digital cuando realmente se despierta el afán por adentrarse en el mundo de la fotografía que lo compatibliza haciéndose freelance.

Recientemente, César, ha sido galardonado con el tercer puesto en Deportes la categoría nacional de los Sony Awards 2015 y también finalista, con otra fotografía, categoría abierta, Arquitectura.

[[gallery: cesar-march]] César, bienvenido.

Muchas gracias.

¿Qué hace César March cada semana?

De lunes a viernes trabajar a tope en la empresa en la que estoy desde hace ya muchos años y ayudando, en la medida de lo posible, en las tareas del hogar. Soy un gran aficionado al fútbol, seguidor del Valencia C.F., antes animando en el estadio y ahora desde casa. Como comprenderás, con una niña de cuatro años y otra de siete semanas, uno apenas dispone de tiempo libre, jeje. Es por la noche o los fines de semana cuando me puedo dedicar casi plenamente a mi afición más querida. Afición que se convirtió en segunda profesión hace poco más de tres años, de ahí que me autodenomine fotógrafo profesional de fines de semana ;-) Por las noches edito, termino los trabajos que tenga pendientes, contesto e-mails, me intento inspirar mirando trabajos de otros fotógrafos, tutoriales, etc. Alguna vez cubro un evento de noche entre semana, pero son los sábados y domingos cuando más le doy al obturador.

Me encanta practicar deporte, aunque actualmente haya pasado a un segundo o incluso tercer plano. Tendré que retomarlo más seriamente en breve.

Tu primer contacto con la fotografía fue ...

A mi mujer y a mí nos apasiona viajar. A finales del 2005 visitamos Argentina, este viaje marcó un antes y un después en la concepción que yo tenía sobre la fotografía. Mi flamante compacta digital de 4Mpx se quedaba corta de angular para poder captar esos maravillosos paisajes y le faltaba focal para poder inmortalizar los animales marinos en su hábitat natural. Me di cuenta que era incapaz de plasmar en una sola foto lo que mis ojos estaban viendo, sencillamente no sabía hacer fotos. A nuestro regreso sólo tenía una idea en la cabeza, FOTOGRAFÍA, tenía que enseñarme como fuese. En menos de un mes me compré la primera réflex digital y ahí empezó todo.

No es habitual ver una fotografía de deportes premiada en un concurso como éste (aunque luego hemos conocido el premio absoluto y es otra fotografía deportiva). Un tercer premio y otra fotografía finalista en la categoría nacional no está nada mal.

Nada, nada mal, para mí ya era más que un sueño tener dos fotos finalistas en este prestigioso concurso donde se presentan miles y miles de trabajos de todo el mundo. Imagínate cuando me comunicaron que la fotografía “Jacobo” obtenía el tercer premio nacional. No me podía creer que una foto de deportes entrara en ese selecto club, normalmente tienen poca o ninguna aceptación en los concursos. La alegría es mucho mayor al tratarse de una foto de Triatlón, el deporte que más me gusta fotografiar.

Cuéntanos la intrahistoria de esas dos fotos de las categorías de Arquitectura y Décimas de segundo

La foto finalista en la sección de Arquitectura, “The torch”, está realizada en el Centro Niemeyer de Avilés (Asturias). Acudo todos los años al Congreso Éxodos de Fotografía, en Oviedo, aprovecho para visitar el complejo Niemeyer, me encanta, da mucho juego para la fotografía de arquitectura, líneas, curvas, colores, personas dentro de las composiciones, etc. todo ello unido a la fantástica luz que suele haber en el norte de España. Estuve siguiendo un buen rato a la persona que aparece con la chaqueta amarilla, estaba lloviendo y no siempre se ubicaba donde yo quería, lo aproveché en diferentes encuadres de cada edificio, el día estaba muy gris y ese puntito de color era la guinda. Esperé a que se situara justo en el centro del mirador para inmortalizar la escena.

... ese es el principal motivo por el que no fotografío tanto deporte de motor, me gusta ver a las personas que fotografío, que las fotografías trasmitan el sentimiento del deportista en ese momento.

“Jacobo” es un triatleta que ya me había hecho algún guiño simpático durante el trascurso del Skoda Triathlon Series de Castellón. Estaba en meta inmortalizando las llegadas de los primeros “finishers” de la carrera cuando lo vi de lejos, daba la sensación que se preparaba para una entrada diferente, reencuadré y me centré en él, realicé una ráfaga de varios disparos quedándome con ésta foto que es la que más me gustó. Al visualizarla en el ordenador decidí virarla a un blanco y negro contrastado porque le da más fuerza si cabe.

¿César March es fotógrafo que se especializa en deportes o en todo? Parece que te gusta todo tipo de fotografía.

Principiante de todo y profesional de nada, me ha ido muy bien con esta premisa durante la vida y lo he trasladado sin querer a la fotografía. Me gusta todo tipo de fotografía, aunque empecé, como muchos empiezan, con paisaje, viajes, retratos, etc. me apasiona la fotografía social, de arquitectura y cómo no, de deportes y acción. Siempre me ha fascinado el poder congelar un momento en la vida, unas milésimas de segundo congeladas por la alta obturación de la cámara que te permite poder captar unos gestos increíbles. Ese es el principal motivo por el que no fotografío tanto deporte de motor, me gusta ver a las personas que fotografío, que las fotografías trasmitan el sentimiento del deportista en ese momento.

Siempre he creído que el fotografiar tantos estilos diferentes hace que puedas aprender y escoger lo mejor de cada uno para aplicarlo al tipo de fotografía que vayas a realizar. Lo mismo opino en la edición digital posterior.

Perteneces a la asociación Grup Fotogràfic d’Almenara (GFAL) y contribuiste a su creación, creo tener entendido. ¿Cómo es el proceso de construcción de algo así?

Sí, pero no contribuí a su creación, únicamente estaba informado antes de que fuera una realidad y los apoyé desde el principio, ahí trabajaron muy duro la gente que hoy en día forma parte de la directiva y que luchan día a día por gestar un gran Grupo Fotográfico. Los ayudo con las Redes Sociales y contribuí con el primer taller que el Grupo organizaba, siendo el primer acto oficial y dándolo por inaugurado en Julio de 2014. Sinceramente, me siento muy orgulloso de formar parte de un club donde hay tan buenos fotógrafos y tantas ganas de trabajar. Hoy en día somos más de 60 socios y de momento vamos los primeros en la clasificación de la Liga Interagrupaciones. Es entretenido.

El fotoperiodismo de deportes puede ser emocionante, revélanos algún pequeño secreto, por favor.

¿Secretos? No tengo ninguno, jeje, es más, nunca tengo el menor inconveniente en contestar todo lo que me pregunta la gente por las redes sociales o por e-mail. Emocionante mucho, personalmente disfruto con lo que hago, de otra manera no lo haría. Aún me sigo poniendo nervioso horas antes de cubrir un evento pese a estar acostumbrado. Siempre busco sacar lo mejor de mí, seguir aprendiendo e ir subiendo de nivel.

Anécdotas muchas, aunque siempre cuento una en la que el jugador de fútbol, Silva, casi me destroza el equipo jugando con el Valencia C.F. durante un partido de Champions League. Yo estaba en un lateral del campo realizando haciendo fotos, probando diferentes parámetros de un nuevo firmware de Olympus y la marca me había prestado un Zuiko 300mm f2.8.

El que me conoce sabe que no soy nada “marquero”, no me caso con nadie

Tras una etapa como Beta Tester para Olympus, hace años, ahora usas Nikon. Lo de las marcas en que trasciende, qué importa, desde tu punto de vista.

El que me conoce sabe que no soy nada “marquero”, no me caso con nadie, una cosa son las bromas de marcas con los colegas y otra bien diferente lo que opinas en realidad. Todas las cámaras de hoy en día son fantásticas, pudiendo hacer casi cualquier tipo de fotografía sin problemas, cada una con sus características particulares, ventajas y desventajas, de ahí que existan tantas marcas y sistemas diferentes. El usuario final es el que debe de tener muy claro qué quiere y qué es lo que mejor se adapta a sus necesidades, porque en este aspecto es donde muchos suelen errar. Ese es el principal motivo por el que cambié de marca hace ya casi cinco años, necesitaba unas características específicas para fotografía deportiva que en aquel tiempo no me daba Olympus.

Sin embargo, si mañana tuviese que volver a cambiar de marca o de sistema por necesidad lo volvería a hacer sin problemas.

Piensa en tu fotografía perfecta, cierra los ojos. ¿qué ves?

Qué complicada sería de hacer, aunque sea una utopía, pienso en esa foto donde se refleje la paz mundial. La única forma de acabar con todos los males y sencillamente que todo el mundo pueda disfrutar de la vida como se merece. Poder plasmar todo eso en una sola imagen sería LA foto.

Para triunfar en esta profesión necesitas ...

Ética, sentimiento, emoción, satisfacción, empatía, calidad y perfección - por ese orden - … aunque el triunfo se alcanza juntando un pellizco de cada una.

Comentas que internet fue tu fuente de aprendizaje pero seguramente mantienes referencias de otros fotógrafos. Dime 5, alguno que no sea muy conocido.

Nunca me he considerado un conocedor de los clásicos, sin duda es una de mis asignaturas pendientes. El ser autodidacta conlleva algunos de éstos problemas, que hacen que empieces casas por el tejado. No tengo a un autor como el fotógrafo referencia, me imagino que será porque fotográficamente hablando toco muchos palos. Me fascina ver los trabajos de los fotógrafos de agencias como Getty y AP entre otros, aunque en mi estantería no faltan libros de Ansel Adams y Henri Cartier-Bresson.

Por no irnos más allá de nuestras fronteras, le tengo gran admiración al maestro Juan Manuel Castro Prieto y me gustaría nombrar a dos personas que, aparte de ser grandísimos fotógrafos, tengo el orgullo de tenerlos como amigos, Santos Moreno (Premio Nacional de Fotografía 2014) que siempre ha estado ahí dándome empujones en este mundillo para que no me durmiera y siguiese creciendo y José Beut, un fotógrafo todo-terreno más que contrastado, que ha sabido adaptarse de forma magistral a la era digital.

Ya sabemos muchas cosas de las que te gustan pero qué es lo que más odias a la hora de trabajar, lo que no soportas.

La falta de compañerismo, aunque no es algo con lo que te enfrentes todos los días, sí que me ha pasado en más de una ocasión. Normalmente suele haber muy buen ambiente entre los fotógrafos y compañeros de los distintos medios, pero a veces aparece el amargado de turno.

¿Merece la pena ser fotógrafo en este país? Ahora que se avecina la puesta en vigor de la Ley de Seguridad Ciudadana, cuál es tu opinión al respecto.

En este aspecto me considero una persona privilegiada porque mi principal fuente de ingresos no es la fotografía como te comentaba. Puedo decir tranquilamente que no a una propuesta de trabajo que no me llene fotográficamente hablando. De ésta forma puedo disfrutar a la vez que trabajo y espero que sea así para siempre.

Durante estos últimos años he estado dando ánimo y asesorando a varios fotógrafos que dieron el salto para hacerse autónomos. Mi forma de pensar será siempre la misma, si crees en ello ves a por él, no pierdes nada, el panorama no es muy agradable pero no hay que intentarlo, hay que conseguirlo y la única manera es currar, currar y currar.

Centrándonos ya más en tu pregunta, más vinculada a los fotoperiodistas, a los que admiro profundamente, me sorprende que en tantos años que vivimos en democracia cada vez se saquen de la manga, los de siempre, prohibición tras prohibición. En vez de progresar y evolucionar da la sensación que en muchos aspectos volvemos a bajar la escalera y empezar de cero, con lo que cuesta subirla.

Hasta aquí la entrevista con César March, al que agradecemos enormemente el esfuerzo ya que sabemos que no le gusta hablar mucho de sí. Disfrutad de sus imágenes. En Xataka Foto | Entrevistas

Sitio oficial | César March

El sueño de exponer su trabajo en Madrid se ha hecho posible, aunque póstumamente, para el fotoperiodista más internacional que ha tenido la historia de España. Enrique Meneses, periodista incansable que encontró en la cámara su mejor aliada para complementar su trabajo, por fin tiene su anhelada exposición.

Una gran aproximación a su trabajo que podrá verse en Canal de Isabel II, bajo el título "Enrique Meneses. La vida de un reportero",hasta el 26 de julio y que, en cierto modo, abre el festival de PHotoEspaña, en un año cuya mirada está puesta en Latinoamérica y donde Meneses llena parte de esa programación por el material que hoy conservamos de su paso por aquel continente.

Un material que es posible gracias a la Fundación Enrique Meneses, ocupada en salvaguardar su legado y de donde se han extraído las copias que podemos ver en la muestra gracias al estupendo trabajo de Castro Prieto. Fotografías que ocupan las distintas plantas del singular edificio de Canal y que se complementan con paneles informativos en la planta inferior que nos transportan inmediatamente a sus publicaciones en prensa. No olvidemos que Enrique Meneses publicó su trabajo en medios como The New York Times o Paris Match entre otros.

Fidel y Raúl Castro charlan con Enrique Meneses en Sierra Maestra © Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015.

Exposición que ha sido comisariada por Chema Conesa y que nos muestra, a través de diversos apartados, la eclecticidad presente en los trabajos de Meneses. Si algo era característico en su labor periodística, era esa capacidad para documentar cualquier tipo de noticia además de su carácter innato para la fotografía, comportandose como un fotógrafo invisible, porque para él la imagen era simplemente un complemento más en esa labor documental.

Un fotoperiodista ecléctico

Por tanto, podemos encontrarnos desde reportajes en bodas reales hasta los inicios de la revolución cubana en Sierra Maestra, pasando por las revueltas en EEUU por los derechos de la comunidad negra que le llevó incluso a presenciar el mítico "I have a dream" de Martin Luther King en el Lincoln Memorial de Whashington. Acontecimientos que, por su carácter de enorme repercusión en la historia de la segunda mitad del siglo XX, son la envidia para cualquier fotoperiodista, y que él presenció y documentó gracias a su tesón y esfuerzo dentro de esta profesión que amaba.

Interesante fue también su acercamiento documental a figuras de la cultura como Picasso, Dalí, actores como Peter Peter O'Toole y directores de cine de la talla de Hitchcock. Podemos decir que cubrió y retrató todo aquello que a nosotros nos emociona desde ese anhelo a una época que se nos antoja muy sugerente a través de la mirada fotográfica.

La reina Federica alecciona a su futuro yerno el día que se hizo público el compromiso en Lausana (13 de septiembre de 1961) © Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015.

Las 90 fotografías que componen la muestra, se complementan con objetos del autor, un vídeo donde se habla de su vida y su trabajo así como dos audiovisuales del programa Los reporteros de TVE que él mismo dirigió. Porque tampoco podemos olvidar el material videográfico que nos dejó, incluso como apuntaba Chema Conesa, trabajos para cadenas internacionales que fueron emitidos pero que actualmente se han perdido. Un recorrido que nos lleva por los senderos de un fotógrafo y escritor que lo dio todo por contar aquello que debía ser contado, y que sin duda le convirtieron en uno de los grandes fotoperiodistas de la historia.

Estad pendientes de la programación porque los miércoles se realizarán visitas guiadas de la mano de Chema Conesa, Emilio Sáenz Francés, Gervasio Sánchez y Fernando García de Cortázar, aunque según la información actualizada ya se han completado las plazas.

Más información Canal Isabel II En Xataka Foto Fallece Enrique Meneses, uno de los grandes del fotoperiodismo español

La fotografía no ha sido apreciada siempre como la forma de expresión que es actualmente. De hecho, durante mucho tiempo no se la consideró un arte. Pero en algún momento esa percepción cambió, y lo hizo gracias al esfuerzo y la dedicación de varios pioneros que decidieron dejarse la piel para demostrar a todo el que quisiera escucharles que su arte merecía estar a un nivel equiparable al de la pintura o la escultura.

Alfred Stieglitz fue uno de esos «revolucionarios». Quizás el más influyente de todos ellos. Su vida está repleta de vaivenes, conflictos, éxitos y decepciones; pero, sin duda, es y será recordado por haber logrado que la fotografía dejase de ser un ejercicio menor y empezase a ser respetada como una auténtica forma de arte. Así era Stieglitz. Y este es su legado.

Los primeros años

Alfred Stieglitz nació en Hoboken, en el estado de Nueva Jersey, el primer día del año 1864. Sus padres eran unos inmigrantes de origen alemán y judío que decidieron buscar en Estados Unidos el entorno adecuado para formar su propia familia. Alfred fue el primero de los seis hijos que tuvieron en total, y tuvo la fortuna de iniciar su formación académica en uno de los mejores colegios privados de Nueva York gracias a la acomodada posición económica de sus padres. Sin embargo, las escuelas estadounidenses, a ojos de su padre, no le ofrecían el reto ni la motivación necesarias para que obtuviese una educación intachable. Esta fue una de las razones que propiciaron que, cuando Alfred tenía diecisiete años, toda la familia se mudase a Alemania, la tierra natal de su padre, para recibir allí la estricta formación germánica que su progenitor ansiaba para él.

Alfred Stieglitz era perfeccionista, culto, y, en cierto modo, abnegado, pero también egoísta y controlador

Stieglitz comenzó sus estudios de ingeniería mecánica en una prestigiosa escuela técnica de Berlín, aunque en ese momento ya había calado en él algo que marcaría profundamente su vida: la fotografía. Se dice que su primer coqueteo con esta forma de expresión llegó cuando tenía 10 u 11 años gracias a un retratista de su localidad, al que observaba en su laboratorio, y que probablemente era amigo de la familia. La fotografía le había calado con la suficiente hondura para incitarle a abandonar sus estudios de mecánica y comenzar su formación en esta aún incipiente forma de expresión.

Pero posiblemente también influyó mucho en él Hermann Wilhelm Vogel, un destacado científico que le dio clases de química durante su formación en ingeniería mecánica, y que, como él, estaba muy interesado en la fotografía y la química del proceso de revelado. Stieglitz había encontrado el reto que buscaba desde su infancia.

Su prestigio empieza a consolidarse

Alfred compró su primera cámara fotográfica en esa época, con 18 o 19 años, y no se lo pensó dos veces: la agarró y se fue de viaje por Europa Central. No solo recorrió Alemania, sino también Italia y los Países Bajos, y, al parecer, aprovechó todas las oportunidades que se le presentaron para retratar a los campesinos con los que tropezó, y también para practicar fotografía de paisajes. Pero poco después, cuando tenía 20 años, su vida dio un nuevo giro: sus padres decidieron regresar a Estados Unidos. Alfred consideró que debía continuar formándose en Europa, así que decidió quedarse en Alemania y aprovechó la ocasión para empezar a dar forma a una colección muy respetable de libros de fotografía que devoró durante la década de los años 80 del siglo XIX.

«The Steerage», de Alfred Stieglitz

La lectura de aquellos libros y su conocimiento creciente de los fotógrafos más destacados de la época provocaron que se fuese formando en el interior de Stieglitz la concepción de la fotografía como un arte con una capacidad expresiva equiparable a la de la pintura, la música o la escultura. Así que en 1887 escribió su primer artículo para la revista The Amateur Photographer, iniciando así una colaboración habitual con varias revistas de fotografía alemanas e inglesas. Además, ganó varios premios de fotografía en esta publicación, por lo que su nombre empezó a sonar con cierta fuerza en los círculos fotográficos europeos.

En 1890 Alfred regresó a Nueva York para acatar una orden de su padre, contra su voluntad, y coincidiendo con el fallecimiento de una de sus hermanas pequeñas mientras daba a luz. Así que, de nuevo en Estados Unidos pero ahora con una formación sólida, Stieglitz montó un pequeño pero floreciente negocio de fotografía, y, a la par, siguió publicando sus artículos en las revistas de fotografía estadounidenses y ganando concursos. En esa época, a principios de la década de los 90, compró su primera cámara «portátil», una Folmer & Schwing Speed Graphic de 4 x 5”, y comenzó a ejercer como editor adjunto de la revista The American Amateur Photographer.

Del pictorialismo a la naturalidad

Nuestro protagonista se codeó durante toda su juventud con pintores, escultores y otros artistas, lo que probablemente contribuyó a alimentar en él la necesidad de defender la fotografía como una forma de arte. Las instantáneas que tomó durante la última década del siglo XIX y la primera del XX tenían un marcado estilo pictorialista, probablemente imbuido por la influencia de sus amigos pintores. Experimentó con la luz y las texturas, y continuó acrecentando su fama de experto no solo en fotografía, sino también en otras artes gracias a los artículos que firmaba en The American Amateur Photographer y otras publicaciones.

«Venetian Canal», de Alfred Stieglitz

Pero probablemente el hecho más relevante en el que se vio envuelto en esa época fue la creación de algo a medio camino entre una muestra y un club fotográfico, a la que llamó Photo-Secession, cuyo objetivo era defender una fotografía muy diferente a la que imperaba en aquel momento, y muy cercana a la idea de la fotografía como arte que tenía en mente desde hacía años. La acogida que tuvo esta iniciativa fue muy buena, lo que le animó enseguida a poner en marcha Camera Work, una nueva revista de fotografía en la que podía dar rienda suelta a la visión pictorialista que practicaba y defendía en esa época.

El objetivo de Photo-Secession era defender esa idea de la fotografía como forma de expresión que tenía Stieglitz tan interiorizada desde hacía años

En aquellos años Stieglitz estaba casado con Emmeline Obermeyer, con la que contrajo matrimonio poco después de su regreso a Estados Unidos, pero a la que en realidad no quería. Su enlace había sido propiciado por las presiones familiares, por lo que unos años más tarde, en 1918, se divorció de ella e inició una relación con la pintora Georgia O’Keeffe, con la que se casó en 1924. En aquella época fue poco a poco abandonando el estilo pictorialista que marcó sus primeros años y derivó en una fotografía con un carácter más natural, lo que le llevó a practicar con cierta frecuencia el retrato, e, incluso, la fotografía de desnudos. Además de a O’Keeffe, retrató en numerosas ocasiones a Dorothy Norman, exhibiendo sus instantáneas en algunas de las galerías no comerciales más prestigiosas de la Nueva York de la época.

Su legado

Alfred Stieglitz tenía una salud frágil. Padeció una enfermedad del corazón durante la mayor parte de su vida, pero, aun así, siguió practicando la fotografía prácticamente hasta su muerte, que se abalanzó sobre él en julio de 1946, cuando tenía 82 años. Buena parte de los últimos años de su vida la pasó en su casa de veraneo junto al lago George, en Nueva York, «encerrado» en un cobertizo que había acondicionado como cuarto oscuro para poder continuar experimentando y practicando esa fotografía que él había ayudado a fijar sin discusión no solo como una potente forma de expresión, sino también como un arte. Un arte con mayúsculas.

Imagen | Gertrude Käsebier
En Xataka Foto | Gerda Taro, fotoperiodista pionera, valiente y auténtica instigadora de Robert Capa

Bajo el título You haven´t seen their faces (“No habéis visto sus caras”) Daniel Mayrit presentaba hace unos días el fotolibro basado en su trabajo expositivo, el cual ya tuvimos ocasión de conocer en el pasado festival de PHotoEspaña 2014, concretamente en las muestras presentadas en el Círculo de Bellas Artes y en el Teatro Fernán Gómez.

Un trabajo que ha pasado de las paredes al libro con la dificultad que ello conllevaba, en un primer momento impensable para el propio autor, pero finalmente llevado a cabo por la insistencia de la editorial Riot Books que apostó por el proyecto desde que lo vio expuesto. Gracias al trabajo conjunto y a la implicación de la editorial, que por otro lado es algo que les caracteriza, se ha podido poner a la venta una edición limitada que ha conseguido preservar todo aquello que la exposición nos enseñaba.

Este trabajo, que surgió cuando Daniel Mayrit residía en Londres, nació con la idea de sacar a la palestra y poner en conocimiento del público los rosotros de las 100 personas más influyentes del distrito financiero de Londres, como acto reivindicativo, en cierto modo, ya que en aquel momento se estaban repartiendo en todas las viviendas unos panfletos con las caras de unos delincuentes de hurtos menores. En este listado, no todos están envueltos en escándalos financieros, pero sí nos ofrece un contrapunto y una reflexión en torno a las diferencias económicas y clasistas de nuestra sociedad.

Por un lado vemos que es un trabajo que llama a la reflexión, y que indudablemente empatiza con el público en un momento en que la situación de crisis y los escándalos de corrupción están a la orden del día. Pero por otro, nos importa fotográficamente por lo que este proyecto supone a la hora de teorizar sobre la imagen.

You haven´t seen their faces, reflexión

La premisa de este trabajo venía dada por la idea de conseguir retratos de esas 100 personas y manipularlos para que tuviesen aspecto de haber sido grabadas por cámaras de video vigilancia, al modo de esos delicuentes de los folletos que se habían ido repartiendo por la ciudad londinense.

Para ello Daniel Mayrit comenzó siguiendo con su cámara (y subido en autobuses de dos plantas para conseguir esas tomas cenitales) a algunos de esos personajes influyentes a la salida de sus oficinas, pero pronto comprendió que era un trabajo inabarcable, hasta que dio con la solución, y es aquí donde nos ponemos a teorizar sobre la imagen, cuando comenzó a capturar las fotografías de los protagonistas desde la propia internet.

Para Daniel Mayrit ese acto de captura de la imagen con comandos de teclado al final no tiene nada diferente al disparo que se puede hacer con una cámara. El autor se apropia de esas imágenes y, con su posterior editado, las hace suyas, las considera suyas. Es una suerte de su trabajo Suburban Scenes pero a la inversa, ya que en aquel proyecto reconstruía imágenes imitando la estética de Google Street View y las capturas que podemos hacer a través de esa web.

You haven´t seen their faces, fotolibro

Volviendo al fotolibro, nos encontramos con una edición muy cuidada en detalles, donde cada página corresponde al rostro del personaje en cuestión con un texto informativo, sobre la dirección de su oficina y datos de contacto, con tipografía que asemeja la de las cámaras de videovigilancia.

Cada página es también independiente y puede usarse a modo de panfleto, con la misma filosofía de esos folletos que la policía había repartido de los delincuentes menores. La encuadernación favorece esa independencia de cada hoja al ser un sistema de clavos que permite además esa idea de maltrato a la imagen, como lo es el papel tipo kraft, que no sólo refuerza las típicas líneas de las grabaciones de video vigilancia, sino que al tratarse de un material poco noble se pone a la altura de la bajeza de los personajes influyentes de la City.

En definitiva un fotolibro que llama a la interacción con el público, que lo llama a la acción. Y que pone de manifiesto el sentir colectivo de la situación actual, que igualmente puede extrapolarse a cualquier rincón del globo de una manera más universal. En el vídeo que os comparto tenéis acceso a ver cómo está diseñado el fotolibro, con todas esas anotaciones del propio autor que lo convierten en un ejemplar aún más singular. Podéis encontrar más información e incluso otros trabajos de Mayrit en su web.

Fotógrafo Daniel Mayrit Editorial Riot Books